Historia del arte asiático

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La historia del arte asiático incluye una amplia gama de artes de diversas culturas, regiones y religiones de todo el continente asiático. Las principales regiones de Asia incluyen Asia Central, Oriental, Meridional, Sudoriental y Occidental.

El arte de Asia Central consiste principalmente en obras de los pueblos túrquicos de la estepa euroasiática, mientras que el arte de Asia oriental incluye obras de China, Japón y Corea. El arte del sur de Asia abarca las artes del subcontinente indio, y el arte del sudeste asiático incluye el arte de Tailandia, Laos, Vietnam, Indonesia y Filipinas. El arte de Asia occidental abarca las artes del Cercano Oriente, incluido el arte antiguo de Mesopotamia y, más recientemente, dominado por el arte islámico.

En muchos sentidos, la historia del arte en Asia es paralela al desarrollo del arte occidental. Las historias del arte de Asia y Europa están muy entrelazadas, y el arte asiático influye mucho en el arte europeo, y viceversa; las culturas se mezclaron a través de métodos como la transmisión del arte de la Ruta de la Seda, el intercambio cultural de la Era del Descubrimiento y la colonización, ya través de Internet y la globalización moderna.

Excluyendo el arte prehistórico, el arte de Mesopotamia representa las formas de arte más antiguas de Asia.

Arte de Asia Central

El arte en Asia Central es un arte visual creado por los pueblos en gran parte túrquicos de los actuales Kirguistán, Kazajstán, Uzbekistán, Turkmenistán, Azerbaiyán, Tayikistán, Mongolia, Tíbet, Afganistán y Pakistán, así como partes de China y Rusia. En los últimos siglos, el arte de la región se ha visto muy influenciado por el arte islámico. El arte anterior de Asia Central fue influenciado por el arte chino, griego y persa, a través de la transmisión del arte de la Ruta de la Seda.

El arte popular nómada sirve como un aspecto vital del arte de Asia Central. El arte refleja el núcleo del estilo de vida de los grupos nómadas que residen en la región. Uno está obligado a quedar asombrado por la belleza de las piedras semipreciosas, la colcha, la puerta tallada y las alfombras bordadas que refleja este arte.

Música e instrumento musical

Asia Central se enriquece con la música y los instrumentos clásicos. Algunos de los famosos instrumentos musicales clásicos se originaron en la región de Asia Central. Rubab, Dombra y Chang son algunos de los instrumentos musicales utilizados en las artes musicales de Asia Central.

El renacimiento del arte de Asia Central

La vida de los pueblos de Asia Central giraba en torno al estilo de vida nómada. Por lo tanto, la mayoría de las artes de Asia Central en los tiempos modernos también están inspiradas en la vida nómada que muestra la era dorada. De hecho, el toque de tradición y cultura en el arte de Asia Central actúa como un importante factor de atracción para los foros de arte internacionales. El reconocimiento mundial hacia el arte de Asia Central ciertamente se ha sumado a su valor.

Arte de Asia oriental

Arte chino

El arte chino (chino: 中國藝術/中国艺术) ha variado a lo largo de su historia antigua, dividido en períodos por las dinastías gobernantes de China y la tecnología cambiante. Diferentes formas de arte han sido influenciadas por grandes filósofos, maestros, figuras religiosas e incluso líderes políticos. El arte chino abarca las bellas artes, las artes populares y las artes escénicas. El arte chino es arte, ya sea moderno o antiguo, que se originó o se practica en China o por artistas o artistas chinos.

En la dinastía Song, la poesía estuvo marcada por una poesía lírica conocida como Ci (詞) que expresaba sentimientos de deseo, a menudo en una persona adoptada. También en la dinastía Song aparecieron pinturas de expresión más sutil de paisajes, con contornos desdibujados y contornos de montañas que transmitían la distancia a través de un tratamiento impresionista de los fenómenos naturales. Fue durante este período que en la pintura se puso énfasis en los elementos espirituales más que en los emocionales, como en el período anterior. Kunqu, la forma de ópera china más antigua que existe, se desarrolló durante la dinastía Song en Kunshan, cerca de la actual Shanghái. En la dinastía Yuan, la pintura del pintor chino Zhao Mengfu (趙孟頫) influyó mucho en la pintura de paisajes china posterior, y la ópera de la dinastía Yuan se convirtió en una variante de la ópera china que continúa hoy como ópera cantonesa.

Arte de la pintura y la caligrafía china

pintura china

Gongbi y Xieyi son dos estilos de pintura en la pintura china.

Gongbi significa "meticuloso", los ricos colores y detalles de la imagen son sus características principales, su contenido representa principalmente retratos o narraciones. Xieyi significa 'mano alzada', su forma a menudo es exagerada e irreal, con énfasis en la expresión emocional del autor y generalmente se usa para representar paisajes.

Además de papel y seda, también se han realizado pinturas tradicionales en las paredes, como las Grutas de Mogao en la provincia de Gansu. Las grutas de Dunhuang Mogao se construyeron durante la dinastía Wei del Norte (386–534 d. C.). Consta de más de 700 cuevas, de las cuales 492 cuevas tienen murales en las paredes, totalizando más de 45.000 metros cuadrados. Los murales tienen un contenido muy amplio, incluyen estatuas de Buda, paraíso, ángeles, eventos históricos importantes e incluso donantes. Los estilos de pintura en las primeras cuevas recibieron influencia de la India y Occidente. Desde la dinastía Tang (618–906 EC), los murales comenzaron a reflejar el estilo único de pintura china.

Panorama de

A lo largo del río durante el Festival de Qingming, una reproducción del siglo XVIII del original del siglo XII del artista chino Zhang Zeduan; Nota: el desplazamiento comienza desde la derecha

Caligrafía china

La caligrafía china se remonta al Dazhuan (escritura de sello grande) que apareció en la dinastía Zhou. Después de que el emperador Qin unificara China, el primer ministro Li Si recopiló y compiló el estilo Xiaozhuan (pequeño sello) como un nuevo texto oficial. La escritura del sello pequeño es muy elegante pero difícil de escribir rápidamente. En la dinastía Han del Este, comenzó a surgir un tipo de escritura llamada Lishu (Escritura oficial). Debido a que no revela círculos y tiene muy pocas líneas curvas, es muy adecuado para la escritura rápida. Después de eso, apareció el estilo Kaishu (escritura regular tradicional), y su estructura es más simple y ordenada, esta escritura todavía se usa ampliamente en la actualidad.

