Naturaleza muerta

Una naturaleza muerta (plural: naturalezas muertas) es una obra de arte que representa principalmente un tema inanimado, típicamente objetos comunes que son naturales (comida, flores, animales, plantas, rocas, conchas, etc.) o hechos por el hombre (vasos, libros, jarrones, joyas, monedas, pipas, etc.).

Con orígenes en la Edad Media y el arte grecorromano antiguo, la pintura de bodegones surgió como un género distinto y una especialización profesional en la pintura occidental a fines del siglo XVI, y ha seguido siendo importante desde entonces. Una ventaja de la forma de arte de la naturaleza muerta es que permite al artista mucha libertad para experimentar con la disposición de los elementos dentro de la composición de una pintura. La naturaleza muerta, como género particular, comenzó con la pintura holandesa de los siglos XVI y XVII, y el término inglés still life deriva de la palabra holandesa stilleven. Las primeras naturalezas muertas, particularmente antes de 1700, a menudo contenían simbolismos religiosos y alegóricos relacionados con los objetos representados. Los bodegones posteriores se producen con una variedad de medios y tecnología, como objetos encontrados, fotografía, gráficos por computadora, así como video y sonido.

El término incluye la pintura de animales muertos, especialmente de caza. Los vivos se consideran arte animal, aunque en la práctica a menudo se pintaban a partir de modelos muertos. Debido al uso de plantas y animales como tema, la categoría de bodegones también comparte puntos en común con la ilustración zoológica y especialmente con la botánica. Sin embargo, con las bellas artes o las artes visuales, el trabajo no pretende simplemente ilustrar correctamente el tema.

La naturaleza muerta ocupaba el peldaño más bajo de la jerarquía de géneros, pero ha sido extremadamente popular entre los compradores. Además del tema de la naturaleza muerta independiente, la pintura de naturaleza muerta abarca otros tipos de pintura con elementos prominentes de naturaleza muerta, generalmente simbólicos, e "imágenes que se basan en una multitud de elementos de naturaleza muerta aparentemente para reproducir un & #39;recuento de vida'". La pintura trompe-l'œil, que pretende engañar al espectador haciéndole creer que la escena es real, es un tipo especializado de naturaleza muerta, que generalmente muestra objetos inanimados y relativamente planos.

Antecedentes y desarrollo

Las pinturas de bodegones a menudo adornan el interior de las antiguas tumbas egipcias. Se creía que los objetos de comida y otros artículos representados allí, en el más allá, se volverían reales y estarían disponibles para el uso del difunto. Las pinturas de vasijas griegas antiguas también demuestran una gran habilidad para representar objetos y animales cotidianos. Peiraikos es mencionado por Plinio el Viejo como un pintor de paneles de "bajo" temas, como los que sobreviven en versiones de mosaicos y pinturas murales provinciales en Pompeya: "barberos' tiendas, zapateros' puestos, asnos, comestibles y temas similares".

Bodegones similares, con una intención más simplemente decorativa, pero con una perspectiva realista, también se han encontrado en las pinturas murales romanas y en los mosaicos del piso desenterrados en Pompeya, Herculano y Villa Boscoreale, incluido el motivo familiar posterior de un cuenco de vidrio de fruta. Los mosaicos decorativos denominados "emblema", encontrados en las casas de los romanos ricos, demostraban la variedad de alimentos que disfrutaban las clases altas y también funcionaban como signos de hospitalidad y como celebraciones de las estaciones y de la vida.

Para el siglo XVI, la comida y las flores volverían a aparecer como símbolos de las estaciones y de los cinco sentidos. También a partir de la época romana es la tradición del uso de la calavera en las pinturas como símbolo de la mortalidad y los restos terrenales, a menudo con la frase Omnia mors aequat (La muerte iguala a todos). Estas imágenes de vanitas se han reinterpretado a lo largo de los últimos 400 años de historia del arte, comenzando con los pintores holandeses alrededor de 1600.

La apreciación popular del realismo de la pintura de bodegones está relacionada con la antigua leyenda griega de Zeuxis y Parrhasius, de quienes se dice que una vez compitieron para crear los objetos más realistas, las primeras descripciones de la historia de pintura trampantojo. Como registró Plinio el Viejo en la época romana antigua, los artistas griegos siglos antes ya estaban avanzados en las artes de la pintura de retratos, la pintura de género y la naturaleza muerta. Destacó a Peiraikos, "cuyo arte es superado por muy pocos... Pintó barberías y zapateros' puestos, burros, verduras, etcétera, y por eso se le llegó a llamar el 'pintor de temas vulgares'; sin embargo, estas obras son del todo deliciosas y se vendieron a precios más altos que las mejores [pinturas] de muchos otros artistas."

Edad Media y Alto Renacimiento

Hacia 1300, comenzando con Giotto y sus alumnos, la pintura de bodegones revivió en forma de nichos ficticios en pinturas murales religiosas que representaban objetos cotidianos. Durante la Edad Media y el Renacimiento, la naturaleza muerta en el arte occidental siguió siendo principalmente un complemento de los temas religiosos cristianos y convocó un significado religioso y alegórico. Esto fue particularmente cierto en el trabajo de los artistas del norte de Europa, cuya fascinación por el realismo óptico y el simbolismo altamente detallados los llevó a prestar gran atención a sus pinturas. mensaje general. Pintores como Jan van Eyck solían utilizar elementos de naturaleza muerta como parte de un programa iconográfico.

