Elementos y principios de diseño visual.

Elementos y principios del diseño visual describen ideas fundamentales sobre la práctica del diseño visual.

Elementos de diseño

Los elementos de diseño son las unidades básicas de cualquier diseño visual que forman su estructura y transmiten mensajes visuales. El pintor y teórico del diseño Maitland E. Graves (1902-1978), que intentó gestar los principios fundamentales del orden estético en el diseño visual, en su libro El arte del color y el diseño (1941), definió los elementos del diseño como línea, dirección, forma, tamaño, textura, valor y color, concluyendo que "estos elementos son los materiales con los que se construyen todos los diseños".

Color

El color es el resultado de la luz que se refleja desde un objeto hasta nuestros ojos. El color que perciben nuestros ojos está determinado por el pigmento del propio objeto. A menudo se hace referencia a la teoría del color y la rueda de colores cuando se estudian combinaciones de colores en el diseño visual. A menudo se considera que el color es un elemento importante del diseño, ya que es un lenguaje universal que presenta innumerables posibilidades de comunicación visual. El color tiene varios propósitos para contribuir a la efectividad general del diseño. Se utiliza como elemento para transmitir significado y emoción, crear jerarquía visual, mejorar la identidad de marca, mejorar la legibilidad y accesibilidad, crear interés y atractivo visual, diferenciar información y elementos, y otorgar importancia cultural y contextual.

El tono, la saturación y el brillo son las tres características que describen el color.

• Hue simplemente se puede llamar "color" como en rojo, amarillo o verde.
• La saturación da un brillo de color o dulzura, que impacta la vibración del color.
• Valores, tintes y tonos de colores se crean agregando negro a un color para un tono y blanco para un tinte. Crear un tinte o tono de color reduce la saturación.

Teoría del color en el diseño visual

La teoría del color estudia la mezcla y las combinaciones de colores. Es una de las primeras cosas que marcó un enfoque de diseño progresista. En diseño visual, los diseñadores se refieren a la teoría del color como un cuerpo de orientación práctica para lograr ciertos impactos visuales con combinaciones de colores específicas. El conocimiento teórico del color se implementa en los diseños para lograr un diseño de color exitoso.

• Color armonía

La armonía del color, a menudo denominada "medida de la estética", estudia qué combinaciones de colores son armoniosas y agradables a la vista y cuáles no. La armonía del color es una de las principales preocupaciones de los diseñadores, dado que los colores siempre existen en presencia de otros colores en la forma o el espacio.

Cuando un diseñador armoniza colores, las relaciones entre un conjunto de colores se mejoran para aumentar la forma en que se complementan entre sí. Los colores se armonizan para lograr un efecto equilibrado, unificado y estéticamente agradable para el espectador.

La armonía del color se logra de diversas formas, algunas de las cuales consisten en combinar un conjunto de colores que comparten el mismo tono, o un conjunto de colores que comparten los mismos valores para dos de las tres características del color (tono, saturación , brillo). La armonía del color también se puede lograr simplemente combinando colores que se consideren compatibles entre sí, tal como se representan en la rueda de colores.

• Color contrasta

Los contrastes de color se estudian con un par de colores, a diferencia de la armonía cromática, que estudia un conjunto de colores. En el contraste de colores, dos colores con diferencias perceptibles en aspectos como la luminancia o la saturación se colocan uno al lado del otro para crear contraste.

Johannes Itten presentó siete tipos de contrastes de color: contraste de luz y oscuridad, contraste de tono, contraste de temperatura, contraste de saturación, contraste simultáneo, contraste de tamaños y contraste de complementarios. Estos siete tipos de contrastes de color han inspirado trabajos anteriores que involucran esquemas de color en el diseño.

• Esquemas de color

Los esquemas de color se definen como el conjunto de colores elegidos para un diseño. A menudo se componen de dos o más colores que resultan atractivos uno al lado del otro y que crean una sensación estética cuando se usan juntos. Los esquemas de color dependen de la armonía del color, ya que indican qué colores lucen agradables uno al lado del otro.

Un producto de diseño satisfactorio suele ir acompañado de una combinación de colores exitosa. Con el tiempo, se desarrollaron herramientas de diseño de color con la función de generar esquemas de color para facilitar la armonización del color a los diseñadores.

Uso del color en el diseño visual

• Color se utiliza para crear armonía, equilibrio y comodidad visual en un diseño
• El color se utiliza para evocar el estado de ánimo deseado y la emoción en el espectador
• Color se utiliza para crear un tema en el diseño
• El color tiene significado y puede ser simbólico. En ciertas culturas, diferentes colores pueden tener diferentes significados.
• El color se utiliza para poner énfasis en los elementos deseados y crear jerarquía visual en una pieza de arte
• Color puede crear identidad para cierta marca o producto de diseño
• Color permite a los espectadores tener diferentes interpretaciones de diseños visuales. El mismo color puede evocar diferentes emociones, o tener varios significados para diferentes individuos y culturas
• Las estrategias de color se utilizan para la organización y consistencia en un producto de diseño
• En el diseño arquitectónico de un entorno minorista, los colores afectan la toma de decisiones, lo que motiva a los consumidores a comprar productos particulares
• Color fortalece narrativa y narrativa en diseño visual.
• El color puede representar personajes, temas y simbolismo.
• El color es una herramienta que los diseñadores utilizan para añadir estratégicamente capas de significado y subtexto a sus diseños.
• Los colores pueden crear motivos visuales recurrentes en un diseño, fortalecer las ideas y fomentar la coherencia.
• El color es una herramienta eficaz para la comunicación porque permite una interpretación y expresión complejas.