Antiguas artesanías chinas

Jade

El jade primitivo se usaba como adorno o como utensilio de sacrificio. El objeto de jade tallado chino más antiguo apareció en la cultura Hemudu a principios del período Neolítico (alrededor de 3500-2000 a. C.). Durante la dinastía Shang (c. 1600-1046 a. C.), aparecieron Bi (jade circular perforado) y Cong (tubo cuadrado de jade), que se suponía que eran utensilios de sacrificio, que representaban el cielo y la tierra. En la dinastía Zhou (1046-256 a. C.), debido al uso de herramientas de grabado de mayor dureza, los jades se tallaban con más delicadeza y comenzaron a usarse como colgantes o adornos en la ropa. Se consideraba que el jade era inmortal y podía proteger al propietario, por lo que los objetos de jade tallado a menudo se enterraban con el difunto, como un traje funerario de jade de la tumba de Liu Sheng, un príncipe de la dinastía Han Occidental.

Porcelana

La porcelana es un tipo de cerámica hecha de caolín a alta temperatura. Las primeras cerámicas en China aparecieron en la dinastía Shang (c.1600-1046 a. C.). Y la producción de cerámica sentó las bases para la invención de la porcelana. La historia de la porcelana china se remonta a la dinastía Han (206 a. C. - 220 d. C.). En la dinastía Tang, la porcelana se dividía en celadón y porcelana blanca. En la dinastía Song, Jingdezhen fue seleccionado como el centro de producción de porcelana real y comenzó a producir porcelana azul y blanca.

Arte chino moderno

Después del final de la última dinastía feudal en China, con el surgimiento del nuevo movimiento cultural, los artistas chinos comenzaron a verse influenciados por el arte occidental y comenzaron a integrar el arte occidental en la cultura china. Influenciado por el jazz estadounidense, el compositor chino Li Jinhui (conocido como el padre de la música pop china) comenzó a crear y promover la música popular, lo que causó una gran sensación. A principios del siglo XX, las pinturas al óleo se introdujeron en China y cada vez más pintores chinos comenzaron a tocar las técnicas de pintura occidentales y combinarlas con la pintura tradicional china. Mientras tanto, también ha comenzado a surgir una nueva forma de pintura, los cómics. Era popular entre muchas personas y se convirtió en la forma más económica de entretener en ese momento.

Arte tibetano

El arte tibetano se refiere al arte del Tíbet (Región Autónoma del Tíbet en China) y otros reinos del Himalaya actuales y anteriores (Bután, Ladakh, Nepal y Sikkim). El arte tibetano es ante todo una forma de arte sacro, que refleja la influencia predominante del budismo tibetano en estas culturas. El mandala de arena (tib: kilkhor) es una tradición budista tibetana que simboliza la naturaleza transitoria de las cosas. Como parte del canon budista, todas las cosas materiales se consideran transitorias. Un mandala de arena es un ejemplo de esto, ya que una vez que se ha construido y se terminan las ceremonias y la visualización que lo acompañan, se destruye sistemáticamente.

Cuando el budismo Mahayana surgió como una escuela separada en el siglo IV a. C., enfatizó el papel de los bodhisattvas, seres compasivos que renuncian a su escape personal al Nirvana para ayudar a los demás. Desde una época temprana, varios bodhisattvas también fueron sujetos del arte de la estatua. El budismo tibetano, como descendiente del budismo Mahayana, heredó esta tradición. Pero la presencia dominante adicional del Vajrayana (o tantra budista) puede haber tenido una importancia primordial en la cultura artística. Un bodhisattva común representado en el arte tibetano es la deidad Chenrezig (Avalokitesvara), a menudo representado como un santo de mil brazos con un ojo en el medio de cada mano, que representa al compasivo que todo lo ve y escucha nuestras peticiones. Esta deidad también puede entenderse como un Yidam, o 'Buda de meditación' para la práctica de Vajrayana.

El budismo tibetano contiene budismo tántrico, también conocido como budismo Vajrayana por su simbolismo común del vajra, el rayo de diamante (conocido en tibetano como dorje). La mayor parte del arte budista tibetano típico puede verse como parte de la práctica del tantra. Las técnicas Vajrayana incorporan muchas visualizaciones/imaginaciones durante la meditación, y la mayor parte del arte tántrico elaborado puede verse como ayuda para estas visualizaciones; desde representaciones de deidades meditativas (yidams) hasta mandalas y todo tipo de implementos rituales.

Un aspecto visual del budismo tántrico es la representación común de deidades iracundas, a menudo representadas con rostros enojados, círculos de llamas o cráneos de muertos. Estas imágenes representan a los Protectores (Skt. dharmapala) y su temible porte desmiente su verdadera naturaleza compasiva. En realidad, su ira representa su dedicación a la protección de la enseñanza del dharma, así como a la protección de las prácticas tántricas específicas para evitar la corrupción o la interrupción de la práctica. Se utilizan sobre todo como aspectos psicológicos coléricos que pueden utilizarse para conquistar las actitudes negativas del practicante.

Los historiadores señalan que la pintura china tuvo una profunda influencia en la pintura tibetana en general. A partir de los siglos XIV y XV, la pintura tibetana incorporó muchos elementos de los chinos, y durante el siglo XVIII, la pintura china tuvo un impacto profundo y extenso en el arte visual tibetano. Según Giuseppe Tucci, en la época de la dinastía Qing, "entonces se desarrolló un nuevo arte tibetano, que en cierto sentido era un eco provincial del suave y ornamentado preciosismo chino del siglo XVIII".

Arte japonés

El arte y la arquitectura japoneses son obras de arte producidas en Japón desde los comienzos de la ocupación humana allí, en algún momento del décimo milenio antes de Cristo, hasta el presente. El arte japonés cubre una amplia gama de estilos y medios artísticos, incluida la cerámica antigua, la escultura en madera y bronce, la pintura con tinta sobre seda y papel, y una miríada de otros tipos de obras de arte; desde la antigüedad hasta el siglo XXI contemporáneo.

La forma de arte alcanzó una gran popularidad en la cultura metropolitana de Edo (Tokio) durante la segunda mitad del siglo XVII, originándose con las obras de un solo color de Hishikawa Moronobu en la década de 1670. Al principio, solo se usaba tinta china, luego algunas impresiones se coloreaban manualmente con un pincel, pero en el siglo XVIII Suzuki Harunobu desarrolló la técnica de impresión policromada para producir nishiki-e.

La pintura japonesa (絵画, Kaiga) es una de las artes japonesas más antiguas y refinadas, y abarca una amplia variedad de géneros y estilos. Al igual que con la historia de las artes japonesas en general, la historia de la pintura japonesa es una larga historia de síntesis y competencia entre la estética nativa japonesa y la adaptación de ideas importadas.

