Arte africano

El arte africano describe las pinturas, esculturas, instalaciones y otras culturas visuales modernas e históricas de los africanos nativos o indígenas y del continente africano. La definición también puede incluir el arte de las diásporas africanas, como la afroamericana, el caribe o el arte de las sociedades sudamericanas inspirado en las tradiciones africanas. A pesar de esta diversidad, hay temas artísticos unificadores presentes, al considerar la totalidad de la cultura visual del continente africano.

La alfarería, la metalistería, la escultura, la arquitectura, el arte textil y el arte de las fibras son importantes formas de arte visual en África y pueden incluirse en el estudio del arte africano. El término "arte africano" generalmente no incluye el arte de las áreas del norte de África a lo largo de la costa mediterránea, ya que tales áreas habían sido parte de diferentes tradiciones durante mucho tiempo. Durante más de un milenio, el arte de tales zonas formaba parte del arte bereber o islámico, aunque con muchas particularidades locales.

El arte de Etiopía, con una larga tradición cristiana, también es diferente al de la mayor parte de África, donde la religión tradicional africana (con el Islam en el norte) fue dominante hasta el siglo XX. El arte africano incluye el arte prehistórico y antiguo, el arte islámico de África occidental, el arte cristiano de África oriental y los artefactos tradicionales de estas y otras regiones. Históricamente, gran parte de la escultura africana se realizó en madera y otros materiales naturales que no han sobrevivido desde hace unos pocos siglos, aunque se pueden encontrar raras figuras antiguas de cerámica y metal en varias áreas. Algunos de los primeros objetos decorativos, como cuentas de conchas y evidencia de pintura, se han descubierto en África y datan de la Edad de Piedra Media.Las máscaras son elementos importantes en el arte de muchos pueblos, junto con las figuras humanas, y suelen ser muy estilizadas. Existe una gran variedad de estilos, que a menudo varían dentro del mismo contexto de origen y según el uso del objeto, pero se observan amplias tendencias regionales; la escultura es más común entre "grupos de cultivadores asentados en las áreas drenadas por los ríos Níger y Congo" en África Occidental. Las imágenes directas de deidades son relativamente poco frecuentes, pero las máscaras en particular se hacen o se hicieron a menudo para ceremonias rituales. Desde finales del siglo XIX ha habido una cantidad cada vez mayor de arte africano en las colecciones occidentales, cuyas mejores piezas se exhiben como parte de la historia de la colonización.

El arte africano ha tenido una influencia importante en el arte modernista europeo, que se inspiró en su interés por la representación abstracta. Fue esta apreciación de la escultura africana la que se ha atribuido al concepto mismo de "arte africano", tal como lo ven los artistas e historiadores del arte europeos y estadounidenses.

Las culturas de África Occidental desarrollaron la fundición de bronce para relieves, como los famosos Bronces de Benin, para decorar palacios y para cabezas reales altamente naturalistas de los alrededores de la ciudad de Bini en la ciudad de Benin, estado de Edo, así como en terracota o metal, de los siglos XII al XIV.. Los pesos de oro de Akan son una forma de pequeñas esculturas de metal producidas durante el período 1400-1900; algunos aparentemente representan proverbios, aportando un elemento narrativo raro en la escultura africana; y las insignias reales incluían impresionantes elementos esculpidos en oro. Muchas figuras de África occidental se utilizan en rituales religiosos y, a menudo, se cubren con materiales colocados sobre ellas para ofrendas ceremoniales. Los pueblos de habla mandé de la misma región fabrican piezas de madera con superficies anchas y planas y brazos y piernas en forma de cilindros. En África Central, sin embargo, las principales características distintivas incluyen caras en forma de corazón que están curvadas hacia adentro y muestran patrones de círculos y puntos.

Elementos temáticos

• Creatividad artística o individualismo expresivo: en el arte de África occidental en particular, existe un énfasis generalizado en el individualismo expresivo y, al mismo tiempo, está influenciado por el trabajo de sus predecesores. Un ejemplo sería el arte de Dan, así como su presencia en la diáspora de África Occidental.
• Énfasis en la figura humana: La figura humana siempre ha sido el tema principal de la mayor parte del arte africano, y este énfasis incluso influyó en ciertas tradiciones europeas. Por ejemplo, en el siglo XV Portugal comerciaba con la cultura Sapi cerca de Costa de Marfil en África Occidental, quienes crearon elaborados saleros de marfil que eran híbridos de diseños africanos y europeos, sobre todo en la adición de la figura humana (la figura humana normalmente no aparecen en los saleros portugueses). La figura humana puede simbolizar a los vivos o a los muertos, puede hacer referencia a jefes, danzantes o diversos oficios, como tamborileros o cazadores, o incluso puede ser una representación antropomórfica de un dios o tener otra función votiva. Otro tema común es la inter-morfosis de humanos y animales.
• Abstracción visual: las obras de arte africanas tienden a favorecer la abstracción visual sobre la representación naturalista. Esto se debe a que muchas obras de arte africanas generalizan normas estilísticas.

Alcance

El estudio del arte africano hasta hace poco tiempo se centró en el arte tradicional de ciertos grupos bien conocidos en el continente, con un énfasis particular en la escultura tradicional, las máscaras y otras culturas visuales de África occidental no islámica, África central y África del sur con un especial énfasis en los siglos XIX y XX. Recientemente, sin embargo, ha habido un movimiento entre los historiadores del arte africano y otros académicos para incluir la cultura visual de otras regiones y períodos de tiempo. La idea es que al incluir todas las culturas africanas y su cultura visual a lo largo del tiempo en el arte africano, habrá una mayor comprensión de la estética visual del continente a lo largo del tiempo. Finalmente, las artes de la gente de la diáspora africana, en Brasil, el Caribe y el sureste de los Estados Unidos, también han comenzado a ser incluidas en el estudio del arte africano.

Materiales

El arte africano toma muchas formas y está hecho de muchos materiales diferentes. La mayoría de las obras de arte africanas son esculturas de madera, probablemente porque la madera es un material muy extendido. La joyería es una forma de arte popular y se usa para indicar rango, afiliación a un grupo o simplemente por estética. La joyería africana está hecha de materiales tan diversos como la piedra ojo de tigre, la hematita, el sisal, la cáscara de coco, las cuentas y la madera de ébano. Las esculturas pueden ser de madera, cerámica o talladas en piedra como las famosas esculturas Shona, y la cerámica decorada o esculpida proviene de muchas regiones. Se fabrican diversas formas de textiles, incluidos chitenge, tela de barro y tela kente. Los mosaicos hechos con alas de mariposa o arena de colores son populares en África occidental. Las primeras esculturas africanas se pueden identificar como hechas de terracota y bronce.

Religiones africanas tradicionales

Las religiones africanas tradicionales han tenido una gran influencia en las formas de arte africanas en todo el continente. El arte africano a menudo se deriva de los temas del simbolismo religioso, el funcionalismo y el utilitarismo, y muchas obras de arte se crean con fines espirituales en lugar de puramente creativos. Muchas culturas africanas enfatizan la importancia de los ancestros como intermediarios entre los vivos, los dioses y el creador supremo, y el arte es visto como una forma de contactar a estos espíritus de los ancestros. El arte también se puede usar para representar dioses y se valora por sus propósitos funcionales. Sin embargo, es importante tener en cuenta que la llegada tanto del cristianismo como del Islam también ha influido mucho en el arte del continente africano, y las tradiciones de ambos se han integrado en las creencias y obras de arte de la religión africana tradicional.

Historia

Los orígenes del arte africano se encuentran mucho antes de la historia registrada. Las cuentas más antiguas conocidas de la región se hicieron con conchas de Nassarius y se usaron como adornos personales hace 72,000 años. En África, existe evidencia de la fabricación de pinturas mediante un proceso complejo hace unos 100.000 años y del uso de pigmentos hace unos 320.000 años. El arte rupestre africano en el Sahara en Níger conserva tallas de 6000 años de antigüedad. Junto con el África subsahariana, las artes culturales occidentales, las pinturas y artefactos del antiguo Egipto y las artesanías indígenas del sur también contribuyeron en gran medida al arte africano. A menudo representando la abundancia de la naturaleza circundante, el arte era a menudo interpretaciones abstractas de animales, vida vegetal o diseños y formas naturales. El reino nubio de Kush en el Sudán moderno estuvo en contacto cercano y, a menudo, hostil con Egipto, y produjo esculturas monumentales, en su mayoría derivadas de estilos que no conducían al norte. En África occidental, las esculturas más antiguas conocidas son de la cultura Nok, que prosperó entre el 1500 a. C. y el 500 d. C. en la Nigeria moderna, con figuras de arcilla típicamente con cuerpos alargados y formas angulares.

Métodos más complejos de producir arte se desarrollaron en el África subsahariana alrededor del siglo X, algunos de los avances más notables incluyen el trabajo en bronce de Igbo Ukwu y la terracota y trabajos en metal de Ile Ife Fundición de bronce y latón, a menudo adornada con marfil y piedras preciosas. piedras, adquirieron un gran prestigio en gran parte de África occidental, limitándose a veces al trabajo de los artesanos de la corte e identificándose con la realeza, como con los Bronces de Benín.

Influencia en el arte occidental

Durante y después del período colonial de los siglos XIX y XX, los occidentales caracterizaron durante mucho tiempo el arte africano como "primitivo". El término conlleva connotaciones negativas de subdesarrollo y pobreza. La colonización durante el siglo XIX estableció una comprensión occidental basada en la creencia de que el arte africano carecía de capacidad técnica debido a su bajo nivel socioeconómico.