A finales de la Edad Media, los elementos de la naturaleza muerta, en su mayoría flores, pero también animales y, a veces, objetos inanimados, se pintaron con un realismo creciente en los bordes de los manuscritos iluminados, desarrollando modelos y avances técnicos que fueron utilizados por los pintores de imágenes más grandes. Hubo una superposición considerable entre los artistas que hacían miniaturas para manuscritos y los que pintaban paneles, especialmente en la pintura holandesa temprana. Las Horas de Catalina de Cleves, probablemente realizada en Utrecht hacia 1440, es uno de los ejemplos destacados de esta tendencia, con cenefas que presentan una extraordinaria variedad de objetos, incluidas monedas y redes de pesca, elegidos para complementar el texto o la imagen principal en ese momento. punto particular. Los talleres flamencos de finales de siglo llevaron aún más lejos el naturalismo de los elementos fronterizos. Los tapices góticos millefleur son otro ejemplo del creciente interés general en las representaciones precisas de plantas y animales. El conjunto de La dama y el unicornio es el ejemplo más conocido, diseñado en París hacia 1500 y luego tejido en Flandes.

El desarrollo de la técnica de pintura al óleo por parte de Jan van Eyck y otros artistas del norte de Europa hizo posible pintar objetos cotidianos de esta manera hiperrealista, debido a las cualidades de secado lento, mezcla y superposición de los colores al óleo. Entre los primeros en liberarse del significado religioso se encuentran Leonardo da Vinci, quien creó acuarelas de frutas (alrededor de 1495) como parte de su incansable examen de la naturaleza, y Alberto Durero, quien también hizo dibujos precisos en color de la flora y la fauna.

Petrus Christus' El retrato de una novia y un novio visitando a un orfebre es un ejemplo típico de una naturaleza muerta de transición que representa un contenido tanto religioso como secular. Aunque en su mayoría tiene un mensaje alegórico, las figuras de la pareja son realistas y los objetos que se muestran (monedas, vasijas, etc.) están pintados con precisión, pero el orfebre es en realidad una representación de San Eligio y los objetos son muy simbólicos. Otro tipo de pintura similar es el retrato familiar que combina figuras con una mesa de comida bien puesta, que simboliza tanto la piedad de los sujetos humanos como su agradecimiento por la abundancia de Dios. Alrededor de este tiempo, las representaciones de bodegones simples divorciados de figuras (pero sin significado alegórico) comenzaron a pintarse en el exterior de las contraventanas de las pinturas devocionales privadas. Otro paso hacia la naturaleza muerta autónoma fue la pintura de flores simbólicas en jarrones en la parte posterior de los retratos seculares alrededor de 1475. Jacopo de' Barbari fue un paso más allá con su Bodegón con perdiz y guanteletes (1504), uno de los primeros bodegones trompe-l'œil firmados y fechados, que contiene un contenido religioso mínimo.

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  Varios barcos en la frontera de un libro iluminado de horas para Engelbert de Nassau, artista flamenco, 1470s

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  Detalle de uno de La Señora y el Unicornio millefleur tapestries, c. 1500

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  Albrecht Dürer, Gran Pieza de Turf, 1503

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  Jacopo de' Barbari, Vida con Partridge y Gauntlets (1504), una vida tranquila muy temprana independiente, tal vez la espalda o la cubierta para un retrato

Renacimiento posterior

Siglo XVI

Aunque la mayoría de las naturalezas muertas posteriores a 1600 eran pinturas relativamente pequeñas, una etapa crucial en el desarrollo del género fue la tradición, en su mayoría centrada en Amberes, de las "bodegones monumentales", que eran pinturas grandes que incluía grandes extensiones de material de naturaleza muerta con figuras y, a menudo, animales. Este fue un desarrollo de Pieter Aertsen, cuyo Un puesto de carne con la Sagrada Familia dando limosnas (1551, ahora Uppsala) introdujo el tipo con una pintura que aún sorprende. Otro ejemplo es "La carnicería" del sobrino de Aertsen, Joachim Beuckelaer (1568), con su representación realista de carnes crudas dominando el primer plano, mientras que una escena de fondo transmite los peligros de la embriaguez y la lascivia. El tipo de cocina muy grande o escena de mercado desarrollada por Pieter Aertsen y su sobrino Joachim Beuckelaer típicamente representa una abundancia de comida con un bodegón con utensilios de cocina y corpulentas doncellas flamencas. A menudo se puede distinguir una pequeña escena religiosa en la distancia, o se agrega un tema como las cuatro estaciones para elevar el tema. Este tipo de naturaleza muerta a gran escala continuó desarrollándose en la pintura flamenca después de la separación del norte y el sur, pero es raro en la pintura holandesa, aunque otras obras de esta tradición anticipan la "compañía alegre" tipo de pintura de género.

Gradualmente, el contenido religioso disminuyó en tamaño y ubicación en este tipo de pintura, aunque las lecciones morales continuaron como subcontextos. Una de las relativamente pocas obras italianas del estilo, el tratamiento del mismo tema de Annibale Carracci en 1583, Butcher's Shop, comienza a eliminar los mensajes morales, al igual que otros & #34;cocina y mercado" pinturas de bodegones de este período. Vincenzo Campi probablemente introdujo el estilo de Amberes en Italia en la década de 1570. La tradición continuó en el siglo siguiente, con varias obras de Rubens, quien en su mayoría subcontrató la naturaleza muerta y los elementos animales a maestros especialistas como Frans Snyders y su alumno Jan Fyt. Hacia la segunda mitad del siglo XVI, la naturaleza muerta autónoma evolucionó.

El siglo XVI fue testigo de una explosión de interés en el mundo natural y la creación de lujosas enciclopedias botánicas que registran los descubrimientos del Nuevo Mundo y Asia. También impulsó el inicio de la ilustración científica y la clasificación de especímenes. Los objetos naturales comenzaron a ser apreciados como objetos de estudio individuales al margen de cualquier asociación religiosa o mitológica. La ciencia temprana de los remedios a base de hierbas también comenzó en este momento, que fue una extensión práctica de este nuevo conocimiento. Además, los mecenas adinerados comenzaron a suscribir la colección de especímenes animales y minerales, creando extensos gabinetes de curiosidades. Estos ejemplares sirvieron de modelos a pintores que buscaban realismo y novedad. Se comenzaron a recolectar y comercializar conchas, insectos, frutas exóticas y flores, y nuevas plantas como el tulipán (importado a Europa desde Turquía) se celebraron en bodegones.