Los orígenes de la pintura en Japón se remontan al período prehistórico de Japón. Se pueden encontrar figuras de palos simples y diseños geométricos en la cerámica del período Jōmon y en las campanas de bronce dōtaku del período Yayoi (300 a. C. - 300 d. C.). Se han encontrado pinturas murales con diseños tanto geométricos como figurativos en numerosos túmulos del período Kofun (300–700 d. C.).

La escultura japonesa antigua se derivó principalmente de la adoración de ídolos en el budismo o de los ritos animistas de la deidad sintoísta. En particular, la escultura, entre todas las artes, llegó a estar más firmemente centrada en el budismo. Los materiales utilizados tradicionalmente eran el metal, especialmente el bronce, y, más comúnmente, la madera, a menudo lacada, dorada o pintada con colores brillantes. Al final del período Tokugawa, esta escultura tradicional, a excepción de las obras en miniatura, había desaparecido en gran medida debido a la pérdida del patrocinio de los templos budistas y la nobleza.

Ukiyo, que significa "mundo flotante", se refiere a la impetuosa cultura joven que floreció en los centros urbanos de Edo (actualmente Tokio), Osaka y Kioto, que eran un mundo en sí mismos. Es una alusión irónica al término homófono "Mundo Doloroso" (憂き世), el plano terrenal de muerte y renacimiento del que los budistas buscaban liberarse.

Arte coreano

El arte coreano se destaca por sus tradiciones en cerámica, música, caligrafía, pintura, escultura y otros géneros, a menudo marcados por el uso de colores llamativos, formas naturales, formas y escalas precisas y decoración de superficies.

Si bien existen diferencias claras y distintivas entre tres culturas independientes, existen similitudes e interacciones significativas e históricas entre las artes de Corea, China y Japón.

El estudio y apreciación del arte coreano se encuentra todavía en una etapa de formación en Occidente. Debido a la posición de Corea entre China y Japón, Corea fue vista como un mero conducto de la cultura china hacia Japón. Sin embargo, estudiosos recientes han comenzado a reconocer el arte, la cultura y el papel importante propios de Corea, no solo en la transmisión de la cultura china, sino también en su asimilación y creación de una cultura propia única. Un arte nacido y desarrollado por una nación es su propio arte.

En general, la historia de la pintura coreana se remonta aproximadamente al año 108 EC, cuando aparece por primera vez como una forma independiente. Entre ese momento y las pinturas y frescos que aparecen en las tumbas de la dinastía Goryeo, ha habido poca investigación. Baste decir que hasta la dinastía Joseon, la principal influencia fue la pintura china, aunque realizada con paisajes coreanos, rasgos faciales, temas budistas y un énfasis en la observación celestial en consonancia con el rápido desarrollo de la astronomía coreana.

A lo largo de la historia de la pintura coreana, ha habido una separación constante de obras monocromáticas de pinceladas negras sobre papel de morera o seda; y el colorido arte popular o min-hwa, artes rituales, pinturas de tumbas y artes festivas que tenían un uso extensivo del color.

Esta distinción a menudo se basaba en la clase: los eruditos, particularmente en el arte confuciano, sintieron que uno podía ver el color en pinturas monocromáticas dentro de las gradaciones y sintieron que el uso real del color tosca las pinturas y restringía la imaginación. Se consideró que el arte popular coreano y la pintura de marcos arquitectónicos iluminaban ciertos marcos de madera exteriores, y nuevamente dentro de la tradición de la arquitectura china, y las primeras influencias budistas de profusos y ricos thalo y colores primarios inspirados en el arte de la India.

Arte contemporáneo en Corea:El primer ejemplo de pintura al óleo de estilo occidental en el arte coreano se encuentra en los autorretratos del artista coreano Ko Hu i-dong (1886–1965). Solo quedan tres de estas obras en la actualidad. estos autorretratos imparten una comprensión del medio que se extiende mucho más allá de la afirmación de la diferencia estilística y cultural. a principios del siglo XX, la decisión de pintar con óleo y lienzo en Corea tenía dos interpretaciones diferentes. Uno es un sentido de iluminación debido a las ideas y estilos artísticos occidentales. Esta ilustración derivó de un movimiento intelectual de los siglos XVII y XVIII. Ko había estado pintando con este método durante un período de anexión de Corea por parte de Japón. Durante este tiempo, muchos afirmaron que su arte podría haber sido político, sin embargo, él mismo afirmó que era un artista y no un político. Ko dijo " Mientras estaba en Tokio, sucedió algo muy curioso. En ese momento había menos de cien estudiantes coreanos en Tokio. Todos estábamos bebiendo el aire nuevo y emprendiendo nuevos estudios, pero hubo algunos que se burlaron de mi elección de estudiar arte. Un amigo cercano dijo que no estaba bien que yo estudiara pintura en un momento como este".

La cerámica coreana fue reconocida ya en el año 6000 a. Esta cerámica también se conocía como cerámica con patrón de peine debido a las líneas decorativas talladas en el exterior. Las primeras sociedades coreanas dependían principalmente de la pesca. Entonces, usaron la cerámica para almacenar pescado y otras cosas recolectadas del océano, como mariscos. La cerámica tenía dos distinciones regionales principales. Los de la costa este tienden a tener una base plana, mientras que la cerámica de la costa sur tenía una base redonda.

Arte del sur de asia

Arte pakistaní

El arte paquistaní tiene una larga tradición e historia. Consiste en una variedad de formas de arte, que incluyen pintura, escultura, caligrafía, cerámica y artes textiles como la seda tejida. Geográficamente, es parte del arte del subcontinente indio, incluido lo que ahora es Pakistán.

Arte budista

El arte budista se originó en el subcontinente indio en los siglos posteriores a la vida del Buda histórico Gautama en los siglos VI y V a. C., antes de evolucionar a través de su contacto con otras culturas y su difusión por el resto de Asia y el mundo. El arte budista viajó con los creyentes a medida que el dharma se extendía, adaptaba y evolucionaba en cada nuevo país anfitrión. Se desarrolló hacia el norte a través de Asia central y hacia el este de Asia para formar la rama del arte budista del norte, y hacia el este hasta el sudeste de Asia para formar la rama del arte budista del sur. En India, el arte budista floreció e incluso influyó en el desarrollo del arte hindú, hasta que el budismo casi desapareció en India alrededor del siglo X EC debido en parte a la vigorosa expansión del Islam junto con el hinduismo.