A principios del siglo XX, historiadores del arte como Carl Einstein, Michał Sobeski y Leo Frobenius publicaron importantes trabajos sobre la temática, otorgando al arte africano el estatus de objeto estético, no solo de objeto etnográfico. Al mismo tiempo, artistas como Paul Gauguin, Pablo Picasso, Georges Braque, André Derain, Henri Matisse, Joseph Csaky y Amedeo Modigliani se dieron cuenta e inspiraron en el arte africano, entre otras formas de arte.En una situación en la que la vanguardia establecida luchaba contra las limitaciones impuestas por servir al mundo de las apariencias, el arte africano demostró el poder de las formas supremamente bien organizadas; producido no sólo por responder a la facultad de la vista, sino también y muchas veces principalmente, a la facultad de la imaginación, la emoción y la experiencia mística y religiosa. Estos artistas vieron en el arte africano una perfección y sofisticación formales unificadas con un poder expresivo fenomenal. El estudio y la respuesta al arte africano por parte de los artistas de principios del siglo XX facilitó una explosión de interés en la abstracción, organización y reorganización de las formas, y la exploración de áreas emocionales y psicológicas hasta ahora desconocidas en el arte occidental. Por estos medios, se cambió el estatus de las artes visuales.

Arte tradicional

El arte tradicional describe las formas de arte africano más populares y estudiadas que se encuentran típicamente en las colecciones de los museos.

Las máscaras de madera, que pueden ser de seres humanos, animales o criaturas legendarias, son una de las formas de arte más comunes en África occidental. En sus contextos originales, las máscaras ceremoniales se utilizan para celebraciones, iniciaciones, cosechas y preparación para la guerra. Las máscaras las usa un bailarín elegido o iniciado. Durante la ceremonia de las máscaras, el bailarín entra en trance profundo, y durante este estado mental se "comunica" con sus antepasados. Las máscaras se pueden usar de tres maneras diferentes: cubriendo la cara verticalmente: como cascos, cubriendo toda la cabeza, y como cresta, descansando sobre la cabeza, que comúnmente estaba cubierta por un material como parte del disfraz. Las máscaras africanas a menudo representan un espíritu y se cree firmemente que el espíritu de los antepasados ​​posee al usuario. La mayoría de las máscaras africanas están hechas de madera y se pueden decorar con:

Las estatuas, generalmente de madera o marfil, a menudo tienen incrustaciones de conchas de cauri, tachuelas de metal y clavos. La indumentaria decorativa también es habitual y constituye otra gran parte del arte africano. Entre los textiles africanos más complejos se encuentra la colorida tela Kente tejida en tiras de Ghana. La tela de barro estampada con audacia es otra técnica bien conocida.

Arte africano contemporáneo

África es el hogar de una próspera cultura de las bellas artes del arte contemporáneo. Esto ha sido poco estudiado hasta hace poco, debido al énfasis de los académicos y coleccionistas de arte en el arte tradicional. Los artistas modernos notables incluyen a El Anatsui, Marlene Dumas, William Kentridge, Karel Nel, Kendell Geers, Yinka Shonibare, Zerihun Yetmgeta, Odhiambo Siangla, Elias Jengo, Olu Oguibe, Lubaina Himid, Bili Bidjocka y Henry Tayali. Las bienales de arte se llevan a cabo en Dakar, Senegal y Johannesburgo, Sudáfrica. Muchos artistas africanos contemporáneos están representados en colecciones de museos y su arte puede venderse a precios elevados en las subastas de arte. A pesar de esto, muchos artistas africanos contemporáneos tienden a tener dificultades para encontrar un mercado para su trabajo. Muchas artes africanas contemporáneas se inspiran en gran medida en sus predecesores tradicionales. Irónicamente, Los occidentales ven este énfasis en la abstracción como una imitación de los artistas cubistas y totémicos europeos y estadounidenses, como Pablo Picasso, Amedeo Modigliani y Henri Matisse, quienes, a principios del siglo XX, estaban fuertemente influenciados por el arte tradicional africano. Este período fue fundamental para la evolución del modernismo occidental en las artes visuales, simbolizado por la pintura revolucionaria de Picasso.Les Demoiselles d'Avignon.

Hoy, Fathi Hassan es considerado uno de los principales representantes tempranos del arte africano negro contemporáneo. El arte africano contemporáneo fue iniciado en las décadas de 1950 y 1960 en Sudáfrica por artistas como Irma Stern, Cyril Fradan, Walter Battiss y galerías como Goodman Gallery en Johannesburgo. Más recientemente, galerías europeas como la October Gallery de Londres y coleccionistas como Jean Pigozzi, Artur Walther y Gianni Baiocchi en Roma han ayudado a ampliar el interés por el tema. Numerosas exposiciones en el Museo de Arte Africano de Nueva York y el Pabellón Africano en la Bienal de Venecia de 2007, que mostró el Sindika Dokolo African

Colección de Arte Contemporáneo, han recorrido un largo camino para contrarrestar muchos de los mitos y prejuicios que acechan al Arte Africano Contemporáneo. El nombramiento del nigeriano Okwui Enwezor como director artístico de Documenta 11 y su visión del arte centrada en África impulsaron las carreras de innumerables artistas africanos a la escena internacional.

Una amplia gama de formas de arte más o menos tradicionales, o adaptaciones del estilo tradicional al gusto contemporáneo, se venden a turistas y otros, incluido el llamado "arte de aeropuerto". Varias tradiciones populares vigorosas asimilan las influencias occidentales en estilos africanos, como los elaborados ataúdes de fantasía del sur de Ghana, hechos en una variedad de formas diferentes que representan las ocupaciones o intereses de los difuntos o elevan su estatus. Los Ga creen que un funeral elaborado beneficiará el estado de sus seres queridos en el más allá, por lo que las familias a menudo no reparan en gastos al decidir qué ataúd quieren para sus parientes. Estos ataúdes pueden tomar la forma de automóviles, vainas de cacao, pollos o cualquier otra forma que una familia decida que representa mejor a su ser querido fallecido.

Arte pop y arte publicitario

El arte utilizado para publicitar negocios locales, incluidas barberías, cines y tiendas de electrodomésticos, se ha convertido en una celebración internacional en las galerías y ha impulsado las carreras de muchos artistas africanos contemporáneos, desde Joseph Bertiers de Kenia hasta varios pintores de carteles de películas en Ghana. Los carteles de películas ghaneses pintados a mano sobre lienzo y sacos de harina de las décadas de 1980 y 1990 se exhibieron en museos de todo el mundo y despertaron la atención viral de las redes sociales debido a sus representaciones altamente imaginativas y estilizadas de películas occidentales.Esta interpretación creativa de la cultura occidental a través de los estilos artísticos africanos también se exhibe con la tradición de los retratos de elogios que representan a celebridades internacionales, que a menudo servían como arte publicitario de escaparate y, desde entonces, se han vuelto ampliamente valorados y coleccionados en el mercado mundial del arte.

Arte africano minimalista

Otro artista africano contemporáneo notable es Amir Nour, un artista sudanés que actualmente reside en Chicago. En la década de 1960 creó una escultura de metal llamada Pastando en Shendi (1969) que consiste en formas geométricas que conectan con la memoria de su tierra natal. La escultura se asemeja a ovejas pastando en la distancia. Valoraba descubrir el arte dentro de la sociedad del artista, incluida la cultura, la tradición y los antecedentes.

Por país, civilizaciones o personas

África occidental

Ghana

Ghana es famosa por crear las más famosas expresiones y marcas africanas de buena fe, que van desde tallados en madera, trabajos en latón, figuras, gemas y diferentes tipos de materiales. Ghana todavía tiene fama de ser un país con un sinfín de reservas de minerales, como oro, diamantes, plata, bronce, etc. Ghana ofrece mucha ayuda para que los artesanos creen y diseñen joyas, ya sean modernas o tradicionales.

Un Kente es una tela acolchada tradicional, multicolor, tejida a mano. También es una especie de textura de seda y algodón hecha de tiras de tela entrelazadas. La tela es fundamental para la cultura ghanesa y también se usa tradicionalmente para envolver tanto a hombres como a mujeres con variaciones ligeramente diferentes para ambos. Esta tela es usada por casi todos los miembros de la tribu ghanesa.Colores y significado

Hay diferentes variaciones de color para el kente, cada color tiene diferentes significados. Aquí hay unos ejemplos:

Negro: maduración

Blanco: purificación

Amarillo: preciosidad

Azul: tranquilidad

Rojo: derramamiento de sangre

El arte Akan se originó entre el pueblo Akan. El arte Akan es conocido por sus vibrantes tradiciones artísticas, que incluyen textiles, esculturas, pesos de oro Akan, así como joyas de oro y plata. El pueblo Akan es conocido por su fuerte conexión entre las expresiones visuales y verbales y una combinación distintiva de arte y filosofía. La cultura Akan valora el oro por encima de todos los demás metales y cree que puede representar los elementos sobrenaturales detrás de muchas cosas, incluida la autoridad real y los valores culturales. Los Asante, que son una cultura dominante de habla akan en Ghana, remontan sus orígenes a la llegada de un taburete dorado, que ahora se dice que contiene el alma de la nación Asante en su interior. El oro se consideraba una contraparte terrenal del sol y a menudo se utilizaba en el arte para mostrar la importancia del rey, La tela Kente es otra tradición artística extremadamente importante de la cultura Akan. La tradición dice que la tela Kente se originó cuando los tejedores intentaron copiar las habilidades de tejido de las arañas con sus telas. La tela Kente es reconocida mundialmente por sus colores y patrones. Su propósito original era representar el poder y la autoridad reales, pero ahora se ha convertido en un símbolo de tradición y ha sido adoptado por varias otras culturas.