La explosión de la horticultura fue de gran interés en Europa y el artista aprovechó eso para producir miles de pinturas de bodegones. Algunas regiones y tribunales tenían intereses particulares. La representación de cítricos, por ejemplo, fue una pasión particular de la corte de los Medici en Florencia, Italia. Esta gran difusión de especímenes naturales y el creciente interés por la ilustración natural en toda Europa dieron como resultado la creación casi simultánea de bodegones modernos alrededor de 1600.

A principios de siglo, el pintor español Juan Sánchez Cotán fue pionero en la naturaleza muerta española con pinturas de vegetales austeramente tranquilas, antes de ingresar a un monasterio a los cuarenta en 1603, después de lo cual pintó temas religiosos.

Pinturas del siglo XVI

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  Pieter Aertsen, Una pila de carne con la Sagrada Familia dando limosnas (1551), 123,3 × 150 cm (48,5 × 59")

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  Annibale Carracci (1560–1609), Butcher's Shop (1580)

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  Juan Sánchez Cotán (1560-1627), Vida con Quince, Cabbage, Melon y Cucumber, aceite sobre lienzo, 69 × 84.5 cm

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  Giovanni Ambrogio Figino, Placa metálica con melocotones y hojas de vid (1591–94), panel, 21 × 30 cm, su única vida muerta conocida

Siglo XVII

Destacados académicos de principios del siglo XVII, como Andrea Sacchi, sintieron que la pintura de género y de bodegones no llevaba la "gravetas" merecido para que la pintura sea considerada grande. Una influyente formulación de 1667 de André Félibien, historiógrafo, arquitecto y teórico del clasicismo francés se convirtió en la declaración clásica de la teoría de la jerarquía de los géneros para el siglo XVIII:

Celui qui fait parfaitement des païsages est au-dessus d'un autre qui ne fait que des fruit, des fleurs ou des coquilles. Celui qui peint des animaux vivants est plus estimable que ceux qui ne représentent que des choses mortes " sans mouvement; " comme la figure de l'homme est le plus parfait ouvrage de Dieu sur la Terre, il est certain aussi que celui qui se rend l'imitateur de Dieu en peignant des figures humaines, est beaucoup plus excellent que tous les autres...

El que produce paisajes perfectos está por encima de otro que sólo produce fruta, flores o mariscos. El que pinta animales vivos es más estimado que aquellos que sólo representan cosas muertas sin movimiento, y como el hombre es la obra más perfecta de Dios en la tierra, también es cierto que el que se convierte en imitador de Dios en representar figuras humanas, es mucho más excelente que todos los demás...".

Pintura holandesa y flamenca

La naturaleza muerta se desarrolló como una categoría separada en los Países Bajos en el último cuarto del siglo XVI. El término inglés still life deriva de la palabra holandesa stilleven mientras que las lenguas romances (así como el griego, el polaco, el ruso y el turco) tienden a usar términos que significan naturaleza muerta . La pintura holandesa temprana del siglo XV había desarrollado técnicas altamente ilusionistas tanto en la pintura de paneles como en los manuscritos iluminados, donde los bordes a menudo presentaban elaboradas exhibiciones de flores, insectos y, en un trabajo como las Horas de Catalina de Cleves, una gran variedad de objetos. Cuando el manuscrito iluminado fue desplazado por el libro impreso, las mismas habilidades se desplegaron más tarde en la ilustración botánica científica; los Países Bajos lideraron a Europa tanto en botánica como en su representación en el arte. El artista flamenco Joris Hoefnagel (1542-1601) hizo acuarelas y gouache de flores y otros temas de bodegones para el emperador Rodolfo II, y hubo muchas ilustraciones grabadas para libros (a menudo coloreadas a mano), como Hans Collaert&# 39;s Florilegium, publicado por Plantin en 1600.

Alrededor de 1600, las pinturas de flores al óleo se convirtieron en una locura; Karel van Mander pintó algunas obras él mismo y registra que otros artistas manieristas del norte como Cornelis van Haarlem también lo hicieron. No se conocen piezas de flores sobrevivientes de ellos, pero muchas sobreviven de los principales especialistas, Jan Brueghel el Viejo y Ambrosius Bosschaert, ambos activos en el sur de los Países Bajos.

Si bien los artistas del norte encontraron oportunidades limitadas para producir la iconografía religiosa que durante mucho tiempo había sido su elemento básico (las imágenes de temas religiosos estaban prohibidas en la Iglesia protestante reformada holandesa), la continua tradición del norte de realismo detallado y símbolos ocultos atrajo a la creciente Las clases medias holandesas, que estaban reemplazando a la Iglesia y el Estado como principales mecenas del arte en los Países Bajos. A esto se sumó la manía holandesa por la horticultura, particularmente el tulipán. Estas dos visiones de las flores, como objetos estéticos y como símbolos religiosos, se fusionaron para crear un mercado muy fuerte para este tipo de naturaleza muerta. La naturaleza muerta, como la mayoría de las obras de arte holandesas, generalmente se vendía en mercados abiertos o por comerciantes, o por artistas en sus estudios, y rara vez se encargaba; por lo tanto, los artistas generalmente eligen el tema y el arreglo. Este tipo de bodegones fue tan popular que gran parte de la técnica de la pintura de flores holandesa se codificó en el tratado Groot Schilderboeck de 1740 de Gerard de Lairesse, que brindaba una amplia gama de consejos sobre el color, la disposición, pincelada, preparación de ejemplares, armonía, composición, perspectiva, etc.

El simbolismo de las flores había evolucionado desde los primeros días del cristianismo. Las flores más comunes y sus significados simbólicos incluyen: rosa (Virgen María, fugacidad, Venus, amor); lirio (Virgen María, virginidad, pecho femenino, pureza de espíritu o justicia); tulipán (vistibilidad, nobleza); girasol (fidelidad, amor divino, devoción); violeta (modestia, reserva, humildad); aguileña (melancolía); amapola (poder, sueño, muerte). En cuanto a los insectos, la mariposa representa la transformación y la resurrección mientras que la libélula simboliza la fugacidad y la hormiga el trabajo duro y la atención a la cosecha.