Un dispositivo visual común en el arte budista es el mandala. Desde la perspectiva del espectador, representa esquemáticamente el universo ideal. En varias tradiciones espirituales, los mandalas pueden emplearse para centrar la atención de los aspirantes y adeptos, una herramienta de enseñanza espiritual, para establecer un espacio sagrado y como ayuda para la meditación y la inducción al trance. Su naturaleza simbólica puede ayudar a "acceder progresivamente a niveles más profundos del inconsciente, ayudando en última instancia al meditador a experimentar un sentido místico de unidad con la unidad última de la que surge el cosmos en todas sus múltiples formas". El psicoanalista Carl Jung vio el mandala como "una representación del centro del yo inconsciente",y creía que sus pinturas de mandalas le permitían identificar trastornos emocionales y trabajar hacia la plenitud de la personalidad.

Arte butanés

El arte butanés es similar al arte del Tíbet. Ambos se basan en el budismo Vajrayana, con su panteón de seres divinos.

Las principales órdenes del budismo en Bután son Drukpa Kagyu y Nyingma. La primera es una rama de la Escuela Kagyu y es conocida por las pinturas que documentan el linaje de los maestros budistas y los 70 Je Khenpo (líderes del establecimiento monástico butanés). La orden Nyingma es conocida por las imágenes de Padmasambhava, a quien se le atribuye la introducción del budismo en Bután en el siglo VII. Según la leyenda, Padmasambhava escondió tesoros sagrados para que los futuros maestros budistas, especialmente Pema Lingpa, los encontraran. Los buscadores de tesoros (tertön) también son temas frecuentes del arte nyingma.

A cada ser divino se le asignan formas, colores y/u objetos de identificación especiales, como el loto, la caracola, el rayo y el cuenco de limosna. Todas las imágenes sagradas están hechas con especificaciones exactas que se han mantenido notablemente sin cambios durante siglos.

El arte de Bután es particularmente rico en bronces de diferentes tipos que se conocen colectivamente con el nombre de Kham-so (hecho en Kham) a pesar de que están hechos en Bután, porque la técnica para hacerlos se importó originalmente de la provincia oriental del Tíbet llamada Kham.. Las pinturas murales y las esculturas, en estas regiones, se formulan sobre los principales ideales eternos de las formas de arte budista. Aunque su énfasis en los detalles se deriva de los modelos tibetanos, sus orígenes se pueden discernir fácilmente, a pesar de las prendas profusamente bordadas y los adornos brillantes con los que estas figuras están profusamente cubiertas. En el grotesco mundo de los demonios, los artistas aparentemente tenían mayor libertad de acción que cuando modelaban imágenes de seres divinos.

Las artes y oficios de Bután que representan el "espíritu y la identidad del reino del Himalaya" exclusivos se definen como el arte de Zorig Chosum, que significa las “trece artes y oficios de Bután”; los trece oficios son carpintería, pintura, fabricación de papel, herrería, tejido, escultura y muchos otros oficios. El Instituto de Zorig Chosum en Thimphu es la principal institución de artes y oficios tradicionales establecida por el Gobierno de Bután con el único objetivo de preservar la rica cultura y tradición de Bután y capacitar a los estudiantes en todas las formas de arte tradicionales; hay otra institución similar en el este de Bután conocida como Trashi Yangtse. La vida rural butanesa también se exhibe en el 'Museo del Patrimonio Popular' en Thimphu. También hay un 'Estudio de Artistas Voluntarios' en Thimphu para alentar y promover las formas de arte entre los jóvenes de Thimphu. Las trece artes y oficios de Bután y las instituciones establecidas en Thimphu para promover estas formas de arte son:

Arte indio

El arte indio se puede clasificar en períodos específicos, cada uno de los cuales refleja ciertos desarrollos religiosos, políticos y culturales. Los primeros ejemplos son los petroglifos como los encontrados en Bhimbetka, algunos de ellos anteriores al 5500 a. La producción de tales obras continuó durante varios milenios.

Siguió el arte de la civilización del valle del Indo. Los ejemplos posteriores incluyen los pilares tallados de Ellora, estado de Maharashtra. Otros ejemplos son los frescos de las cuevas de Ajanta y Ellora.

Las contribuciones del Imperio mogol al arte indio incluyen la pintura mogol, un estilo de pintura en miniatura fuertemente influenciado por las miniaturas persas y la arquitectura mogol.

Durante el Raj británico, la pintura india moderna evolucionó como resultado de la combinación de estilos tradicionales indios y europeos. Raja Ravi Varma fue un pionero de este período. La escuela de arte de Bengala se desarrolló durante este período, dirigida por Abanidranath Tagore, Gaganendranath Tagore, Jamini Roy, Mukul Dey y Nandalal Bose.

Una de las formas de arte más populares de la India se llama Rangoli. Es una forma de decoración de pintura con arena que utiliza colores y polvo blanco finamente molido, y se usa comúnmente fuera de los hogares en la India.

Las artes visuales (escultura, pintura y arquitectura) están estrechamente interrelacionadas con las artes no visuales. Según Kapila Vatsyayan, "La arquitectura, la escultura, la pintura, la literatura (kaavya), la música y la danza clásicas de la India desarrollaron sus propias reglas condicionadas por sus respectivos medios, pero compartieron entre sí no solo las creencias espirituales subyacentes de la religión-filosófica india. mente, sino también los procedimientos por los cuales las relaciones del símbolo y los estados espirituales fueron elaboradas en detalle".

La comprensión de las cualidades únicas del arte indio se logra mejor a través de la comprensión del pensamiento filosófico, la amplia historia cultural, los antecedentes sociales, religiosos y políticos de las obras de arte.

Períodos específicos:

  • Hinduismo y budismo del período antiguo (3500 a. C. - presente)
  • Ascendencia islámica (712-1757 d. C.)
  • El período colonial (1757-1947)
  • Arte moderno y posmoderno en India
  • Independencia y el período poscolonial (Post-1947)

Arte nepalí

La antigua y refinada cultura tradicional de Katmandú, por cierto de todo Nepal, es un encuentro ininterrumpido y excepcional del ethos hindú y budista practicado por su pueblo altamente religioso. También ha acogido en su redil la diversidad cultural proporcionada por otras religiones como el jainismo, el islamismo y el cristianismo.

Arte del sudeste asiático

Arte camboyano

El arte camboyano y la cultura de Camboya han tenido una historia rica y variada que se remonta a muchos siglos y ha sido fuertemente influenciada por la India. A su vez, Camboya influyó mucho en Tailandia, Laos y viceversa. A lo largo de la larga historia de Camboya, una de las principales fuentes de inspiración fue la religión. A lo largo de casi dos milenios, los camboyanos desarrollaron una creencia jemer única a partir del sincretismo de las creencias animistas indígenas y las religiones indias del budismo y el hinduismo. La cultura y la civilización indias, incluido su idioma y sus artes, llegaron al sudeste asiático continental alrededor del siglo I d.C.En general, se cree que los comerciantes marineros trajeron las costumbres y la cultura indias a los puertos a lo largo del golfo de Tailandia y el Pacífico mientras comerciaban con China. El primer estado en beneficiarse de esto fue Funan. En varios momentos, la cultura de Camboya también absorbió elementos de las culturas javanesa, china, laosiana y tailandesa.