• Cabeza de trofeo Ashanti; alrededor de 1870; oro puro; Colección Wallace (Londres). Esta obra de arte representa a un jefe enemigo muerto en batalla. Con un peso de 1,5 kg (3,3 lb), estaba unido a la espada estatal del rey Asante.
• Muñeca (Akuaba); siglo 20; 27,3 x 11,4 x 3,8 cm (10 3 ⁄ 4 x 4 1 ⁄ 2 x 1 1 ⁄ 2 pulg.); Museo de Brooklyn (Nueva York)
• Insignia de lavado de almas (Akrafokonmu); siglo XVIII-XIX; oro; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Sellos de calabaza adinkra tallados en Ntonso (Ghana)

Nigeria

La cultura nigeriana se ilustra a través del arte y el folclore. Nigeria se inspira para su arte en el patrimonio folclórico tradicional de la región. Hay diferentes tipos de obras de arte de la cultura nigeriana. Algunas de estas obras de arte pueden ser tallas en piedra, alfarería, trabajos en vidrio, tallas en madera y trabajos en bronce. Benin y Awka se consideran los lugares centrales para la talla de madera. Los talladores de madera han prosperado en todo el sur de Nigeria desde tiempos inmemoriales.

Ejemplos de arte tradicional nigeriano

Máscaras

Las máscaras son parte de la confianza animista de los yoruba. Los velos están pintados y los fanáticos los usan en los servicios conmemorativos y en diferentes funciones para apaciguar los espíritus.

cerámica

La cerámica tiene una larga tradición en Nigeria. La cerámica era bien conocida desde el año 100 a. C. En la actualidad, Suleja, Abuja e Ilorin se consideran figuras significativas de la cerámica tradicional. Los alfareros en Nigeria suelen ser mujeres y, por lo general, practican para que los métodos se transmitan de familia.

Textiles

Los yorubas utilizan un arbusto para hacer telas de color batik con tonos índigo. Las damas generalmente hacen el marchitamiento, mientras que en el norte, la especialidad la practican solo los hombres. Los tejedores de todo el país producen una textura espléndida con estructuras de cinta. El estado de Oyo es conocido por sus materiales de telar fino, mientras que la tela del estado de Abia utiliza una estrategia de telar ancho.

La cultura Nok es una población de principios de la Edad del Hierro cuyos restos materiales llevan el nombre de la aldea Ham de Nok en el estado de Kaduna en Nigeria, donde sus famosas esculturas de terracota se descubrieron por primera vez en 1928. La cultura Nok apareció en el norte de Nigeria alrededor del año 1500 a. circunstancias desconocidas alrededor del año 500 dC, habiendo durado así aproximadamente 2.000 años.

La función de las esculturas de terracota Nok sigue siendo desconocida. En su mayor parte, la terracota se conserva en forma de fragmentos dispersos. Es por eso que el arte Nok es más conocido hoy en día solo por las cabezas, tanto masculinas como femeninas, cuyos peinados son particularmente detallados y refinados. Las estatuas se encuentran en fragmentos porque los descubrimientos suelen hacerse a partir de lodo aluvial, en terrenos formados por la erosión del agua. Las estatuas de terracota encontradas allí están escondidas, laminadas, pulidas y rotas. Rara vez se conservan intactas obras de gran tamaño, lo que las hace muy cotizadas en el mercado internacional del arte. Las figuras de terracota son cabezas y cuerpos humanos huecos, construidos en espiral, casi de tamaño natural que se representan con rasgos muy estilizados, abundante joyería y posturas variadas.

Poco se sabe de la función original de las piezas, pero las teorías incluyen la representación de los antepasados, las lápidas y los amuletos para evitar la mala cosecha, la infertilidad y las enfermedades. Además, según las bases en forma de cúpula que se encuentran en varias figuras, podrían haber sido utilizados como remates para los techos de estructuras antiguas. Margaret Young-Sanchez, curadora asociada de Arte de las Américas, África y Oceanía en el Museo de Arte de Cleveland, explica que la mayoría de las cerámicas Nok se moldearon a mano con arcilla de grano grueso y se esculpieron sustractivamente de una manera que sugiere una influencia de la madera. tallado. Después de un poco de secado, las esculturas se cubrieron con engobe y se pulieron para producir una superficie lisa y brillante. Las figuras son huecas, con varias aberturas para facilitar su secado y cocción. El proceso de disparo probablemente se parecía al que se usa hoy en Nigeria,

Como resultado de la erosión y la deposición naturales, las terracotas de Nok se esparcieron a varias profundidades por las praderas del Sahel, lo que provocó dificultades en la datación y clasificación de los misteriosos artefactos. Se encontraron dos sitios arqueológicos, Samun Dukiya y Taruga, que contenían arte Nok que no había sido movido. Las pruebas de radiocarbono y termoluminiscencia redujeron la edad de las esculturas a entre 2.000 y 2.500 años, lo que las convierte en algunas de las más antiguas de África occidental. Se recuperaron muchas fechas más en el curso de nuevas excavaciones arqueológicas, extendiendo los comienzos de la tradición Nok aún más atrás en el tiempo.

Debido a las similitudes entre los dos sitios, el arqueólogo Graham Connah cree que "las obras de arte de Nok representan un estilo que fue adoptado por una variedad de sociedades agrícolas que usaban hierro de diferentes culturas, en lugar de ser la característica de diagnóstico de un grupo humano en particular como a menudo se ha hecho". sido reclamado".

• Nok figura sentada; siglo V a. C. - siglo V d. C.; terracota; 38 cm (1 pie 3 pulg.); Musée du quai Branly (París). En este trabajo de Nok, la cabeza es dramáticamente más grande que el cuerpo que la sostiene, pero la figura posee detalles elegantes y un enfoque poderoso. La protuberancia prolija del mentón representa una barba. Collares de un cono alrededor del cuello y mantener el foco en la cara.
• Fragmento de socorro con cabezas y figuras; siglo V a. C. - siglo V d. C.; largo: 50 cm (19,6 pulg.), alto: 54 cm (21,2 pulg.), ancho: 50 cm (19,6 pulg.); terracota; Musée du quai Branly. Como la mayoría de los estilos artísticos africanos, el estilo Nok se centra principalmente en las personas, rara vez en los animales. Todas las estatuas de Nok son muy estilizadas y similares en que tienen este ojo de forma triangular con una pupila perforada, con cejas arqueadas.
• cabeza masculina; 550–50 a. C.; terracota; Museo de Brooklyn (Nueva York, EE. UU.). La boca de esta cabeza está ligeramente abierta. Tal vez sugiera habla, que la figura tiene algo que decirnos. Esta es una figura que parece estar en medio de una conversación. Los ojos y las cejas sugieren una calma interior o una serenidad interior.
• figura masculina; terracota; Instituto de Arte de Detroit (Michigan, EE. UU.)

Benin arte

El arte de Benin es el arte del Reino de Benin o Imperio Edo (1440–1897), un estado africano precolonial ubicado en lo que ahora se conoce como la región Sur-Sur de Nigeria. Los Bronces de Benin son un grupo de más de mil placas de metal y esculturas que decoraban el palacio real del Reino de Benin en lo que hoy es Nigeria. En conjunto, los objetos forman los ejemplos más conocidos del arte de Benin, creado a partir del siglo XIII por el pueblo Edo, que también incluía otras esculturas en latón o bronce, incluidas algunas cabezas de retratos famosos y piezas más pequeñas.

En 1897, la mayoría de las placas y otros objetos de la colección fueron tomados por una fuerza británica durante la Expedición a Benin de 1897, que tuvo lugar cuando se consolidaba el control británico en el sur de Nigeria. Doscientas de las piezas fueron llevadas al Museo Británico, mientras que el resto fueron adquiridas por otros museos de Europa. Hoy en día, una gran cantidad se encuentra en el Museo Británico, así como en otras colecciones notables en museos alemanes y estadounidenses.

• Placa con guerreros y asistentes; siglo XVI-XVII; latón; altura: 47,6 cm (18 3 ⁄ 4 pulg.); Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Placa ecuestre un Oba a caballo con asistentes; entre 1550 y 1680; latón; altura: 49,5 cm (19 7 ⁄ 16 pulg.), ancho: 41,9 (16 1 ⁄ 2 pulg.), diámetro: 11,4 cm (4 1 ⁄ 2 pulg.); Museo Metropolitano de Arte
• Placa que probablemente representa a un músico; siglo 17; bronce; 48,26 cm (19 pulg.) x 18,42 (7 1 ⁄ 4 pulg.) x 8,89 cm (3 1 ⁄ 2 pulg.), irregular; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (EE.UU.)
• figura de gallo; siglo 18; latón; total: 45,4 cm (17 7 ⁄ 8 pulg.); Museo Metropolitano de Arte
• Cabeza de Bronce de la Reina Idia; principios del siglo XVI; bronce; Museo Etnológico de Berlín (Alemania). Se conocen cuatro cabezas de bronce fundido de la reina y actualmente se encuentran en las colecciones del Museo Británico, el Museo del Mundo (Liverpool), el Museo Nacional de Nigeria (Lagos) y el Museo Etnológico de Berlín.
• aguamanil leopardo; siglo 17; latón; Museo Etnológico de Berlín. Los leopardos de bronce servían para decorar el altar de la oba. El leopardo, símbolo de poder, aparece en muchas placas de bronce, del palacio del oba.
• Figura de un soplador de bocina; 1504-1550; aleación de cobre; 62,2 x 21,6 x 15,2 cm (24 1 ⁄ 2 x 8 1 ⁄ 2 x 6 pulg.); Museo de Brooklyn (Nueva York). Soplando un cuerno o flauta con la mano derecha, su brazo izquierdo se trunca. También usa una gorra de red con un diseño de chevron decorado con una pluma.
• Máscara de marfil de Benin de la Reina Madre Idia; siglo 16; marfil, hierro y cobre; Museo Metropolitano de Arte. Una de las cuatro máscaras colgantes de marfil relacionadas entre las preciadas insignias del Oba de Benin; tomada durante la Expedición a Benin de 1897 en el Protectorado del Sur de Nigeria

Igbo

Los igbo producen una amplia variedad de arte que incluye figuras tradicionales, máscaras, artefactos y textiles, además de trabajos en metales como el bronce. Se han encontrado obras de arte de los igbo desde el siglo IX con los artefactos de bronce encontrados en Igbo Ukwu. Sus máscaras son similares a las de Fang, siendo blancas y negras en casi las mismas partes.

