Pintura de arena

Pintura con arena es el arte de verter arenas de colores y pigmentos en polvo de minerales o cristales, o pigmentos de otras fuentes naturales o sintéticas, sobre una superficie para realizar una pintura con arena fija o no. Las pinturas de arena sin fijar tienen una larga historia cultural establecida en numerosos grupos sociales de todo el mundo y, a menudo, son pinturas rituales temporales preparadas para ceremonias religiosas o curativas. Esta forma de arte también se conoce como pintura en seco.

La pintura en seco es practicada por nativos americanos en el suroeste de los Estados Unidos, por monjes tibetanos y budistas, así como por indígenas australianos y también por latinoamericanos en ciertos días santos cristianos.

Historia

Pintura de arena de nativos americanos

En la pintura con arena de los nativos americanos del suroeste (los más famosos son los navajos [conocidos como diné]), el curandero (o Hatałii) pinta libremente sobre el suelo de un hogan, donde se desarrolla la ceremonia, o sobre una lona de ante o tela, dejando que las arenas de colores fluyan entre sus dedos con control y habilidad. Hay entre 600 y 1000 diseños tradicionales diferentes de pinturas de arena conocidos por los navajos. No ven las pinturas como objetos estáticos, sino como seres vivos espirituales que deben ser tratados con gran respeto. Se pueden asociar más de 30 pinturas de arena diferentes con una ceremonia.

Los colores de la pintura generalmente se logran con arena de color natural, yeso triturado (blanco), ocre amarillo, arenisca roja, carbón y una mezcla de carbón y yeso (azul). El marrón se puede obtener mezclando rojo y negro; el rojo y el blanco hacen el rosa. Otros agentes colorantes incluyen harina de maíz, polen de flores o raíces y corteza en polvo.

Las pinturas son sólo para fines curativos. Muchos de ellos contienen imágenes Yeibicheii (el Pueblo Santo). Mientras crea la pintura, el hombre de la medicina cantará, preguntando al Yeibicheii para entrar en la pintura y ayudar a curar al paciente.

Cuando el curandero termina de pintar, comprueba su precisión. El orden y la simetría del cuadro simbolizan la armonía que un paciente desea restablecer en su vida. Se cree que la precisión de una pintura con arena determina su eficacia como herramienta sagrada. Se le pedirá al paciente que se siente sobre la pintura de arena mientras el curandero continúa con el canto curativo. Se afirma que la pintura con arena actúa como un portal para atraer a los espíritus y permitirles ir y venir. Los practicantes creen que sentarse sobre la pintura de arena ayuda al paciente a absorber el poder espiritual, mientras que, a su vez, el Pueblo Santo absorberá la enfermedad y se la quitará. Posteriormente, cuando la pintura con arena ha cumplido su función, se considera tóxica, ya que ha absorbido la enfermedad. Por este motivo, el cuadro está destruido. Debido a la naturaleza sagrada de las ceremonias, las pinturas de arena se inician, terminan, utilizan y destruyen en un plazo de 12 horas.

Las ceremonias que involucran pinturas de arena generalmente se realizan en secuencias, denominadas "cantos", que duran una cierta cantidad de días dependiendo de la ceremonia. Se realiza al menos una nueva pintura de arena cada día.

Algunas leyes y tabúes navajos se relacionan con las pinturas de arena y protegen su santidad:

• Las mujeres en edad de procrear no deben cantar los cantos asociados con los Yeibicheii. Esto se debe tanto a que la ceremonia tiene la posibilidad de injuriar a un niño no nacido, como a un tabú que impide que las mujeres asistan. (Algunas culturas consideraron la menstruación y la presencia de sangre para ser eventos espirituales poderosos que tenían que ser restringidos, ya que representaban fuerzas de vida.) Las mujeres post-menopáusicas son más propensas a ser cantores o diagnósticos.
• Las sandalias auténticas son raramente fotografiadas, para no interrumpir el flujo de la ceremonia. Por muchas razones, los hombres de medicina rara vez permitirán a los forasteros dentro de una ceremonia sagrada. Debido a que tantos forasteros tienen curiosidad sobre la sandinización, algunos hombres de medicina pueden crear piezas sólo para fines de exposición, utilizando colores inversos y variaciones. Crear una auténtica sandinización únicamente para ver sería un acto profano. Los sandpaintings para la venta en tiendas y en Internet son producidos comercialmente y contienen errores deliberados, ya que las verdaderas sandpaintings son consideradas sagradas.
• La primera instancia acreditada de las sandalias tradicionales Navajo (que se hacen en arenas de colores en lugar de tapiz u otros medios) que se crean en forma permanente para la venta, se han rastreado entre 1945 y 1955. El crédito principal se otorga generalmente a un Navajo Hatałii llamado Fred Stevens, Jr. (Grey Squirrel), que desarrolló el método principal de "permatización" para las sandinizaciones comerciales que todavía se utiliza.