Artes visuales de Camboya

La historia de las artes visuales de Camboya se remonta siglos atrás a la artesanía antigua; El arte jemer alcanzó su apogeo durante el período de Angkor. Las artes y artesanías tradicionales de Camboya incluyen textiles, tejidos no textiles, platería, tallado en piedra, lacado, cerámica, murales wat y fabricación de cometas. A partir de mediados del siglo XX, comenzó una tradición de arte moderno en Camboya, aunque a finales del siglo XX, tanto las artes tradicionales como las modernas declinaron por varias razones, incluido el asesinato de artistas por parte de los Jemeres Rojos. El país ha experimentado un renacimiento artístico reciente debido al mayor apoyo de gobiernos, ONG y turistas extranjeros.

La escultura jemer se refiere a la escultura de piedra del Imperio jemer, que gobernó un territorio basado en la Camboya moderna, pero bastante más grande, desde el siglo IX al XIII. Los ejemplos más célebres se encuentran en Angkor, que sirvió como sede del imperio.

En el siglo VII, la escultura jemer comienza a alejarse de sus influencias hindúes (pre-Gupta para las figuras budistas, Pallava para las figuras hindúes) y, a través de una constante evolución estilística, llega a desarrollar su propia originalidad, que en el siglo X puede considerarse completa y absoluta. La escultura jemer pronto va más allá de la representación religiosa, que se convierte casi en un pretexto para retratar figuras de la corte bajo la apariencia de dioses y diosas.Pero además, también viene a constituir un medio y un fin en sí mismo para la ejecución del refinamiento estilístico, como una especie de campo de pruebas. Ya hemos visto cómo el contexto social del reino jemer proporciona una segunda clave para entender este arte. Pero también podemos imaginar que en un nivel más exclusivo, pequeños grupos de intelectuales y artistas estaban trabajando, compitiendo entre ellos en maestría y refinamiento en la búsqueda de una hipotética perfección de estilo.

Los dioses que encontramos en la escultura jemer son los de las dos grandes religiones de la India, el budismo y el hinduismo. Y siempre están representados con gran precisión iconográfica, indicando claramente que sabios sacerdotes supervisaron la ejecución de las obras.No obstante, a diferencia de aquellas imágenes hindúes que repiten un estereotipo idealizado, estas imágenes están tratadas con gran realismo y originalidad porque representan modelos vivos: el rey y su corte. La verdadera función social del arte jemer era, de hecho, la glorificación de la aristocracia a través de estas imágenes de los dioses encarnados en los príncipes. De hecho, el culto al “deva-raja” requirió el desarrollo de un arte eminentemente aristocrático en el que el pueblo debía ver la prueba tangible de la divinidad del soberano, mientras que la aristocracia se complacía en verse a sí misma – si es verdad, en forma idealizada, inmortalizada en el esplendor de intrincados adornos, vestidos elegantes y joyas extravagantes.

Las esculturas son admirables imágenes de dioses, presencias regias e imponentes que, aunque no exentas de sensualidad femenina, nos hacen pensar en personajes importantes de las cortes, personajes de considerable poder. Los artistas que esculpieron las piedras cumplieron sin duda los objetivos y requisitos primarios exigidos por las personas que las encargaron. Las esculturas representan a la divinidad elegida a la manera ortodoxa y logran retratar, con gran destreza y maestría, altas figuras de la corte en todo su esplendor, con atuendos, adornos y joyas de una belleza sofisticada.

Arte indonesio

El arte y la cultura de Indonesia han sido moldeados por una larga interacción entre las costumbres indígenas originales y múltiples influencias extranjeras. Indonesia es central a lo largo de las antiguas rutas comerciales entre el Lejano Oriente y el Medio Oriente, lo que da como resultado que muchas prácticas culturales estén fuertemente influenciadas por una multitud de religiones, incluido el hinduismo, el budismo, el confucianismo y el islam, todas fuertes en las principales ciudades comerciales. El resultado es una mezcla cultural compleja muy diferente a las culturas indígenas originales. Indonesia no es generalmente conocida por sus pinturas, aparte de las intrincadas y expresivas pinturas balinesas, que a menudo expresan escenas naturales y temas de las danzas tradicionales.

Otras excepciones incluyen diseños de pintura indígena Kenyah basados ​​en, como se encuentran comúnmente entre las culturas austronesias, motivos naturales endémicos como helechos, árboles, perros, cálaos y figuras humanas. Todavía se pueden encontrar decorando las paredes de las casas comunales de Kenyah Dayak en la región de Apo Kayan en Kalimantan Oriental.

Indonesia tiene una larga Edad del Bronce y del Hierro, pero la forma de arte floreció particularmente desde el siglo VIII hasta el siglo X, tanto como obras de arte independientes como incorporadas en los templos.

Los más notables son los cientos de metros de escultura en relieve en el templo de Borobudur en el centro de Java. Aproximadamente dos millas de exquisitas esculturas en relieve cuentan la historia de la vida de Buda e ilustran sus enseñanzas. El templo fue originalmente el hogar de 504 estatuas del Buda sentado. Este sitio, al igual que otros en Java central, muestra una clara influencia india.

La caligrafía, basada principalmente en el Corán, se usa a menudo como decoración, ya que el Islam prohíbe las representaciones naturalistas. Algunos pintores extranjeros también se han establecido en Indonesia. Los pintores indonesios modernos utilizan una amplia variedad de estilos y temas.

Arte balinés

El arte balinés es un arte de origen hindú-javanés que surgió del trabajo de los artesanos del Reino de Majapahit, con su expansión a Bali a fines del siglo XIII. Desde el siglo XVI hasta el siglo XX, el pueblo de Kamasan, Klungkung (Este de Bali), fue el centro del arte clásico balinés. Durante la primera parte del siglo XX, se desarrollaron nuevas variedades de arte balinés. Desde finales del siglo XX, Ubud y sus pueblos vecinos se ganaron la reputación de ser el centro del arte balinés. Ubud y Batuan son conocidas por sus pinturas, Mas por sus tallas en madera, Celuk por sus orfebres y plateros, y Batubulan por sus tallas en piedra. Covarrubiasdescribe el arte balinés como "... un arte popular barroco muy desarrollado, aunque informal, que combina la vivacidad campesina con el refinamiento del clasicismo del hinduismo de Java, pero libre del prejuicio conservador y con una nueva vitalidad inflamada por la exuberancia de lo demoníaco espíritu de lo primitivo tropical". Eiseman señaló correctamente que el arte balinés en realidad está tallado, pintado, tejido y preparado en objetos destinados al uso diario y no como objeto de arte.