Los artistas flamencos y holandeses también se ramificaron y revivieron la antigua tradición griega de bodegones de trompe-l'œil, en particular la imitación de la naturaleza o mimesis, que llamaron bedriegertje ("pequeño engaño"). Además de estos tipos de bodegones, los artistas holandeses identificaron y desarrollaron por separado "cocina y mercado" cuadros, bodegones de mesa de desayuno y comida, cuadros de vanitas, y cuadros de colección alegórica.

En los Países Bajos católicos del sur se desarrolló el género de las pinturas de guirnaldas. Alrededor de 1607-1608, los artistas de Amberes Jan Brueghel el Viejo y Hendrick van Balen comenzaron a crear estas imágenes que consisten en una imagen (generalmente devocional) rodeada por una exuberante corona de naturaleza muerta. Las pinturas fueron colaboraciones entre dos especialistas: un bodegón y un pintor de figuras. Daniel Seghers desarrolló aún más el género. Originalmente con una función devocional, las pinturas de guirnaldas se hicieron extremadamente populares y se usaron ampliamente como decoración de hogares.

Un género especial de bodegones era el llamado pronkstilleven (en holandés, 'bodegones ostentosos'). Este estilo de bodegones ornamentados fue desarrollado en la década de 1640 en Amberes por artistas flamencos como Frans Snyders y Adriaen van Utrecht. Pintaron bodegones que enfatizaban la abundancia al representar una diversidad de objetos, frutas, flores y animales muertos, a menudo junto con personas y animales vivos. El estilo pronto fue adoptado por artistas de la República Holandesa.

Especialmente populares en este período fueron las pinturas de vanitas, en las que suntuosos arreglos de frutas y flores, libros, estatuillas, jarrones, monedas, joyas, pinturas, instrumentos musicales y científicos, insignias militares, plata fina y cristal, se acompañaban de símbolos recordatorios de la impermanencia de la vida. Además, una calavera, un reloj de arena o de bolsillo, una vela consumiéndose o un libro que pasa las páginas, servirían como mensaje moralizador sobre lo efímero de los placeres sensoriales. A menudo, algunas de las frutas y flores se mostrarían comenzando a estropearse o desvanecerse para enfatizar el mismo punto.

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  Cornelis Norbertus Gysbrechtsc.1660–1683), Trompe-l'œil ()c.1680), Museo de Arte del Condado de Los Ángeles

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  Jan Philip van Thielen (1618-1667), Jarrón de flores ()c.1660), Museo Fitzwilliam, Cambridge, Inglaterra

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  Maria van Oosterwijk, Vanitas-Still Life (1693)

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  Jan Jansz. Treck (1606-1652), Jug de Pewter y dos placas de porcelana (1645)

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  Lubin Baugin (c. 1610-1663), Le Dessert de gaufrettes c. 1631), Museo del Louvre, París

Otro tipo de naturaleza muerta, conocida como ontbijtjes o "pinturas de desayuno", representa tanto una presentación literal de delicias que la clase alta podría disfrutar como un recordatorio religioso para evitar la glotonería.. Alrededor de 1650, Samuel van Hoogstraten pintó uno de los primeros cuadros colgados en la pared, pinturas de bodegones trompe-l'œil que muestran objetos atados, clavados con tachuelas o unidos de alguna otra manera a un tablero de pared. un tipo de naturaleza muerta muy popular en los Estados Unidos en el siglo XIX. Otra variación fue el bodegón trompe-l'œil que representaba objetos asociados con una determinada profesión, como en el cuadro de Cornelis Norbertus Gysbrecht "Pintor's Caballete con Fruit Piece", que muestra todas las herramientas del oficio de pintor. También popular en la primera mitad del siglo XVII fue la pintura de una gran variedad de especímenes en forma alegórica, como los "cinco sentidos", "cuatro continentes", o "las cuatro estaciones", que muestra una diosa o figura alegórica rodeada de objetos naturales y artificiales apropiados. La popularidad de las pinturas de vanitas y estas otras formas de naturaleza muerta pronto se extendió desde Holanda a Flandes y Alemania, y también a España y Francia.

La producción holandesa de bodegones fue enorme y se exportaron ampliamente, especialmente al norte de Europa; Gran Bretaña apenas produjo nada por sí misma. La naturaleza muerta alemana siguió de cerca los modelos holandeses; Georg Flegel fue un pionero en la naturaleza muerta pura sin figuras y creó la innovación compositiva de colocar objetos detallados en gabinetes, armarios y vitrinas, y producir múltiples vistas simultáneas.

Pinturas holandesas, flamencas, alemanas y francesas

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  Peter Paul Rubens, Diana Regresando de la Caza, elementos de vida de un especialista en pintura de historia(c. 1615)

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  Rembrandt, Vida con dos pavos muertos y una chica c. 1639)

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  Willem Claeszoon Heda (1594-1680), Vida con Pie, Silver Ewer y Cangrejo (1658)

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  Ambrosius Bosschaert (1573-1621), Vida de flores (1614)

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  Samuel van Hoogstraten, Carta ajustada a los implementos de escritura ()c.1655)

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  Pieter Boel (1626-1674), Vida con un globo y un loro ()c.1658)

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  Pieter Claeszc.1597–1660), Vida (1623)

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  Jan Davidsz. de Heem (1606-1684), Vida con fruta, flores, vidrios y langosta ()c.1660s)

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  Peter Binoit, 1618, Castillo de Skokloster.