Pintura de arena indígena australiana

El arte indígena australiano tiene una historia que abarca más de 30.000 años y una amplia gama de tradiciones y estilos nativos. Estos han sido estudiados en las últimas décadas y su complejidad ha ganado un mayor reconocimiento internacional. El arte aborigen cubre una amplia variedad de medios, que incluyen pintura con arena, pintura sobre hojas, tallado en madera, tallado en roca, escultura y vestimenta ceremonial, así como adornos artísticos que se encuentran en armas y herramientas. El arte es uno de los rituales clave de la cultura aborigen. Se utilizó y se sigue utilizando para marcar territorio, registrar la historia y contar historias sobre "The Dreaming".

Los aborígenes han comenzado a transformar sus tradicionales pinturas de arena en formas más permanentes utilizando técnicas y materiales modernos.

Geoffrey Bardon fue un profesor de arte australiano que jugó un papel decisivo en la creación del movimiento del arte aborigen del desierto occidental y en llevar el arte indígena australiano a la atención del mundo."... [dirigida por Bardon, el Elders] comenzaron a interactuar con ciertos temas de la pintura internacional de los años 60 y 70, especialmente la esquematización extrema del minimalismo neoyorquino." En la historia de la pintura, la abstracción lírica de finales de la década de 1960 se caracteriza por las pinturas de Dan Christensen, Ronnie Landfield, Peter Young y otros, y junto con el movimiento fluxus y el posminimalismo (término acuñado por primera vez por Robert Pincus-Witten en las páginas de Artforum en 1969) buscó ampliar los límites de la pintura abstracta y el minimalismo centrándose en el proceso, nuevos materiales y nuevas formas de expresión."

Esta conexión se ve más obviamente en la conexión entre las pinturas de finales de los años sesenta de Peter Young (artista) y las pinturas siguientes de principios de los setenta producidas en Papunya Tula.

Papunya Tula, o Papunya Tula Artists Pty Ltd, es una cooperativa de artistas formada en 1972 que pertenece y está operada por aborígenes del desierto occidental de Australia. Kaapa Tjampitjinpa es uno de los primeros artistas de Papunya Tula y es conocido por Gulgardi. Se destaca por ser la primera obra de un artista indígena australiano en ganar un premio de arte contemporáneo y el primer reconocimiento público de una pintura Papunya.

Sandinismo tibetano

Pinturas de arena budista tibetana generalmente compuestas mandalas. En tibetano, se llama dul-tson-kyil-khor (mandala de polvos de colores). La arena se coloca cuidadosamente en una mesa grande y plana. El proceso de construcción lleva varios días, y el mandala es destruido poco después de su terminación. Esto se hace como una herramienta de enseñanza y metáfora para la "impermanencia" (Pali: anicca) de todos los fenómenos contingentes y compuestos (Sánscrito: Pratītya-samutpāda).

El proceso de pintura de arena mandala comienza con una ceremonia de apertura, durante la cual el lamas, o sacerdotes tibetanos, consagrar el sitio y llamar a las fuerzas de la bondad. Cantan, declaran la intención, mudra, asana, pranayama, hacer visualizaciones, tocar música, recitar mantras, etc.

El primer día, los lamas comienzan dibujando el contorno del mandala para pintarlo sobre una plataforma de madera. Los días siguientes se realiza la colocación de las arenas de colores, que se realiza vertiendo la arena desde tradicionales embudos metálicos llamados chak-pur. Cada monje sostiene un chak-pur en una mano, mientras pasa una varilla de metal por su superficie dentada; la vibración hace que las arenas fluyan como líquido. Formado a partir de iconografía tradicional prescrita que incluye formas geométricas y una multitud de símbolos espirituales antiguos (por ejemplo: Ashtamangala y atributos divinos de yidam), sílabas de semillas, mantra, el mandala pintado con arena se utiliza como herramienta o instrumento para innumerables propósitos. Un propósito primordial es reconsagrar la tierra y sus habitantes. Cuando se completa la meditación, la pintura de arena se destruye ceremoniosamente usando un Vajra y luego la arena se recoge y se lleva a un cuerpo de agua para ofrecerla.