En la década de 1920, con la llegada de muchos artistas occidentales, Bali se convirtió en un enclave artístico (como lo fue Tahití para Paul Gauguin) para artistas de vanguardia como Walter Spies (alemán), Rudolf Bonnet (holandés), Adrien-Jean Le Mayeur (belga), Arie Smit (holandés) y Donald Friend (australiano) en años más recientes. La mayoría de estos artistas occidentales tuvieron muy poca influencia en los balineses hasta el período posterior a la Segunda Guerra Mundial, aunque algunos relatos enfatizan demasiado la presencia occidental a expensas de reconocer la creatividad balinesa.

Este innovador período de creatividad alcanzó su punto máximo a fines de la década de 1930. Una corriente de visitantes famosos, incluidos Charlie Chaplin y los antropólogos Gregory Bateson y Margaret Mead, alentaron a los talentosos lugareños a crear obras muy originales. Durante su estadía en Bali a mediados de la década de 1930, Bateson y Mead recolectaron más de 2000 pinturas, principalmente del pueblo de Batuan, pero también del pueblo costero de Sanur. Entre los artistas occidentales, a Spies y Bonnet a menudo se les atribuye la modernización de las pinturas balinesas tradicionales. A partir de la década de 1950, los artistas balineses incorporaron aspectos de la perspectiva y la anatomía de estos artistas. Más importante aún, actuaron como agentes de cambio fomentando la experimentación y promoviendo desviaciones de la tradición. El resultado fue una explosión de expresión individual que incrementó la tasa de cambio en el arte balinés.

Arte laosiano

El arte laosiano incluye cerámica, escultura budista laosiana y música laosiana.

Las esculturas budistas de Laos se crearon en una gran variedad de materiales, incluidos oro, plata y, con mayor frecuencia, bronce. El ladrillo y el mortero también fueron un medio utilizado para imágenes colosales, una famosa de ellas es la imagen de Phya Vat.(siglo XVI) en Vientiane, aunque una renovación alteró por completo la apariencia de la escultura, y ya no se parece a un Buda de Laos. La madera es popular para las pequeñas imágenes budistas votivas que a menudo se dejan en las cuevas. La madera también es muy común para grandes imágenes de pie de tamaño natural de Buda. Las dos esculturas más famosas talladas en piedra semipreciosa son Phra Keo (El Buda de Esmeralda) y Phra Phuttha Butsavarat. El Phra Keo, que probablemente sea de origen Xieng Sen (Chiang Saen), está tallado en un bloque sólido de jade. Descansó en Vientiane durante doscientos años antes de que los siameses se lo llevaran como botín a finales del siglo XVIII. Hoy sirve como paladio del Reino de Tailandia y reside en el Gran Palacio de Bangkok. El Phra Phuttha Butsavarat, como el Phra Keo, también está consagrado en su propia capilla en el Gran Palacio de Bangkok. Antes de que los siameses se apoderaran de ella a principios del siglo XIX, esta imagen de cristal era el paladio del reino laosiano de Champassack.

Muchas hermosas esculturas budistas de Laos están talladas en las cuevas de Pak Ou. Cerca de Pak Ou (desembocadura del río Ou), Tham Ting (cueva inferior) y Tham Theung (cueva superior) están cerca de Luang Prabang, Laos. Son un magnífico grupo de cuevas a las que solo se puede acceder en barco, a unas dos horas río arriba del centro de Luang Prabang, y que recientemente se han vuelto más conocidas y frecuentadas por los turistas. Las cuevas se destacan por sus impresionantes esculturas de estilo budista y laosiano talladas en las paredes de la cueva, y cientos de figuras budistas desechadas dispuestas sobre los pisos y estantes de las paredes. Fueron puestos allí porque sus dueños no querían destruirlos, por lo que se hace un difícil viaje a las cuevas para colocar allí su estatua no deseada.

Arte tailandés

El arte y las artes visuales tailandeses eran tradicionalmente y principalmente arte budista y real. La escultura consistía casi exclusivamente en imágenes de Buda, mientras que la pintura se limitaba a la ilustración de libros y la decoración de edificios, principalmente palacios y templos. Las imágenes de Buda tailandés de diferentes períodos tienen una serie de estilos distintivos. El arte tailandés contemporáneo a menudo combina elementos tailandeses tradicionales con técnicas modernas.

Las pinturas tradicionales tailandesas mostraban sujetos en dos dimensiones sin perspectiva. El tamaño de cada elemento de la imagen reflejaba su grado de importancia. La técnica principal de composición es la de repartir áreas: los elementos principales están aislados entre sí por transformadores de espacio. Esto eliminó el terreno intermedio, que de otro modo implicaría perspectiva. La perspectiva se introdujo solo como resultado de la influencia occidental a mediados del siglo XIX.

Los temas narrativos más frecuentes para las pinturas fueron o son: las historias de Jataka, los episodios de la vida de Buda, los cielos e infiernos budistas y las escenas de la vida cotidiana.

El período de Sukhothai comenzó en el siglo XIV en el reino de Sukhothai. Las imágenes de Buda del período Sukhothai son elegantes, con cuerpos sinuosos y rostros esbeltos y ovalados. Este estilo enfatizó el aspecto espiritual del Buda, al omitir muchos pequeños detalles anatómicos. El efecto se vio reforzado por la práctica común de fundir imágenes en metal en lugar de tallarlas. Este período vio la introducción de la pose de "Buda caminando".

Los artistas de Sukhothai intentaron seguir las marcas definitorias canónicas de un Buda, tal como se establecen en los textos antiguos de Pali:

  • Piel tan suave que el polvo no puede adherirse a ella;
  • Piernas como un ciervo;
  • Muslos como un árbol de higuera;
  • Hombros tan macizos como la cabeza de un elefante;
  • Brazos redondos como la trompa de un elefante, y lo suficientemente largos como para tocar las rodillas;
  • Manos como lotos a punto de florecer;
  • Las yemas de los dedos se volvieron hacia atrás como pétalos;
  • cabeza como un huevo;
  • Pelo como aguijones de escorpión;
  • mentón como hueso de mango;
  • Nariz como el pico de un loro;
  • Lóbulos alargados por los pendientes de la realeza;
  • Pestañas como las de una vaca;
  • Cejas como lazos dibujados.