• Máscara de espíritu de doncella; principios del siglo 20; madera y pigmento; Museo de Brooklyn (Nueva York, EE. UU.)
• Una máscara conocida como la Reina de las Mujeres (Eze Nwanyi); finales del siglo XIX-principios del XX; madera y pigmento; Museo de Arte de Birmingham (Alabama, EE. UU.)
• Vasija ceremonial de bronce en forma de concha de caracol; siglo IX; igbo-ukwu; Museo Nacional de Nigeria (Lagos, Nigeria)
• Cabeza de personal ornamental de bronce; siglo IX; igbo-ukwu; Museo Nacional de Nigeria
• Figura femenina para un pequeño templo; siglo 20; Museo de Arte de Indianápolis

Yoruba

El arte yoruba es más conocido por las cabezas de Ife, hechas de cerámica, latón y otros materiales. Gran parte de su arte está asociado con las cortes reales. También produjeron máscaras y puertas elaboradas, llenas de detalles y pintadas en colores brillantes, como azul, amarillo, rojo y blanco.

• Cabeza de un rey o dignatario; siglo XII-XV d. C.; terracota; Museo Etnológico de Berlín (Alemania); descubierto en Ife (Nigeria)
• Máscara para Obalufon II; alrededor de 1300 dC; cobre; altura: 29,2 cm; descubierto en Ife; Museo de Antigüedades de Ife (Ife, Nigeria)
• Cabeza de bronce de Ife; Siglo XII-XV; latón; Museo Británico (Londres)
• Mascarilla gelede; alrededor de 1900-1915; Instituto de Artes de Detroit (EE. UU.)
• Par de paneles de puerta y un dintel; alrededor de 1910-1914; por Olowe de Ise; (Museo Británico, Londres)

Otros grupos étnicos de Nigeria

• puerta tallada; alrededor de 1920-1940; madera con grapas de hierro; por el pueblo Nupe; Museo de Arte Hood (Hanover, New Hampshire, EE. UU.)
• Tocado; principios de 1900; madera, piel de antílope, cestería, caña, metal; por la gente de Ejagham; Museo de Arte de Cleveland (Estados Unidos)
• Tocado; principios de 1900; madera, pelo; gente idoma; Museo de Arte de Cleveland
• máscara de Otobo (hipopótamo); por la gente de Kalabari; Museo Británico (Londres)

Malí

Los principales grupos étnicos en Malí son los Bambara (también conocidos como Bamana) y los Dogon. Los grupos étnicos más pequeños consisten en los Marka y los pescadores Bozo del río Níger. Las civilizaciones antiguas florecieron en áreas como Djene y Tombuctú, donde se han desenterrado una gran variedad de antiguas figuras de bronce y terracota.

Djenné-Djenno

Djenné-Djenno es famosa por sus figurillas que representan humanos y animales, incluidas serpientes y caballos. Están hechos de terracota, un material que se ha utilizado en África occidental durante unos diez mil años.

• Figura sentada de terracota; siglo 13; loza de barro; 29,9 cm (11 3 ⁄ 4 pulg.) de alto; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York, EE. UU.) Las marcas en relieve y las muescas en la parte posterior de esta figura encorvada de Djenné pueden representar enfermedades o, más probablemente, patrones de sacrificio. La expresión facial y la pose podrían representar a un individuo de luto o dolor.
• figura femenina; del siglo XIII al XV; terracota recubierta de ocre rojo; altura: 37,5 cm (14,7 pulg.), ancho: 31 cm (12,2 pulg.), profundidad: 24 cm (9,4 pulg.); Musée du quai Branly (París)
• figura ecuestre; Siglo XIII-XV; altura: 70,5 cm; Museo Nacional de Arte Africano (Washington DC, EE. UU.)
• figura masculina; siglo XIV-XVII; Museo de Arte de Cleveland (Ohio, EE. UU.)

Bambara

El pueblo Bambara (Bambara: Bamanankaw) adaptó muchas tradiciones artísticas y comenzó a crear piezas de exhibición. Antes de que el dinero fuera el principal impulso para la creación de sus obras de arte, usaban sus habilidades únicamente como un oficio sagrado para mostrar orgullo espiritual, creencias religiosas y costumbres. Ejemplos de obras de arte incluyen la máscara Bamana n'tomo. Se crearon otras estatuas para personas como cazadores y agricultores para que otros pudieran dejar ofrendas después de largas temporadas agrícolas o cacerías en grupo. Las variaciones estilísticas en el arte Bambara son esculturas extremas, máscaras y tocados que muestran rasgos estilizados o realistas, y pátinas desgastadas o incrustadas. Hasta hace muy poco, la función de las piezas de Bambara era un misterio, pero en los últimos veinte años, los estudios de campo han revelado que ciertos tipos de figuras y tocados estaban asociados con varias de las sociedades que estructuran la vida de Bambara. Durante la década de 1970 se identificó un grupo de una veintena de figuras, máscaras y tocados TjiWara pertenecientes al denominado 'estilo Segou'. El estilo es distinto y reconocible por sus caras planas típicas, narices en forma de flecha, escarificaciones triangulares en todo el cuerpo y, en las figuras, manos abiertas.Máscaras

Hay tres tipos principales y uno menor de máscara Bambara. El primer tipo, utilizado por la sociedad N'tomo, tiene una estructura típica en forma de peine sobre la cara, se usa durante los bailes y puede estar cubierto con conchas de cauri. El segundo tipo de máscara, asociado con la sociedad Komo, tiene una cabeza esférica con dos cuernos de antílope en la parte superior y una boca agrandada y aplanada. Se utilizan durante los bailes, pero algunos tienen una pátina gruesa incrustada adquirida durante otras ceremonias en las que se vierten libaciones sobre ellos.

El tercer tipo tiene conexiones con la sociedad Nama y está tallado en forma de cabeza de pájaro articulada, mientras que el cuarto tipo, menor, representa una cabeza de animal estilizada y es utilizado por la sociedad Kore. Se sabe que existen otras máscaras Bambara, pero a diferencia de las descritas anteriormente, no pueden vincularse a sociedades o ceremonias específicas. Los talladores de Bambara se han ganado una reputación por los tocados zoomorfas que usan los miembros de la sociedad Tji-Wara. Aunque todos son diferentes, todos muestran un cuerpo muy abstracto, que a menudo incorpora un motivo en zig-zag, que representa el curso del sol de este a oeste, y una cabeza con dos grandes cuernos. Los miembros de Bambara de la sociedad Tji-Wara usan el tocado mientras bailan en sus campos en el momento de la siembra, con la esperanza de aumentar el rendimiento de la cosecha.estatuillas

Las estatuillas de Bambara se utilizan principalmente durante las ceremonias anuales de la sociedad Guan. Durante estas ceremonias, un grupo de hasta siete figuras, que miden entre 80 y 130 cm de altura, son sacadas de sus santuarios por los miembros mayores de la sociedad. Las esculturas se lavan, se vuelven a engrasar y se les ofrecen sacrificios en sus santuarios. Estas figuras, algunas de las cuales datan de entre los siglos XIV y XVI, suelen presentar un típico peinado con cresta, a menudo adornado con un talismán.

A dos de estas figuras se les atribuyó un gran significado: una figura de maternidad sentada o de pie llamada Guandousou -conocida en Occidente como 'Reina Bambara'- y una figura masculina llamada Guantigui, que suele aparecer empuñando un cuchillo. Las dos figuras estaban rodeadas por figuras asistentes de Guannyeni de pie o sentadas en varias posiciones, sosteniendo una vasija, un instrumento musical o sus senos. Durante la década de 1970, entraron en el mercado numerosas falsificaciones de Bamako basadas en estas esculturas. Fueron producidos en Bamako.

Se cree que otras figuras de Bambara, llamadas Dionyeni, están asociadas con la sociedad Dyo del sur o la sociedad Kwore. Estas figuras femeninas o hermafroditas suelen aparecer con rasgos geométricos como grandes pechos cónicos y miden entre 40 y 85 cm de altura. Los miembros herreros de la sociedad Dyo los usaban durante los bailes para celebrar el final de sus ceremonias de iniciación. Fueron manipulados, sostenidos por bailarines y colocados en medio del círculo ceremonial.

Entre el corpus de figuras de Bambara, las esculturas de Boh son quizás las más conocidas. Estas estatuas representan una figura humana o animal muy estilizada, y están hechas de madera que se cubre repetidamente con gruesas capas de tierra impregnada con materiales de sacrificio como mijo, sangre de pollo o cabra, nueces de cola y bebidas alcohólicas. Fueron empleados por las sociedades Kono y Komo y sirvieron como receptáculos para las fuerzas espirituales y, a su vez, podrían usarse con fines apotropaicos.