Fotos de bandejas japonesas

El emperador Tenmu (631–686), el cuadragésimo emperador de Japón, utilizó técnicas Bonseki para describir paisajes y objetos naturales. También se cree que varios jardines de Kioto fueron diseñados con bonseki. El ensayo de 1300 del monje zen japonés Kokan Shiren, "Rimaprosa sobre un jardín paisajístico en miniatura", habla sobre los principios del bonseki y la arquitectura de jardines. Bonseki se convirtió en una forma de arte popular de la aristocracia japonesa durante el reinado de Ashikaga Yoshimasa (1443-1490). La figura histórica con la influencia más profunda en el "Camino del Té" japonés, Sen no Rikyū (1522-1591), practicaba el bonseki. Desde el siglo XV en Japón, los artistas budistas de la época de los shōguns practicaban el arte del bonseki rociando arena y guijarros de colores secos sobre la superficie de bandejas lacadas en negro. Usaron plumas de aves como pinceles para transformar la superficie arenosa en paisajes marinos y paisajísticos. Estos cuadros de bandejas se utilizaban en ceremonias religiosas. Aunque la práctica del bonseki casi desapareció después de la Segunda Guerra Mundial, todavía hay escuelas que lo practican activamente.

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  Una mujer haciendo un paisaje de bandeja mostrando la luna llena. Ukiyo-e woodblock print by Yōshū Chikanobu, 1899
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  Mt fuji bonseki
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  Bonseki artista en el trabajo

Revestimiento de mesa

Durante los siglos XVII y XVIII, las cortes reales de Europa empleaban "ponedores de mesa", quienes decoraban las mesas auxiliares en los banquetes reales habiendo adaptado el arte del 'bonseki' de los japoneses. Los manteleros rociaron arenas de colores, polvo de mármol, azúcares, etc. sobre la superficie de manteles blancos para crear imágenes no fijadas de frutas, flores, pájaros y paisajes rústicos. Entre cada diseño se dejaron espacios para fruteros y platos de dulces para que los comensales pudieran refrescarse entre los platos principales del banquete. Estas imágenes ornamentadas fueron desechadas junto con los restos de la fiesta.

Como un buen ejemplo de los deckers de mesa' artesanía, la Abadía de Woburn en Bedfordshire, Inglaterra, posee un biombo ornamentado con tres paneles, decorado con imágenes de arena protegidas por vidrio. La del centro tiene cinco espacios para platos piramidales de dulces mientras que las dos hojas laterales del biombo tienen tres espacios para bandejas de frutas. Hay cuatro imágenes de arena en cada esquina de los paneles laterales del biombo, que representan escenas pastorales del siglo XVIII, mientras que las áreas restantes del biombo están decoradas con mariposas, palomas, frutas, flores, etc. El biombo se colocaría sobre el superficie de una mesa auxiliar. Sirvió como base para servir elaborados platos de porcelana y bandejas de vidrio que contenían frutas, bombones y dulces, de los que los anfitriones y sus invitados podían servirse mientras socializaban o estiraban las piernas entre los múltiples platos que se servían en la mesa principal del comedor. . Este biombo pudo ser obra del artesano alemán F. Schweikhardt, especializado en estudios de naturalezas muertas al estilo del pintor holandés Jan van Huysum.

Guante georgiano

La pintura con arena como oficio se inspiró en el rey Jorge III, que era un hábil relojero y artesano por derecho propio, y se interesó en las habilidades demostradas por los funcionarios reales, conocidos como Table Deckers, que decoraban los manteles blancos. en banquetes reales con centros de mesa ornamentados decorados con arenas de colores y azúcares sin fijar como 'pintura', y una pluma de pájaro como 'pincel' un oficio introducido por un viajero europeo que había observado a los artesanos trabajar en Japón.