Sukhothai también produjo una gran cantidad de cerámica vidriada en el estilo Sawankhalok, que se comercializaba en todo el sudeste asiático.

Arte vietnamita

El arte vietnamita es de una de las culturas más antiguas de la región del sudeste asiático. Un rico patrimonio artístico que se remonta a la prehistoria e incluye: pintura sobre seda, escultura, alfarería, cerámica, grabados en madera, arquitectura, música, danza y teatro.

El arte tradicional vietnamita es el arte practicado en Vietnam o por artistas vietnamitas, desde la antigüedad (incluidos los elaborados tambores Đông Sơn) hasta el arte posterior a la dominación china que estuvo fuertemente influenciado por el arte budista chino, entre otras filosofías como el taoísmo y el confucianismo. El arte de Champa y el arte francés también jugaron un papel menor más adelante.

La influencia china en el arte vietnamita se extiende a la cerámica, la caligrafía y la arquitectura tradicional vietnamitas. Actualmente, las pinturas de laca vietnamitas han demostrado ser bastante populares.

La dinastía Nguyễn, la última dinastía gobernante de Vietnam (c. 1802-1945), vio un interés renovado en la cerámica y el arte de la porcelana. Las cortes imperiales de Asia importaban cerámica vietnamita.

A pesar de cuán altamente desarrolladas se volvieron las artes escénicas (como la música y la danza de la corte imperial) durante la dinastía Nguyễn, algunos ven que otros campos de las artes comenzaron a declinar durante la última parte de la dinastía Nguyễn.

A partir del siglo XIX, el arte moderno y las influencias artísticas francesas se extendieron por Vietnam. A principios del siglo XX, se fundó la École Supérieure des Beaux Arts de l'Indochine (Colegio de Artes de Indochina) para enseñar métodos europeos y ejerció influencia principalmente en las ciudades más grandes, como Hanoi y Ciudad Ho Chi Minh.

Las restricciones de viaje impuestas a los vietnamitas durante los 80 años de gobierno de Francia en Vietnam y el largo período de guerra por la independencia nacional significaron que muy pocos artistas vietnamitas pudieron entrenarse o trabajar fuera de Vietnam. Un pequeño número de artistas de entornos acomodados tuvo la oportunidad de ir a Francia y hacer su carrera allí en su mayor parte. Los ejemplos incluyen Le Thi Luu, Le Pho, Mai Trung Thu, Le Van De, Le Ba Dang y Pham Tang.

Los artistas vietnamitas modernos comenzaron a utilizar técnicas francesas con muchos medios tradicionales como seda, laca, etc., creando así una combinación única de elementos orientales y occidentales.

Caligrafía vietnamita

La caligrafía ha tenido una larga historia en Vietnam, anteriormente usaba Chữ Hán junto con Chữ Nôm. Sin embargo, la mayoría de la caligrafía vietnamita moderna utiliza en su lugar el Chữ Quốc Ngữ basado en caracteres romanos, que ha demostrado ser muy popular.

En el pasado, con la alfabetización en los antiguos sistemas de escritura basados ​​en caracteres de Vietnam restringida a eruditos y élites, la caligrafía, sin embargo, aún jugaba un papel importante en la vida vietnamita. En ocasiones especiales como el Año Nuevo Lunar, la gente acudía al maestro o erudito del pueblo para que les hiciera un colgante de caligrafía (a menudo poesía, refranes populares o incluso palabras sueltas). Las personas que no sabían leer ni escribir también solían encargar a los eruditos que escribieran oraciones que quemarían en los santuarios de los templos.

Arte filipino

El arte filipino más antiguo que se conoce son las artes rupestres, donde el más antiguo son los petroglifos de Angono, realizados durante el Neolítico, fechados entre el 6000 y el 2000 a. Las tallas posiblemente se usaron como parte de una antigua práctica de curación para niños enfermos. A esto le siguieron los petroglifos de Alab, fechados no más tarde del 1500 a. C., que exhibían símbolos de fertilidad como una pudenda. Las artes rupestres son petrografías, incluyendo el arte rupestre al carboncillo de Peñablanca, el arte rupestre al carboncillo de Singnapan, el arte rupestre al hematites rojo en Anda, y el arte rupestre recientemente descubierto de Monreal (Ticao), que representa monos, rostros humanos, gusanos o serpientes, plantas, libélulas y pájaros.Entre 890 y 710 a. C., el Manunggul Jar se fabricó en el sur de Palawan. Sirvió como tinaja funeraria secundaria, cuya tapa superior representa el viaje del alma al más allá a través de un bote con un psicopompo. En el año 100 a. C., las cuevas funerarias de momias de Kabayan fueron excavadas en una montaña. Entre el 5 a. C. y el 225 d. C., se creó la cerámica antropomórfica Maitum en Cotabato. Las artesanías eran vasijas funerarias secundarias, muchas de las cuales representaban cabezas, manos, pies y pechos humanos.

En el siglo IV d. C., y muy probablemente antes de eso, los pueblos antiguos de Filipinas fabricaban barcos de guerra gigantes, donde las evidencias arqueológicas más antiguas conocidas se han excavado en Butuan, donde el barco fue identificado como un balangay y fechado en 320 d. C. El artefacto más antiguo, actualmente encontrado, con un guión escrito en él es la inscripción Laguna Copperplate, fechada en el año 900 d.C. La placa habla del pago de una deuda. El sello de marfil de Butuan es el arte de marfil más antiguo conocido en el país, datado entre los siglos IX y XII d.C. El sello contiene tallas de una escritura antigua. Durante este período, se fabricaron varios artefactos, como la imagen de Agusan, una estatua de oro de una deidad, posiblemente influenciada por el hinduismo y el budismo. Del siglo XII al XV se realizó el Paleógrafo de Plata de Butuán. La escritura en la plata aún no se ha descifrado. Entre los siglos XIII y XIV, los nativos de Banton, Romblon, elaboraron la tela Banton, el tejido ikat más antiguo que se conserva en el sudeste asiático. La tela se usó como una manta de muerte. Desde el siglo XVI hasta finales del siglo XIX, la colonización española influyó en diversas formas de arte en el país.