Cada rasgo creativo especial que una persona obtuvo fue visto como una forma diferente de complacer a los espíritus superiores.

Dogón

El arte Dogon consiste principalmente en esculturas. Su arte gira en torno a los valores, ideales y libertades religiosos de los Dogon (Laude, 19). Las esculturas de Dogon no están hechas para ser vistas en público, y comúnmente se ocultan de la vista del público dentro de las casas de las familias, los santuarios o se guardan con los Hogon (Laude, 20). La importancia del secreto se debe al significado simbólico detrás de las piezas y el proceso por el cual se realizan.

Los temas que se encuentran en toda la escultura de Dogon consisten en figuras con brazos levantados, figuras barbudas superpuestas, jinetes, taburetes con cariátides, mujeres con niños, figuras que se cubren la cara, mujeres moliendo mijo perla, mujeres con vasijas en la cabeza, burros con copas, músicos, perros, comederos o bancos en forma de cuadrúpedo, figuras dobladas desde la cintura, imágenes especulares, figuras con delantal y figuras de pie (Laude, 46–52). Los signos de otros contactos y orígenes son evidentes en el arte Dogon. Los Dogon no fueron los primeros habitantes de los acantilados de Bandiagara. La influencia del arte Tellem es evidente en el arte Dogon debido a sus diseños rectilíneos (Laude, 24).

El arte Dogon es extremadamente versátil, aunque las características estilísticas comunes, como una tendencia a la estilización, son evidentes en las estatuas. Su arte trata de los mitos cuyo conjunto complejo regula la vida del individuo. Las esculturas se conservan en innumerables sitios de culto, altares personales o familiares, altares para la lluvia, altares para proteger a los cazadores, en mercado. Como caracterización general de las estatuas Dogon, se podría decir que representan el cuerpo humano de forma simplificada, reduciéndolo a lo esencial. Algunos son extremadamente alargados con énfasis en formas geométricas. La impresión subjetiva es de inmovilidad con una misteriosa sensación de gravedad solemne y majestuosidad serena, aunque transmitiendo al mismo tiempo un movimiento latente. La escultura Dogon recrea las siluetas hermafroditas de los Tellem, con los brazos levantados y una espesa pátina de sangre y cerveza de mijo. Las cuatro parejas de Nommo, los ancestros míticos nacidos del dios Amma, adornan taburetes, pilares o casas de reunión de hombres, cerraduras de puertas y puertas de graneros. La pareja primordial se representa sentada en un taburete, cuya base representa la tierra mientras que la superficie superior representa el cielo; los dos están interconectados por el Nommo. Las figuras femeninas sentadas, con las manos sobre el abdomen, están vinculadas al culto a la fertilidad, encarnando a la primera antepasada muerta en el parto, y son objeto de ofrendas de alimentos y sacrificios por parte de las mujeres que esperan un hijo. La pareja primordial se representa sentada en un taburete, cuya base representa la tierra mientras que la superficie superior representa el cielo; los dos están interconectados por el Nommo. Las figuras femeninas sentadas, con las manos sobre el abdomen, están vinculadas al culto a la fertilidad, encarnando a la primera antepasada muerta en el parto, y son objeto de ofrendas de alimentos y sacrificios por parte de las mujeres que esperan un hijo. La pareja primordial se representa sentada en un taburete, cuya base representa la tierra mientras que la superficie superior representa el cielo; los dos están interconectados por el Nommo. Las figuras femeninas sentadas, con las manos sobre el abdomen, están vinculadas al culto a la fertilidad, encarnando a la primera antepasada muerta en el parto, y son objeto de ofrendas de alimentos y sacrificios por parte de las mujeres que esperan un hijo.

Se colocan estatuas arrodilladas de espíritus protectores a la cabeza de los muertos para absorber su fuerza espiritual y ser sus intermediarios con el mundo de los muertos, al que acompañan al difunto antes de volver a colocarlos en los santuarios de los antepasados. Los jinetes son un recordatorio del hecho de que, según el mito, el caballo fue el primer animal presente en la tierra. El estilo Dogon ha evolucionado hacia una especie de cubismo: cabeza ovoide, hombros cuadrados, extremidades afiladas, senos puntiagudos, antebrazos y muslos en un plano paralelo, peinados estilizados por tres o cuatro líneas incisas. Las esculturas dogon sirven como medio físico en las iniciaciones y como explicación del mundo. Sirven para transmitir un entendimiento a los iniciados, quienes descifrarán la estatua según el nivel de su conocimiento. figuras de animales talladas,

Hay cerca de ochenta estilos de máscaras, pero su característica básica es una gran audacia en el uso de formas geométricas, independientemente de los diversos animales que se supone que representan. La estructura de un gran número de máscaras se basa en el juego de líneas y formas verticales y horizontales. Otro gran grupo tiene formas cónicas triangulares. Todas las máscaras tienen grandes ojos geométricos y rasgos estilizados. Las máscaras suelen ser policromadas, pero en muchas se pierde el color; después de las ceremonias quedaron en el suelo y se deterioraron rápidamente debido a las termitas y otras condiciones. Los Dogon continúan una antigua tradición de disfraces, que conmemora el origen de la muerte. Según sus mitos, la muerte vino al mundo como resultado de las transgresiones del hombre primitivo contra el orden divino. Las ceremonias conmemorativas de Dama se llevan a cabo para acompañar a los muertos al reino ancestral y restaurar el orden en el universo. La actuación de enmascarados, a veces hasta 400, en estas ceremonias se considera absolutamente necesaria. En el caso de la dama, el momento, los tipos de máscaras involucradas y otros elementos rituales a menudo son específicos de uno o dos pueblos y pueden no parecerse a los que se ven en lugares a solo varios kilómetros de distancia. Las máscaras también aparecen durante los ritos baga-bundo realizados por un pequeño número de enmascarados antes del entierro de un Dogon masculino. Las máscaras Dogon evocan la forma de animales asociados con su mitología, pero su significado solo lo entienden los miembros de la secta de más alto rango, cuyo papel es explicar el significado de cada máscara a una audiencia cautivada. La actuación de enmascarados, a veces hasta 400, en estas ceremonias se considera absolutamente necesaria. En el caso de la dama, el momento, los tipos de máscaras involucradas y otros elementos rituales a menudo son específicos de uno o dos pueblos y pueden no parecerse a los que se ven en lugares a solo varios kilómetros de distancia. Las máscaras también aparecen durante los ritos baga-bundo realizados por un pequeño número de enmascarados antes del entierro de un Dogon masculino. Las máscaras Dogon evocan la forma de animales asociados con su mitología, pero su significado solo lo entienden los miembros de la secta de más alto rango, cuyo papel es explicar el significado de cada máscara a una audiencia cautivada. La actuación de enmascarados, a veces hasta 400, en estas ceremonias se considera absolutamente necesaria. En el caso de la dama, el momento, los tipos de máscaras involucradas y otros elementos rituales a menudo son específicos de uno o dos pueblos y pueden no parecerse a los que se ven en lugares a solo varios kilómetros de distancia. Las máscaras también aparecen durante los ritos baga-bundo realizados por un pequeño número de enmascarados antes del entierro de un Dogon masculino. Las máscaras Dogon evocan la forma de animales asociados con su mitología, pero su significado solo lo entienden los miembros de la secta de más alto rango, cuyo papel es explicar el significado de cada máscara a una audiencia cautivada. y otros elementos rituales a menudo son específicos de una o dos aldeas y pueden no parecerse a los que se ven en lugares a solo varios kilómetros de distancia. Las máscaras también aparecen durante los ritos baga-bundo realizados por un pequeño número de enmascarados antes del entierro de un Dogon masculino. Las máscaras Dogon evocan la forma de animales asociados con su mitología, pero su significado solo lo entienden los miembros de la secta de más alto rango, cuyo papel es explicar el significado de cada máscara a una audiencia cautivada. y otros elementos rituales a menudo son específicos de una o dos aldeas y pueden no parecerse a los que se ven en lugares a solo varios kilómetros de distancia. Las máscaras también aparecen durante los ritos baga-bundo realizados por un pequeño número de enmascarados antes del entierro de un Dogon masculino. Las máscaras Dogon evocan la forma de animales asociados con su mitología, pero su significado solo lo entienden los miembros de la secta de más alto rango, cuyo papel es explicar el significado de cada máscara a una audiencia cautivada.

• Persona que usa una máscara Satimbe
• Figura de mujer arrodillada; alrededor de 1500; madera; altura: 35,2 cm (13 7 ⁄ 8 pulg.); Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• figura ecuestre; siglo XVI-XVII; madera; altura: 68,9 cm (27 1 ⁄ 8 pulg.); Museo Metropolitano de Arte
• Heces; posiblemente de finales del siglo XIX a principios del XX; madera y pigmento; Museo Nacional de Arte Africano (Washington DC, EE. UU.)