Fue mientras observaba a los camareros trabajando, el Rey sugirió que si los dibujos de arena que se estaban colocando temporalmente sobre la superficie de los manteles se pudieran fijar permanentemente en su lugar en lugar de desecharlos con los restos del banquete, esto salvaría mucho tiempo y energía empleando una multitud de bordadores expertos trabajando en un trabajo tan especializado. Entonces, en una ocasión, el rey les gritó a los artesanos: "¡Por qué no lo arreglan!" Esto impulsó a una serie de artesanos, entre ellos Haas, Schweikhardt y Benjamin Zobel (Memmingen, Alemania, 21 de septiembre de 1762 – Londres, Inglaterra, 24 de octubre de 1830), todos de origen alemán, a desarrollar, independientemente unos de otros, con éxito métodos adecuados para lograr este objetivo. objetivo, y estos cuadros fueron encargados por los dignatarios reales de la época y llegaron a ser muy apreciados por la aristocracia. El hermano del rey, el duque de York, encargó varias obras a Zobel y los demás, aunque los artistas de arena guardaron celosamente su método de sus competidores. Zobel representó "cerdos a la manera de Morland"; "Nelson", el perro favorito del duque de York; "Tigre según George Stubbs" y un impresionante "Buitre y serpiente". Aunque muchas de las obras de Zobel han sobrevivido, pocas de las de Haas han sobrevivido al paso del tiempo, aunque los observadores consideraron su obra superior a la de Zobel. Esto puede reflejar las diferentes técnicas utilizadas por cada artista. Un periodista observó cómo Zobel cubría la superficie del zócalo con una mezcla de goma arábiga y albayalde y rociaba arena sobre la superficie pegajosa usando un embudo de papel doblado como pincel. Tuvo que trabajar rápido ya que el adhesivo se secaría en unas pocas horas. Varias de sus fotografías supervivientes tienen trabajos inacabados en el reverso. Haas siguió más de cerca las técnicas desarrolladas en Japón, pero mezclando goma arábiga en polvo seco con arena, espolvoreando la mezcla a través de un colador y usando plumas como pinceles para crear los dibujos sobre el zócalo, luego fijándolos mediante un método que mantuvo en secreto. . Debido a las condiciones de humedad en muchas de las casas señoriales de la época, sus fotografías no duraron más que unos pocos años. En una ocasión, llamaron a Haas mientras trabajaba en un cuadro de arena sin arreglar. Cuando regresó, encontró a uno de los gatos del Castillo de Windsor acurrucado sobre la imagen, dañándola así.

Finalmente Zobel regresó a Memmingen en Baviera, donde continuó desarrollando con éxito su oficio. Parte de su trabajo se exhibe en el Ayuntamiento de Memmingen. Haas se vio obligado a dejar de pintar con arena, probablemente debido a los continuos desastres de sus cuadros. En su lugar, abrió una panadería en Windsor, y es posible que la guinda de sus pasteles estuviera decorada con dibujos hechos de azúcar de colores en lugar de arena.

Con el fallecimiento de estos artesanos georgianos y la eliminación de la colección del duque de York, el interés y las habilidades desarrolladas en el trabajo de cuadros en arena disminuyeron. El único personaje real que se interesó aún más en el oficio fue la difunta reina María, consorte del rey Jorge V, quien legó sus pinturas de arena georgianas al Museo Victoria and Albert, y su colección de fotografías de arena de la Isla de Wight al Museo del Castillo de Carisbrooke en la Isla de Wight.

En la primera mitad del siglo XX, el teniente coronel Rybot era un entusiasta coleccionista de pinturas de arena, que eran la fuente de los artículos escritos sobre el tema en las revistas de arte y artesanía de la época. Finalmente, 37 de su colección de pinturas de arena fueron la característica principal de una subasta celebrada en la galería New Bond Street de Sotheby el 15 de junio de 1956.

Recuerdos victorianos con imágenes de arena

Existen miles de sitios donde es posible recolectar arenas de colores naturales para realizar artesanías, con una enorme gama de colores disponibles en todo el mundo que varían según el contenido de las aguas cargadas de minerales que se filtran a través de las arenas. Para el turista, los acantilados verticales de arena de Alum Bay, en la Isla de Wight, forman la parte central de un fenómeno geológico visual (que se ve mejor después de una lluvia) que encapsula las agujas de tiza de The Needles y Tennyson Downs. Aunque ya no se anima a los turistas a obtener su propia arena de los acantilados, numerosas empresas de la isla venden arena para pintar con arena.