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  Pieter Claeszc.1597–1660), Vida con tubo de sal

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  Osias Beert the Elder, Dishes with Oysters, Fruit, and Wine

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  George Flegel (1566-1638), Vida con pan y confitería, 1630

Europa del Sur

En el arte español, un bodegón es una pintura de naturaleza muerta que representa elementos de despensa, como víveres, juegos y bebidas, a menudo dispuestos sobre una losa de piedra simple, y también una pintura con una o más figuras, pero significativa todavía- elementos de vida, típicamente ambientados en una cocina o taberna. A partir del período barroco, estas pinturas se popularizaron en España en el segundo cuarto del siglo XVII. La tradición de la pintura de bodegones parece haber comenzado y fue mucho más popular en los Países Bajos contemporáneos, hoy Bélgica y los Países Bajos (entonces artistas flamencos y holandeses), que en el sur de Europa. Las naturalezas muertas del norte tenían muchos subgéneros; la pieza del desayuno se complementó con el trompe-l'œil, el ramo de flores y las vanitas.

En España había muchos menos clientes para este tipo de cosas, pero un tipo de pieza de desayuno se hizo popular, con algunos objetos de comida y vajilla colocados sobre una mesa. La pintura de bodegones en España, también llamada bodegones, era austera. Se diferenciaba de la naturaleza muerta holandesa, que a menudo contenía ricos banquetes rodeados de artículos de tela o vidrio ornamentados y lujosos. El juego en las pinturas españolas es a menudo simples animales muertos que aún esperan ser desollados. Las frutas y verduras están crudas. Los fondos son bloques geométricos de madera sombría o simple, que a menudo crean un aire surrealista. Aunque tanto la naturaleza muerta holandesa como la española a menudo tenían un propósito moral incrustado, la austeridad, que algunos encuentran similar a la desolación de algunas de las mesetas españolas, parece rechazar los placeres sensuales, la plenitud y el lujo de las pinturas de naturaleza muerta holandesa.

Aunque la pintura italiana de bodegones (en italiano conocida como natura morta, "naturaleza muerta") estaba ganando popularidad, históricamente siguió siendo menos respetada que la &# 34;gran manera" pintura de temas históricos, religiosos y míticos. Por otro lado, los bodegones italianos exitosos encontraron un amplio patrocinio en su época. Además, las pintoras, por pocas que fueran, eligieron o se restringieron comúnmente a la pintura de bodegones; Giovanna Garzoni, Laura Bernasconi, Maria Theresa van Thielen y Fede Galizia son ejemplos notables.

Muchos artistas italianos destacados en otros géneros también produjeron algunas pinturas de bodegones. En particular, Caravaggio aplicó su influyente forma de naturalismo a la naturaleza muerta. Su Cesta de frutas (c. 1595-1600) es uno de los primeros ejemplos de naturaleza muerta pura, representada con precisión y colocada a la altura de los ojos. Aunque no es abiertamente simbólica, esta pintura fue propiedad del cardenal Federico Borromeo y puede haber sido apreciada tanto por razones religiosas como estéticas. Jan Bruegel también pintó su Gran ramo de Milán (1606) para el cardenal, afirmando que lo pintó 'fatta tutti del natturel' (hecho todo de la naturaleza) y cobró extra por el esfuerzo extra. Estas fueron algunas de las muchas pinturas de naturaleza muerta en la colección del cardenal, además de su gran colección de curiosidades. Entre otras naturalezas muertas italianas, The Cook de Bernardo Strozzi es una "escena de cocina" a la manera holandesa, que es a la vez un retrato detallado de una cocinera y de las aves de caza que está preparando. De manera similar, una de las raras naturalezas muertas de Rembrandt, Niña con pavos reales muertos combina un retrato femenino simpático similar con imágenes de aves de caza.

En la Italia católica y en España, la pintura de vanitas puras era rara y había muchos menos especialistas en bodegones. En el sur de Europa hay más empleo del naturalismo suave de Caravaggio y menos énfasis en el hiperrealismo en comparación con los estilos del norte de Europa. En Francia, los pintores de bodegones (nature morte) fueron influenciados por las escuelas del norte y del sur, tomando prestadas las pinturas de vanitas de los Países Bajos y los arreglos de repuesto de España.

Galería italiana

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  Fede Galizia (1578-1630), Manzanas en un disco c. 1593)

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  Fede Galizia, (1578-1630), Maiolica Cesta de frutas c. 1610), colección privada

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  Giovanna Garzoni (1600-1670), Vida con Bowl de Citrons (1640), tempera on vellum, Getty Museum, Pacific Palisades, Los Angeles, California

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  Giacomo Francesco Cipper (1664-1736), Vida de los peces y Shellfish

Siglo XVIII

En gran medida, el siglo XVIII continuó refinando las fórmulas del siglo XVII y los niveles de producción disminuyeron. En el estilo rococó, la decoración floral se volvió mucho más común en la porcelana, el papel tapiz, las telas y los muebles de madera tallada, por lo que los compradores preferían que sus pinturas tuvieran figuras para contrastar. Un cambio fue un nuevo entusiasmo entre los pintores franceses, que ahora forman una gran proporción de los artistas más notables, mientras que los ingleses se contentaron con importar. Jean-Baptiste Chardin pintó conjuntos pequeños y simples de alimentos y objetos en un estilo muy sutil que se basó en los maestros de la Edad de Oro holandesa y que sería muy influyente en las composiciones del siglo XIX. Los temas de caza muertos continuaron siendo populares, especialmente para los pabellones de caza; la mayoría de los especialistas también pintaron temas de animales vivos. Jean-Baptiste Oudry combinó soberbias representaciones de las texturas de la piel y las plumas con fondos sencillos, a menudo el blanco liso de una pared de despensa lavada con cal, que los resaltaba de manera ventajosa.

En el siglo XVIII, en muchos casos, las connotaciones religiosas y alegóricas de las pinturas de bodegones se abandonaron y las pinturas de la mesa de la cocina evolucionaron hacia representaciones calculadas de colores y formas variadas, que mostraban comidas cotidianas. La aristocracia francesa empleó a artistas para ejecutar pinturas de naturalezas muertas generosas y extravagantes que adornaban su mesa de comedor, también sin el mensaje moralista de vanitas de sus predecesores holandeses. El amor rococó por el artificio condujo a un aumento de la apreciación en Francia por la pintura trompe-l'œil (en francés: "engañar al ojo"). Las pinturas de bodegones de Jean-Baptiste Chardin emplean una variedad de técnicas, desde el realismo de estilo holandés hasta armonías más suaves.