Otros grupos étnicos de Malí

• Fotografía en blanco y negro de una figura femenina con el brazo levantado; Siglo XV-XVII; madera (ficus, moraceae), materiales de sacrificio; altura: 44,8 cm (17 5 ⁄ 8 pulg.); por el pueblo Tellem; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Figurilla zoomorfa; siglo XII-XVI; por la cultura Tennenkou; Museo de Arte Africano Arellano Alonso (Valladolid, España)
• estatuilla ecuestre; por la cultura Bankoni; Museo de Arte Africano Arellano Alonso

Burkina Faso

Burkina Faso es un pequeño país sin salida al mar al norte de Ghana y al sur de Malí y Níger. Económicamente, es uno de los cuatro o cinco países más pobres del mundo. Culturalmente, es extremadamente rico. En parte, esto se debe a que muy pocas personas de Burkina Faso se han vuelto musulmanas o cristianas.Muchas de las antiguas tradiciones artísticas por las que África es tan conocida se han conservado en Burkina Faso porque mucha gente continúa honrando a los espíritus ancestrales y los espíritus de la naturaleza. En gran parte honran a los espíritus mediante el uso de máscaras y figuras talladas. Muchos de los países del norte de Burkina Faso se han vuelto predominantemente musulmanes, mientras que muchos de los países del sur de Burkina Faso son fuertemente cristianos. En contraste, muchas personas de Burkina Faso continúan ofreciendo oraciones y sacrificios a los espíritus de la naturaleza ya los espíritus de sus antepasados. El resultado es que continúan utilizando los tipos de arte que vemos en los museos de Europa y América.

Uno de los principales obstáculos para comprender el arte de Burkina Faso, incluido el de los Bwa, ha sido la confusión entre los estilos de los Bwa, "gurunsi" y Mossi, y la confusión del pueblo Bwa con sus vecinos del oeste. el pueblo bobo. Esta confusión fue el resultado del uso de intérpretes de Jula por parte de los oficiales coloniales franceses a principios de siglo. estos intérpretes consideraban que los dos pueblos eran iguales y se refirieron a los bobo como "Bobo-Fing" ya los bwa como "Bobo-Oule". De hecho, estos dos pueblos no están relacionados en absoluto. Sus lenguajes son muy diferentes, sus sistemas sociales son muy diferentes y ciertamente su arte es muy diferente. En términos de estilos artísticos, la confusión surge del hecho de que los Bwa, "gurunsi'" y Mossi hacen máscaras que están cubiertas con patrones gráficos geométricos rojos, blancos y negros. Este es simplemente el estilo de los pueblos Voltaicos o Gur, y también incluye a los Dogon y otros pueblos que hablan lenguas Voltaicas.

Costa de Marfil (Costa de Marfil)

Los pueblos Baoulé, Senoufo y Dan son expertos en tallar madera y cada cultura produce máscaras de madera en una amplia variedad. El pueblo marfileño usa máscaras para representar animales en caricatura para representar deidades o para representar las almas de los difuntos.

Como se considera que las máscaras tienen un gran poder espiritual, se considera un tabú que cualquier persona que no sea una persona especialmente entrenada o elegida use o posea ciertas máscaras. Se cree que cada una de estas máscaras ceremoniales tiene un alma o fuerza vital, y se cree que usar estas máscaras transforma al usuario en la entidad que representa la máscara.

Costa de Marfil (Côte d'Ivoire) también tiene pintores e ilustradores modernos. Gilbert G. Groud critica las antiguas creencias en la magia negra, tal como se sostiene con las máscaras espirituales mencionadas anteriormente, en su libro ilustrado Magie Noire.

Este de Africa

Kenia

Alrededor del lago Turkana existen petroglifos antiguos que representan figuras humanas y animales. Las tribus bantúes construyen postes funerarios, todavía se crean tallas de cabezas humanas sobre diseños geométricos. Aunque las publicaciones originales ya no existen, se cree que estas creaciones más recientes son una continuación de la práctica. El pueblo Kikuyu también continúa con los diseños de la antigua tradición en los diseños pintados en sus escudos.

Los artistas kenianos contemporáneos bantúes incluyen a Elimo Njau, fundador del Centro de Arte Paa Ya Paa, un taller de artistas con sede en Nairobi. De la Escuela de Bellas Artes y Diseño de la Universidad de Nairobi llegaron Bulinya Martins y Sarah Shiundu. Los dos, en virtud de haber aprendido muchas técnicas básicas en diseño, son muy innovadores tanto en estilo, uso del color y ejecución. A diferencia de la mayoría de los artistas kenianos contemporáneos, pintan con óleos, acrílicos y acuarelas y/o una combinación.

El Museo de Arte Eskenazi de la Universidad de Indiana tiene una gran colección de objetos de arte tradicional de Kenia que incluyen joyas, contenedores, armas, bastones, reposacabezas, taburetes, utensilios y otros objetos disponibles en línea.

Etiopía

El arte etíope desde el siglo IV hasta el XX se puede dividir en dos grandes grupos. Primero viene una tradición distintiva del arte cristiano, principalmente para iglesias, en formas que incluyen pintura, cruces, íconos, manuscritos iluminados y otros trabajos en metal como coronas. En segundo lugar están las artes y oficios populares como el textil, la cestería y la joyería, en los que las tradiciones etíopes se acercan más a las de otros pueblos de la región. Su historia se remonta a casi tres mil años al reino de D'mt. La Iglesia Ortodoxa Etíope Tewahedo ha sido la religión predominante en Etiopía durante más de 1500 años, durante la mayor parte de este período en una relación o unión muy estrecha con el cristianismo copto de Egipto, por lo que el arte copto ha sido la principal influencia formativa en Etiopía. arte de la iglesia

El arte rupestre prehistórico comparable al de otros sitios africanos sobrevive en varios lugares y, hasta la llegada del cristianismo, se erigieron estelas de piedra, a menudo talladas con relieves simples, como lápidas y para otros fines en muchas regiones; Tiya es un sitio importante. La cultura de la Edad del Hierro "pre-Axumita" de aproximadamente el siglo V a. C. hasta el siglo I d. C. fue influenciada por el Reino de Kush al norte y los colonos de Arabia, y produjo ciudades con templos simples en piedra, como el que está en ruinas. en Yeha, que es impresionante por su fecha en el siglo IV o V a. C.

El poderoso Reino de Aksum surgió en el siglo I a. C. y dominó Etiopía hasta el siglo X, habiéndose convertido en gran parte en cristiano a partir del siglo IV.Aunque existen algunos edificios y grandes estelas precristianas, parece que no hay arte cristiano etíope sobreviviente del período Axumite. Sin embargo, las obras más antiguas que quedan muestran una clara continuidad con el arte copto de períodos anteriores. Hubo una destrucción considerable de iglesias y su contenido en el siglo XVI cuando el país fue invadido por vecinos musulmanes. El renacimiento del arte después de esto estuvo influenciado por el arte católico europeo tanto en la iconografía como en los elementos de estilo, pero conservó su carácter etíope. En el siglo XX, el gobierno comenzó a contratar artistas y arquitectos occidentales y a capacitar a estudiantes locales, y se produjo un arte más completamente occidentalizado junto con la continuación del arte tradicional de la iglesia.

Las pinturas de iglesias en Etiopía probablemente se produjeron desde la introducción del cristianismo en el siglo IV d. C., aunque los ejemplos más antiguos que se conservan provienen de la iglesia de Debre Selam Mikael en la región de Tigray, que data del siglo XI d. C. Sin embargo, los seguidores del profeta islámico Mahoma del siglo VII d. C. que huyeron a Axum en un exilio temporal mencionaron que la Iglesia original de Nuestra Señora María de Sion estaba decorada con pinturas. Otras pinturas tempranas incluyen las de las iglesias excavadas en la roca de Lalibela, que datan del siglo XII d.C., y en la cercana Geneta Maryam, que datan del siglo XIII d.C.Sin embargo, las pinturas en manuscritos iluminados son anteriores a las primeras pinturas de iglesias que se conservan; por ejemplo, los evangelios etíopes de Garima de los siglos IV-VI d. C. contienen escenas iluminadas que imitan el estilo bizantino contemporáneo.

La pintura etíope, en las paredes, en los libros y en los íconos, es muy distintiva, aunque el estilo y la iconografía están estrechamente relacionados con la versión copta simplificada del arte cristiano bizantino y de la antigüedad tardía. Desde el siglo XVI, el arte de la iglesia católica romana y el arte europeo en general comenzaron a ejercer cierta influencia. Sin embargo, el arte etíope es muy conservador y conservó gran parte de su carácter distintivo hasta los tiempos modernos. La producción de manuscritos iluminados para su uso continuó hasta el día de hoy.

Otra forma importante del arte etíope, también relacionada con los estilos coptos, son las cruces hechas de madera y metal. Suelen ser de aleación de cobre o latón, chapados (al menos originalmente) con oro o plata. Las cabezas son típicamente placas de fundición planas con una decoración calada elaborada y compleja. El motivo de la cruz emerge de la decoración, con todo el diseño a menudo formando una forma cuadrada o circular girada, aunque los diseños son muy variados e inventivos. Muchos incorporan motivos curvos que se elevan desde la base, que se denominan "brazos de Adán". Excepto en ejemplos recientes de influencia occidental, por lo general no tienen corpus, o figura de Cristo, y el diseño a menudo incorpora numerosas cruces más pequeñas. A veces se han agregado imágenes figurativas grabadas. Las cruces son en su mayoría cruces procesionales, con la cabeza de metal montada en un largo bastón de madera, llevadas en procesiones religiosas y durante la liturgia, o cruces de mano, con un mango de metal más corto en la misma fundición que la cabeza. Las cruces más pequeñas que se usan como joyas también son comunes.

Etiopía tiene una gran diversidad étnica y lingüística, y los estilos en las artesanías tradicionales seculares varían mucho en diferentes partes del país. Hay una variedad de tradiciones en textiles, muchas con decoración geométrica tejida, aunque muchos tipos también suelen ser sencillos. Las prácticas eclesiásticas etíopes hacen un gran uso de los textiles coloridos, y los tipos más elaborados se utilizan ampliamente como vestimentas eclesiásticas y como tapices, cortinas y envolturas en las iglesias, aunque ahora han sido suplantados en gran medida por las telas occidentales. Se pueden ver ejemplos de ambos tipos en la imagen en la parte superior del artículo. Los iconos normalmente pueden estar velados con una tela semitransparente u opaca; La tela de algodón tipo gasa muy delgada es una especialidad de Etiopía, aunque generalmente sin patrón.