De 1565 a 1815, los artesanos filipinos fabricaban los galeones de Manila que se usaban para el comercio de Asia a las Américas, donde muchas de las mercancías van a Europa. En 1565, la antigua tradición de tatuar en Filipinas se registró por primera vez a través de los Pintados. En 1584 se completó el Fuerte San Antonio Abad, mientras que en 1591 se construyó el Fuerte Santiago. Hacia 1600 se construyeron las Terrazas de Arroz de las Cordilleras de Filipinas. Cinco grupos de terrazas de arroz han sido designados como sitios del Patrimonio Mundial. En 1607 se construye la Iglesia de San Agustín (Manila). El edificio ha sido declarado Patrimonio de la Humanidad. El sitio es famoso por su interior pintado. En 1613, el suyot escrito en papel más antiguo que se conserva fue escrito a través de los Documentos de la Universidad de Santo Tomás Baybayin.A partir de 1621 se crearon las Piedras de Monreal en Ticao, Masbate. En 1680 se realizó el Arco de los Siglos. En 1692 se pintó la imagen de Nuestra Señora de la Soledad de Porta Vaga.

La Iglesia de Manaoag se estableció en 1701. En 1710, se construyó la Iglesia de Paoay, Patrimonio de la Humanidad. La iglesia es conocida por sus gigantescos contrafuertes, parte de la arquitectura barroca del terremoto. En 1720 se realizan las pinturas religiosas del Camarín de la Virgen de Santa Ana. En 1725 se construyó la histórica Iglesia de Santa Ana. En 1765 se construyó la Iglesia de Santa María, Patrimonio de la Humanidad. El sitio es notable por su estructura montañosa. La iglesia de Bacarra fue construida en 1782. En 1783, se registraron por primera vez los idjangs, castillos-fortalezas, de Batanes. La edad exacta de las estructuras aún se desconoce. En 1797, se construyó la Iglesia de Miagao, Patrimonio de la Humanidad. La iglesia es famosa por las tallas de su fachada.La iglesia de Tayum fue construida en 1803. En 1807, se realizaron las pinturas Basi Revolt, que representan la revolución de Ilocano contra la interferencia española en la producción y el consumo de Basi. En 1822 se inauguró el histórico Parque Paco. En 1824 se crea el Órgano de Bambú Las Piñas, convirtiéndose en el primer y único órgano fabricado en bambú. Hacia 1852 se terminaron las pinturas de Arte Sacro de la Iglesia Parroquial de Santiago Apóstol. En 1884, tanto el Asesinato del gobernador Bustamante y su hijo como Spoliarium ganaron premios en un concurso de arte en España. En 1890 se realizó el cuadro Alimentando al pollo. La Vida Parisina fue pintada en 1892, mientras que La Bulaqueñafue pintado en 1895. El arte de arcilla, El triunfo de la ciencia sobre la muerte, fue elaborado en 1890. En 1891, se construyó la primera y única iglesia de acero en Asia, la Iglesia de San Sebastián (Manila). En 1894, se hizo el arte de arcilla La venganza de la madre.

En el siglo XX, o posiblemente antes, se escribió el Corán de Bayang. Al mismo tiempo, el Calendario Agrícola de Piedra de Guiday, Besao fue descubierto por forasteros. En 1913, se completó el Monumento a Rizal. En 1927, se reconstruyó el edificio principal de la Universidad de Santo Tomás, mientras que su edificio del Seminario Central se construyó en 1933. En 1931, se destruyó el palacio real Darul Jambangan de Sulu. El mismo año se construyó el Teatro Metropolitano de Manila. Las pinturas El progreso de la medicina en Filipinas se terminaron en 1953. La iglesia de Santo Domingo se construyó en 1954. En 1962, se completó la pintura del Instituto Internacional de Investigación del Arroz, mientras que el Mural de Manila se hizo en 1968. En 1993, se creó el Monumento a Bonifacio..

Arte de Asia occidental / Cercano Oriente

Arte de Mesopotamia

Arte de Israel y la diáspora judía

Arte islámico

Arte iraní

Arte árabe

Galería de arte en Asia

  • Vasija de vino ritual de bronce de la dinastía Shang (Yin), que data del siglo XIII a. C., chino
  • Escultura del ejército de terracota, siglo III a. C., chino
  • Escultura de Buda de pie, antigua región de Gandhara, norte de Pakistán, siglo I d.C., Musée Guimet
  • Buda sentado, Gandhara, siglo II d.C.
  • La estatua de Buda de Avukana, siglo V, Sri Lanka
  • Asura en Kōfuku-ji, Nara, 734, japonés
  • Figuras flotantes bailando, mural, hacia 850, indio
  • Bodhisattva de Plaosan, arte Shailendra del siglo IX, Java Central, Indonesia.
  • Escultura budista Dinastía Silla, siglo IX, coreana
  • Imagen de Agusan estatua de oro (siglo IX-X), Filipinas
  • Botella de porcelana de la dinastía Song con pigmento de hierro sobre esmalte transparente incoloro, siglo XI, chino
  • Otoño en el valle del río, Guo Xi (c. 1020–1090 d. C.), 1072 d. C., chino
  • Apsaras de Angkor Wat, Camboya del siglo XII
  • Pranjaparamita de Singhasari, arte de Java del siglo XIII, Indonesia
  • Buda, siglo XIV, Camboya
  • Hucha de terracota Majapahit, Java Oriental del siglo XIV, Indonesia
  • Budha realizando la posición bhūmisparsa mudrā. Templo Ho Phra Kaeo, Vientiane, Laos
  • Buda Phra Achana en Wat Sichum, Sukhothai, Tailandia del siglo XIII.
  • Budista zen chino Wuzhun Shifan, 1238 d.C., dinastía Song
  • Manuscrito de Gita Govinda c. 1500, Museo Príncipe de Gales, Bombay, India
  • Jarrón de porcelana estilo crisantemo, dinastía Ming, 1368–1644 d.C., chino
  • Kannon de túnica blanca, bodhisattva de la compasión, Kanō Motonobu (1476–1559), japonés
  • Una pintura de pantalla que representa a personas jugando Go, Kanō Eitoku (1543–1590), japonés
  • Panel derecho del biombo de pinos (Shōrin-zu byōbu,松林図 屏風) de Hasegawa Tōhaku (1539–1610), japonés
  • Genji Monogatari, Tosa Mitsuoki, (1617–1691), japonés
  • Un mensajero del inframundo, dinastía Joseon, coreano
  • Talla de marfil del Niño Jesús con pintura dorada (c. 1580-1640), Filipinas
  • Después de la lluvia en el monte Inwang, Cheong Seon (1676–1759), coreano
  • Nuestra Señora de la Soledad de Porta Vaga (c.1692), Filipinas
  • Escena del infierno en el pabellón Kertha Gosa, arte balinés, alrededor del siglo XVIII, Indonesia
  • Cabeza de marfil de la Virgen María con ojos de vidrio con incrustaciones (siglo XVIII-XIX), Filipinas
  • Los 10 Avatares de Vishnu, c. India del siglo XIX

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