La mayor parte del trabajo de Anne Vallayer-Coster se dedicó al lenguaje de la naturaleza muerta tal como se había desarrollado a lo largo de los siglos XVII y XVIII. Durante estos siglos, el género de la naturaleza muerta ocupaba el último lugar en la escala jerárquica. Vallayer-Coster tenía una forma de hacer sus pinturas que resultaba en su atractivo. Fueron las "líneas decorativas audaces de sus composiciones, la riqueza de sus colores y texturas simuladas, y las hazañas de ilusionismo que logró al representar una amplia variedad de objetos, tanto naturales como artificiales" lo que llamó la atención de la Royal Académie y de los numerosos coleccionistas que compraron sus pinturas. Esta interacción entre el arte y la naturaleza era bastante común en las naturalezas muertas holandesas, flamencas y francesas. Su obra revela la clara influencia de Jean-Baptiste-Siméon Chardin, así como de los maestros holandeses del siglo XVII, cuya obra ha sido mucho más valorada, pero lo que hizo que el estilo de Vallayer-Coster sobresaliera frente a los demás todavía- pintores de vida fue su forma única de fusionar el ilusionismo figurativo con estructuras compositivas decorativas.

El final del siglo XVIII y la caída de la monarquía francesa cerraron las puertas a la 'época' de las naturalezas muertas de Vallayer-Coster. y los abrió a su nuevo estilo floral. Se ha argumentado que este fue el punto culminante de su carrera y por lo que es más conocida. Sin embargo, también se ha argumentado que las pinturas de flores fueron inútiles para su carrera. Sin embargo, esta colección contenía estudios florales en óleo, acuarela y gouache.

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  Carl Hofverberg (1695–1765), Trompe-l'œil (1737), Foundation of the Royal Armoury, Sweden

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  Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Vida muerta con cáscara de vidrio y fruta (c. 1750)

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  Jean-Baptiste Oudry, El pato blanco (1753), robado de Houghton Hall en 1990

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  Rachel Ruysch, Rosas, Convolvulus, Poppies y otras flores en un Urn en un Ledge de Piedra (1680s)

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  Anne Vallayer-Coster, Los Atributos de la Música (c. 1770)

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  Carlo Manieri, Vida con Silverware, Pronkstilleven (1662–1700)

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  Anne Vallayer-Coster, Vida con la langosta c. 1781)

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  Anne Vallayer-Coster, Los atributos de la pintura c. 1769)

Siglo XIX

Con el surgimiento de las academias europeas, sobre todo la Académie française, que tuvo un papel central en el arte académico, la naturaleza muerta comenzó a caer en desgracia. Las Academias enseñaban la doctrina de la "Jerarquía de géneros" (o 'Jerarquía del tema'), que sostenía que el mérito artístico de una pintura se basaba principalmente en su tema. En el sistema académico, la forma más alta de pintura consistía en imágenes de importancia histórica, bíblica o mitológica, con temas de naturaleza muerta relegados al orden más bajo de reconocimiento artístico. En lugar de utilizar la naturaleza muerta para glorificar la naturaleza, algunos artistas, como John Constable y Camille Corot, eligieron paisajes para servir a ese fin.

Cuando el neoclasicismo comenzó a decaer en la década de 1830, la pintura de género y de retrato se convirtió en el centro de las revoluciones artísticas realista y romántica. Muchos de los grandes artistas de ese período incluyeron la naturaleza muerta en su cuerpo de trabajo. Las naturalezas muertas de Francisco Goya, Gustave Courbet y Eugène Delacroix transmiten una fuerte corriente emocional y están menos preocupadas por la exactitud y más interesadas en el estado de ánimo. Aunque siguen el patrón de los primeros bodegones de Chardin, las pinturas de bodegones de Édouard Manet son fuertemente tonales y claramente se encaminan hacia el impresionismo. Henri Fantin-Latour, usando una técnica más tradicional, fue famoso por sus exquisitas pinturas de flores y se ganaba la vida pintando casi exclusivamente bodegones para coleccionistas.

Sin embargo, no fue hasta el declive final de la jerarquía académica en Europa y el surgimiento de los pintores impresionistas y posimpresionistas, que la técnica y la armonía del color triunfaron sobre el tema, y que la naturaleza muerta se volvió a practicar con avidez. por artistas En sus primeros bodegones, Claude Monet muestra la influencia de Fantin-Latour, pero es uno de los primeros en romper la tradición del fondo oscuro, que Pierre-Auguste Renoir también descarta en Bodegón con ramo y abanico (1871), con su fondo naranja brillante. Con la naturaleza muerta impresionista, el contenido alegórico y mitológico está completamente ausente, al igual que el trabajo de pincel meticulosamente detallado. En cambio, los impresionistas se centraron en la experimentación con pinceladas amplias y suaves, valores tonales y ubicación del color. Los impresionistas y posimpresionistas se inspiraron en los esquemas de color de la naturaleza, pero la reinterpretaron con sus propias armonías de color, que a veces resultaron sorprendentemente antinaturales. Como dijo Gauguin, "Los colores tienen sus propios significados". También se intentan variaciones en la perspectiva, como el uso de recortes ajustados y ángulos altos, como en Fruit Displayed on a Stand de Gustave Caillebotte, una pintura que en ese momento se burló como una "muestra de fruta a vista de pájaro."

Los 'Girasoles' de Vincent van Gogh Las pinturas son algunas de las pinturas de bodegones más conocidas del siglo XIX. Van Gogh utiliza sobre todo tonos de amarillo y una interpretación más bien plana para hacer una contribución memorable a la historia de la naturaleza muerta. Su Naturaleza muerta con tablero de dibujo (1889) es un autorretrato en forma de naturaleza muerta, con Van Gogh representando muchos elementos de su vida personal, incluida su pipa, comida sencilla (cebollas), un inspirador libro y una carta de su hermano, todo sobre su mesa, sin su propia imagen presente. También pintó su propia versión de una pintura de vanitas Naturaleza muerta con biblia abierta, vela y libro (1885).