La cestería colorida con una construcción en espiral es común en las zonas rurales de Etiopía. Los productos tienen muchos usos, como almacenar granos, semillas y alimentos, y usarse como mesas y tazones. La ciudad musulmana de Harar es bien conocida por su cestería de alta calidad y muchos productos artesanales de la minoría musulmana se relacionan con tradiciones decorativas islámicas más amplias.

Tanzania

El arte de Tanzania es conocido por las pinturas de artistas modernos como Tinga Tinga o George Lilanga, y por las esculturas tradicionales y modernas de Makonde. Al igual que en otras regiones, también existe una tradición diversificada de producción de arte textil.

El arte Tinga Tinga tiene sus raíces en la decoración de paredes de chozas en el centro y sur de Tanzania. Fue por primera vez en 1968 cuando Edward Said Tingatinga comenzó a pintar sobre láminas de madera con colores de esmalte cuando se dio a conocer el arte de Tinga Tinga. El arte del Makonde debe subdividirse en diferentes áreas. Los Makonde son conocidos como maestros talladores en todo el este de África, y sus estatuas se pueden encontrar a la venta en mercados turísticos y museos por igual. Tradicionalmente tallan objetos domésticos, figuras y máscaras. Desde la década de 1950 se ha desarrollado el llamado Arte Makonde Moderno. Un paso esencial fue el giro hacia figuras abstractas, en su mayoría espíritus (Shetani) que juegan un papel especial. Makonde también forman parte de los importantes artistas contemporáneos de África en la actualidad. Una posición destacada la ocupa George Lilanga.

África central

República Democrática del Congo

Reino de Kuba

El Reino de Kuba (también representado como el Reino de Bakuba, Songora o Bushongo) fue un reino precolonial en África Central. El Reino de Kuba floreció entre los siglos XVII y XIX en la región bordeada por los ríos Sankuru, Lulua y Kasai en el sureste de la actual República Democrática del Congo. Gran parte del arte fue creado para las cortes de los jefes y reyes y fue profusamente decorado, incorporando conchas de cauri y pieles de animales (especialmente leopardo) como símbolos de riqueza, prestigio y poder. Las máscaras también son importantes para los Kuba. Se utilizan tanto en los rituales de la corte como en la iniciación de los niños a la edad adulta, así como en los funerales.

• Mascarilla Ngady-Mwash; Siglo 19; Museo Etnológico de Berlín (Alemania). Los colores, rojo, marrón y beige crean un ambiente cálido de sabana, contrastando con las hileras de cuentas azules. Como muchas otras máscaras de Kuba, esta está decorada con conchas de cauri. Al igual que muchos tipos de máscaras de Kuba, la máscara ngady-mwash está muy policromada o multicolor.
• máscara Mulwalwa; siglo XIX o principios del XX; madera pintada y rafia; Museo Etnológico de Berlín. Esta máscara encarna un poderoso espíritu de la naturaleza. Como no hay agujeros a través de los cuales un artista pudiera ver, probablemente estaba montado en una pared en un campamento de iniciación, lo que indica que la iniciación estaba casi completa.
• Máscara de Pwoom Itok; finales del siglo XIX; 39,1 x 28,6 x 29,8 cm (15 3 ⁄ 8 x 11 1 ⁄ 4 x 11 3 ⁄ 4 pulg.); Museo de Brooklyn (Estados Unidos). Esta máscara puede haber representado a un hombre mayor sabio en las iniciaciones de los niños. Una de las principales máscaras de baile de Kuba se llama pwoom itok. La principal característica de identificación es la forma de los ojos, cuyos centros son conos rodeados de agujeros a través de los cuales ve el usuario.
• cinturón (todavía); posiblemente a principios del siglo XX; cordón, cuero, cuentas de vidrio, conchas; Museo de Arte de Cleveland (EE.UU.). Como algunas de las máscaras, este cinturón está decorado con cuentas de colores.
• Ndop del rey Mishe miShyaang maMbul; 1760-1780; madera; 49,5 x 19,4 x 21,9 cm (19 1 ⁄ 2 x 7 5 ⁄ 8 x 8 5 ⁄ 8 pulg.); Museo de Brooklyn (Nueva York). Los ndops son retratos conmemorativos reales tallados por el pueblo Kuba de África Central. No son representaciones naturalistas, sino que pretenden representar el espíritu del rey y encapsular el principio de la realeza.
• Copa de cabeza (Mbwoongntey); Siglo 19; madera; Museo de Brooklyn. Tiene un labio cilíndrico de una pulgada con decoración lineal. El cabello está formado por líneas entrecruzadas con un segmento elevado en forma de diamante en la parte posterior de la cabeza. Sus mejillas tienen escarificación multilineal curva.
• Itoon (instrumento de adivino, en forma de hipopótamo); Siglo 19; madera; 7,5 × 26,6 × 6,4 cm (2 15 ⁄ 16 × 10 1 ⁄ 2 × 2 1 ⁄ 2 pulg.); Museo de Brooklyn
• Tela; rafia; 20,3 x 85,7 cm (8 x 33 3 ⁄ 4 pulg.); Museo de Brooklyn. En la cultura Kuba, los hombres son los responsables del cultivo de la palma de rafia y del tejido de la tela de rafia. Se producen varios tipos de tela de rafia para diferentes propósitos, la forma más común de la cual es una tela tejida simple que se utiliza como base para la producción de textiles decorados.

Reino Luba

El Reino de Luba o Imperio Luba (1585–1889) fue un estado precolonial de África Central que surgió en las praderas pantanosas de la Depresión de Upemba en lo que ahora es el sur de la República Democrática del Congo. Hoy, el pueblo luba o baLuba es un grupo etnolingüístico indígena de la región centro-sur de la República Democrática del Congo. La mayoría de ellos vive en este país, residiendo principalmente en las provincias de Katanga, Kasai y Maniema.

Al igual que en el Reino de Kuba, el Reino de Luba tenía en alta estima las artes. Un tallador tenía un estatus relativamente alto, que se mostraba con una azuela (hacha) que llevaba sobre su hombro. El arte luba no era muy uniforme debido al vasto territorio que controlaba el reino. Sin embargo, algunas características son comunes. El importante papel de la mujer en los mitos de la creación y la sociedad política hizo que muchos objetos de prestigio fueran decorados con figuras femeninas.

• Reposacabezas; Siglo 19; madera; altura: 18,5 cm (7,2 pulgadas), ancho: 19 cm (7,4 pulgadas), grosor: 8 cm (3,1 pulgadas); Musée du quai Branly (París). Este reposacabezas presenta los peinados Luba del siglo XIX, así como las extremidades largas, las piernas dobladas hacia atrás, el torso cilíndrico y la pose dinámica típicas del artista que lo hizo.
• Figurilla de una mujer de pie; finales del siglo XIX o principios del XX; madera; 27,9 × 8,3 × 10,2 cm (11 × 3 1 ⁄ 4 × 4 pulg.); Museo de Brooklyn (Nueva York)
• Polea de lizo con cabeza hembra; finales del siglo XIX o principios del XX; madera; 20,6 × 5,4 × 4,8 cm (8 1 ⁄ 8 × 2 1 ⁄ 8 × 1 7 ⁄ 8 pulgadas); Museo de Brooklyn
• Máscara Kifwebe; madera; Museo Real de África Central (Tervuren, Bélgica)

Otros grupos étnicos de la República Democrática del Congo

• Olla antropomórfica; principios del siglo 20; cerámica; 40,0 × 24,0 cm (15 3 ⁄ 4 × 9 1 ⁄ 2 pulg.); por la gente de Mangbetu; Museo de Brooklyn (Nueva York)
• Máscara de tablón (emangungu); posiblemente a principios del siglo XX; madera; por el pueblo Bembe; Museo de Arte de Cleveland (Estados Unidos)
• cabeza de un cetro; Siglo 19; por la gente Yombe
• figura femenina; siglo 20; madera; por la gente de Lumbo; Museo de Arte de Indianápolis (EE. UU.)
• Mascarilla; principios del siglo 20; madera, rafia y pigmentos de color; por el pueblo Yaka; Museo Rietberg (Zúrich, Suiza)
• Silla (trono) de un jefe; siglo XIX o principios del XX; madera; por el pueblo Hemba; Museo Rietberg
• figura funeraria (tumba); Siglo 19; madera; por el pueblo sundi; Museo Rietberg
• Máscara (kifwebe); madera; por el pueblo Songye; Museo Real de África Central (Tervuren, Bélgica)
• máscara Mbangu; madera, pigmento y fibras; altura: 27 cm; por el pueblo Pende; Museo Real de África Central. Representando a un hombre perturbado, los ojos encapuchados con aspecto de V y los elementos artísticos de la máscara (superficies faciales, rasgos distorsionados y color dividido) evocan la experiencia del conflicto interno personal.
• figura de la tumba; esteatita; por la gente de Boma; Museo Real de África Central. Las esculturas de piedra son extremadamente raras en el arte africano.
• figura ancestral guerrera; Siglo 19; madera; 84,1 × 26 × 23,2 cm (33,1 × 10,2 × 9,1 pulgadas); por el pueblo Hemba; Museo de Arte Kimbell (Fort Worth, Texas, EE. UU.)
• Estatuilla de mujer; siglo XIX o principios del siglo XX; por gente Holoholo; Museo Etnológico de Berlín (Alemania)

Chad

São

La civilización Sao floreció en África central desde aproximadamente el siglo VI a. C. hasta el siglo XVI d. C., y vivió junto al río Chari alrededor del lago Chad en un territorio que luego se convirtió en parte de Camerún y Chad. Sus obras de arte más importantes son las figurillas de terracota. Estas figurillas representan humanos y animales. Otros tipos de artefactos muestran que los Saos eran trabajadores calificados en bronce, cobre y hierro.