Después de su matrimonio con el Príncipe Alberto y de haber elegido Osborne House cerca de Cowes como su nuevo retiro familiar, la Reina Victoria fue la principal impulsora de la gentrificación de este antiguo remanso, los artesanos locales se beneficiaron de la afluencia de visitantes adinerados y un número de artesanos vendieron sus cuadros de arena fijos y tarros de arena sin fijar con vistas de la isla como recuerdos únicos de la Isla de Wight.

Algunas de estas imágenes de arena eran pequeñas y toscas y no estaban firmadas, pero Edwin y John Dore de Arreton produjeron algunos trabajos excelentes en la década de 1840. Las fotografías eran del tamaño de una postal y trataban de vistas locales como el castillo de Carisbrooke y otros temas turísticos. Edwin siempre firmaba sus pintorescas fotografías con excelente letra, con bolígrafo y tinta china, y uno de sus temas producidos en masa de mayor éxito fue "Recolectar huevos de pájaros en Needles Cliffs". John Dore utilizó una tarjeta adornada con un borde impreso de encaje para ejecutar sus cuadros de arena, aunque la calidad de su trabajo era inferior a la de su hermano.

Pocos de los artistas de arena de la isla rellenaron el cielo, dándole a ese detalle un lavado de color claro como toque final, dejando a veces puertas y ventanas libres de arena que se bloquearía con tinta china. En las décadas de 1860 y 1870, J. Symons de Cowes produjo vistas locales mucho más grandes que el tamaño de una postal, montadas en marcos de roble o arce vidriados y firmadas con la firma del artista en el reverso. El equipo de padre e hijo, los Neates de Newport, vendieron sus obras en un puesto afuera de las puertas del Castillo de Carisbrooke, donde a los visitantes se les ofrecían fotografías de arena y tarros de arena a precios de 1/- a 2/6 cada uno y el hijo se dejó crecer las uñas anormalmente largas para poder distribuirlas. la arena en sus cuadros. Durante las décadas de 1930 y 1940, R.J. Snow of Lake fue el que más estuvo cerca de producir cuadros de arena a la manera de los artesanos georgianos, pero en tamaño de postal, aunque produjo algunos excelentes trabajos por encargo, en particular una vista de Oddicombe en Devon, en la que el mar y el cielo también fueron "pintados" en arena, pero después de los años de la guerra la calidad de las postales en arena se deterioró y el artículo producido en masa con poco gusto o habilidad se puso a la venta por unos pocos chelines.

Senegal

En Senegal, los diseños se pegan a la tabla y suelen ser figuras del paisaje.

Botellas de arena

Entre las décadas de 1860 y 1890, Andrew Clemens, un hombre sordomudo nacido en Dubuque, Iowa, EE. UU., se hizo famoso por su arte de crear imágenes no fijadas utilizando arenas multicolores comprimidas dentro de botellas de vidrio o frascos de farmacia ornamentados. La arena se recogió de los acantilados que dominan el río Mississippi. Los temas de sus botellas de arena incluían versos sentimentales profusamente decorados, veleros, plantas, animales y retratos.

Expuso su trabajo en la feria comercial de St. Louis y, después de pasar horas creando una imagen en una botella, demostraba a un público incrédulo que la imagen del interior no se había arreglado destruyendo la botella con un martillo. Clemens' Las botellas de arena se han convertido en piezas de museo y antigüedades muy preciadas que desde entonces se han vendido en subastas por miles de dólares estadounidenses.

Alfombras de arena

En la provincia de Drenthe en los Países Bajos, a finales del siglo XIX y principios del XX, era costumbre usar una escoba dura para barrer patrones en arena blanca para formar decoraciones simples en los pisos de baldosas de las casas, principalmente para ocasiones especiales o celebraciones. Al día siguiente fue barrido. Esta costumbre también fue practicada en el norte de Bélgica por las comunidades de habla holandesa, mientras que en Hekelgem, 1973 fue el año del centenario de la artesanía del "Old Zandtapijt". Los hoteles y cafés contratarían a artesanos para que esparcieran imágenes de arena ornamentadas en arenas de colores sin fijar sobre los suelos de baldosas de sus instalaciones para animar a los turistas que pasaban a detenerse y disfrutar de la hospitalidad local en su camino hacia Bruselas. Roger de Boeck, nacido en 1930, fue un respetado exponente de este oficio, que utilizaba pegamento para fijar sus cuadros de arena a una base adecuada y venderlos a los visitantes de su taller. Además de escenas bíblicas, sus mejores obras incluyeron un retrato de la reina Isabel de 1953 y del presidente estadounidense John Kennedy, a principios de los años 60. Este oficio continúa y el 1 de febrero de 1973 se publicó un folleto para celebrar el centenario.