En los Estados Unidos durante la época revolucionaria, los artistas estadounidenses formados en el extranjero aplicaron estilos europeos a la pintura de retratos y bodegones estadounidenses. Charles Willson Peale fundó una familia de destacados pintores estadounidenses y, como líder principal de la comunidad artística estadounidense, también fundó una sociedad para la formación de artistas, así como un famoso museo de curiosidades naturales. Su hijo Raphaelle Peale fue uno de un grupo de primeros artistas estadounidenses de bodegones, que también incluía a John F. Francis, Charles Bird King y John Johnston. En la segunda mitad del siglo XIX, Martin Johnson Heade introdujo la versión estadounidense de la imagen del hábitat o biotopo, que colocaba flores y pájaros en ambientes exteriores simulados. Las pinturas americanas trompe-l'œil también florecieron durante este período, creadas por John Haberle, William Michael Harnett y John Frederick Peto. Peto se especializó en la nostálgica pintura mural, mientras que Harnett alcanzó el más alto nivel de hiperrealismo en sus celebraciones pictóricas de la vida estadounidense a través de objetos familiares.

Pinturas del siglo XIX

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  Francisco Goya, Vida con fruta, botellas, panes (1824–1826)

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  Eugène Delacroix, Vida con la langosta y trofeos de caza y pesca (1826-1827), Louvre

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  Gustave Caillebotte, (1848-1894), Rosas amarillas en jarrón (1882), Museo de Arte de Dallas

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  James Sillett, Tulipanes en un jarrón, con un oruga (undado), Norfolk Museums Collections

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  Henri Fantin-Latour, (1836-1904), Rosas blancas, Crisanthemums en una jarra, melocotones y uvas en una tabla con un mantel blanco (1867)

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  Paul Cézanne (1839-1906), El reloj de mármol negro (1869-1871), colección privada

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  Mary Cassatt, (1844-1926), Lilacos en una ventana (1880)

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  Claude Monet (1840-1926), Vida con Manzanas y Uvas (1880), Art Institute of Chicago

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  Édouard Manet (1832-1883), Carnations and Clematis in a Crystal Vase (1883), Musée d'Orsay, Paris

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  Paul Gauguin, Vida con Manzanas, un pera, y un cerdo de cerámica (1889), Fogg Museum, Cambridge, Massachusetts

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  William Harnett (1848-1892), Después de la Caza (1883)

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  William Harnett (1848-1892), Vibrador de vida y música (1888), Metropolitan Museum of Art, New York City

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  Darius Cobb (1834-1919), una guerra civil estadounidense trompe-l'œil composición, aquí en una impresión cromolitógrafo

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  Paul Cézanne, Vida con Cherub (1895), Courtauld Institute Galleries, Londres

Siglo XX

Las primeras cuatro décadas del siglo XX formaron un período excepcional de efervescencia y revolución artística. Los movimientos de vanguardia evolucionaron rápidamente y se superpusieron en una marcha hacia la abstracción total, no figurativa. La naturaleza muerta, así como otras artes representativas, continuaron evolucionando y ajustándose hasta mediados de siglo, cuando la abstracción total, como lo ejemplifican las pinturas de goteo de Jackson Pollock, eliminó todo el contenido reconocible.

El siglo comenzó con varias tendencias afianzándose en el arte. En 1901, Paul Gauguin pintó Naturaleza muerta con girasoles, su homenaje a su amigo Van Gogh, fallecido once años antes. El grupo conocido como Les Nabis, que incluía a Pierre Bonnard y Édouard Vuillard, retomó las teorías armónicas de Gauguin y agregó elementos inspirados en las xilografías japonesas a sus bodegones. El artista francés Odilon Redon también pintó bodegones notables durante este período, especialmente flores.

Henri Matisse redujo la interpretación de objetos de naturaleza muerta aún más a poco más que contornos planos y audaces llenos de colores brillantes. También simplificó la perspectiva e introdujo fondos multicolores. En algunas de sus naturalezas muertas, como Naturaleza muerta con berenjenas, su mesa de objetos casi se pierde entre los otros patrones coloridos que llenan el resto de la habitación. Otros exponentes del fauvismo, como Maurice de Vlaminck y André Derain, profundizaron en el color puro y la abstracción en sus bodegones.

Paul Cézanne encontró en la naturaleza muerta el vehículo perfecto para sus exploraciones revolucionarias en la organización espacial geométrica. Para Cézanne, la naturaleza muerta era un medio principal para alejar la pintura de una función ilustrativa o mimética a una que demostraba de forma independiente los elementos de color, forma y línea, un gran paso hacia el arte abstracto. Además, se puede considerar que los experimentos de Cézanne conducen directamente al desarrollo de la naturaleza muerta cubista a principios del siglo XX.

Adaptando el cambio de planos y ejes de Cézanne, los cubistas suavizaron la paleta de colores de los fauves y se centraron en cambio en deconstruir objetos en formas y planos geométricos puros. Entre 1910 y 1920, artistas cubistas como Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris pintaron muchas composiciones de bodegones, que a menudo incluían instrumentos musicales, poniendo la naturaleza muerta al frente de la innovación artística, casi por primera vez. La naturaleza muerta también fue el tema de las primeras obras de collage del cubismo sintético, como el óvalo de Picasso "Naturaleza muerta con silla caning" (1912). En estas obras, los objetos de la naturaleza muerta se superponen y se entremezclan manteniendo apenas formas bidimensionales identificables, perdiendo la textura superficial individual y fusionándose con el fondo, logrando objetivos casi opuestos a los de la naturaleza muerta tradicional. La naturaleza muerta de Fernand Léger introdujo el uso de abundantes espacios en blanco y formas geométricas superpuestas coloreadas, nítidamente definidas, para producir un efecto más mecánico.