• Figurilla antropomórfica; terracota; siglo IX-XVI; Musée du quai Branly (París)
• Figurilla antropomórfica; siglo IX-XVI; terracota; Museo del muelle Branly
• Figurilla antropomórfica; siglo IX-XVI; terracota; Museo del muelle Branly
• Figurilla antropomórfica; siglo IX-XVI; terracota; Museo del muelle Branly
• Cabeza; terracota; Museo de Historia Natural de La Rochelle (La Rochelle, Francia)
• figura zoomorfa; siglo IX-XVI; terracota; Museo del muelle Branly
• Fragmento de un pectoral; siglo IX-XVI; aleación cuprosa; Museo del muelle Branly

Gabón

El pueblo Fang hace máscaras y cestería, tallas y esculturas. El fang art se caracteriza por una claridad organizada y líneas y formas distintas. Las bieri, cajas para guardar los restos de los antepasados, están talladas con figuras protectoras. Las máscaras se usan en ceremonias y para cazar. Los rostros están pintados de blanco con rasgos negros. El arte de Myene se centra en los rituales de Myene para la muerte. Los antepasados ​​femeninos están representados por máscaras pintadas de blanco que usan los parientes masculinos. Los Bekota usan latón y cobre para cubrir sus tallas. Utilizan cestas para guardar restos ancestrales. El turismo es raro en Gabón y, a diferencia de otros países africanos, el comercio no estimula el arte.

Africa del Sur

Botsuana

En la parte norte de Botswana, las mujeres de las aldeas de Etsha y Gumare se destacan por su habilidad en la elaboración de cestas de Mokola Palm y tintes locales. Las canastas generalmente se tejen en tres tipos: canastas grandes con tapa que se usan para almacenar canastas grandes y abiertas para llevar objetos en la cabeza o para aventar el grano trillado, y platos más pequeños para aventar el grano machacado. El arte de estas canastas se mejora constantemente mediante el uso de colores y diseños mejorados a medida que se producen cada vez más para uso comercial.

Los más antiguos evidencian pinturas antiguas tanto de Botswana como de Sudáfrica. El pueblo San hizo representaciones de caza, tanto animales como figuras humanas, que datan de antes de la civilización de más de 20,000 años en el desierto de Kalahari.

Zimbabue

La cultura del Gran Zimbabue dejó edificios más impresionantes que esculturas, pero los ocho pájaros de esteatita de Zimbabue parecen haber tenido un significado especial y presumiblemente estaban montados en monolitos. Los escultores modernos de Zimbabue en esteatita han logrado un éxito internacional considerable. Las figuras de arcilla conocidas más antiguas del sur de África datan del 400 al 600 dC y tienen cabezas cilíndricas con una mezcla de rasgos humanos y animales.

Sudáfrica

Mapungubwe

El Reino de Mapungubwe (1075–1220) fue un estado precolonial en el sur de África ubicado en la confluencia de los ríos Shashe y Limpopo, al sur de Gran Zimbabue. La obra de arte más famosa de Mapungubwe es un pequeño rinoceronte dorado, conocido como el rinoceronte dorado de Mapungubwe. En otras tumbas de Mapengubwe se encontraron objetos de hierro, oro, cobre, cerámica y cuentas de vidrio.

Ndebele del sur

Los ndebele del sur son famosos por la forma en que pintan sus casas. Distintas formas geométricas contra colores rígidos y contrastantes forman la base del estilo Ndebele, que abarcaba todo, desde la arquitectura, la ropa y las herramientas de la gente. Si bien el color casi siempre ha tenido un papel en la generación de emociones en el arte, los ndebele fueron una de las primeras tribus del sur de África en utilizar una amplia gama de colores para transmitir un significado específico como parte de sus propias vidas.

• Murales en el Ndebele de la Universidad de Maastricht (Países Bajos)
• Murales en el Ndebele de la Universidad de Maastricht
• Un delantal de cuentas o meputo; finales del siglo XIX-principios del XX; cuero, cuentas de vidrio, cuentas de metal, paja; 46,9 × 50,8 cm (18,5 × 20 pulg.); Museo de Arte de Birmingham (Alabama, EE. UU.)

África del Norte

Egipto

Persistiendo durante 3.000 años y treinta dinastías, el arte "oficial" del Antiguo Egipto se centró en la religión estatal de la época. El arte varió desde tallas en piedra de estatuas enormes y pequeñas estatuillas, hasta arte mural que representaba tanto la historia como la mitología. En 2600 a. C., la madurez de la talla egipcia alcanzó un punto máximo que no volvió a alcanzar durante otros 1.500 años durante el reinado de Ramsés II.

Gran parte del arte posee cierta rigidez, con figuras erguidas y rígidas de manera real. Las proporciones corporales también parecen derivarse matemáticamente, lo que da lugar a una sensación de perfección fantástica en las figuras representadas. Esto muy probablemente se usó para reforzar la piedad de la casta gobernante.

• Ambos lados de la paleta de Narmer; alrededor del 3100 a. C.; grauvaca; altura: 63 cm (24 3 ⁄ 4 pulg.); de Hierakónpolis (Egipto); Museo Egipcio (El Cairo). La paleta de Narmer es la declaración por excelencia de la mitología de la realeza egipcia. Un claro manifiesto del poder real, también es uno con múltiples capas de simbolismo.
• Estela de la princesa Nefertiabet comiendo; 2589-2566 aC; piedra caliza y pintura; altura: 37,7 cm (14 7 ⁄ 8 pulg.), longitud: 52,5 cm (20 5 ⁄ 8 pulg.), profundidad: 8,3 cm (3 1 ⁄ 4 pulg.); de Guiza; Louvre (París). Este relieve finamente ejecutado representa la garantía más sucinta de la ofrenda perpetua por el difunto.
• El Busto de Nefertiti; 1352-1336 aC; piedra caliza, yeso y pintura; altura: 48 cm (19 7 ⁄ 8 pulg.); de Amarna (Egipto); Museo Egipcio de Berlín (Alemania). Quizás la imagen más icónica de una mujer del mundo antiguo, el busto de Nefertiti es difícil de contextualizar porque parece tan excepcional.
• La Máscara de Tutankamón; alrededor de 1327 aC; oro, vidrio y piedras semipreciosas; altura: 54 cm (21 1 ⁄ 4 pulg.), ancho: 39,3 cm (15 1 ⁄ 2 pulg.), profundidad: 49 cm (19 1 ⁄ 4 pulg.); del Valle de los Reyes (Tebas, Egipto); Museo Egipcio. La máscara de momia de Tutankamón es quizás el objeto más icónico que ha sobrevivido del antiguo Egipto.

Nubia y Sudán

El pueblo de Nubia, que vive en el sur de Egipto y la región norte de Sudán, desarrolló estilos artísticos históricos similares a los de sus vecinos egipcios del norte. Sin embargo, el arte nubio no fue simplemente un producto de la colonización del antiguo Egipto, sino más bien un intercambio mutuo de ideas e ideologías a lo largo del valle del Nilo. El arte más antiguo de la región proviene de la cultura Kerma, que fue contemporánea del Egipto del Imperio Antiguo y Medio. El arte de este período exhibe loza egipcia junto con distintas cerámicas de tapa negra de origen nubio. En el último período de Napatan del Reino de Kush, el arte mostró más influencia de Egipto ya que la gente de la región adoraba a los dioses egipcios.

Diáspora africana

Museos

Muchos museos de arte y etnográficos tienen una sección dedicada al arte del África subsahariana, por ejemplo, el Museo Británico, el Museo del Quai Branly – Jacques Chirac en París, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York y el Museo Etnológico de Berlín. No muchos museos occidentales están dedicados únicamente al arte africano, como el Museo de África en Bruselas, el Museo Nacional de Arte Africano en Washington, DC y el Museo de Arte Africano de Maryland en Columbia, Maryland. Algunos colegios y universidades tienen colecciones de arte africano, por ejemplo, la Universidad de Howard en Washington, DC y el Spelman College en Atlanta, Georgia.

Casi todos los países de África tienen al menos un museo nacional que alberga arte africano, a menudo en gran parte de ese país, por ejemplo, el Museo Nacional de Sierra Leona y el Museo Nacional de Nigeria en Lagos. También hay muchos museos más pequeños en las provincias.

La exhibición de arte y artefactos africanos en los museos europeos ha sido durante mucho tiempo controvertida de varias maneras, y el "Informe sobre la restitución del patrimonio cultural africano" encargado por Francia (2018) ha marcado un momento clave, lo que ha llevado a un aumento en el retorno de artefactos Sin embargo, hay otros ejemplos, como el Museo de Arte Africano de Belgrado que se inauguró en 1977 debido a las relaciones de Yugoslavia con muchos países africanos gracias al Movimiento de Países No Alineados. El museo se abrió con el deseo de familiarizar al pueblo de Yugoslavia con el arte y la cultura de África, ya que existía una noción profundamente arraigada de que Yugoslavia compartía una amistad con los países africanos gracias a sus luchas similares;

El activista congoleño Mwazulu Diyabanza ha tomado medidas directas contra los museos europeos para recuperar objetos que, según él, pertenecen a África.