Cultura moderna

En la actualidad, la pintura con arena se practica con mayor frecuencia durante el Día de los Muertos en México y Estados Unidos. Las calles están decoradas con pinturas de arena que luego son barridas, simbolizando la naturaleza fugaz de la vida. Cabe destacar las pinturas con arena realizadas durante el Festival del Día de Muertos de Seattle, pero el desarrollo más emocionante ha sido el Performance Art of Sand Animation, que ha creado una nueva ola de artistas más jóvenes y también ha reavivado el interés en todo tipo de pintura con arena.

Varios artistas contemporáneos utilizan la arena de maneras que se apartan de tradiciones culturales específicas, explorando técnicas rastrillando arena, vertiéndola, tallándola y creando diseños únicos. Las obras son efímeras y se comparten principalmente a través de documentación o parte de una actuación en vivo.

Muchos de estos artistas fueron incluidos en una exposición en el Museo de Arte y Diseño de la ciudad de Nueva York titulada "Barridos: polvo, cenizas y suciedad en el arte y el diseño contemporáneos" que se presentó en las galerías en 2012. El curador David Revere McFadden describió su razonamiento para curar la exposición como querer resaltar el trabajo de artistas contemporáneos que se especializan en lo que describió como "materiales poco ortodoxos, inusuales o inesperados". 34;

Los artistas incluidos en la exhibición que utilizan arena y técnicas relacionadas con la pintura con arena fueron: Elvira Wersche, quien recolecta arena de todo el mundo para crear pinturas con patrones geométricos, solo para ser destruida como parte de una actuación. Andy Goldsworthy es conocido por sus obras efímeras utilizando la naturaleza, y comenzó a pintar y dibujar con arena en 1986, documentando el deterioro de una bola gigante de arena en la playa llena de huesos para la exhibición. Jim Denevan, conocido por sus enormes pinturas de arena rastrilladas, también compartió documentación de su proceso en las playas de California. Igor Eskinja utilizó polvo para pintar un plano arquitectónico en las galerías. Cui Fei produce obras caligráficas en arena utilizando el tradicional chak-pur y pinceles. Vik Muniz utiliza polvo, jarabe de chocolate, granos de arena, azúcar, caviar, revistas y basura industrial de una manera que refleja la pintura con arena. La exposición rotativa "Swept Away Projects" contó con Linda Florence y Joe Mangrum cuyas obras se agregaron a las galerías después de la eliminación de obras anteriores. Linda Florence usó tiza para dibujar patrones en el piso y, a menudo, usa diversos materiales como azúcar para crear instalaciones. Joe Mangrum se vertió arena de colores con la mano durante dos días consecutivos, del 8 al 9 de mayo de 2012, y tituló "Sintropía asincrónica" y un proyecto al aire libre que actuó como una circunvalación del propio museo. Mangrum trabajó un total de 24 horas a lo largo de dos días, improvisando espontáneamente su diseño de pintura de arena, solo para que desapareciera rápidamente bajo el bullicio del tráfico peatonal de Columbus Circle.

Otros artistas contemporáneos que trabajan con arena incluyen a Andrew van der Merwe, radicado en Ciudad del Cabo, que talla imágenes caligráficas en la arena de las playas; Andrés Amador, un artista estadounidense que plasma diseños en las playas; Ahmad Nadalian, un artista iraní que utiliza pigmentos naturales molidos para pintar con arena; y Motoi Yamamoto, que realiza pinturas que reflejan tifones y fenómenos naturales utilizando sal.

Técnicas actuales de pintura de arena

La mayoría de los artistas utilizan arenas coloreadas oxidadas y cargadas de minerales de origen natural, añadiendo carbón en polvo para ampliar la paleta y, en algunos casos, materiales idiosincrásicos como limaduras de hierro o canteros desechados. polvo de los sitios eclesiásticos. Otros artistas utilizan arenas de cuarzo teñidas industriales con capacidad para resistir la intemperie y una nueva generación de adhesivos fuertes. La obra se protege con una capa de barniz en spray. Con las arenas y los adhesivos no es necesario ningún marco protector de cristal, ya que las pinturas han demostrado resistir el efecto de la luz solar directa sin que el barniz amarillee.