Rechazando el aplanamiento del espacio por parte de los cubistas, Marcel Duchamp y otros miembros del movimiento dadaísta tomaron una dirección radicalmente diferente, creando 3-D "ready-made" esculturas de bodegones. Como parte de la restauración de algún significado simbólico a la naturaleza muerta, los futuristas y los surrealistas colocaron objetos de naturaleza muerta reconocibles en sus paisajes oníricos. En las naturalezas muertas de Joan Miró, los objetos parecen ingrávidos y flotan en un espacio bidimensional ligeramente sugerido, e incluso las montañas se dibujan como líneas simples. En Italia durante este tiempo, Giorgio Morandi fue el pintor de bodegones más importante, explorando una amplia variedad de enfoques para representar botellas e implementos de cocina cotidianos. El artista holandés M. C. Escher, mejor conocido por sus gráficos detallados pero ambiguos, creó Naturaleza muerta y calle (1937), su versión actualizada de la naturaleza muerta de mesa tradicional holandesa. En Inglaterra, Eliot Hodgkin usaba témpera para sus pinturas de bodegones altamente detalladas.

Cuando los artistas estadounidenses del siglo XX se dieron cuenta del modernismo europeo, comenzaron a interpretar naturalezas muertas con una combinación de realismo estadounidense y abstracción derivada del cubismo. Típicos de los bodegones estadounidenses de este período son las pinturas de Georgia O'Keeffe, Stuart Davis y Marsden Hartley, y las fotografías de Edward Weston. Las pinturas de flores en ultraprimeros planos de O'Keeffe revelan tanto la estructura física como el subtexto emocional de los pétalos y las hojas de una manera sin precedentes.

En México, a partir de la década de 1930, Frida Kahlo y otros artistas crearon su propia marca de surrealismo, presentando alimentos autóctonos y motivos culturales en sus naturalezas muertas.

A partir de la década de 1930, el expresionismo abstracto redujo severamente la naturaleza muerta a representaciones crudas de forma y color, hasta que en la década de 1950, la abstracción total dominó el mundo del arte. Sin embargo, el arte pop de las décadas de 1960 y 1970 invirtió la tendencia y creó una nueva forma de naturaleza muerta. Gran parte del arte pop (como 'Campbell's Soup Cans' de Andy Warhol) se basa en la naturaleza muerta, pero su verdadero tema suele ser la imagen mercantilizada del producto comercial representado en lugar de el propio objeto físico de la naturaleza muerta. Still Life with Goldfish Bowl (1972) de Roy Lichtenstein combina los colores puros de Matisse con la iconografía pop de Warhol. Lunch Table (1964) de Wayne Thiebaud no retrata el almuerzo de una sola familia, sino una línea de ensamblaje de alimentos estadounidenses estandarizados.

El movimiento Neo-dada, incluido Jasper Johns, volvió a la representación tridimensional de los objetos domésticos cotidianos de Duchamp para crear su propia marca de naturaleza muerta, como en Johns' Bronce pintado (1960) y La casa de los tontos (1962). Avigdor Arikha, que comenzó como abstraccionista, integró las lecciones de Piet Mondrian en sus naturalezas muertas como en sus otros trabajos; al volver a conectar con las tradiciones de los viejos maestros, logró un formalismo modernista, trabajando en una sola sesión y con luz natural, a través del cual el tema a menudo emergía en una perspectiva sorprendente.

Los artistas rusos, entre ellos Sergei Ocipov, Victor Teterin, Evgenia Antipova, Gevork Kotiantz, Sergei Zakharov, Taisia Afonina, Maya Kopitseva y otros, hicieron una contribución significativa al desarrollo de la pintura de bodegones en el siglo XX.

Por el contrario, el auge del fotorrealismo en la década de 1970 reafirmó la representación ilusionista, al tiempo que retuvo parte del mensaje pop de la fusión de objeto, imagen y producto comercial. Típicas a este respecto son las pinturas de Don Eddy y Ralph Goings.

Pinturas del siglo XX

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  Henri Matisse (1869-1954), Platos y frutas (1901), Museo de Hermitage, San Petersburgo, Rusia

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  Odilon Redon (1840-1916), Flores (1903)

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  Georges Braque (1882-1963), Violina y candelero (1910), Museo de Arte Moderno de San Francisco

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  Juan Gris (1887-1927), Naturaleza morte (1913), Museo Thyssen Bornemisza

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  Marsden Hartley (1877-1943), Bebidas Handsome (c. 1916), Brooklyn Museum

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  Fernand Léger (1881-1955), Vida con una taza de cerveza (1921), Tate

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  Pablo Picasso, Compotier avec fruit, violon et verre (1912)

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  Pierre Bonnard (1867-1947), Tazón de frutas en una tabla (c. 1934), MAMC Estrasburgo

Siglo XXI

Durante los siglos XX y XXI, la noción de naturaleza muerta se ha extendido más allá de las formas tradicionales de arte bidimensional de la pintura hacia el videoarte y formas de arte tridimensionales como la escultura, la actuación y la instalación. Algunas obras de bodegones de medios mixtos emplean objetos encontrados, fotografía, video y sonido, e incluso se extienden desde el techo hasta el piso y llenan una habitación completa en una galería. A través del vídeo, los bodegones han incorporado al espectador a su obra. Siguiendo la era de la computadora con el arte por computadora y el arte digital, la noción de naturaleza muerta también ha incluido la tecnología digital. Los gráficos generados por computadora han aumentado potencialmente las técnicas disponibles para los artistas de bodegones. Se utilizan gráficos por computadora en 3D y gráficos por computadora en 2D con efectos fotorrealistas en 3D para generar imágenes de naturaleza muerta sintéticas. Por ejemplo, el software de artes gráficas incluye filtros que se pueden aplicar a gráficos vectoriales 2D o gráficos rasterizados 2D en capas transparentes. Los artistas visuales han copiado o visualizado efectos 3D para generar manualmente efectos fotorrealistas sin el uso de filtros.