Línea

La línea es un elemento artístico definido por un punto que se mueve en el espacio. Más específicamente, la Línea se define como una serie de puntos, o la conexión entre dos puntos, o la trayectoria de un punto en movimiento. La importancia de la línea proviene de su versatilidad ya que sus características son significativamente expresivas. Las líneas pueden ser verticales, horizontales, diagonales o curvas; también pueden aparecer como formas lineales que adquieren una calidad de enlace de línea, o como una línea sugerida que se percibe desde los ojos mientras siguen una secuencia de formas relacionadas. La línea se puede usar en formas bidimensionales encerrando un espacio como un contorno y creando una forma, o en formas tridimensionales. Pueden tener cualquier ancho o textura y pueden ser continuos, implícitos o rotos. Además, existen diferentes tipos de líneas además de las mencionadas anteriormente. Por ejemplo, podría tener una línea horizontal y en zigzag o una línea vertical y en zigzag. Diferentes líneas crean diferentes estados de ánimo, todo depende del estado de ánimo que utilices para crear y transmitir.

Punto

Un punto es básicamente el comienzo de “algo” en “nada”. Obliga a la mente a pensar sobre su posición y le da algo sobre lo que construir tanto en la imaginación como en el espacio. Algunos puntos abstractos en un grupo pueden provocar la imaginación humana para vincularlo con figuras o formas familiares.

Forma

Una forma se define como un área bidimensional que se destaca del espacio al lado o alrededor de ella debido a un límite definido o implícito, o debido a diferencias de valor, color o textura. Las formas son objetos y formas reconocibles y generalmente se componen de otros elementos de diseño.

Por ejemplo, un cuadrado dibujado en una hoja de papel se considera una forma. Se crea con una serie de líneas que sirven como límite que da forma al cuadrado y lo separa del espacio a su alrededor que no forma parte del cuadrado.

Tipos de formas

Las formas geométricas o formas mecánicas son formas que se pueden dibujar usando una regla o un compás, como cuadrados, círculos, triángulos, elipses, paralelogramos, estrellas, etc. Las formas mecánicas, ya sean simples o complejas, producen una sensación de control y orden.

Las formas orgánicas son formas irregulares que a menudo son complejas y se parecen a las formas que se encuentran en la naturaleza. Las formas orgánicas se pueden dibujar a mano, por eso a veces son subjetivas y sólo existen en la imaginación del artista.

formas curvilíneas se componen de líneas curvas y bordes suaves. Dan una sensación más natural a la forma. Por el contrario, las formas rectilíneas se componen de aristas vivas y ángulos rectos, y desprenden una sensación de orden en la composición. Parecen más hechos por humanos, estructurados y artificiales. Los artistas pueden optar por crear una composición que gire principalmente en torno a uno de estos estilos de forma, o pueden optar por combinar ambos.

Textura

La textura se refiere a las cualidades físicas y visuales de una superficie.

Definición de textura

La textura es la variación de datos a una escala menor que la escala del objeto principal. Tomando como ejemplo a una persona que usa una camisa hawaiana, siempre que consideremos a la persona como el objeto principal que miramos, los patrones de su camisa se consideran textura. Sin embargo, si intentamos identificar el patrón de la camisa, cada flor o pájaro del patrón es un objeto sin textura, ya que no se puede reconocer ningún detalle más pequeño en su interior. La textura de nuestro entorno nos ayuda a comprender mejor la naturaleza de las cosas, ya que una carretera pavimentada y lisa indica un paso seguro y la niebla espesa crea un velo en nuestra vista.

Textura en diseño

La textura en el diseño incluye la superficie física literal empleada en una pieza impresa, así como la apariencia óptica de la superficie. La textura física afecta cómo se siente la pieza en la mano y también cómo transmite el diseño, ya que una superficie brillante, por ejemplo, refleja la luz de manera diferente que una suave o con guijarros. Sin embargo, muchas de las texturas manipuladas por los diseñadores gráficos no se pueden experimentar físicamente, ya que se utilizan en el aspecto de representación visual del diseño. La textura agrega detalles a una imagen de una manera que transmite la calidad general de una superficie. Los diseñadores gráficos utilizan la textura para establecer un estado de ánimo, reforzar un punto de vista o transmitir una sensación de presencia física, ya sea creando un tipo de letra o dibujando un árbol.

Usos de la textura en el diseño

• La textura se puede utilizar para atraer o repeler el interés a un elemento, dependiendo de lo agradable que sea la textura.
• La textura también se puede utilizar para añadir detalles complejos en la composición de un diseño.
• En el diseño teatral, las cualidades superficiales de un traje esculpirán el aspecto y la sensación de un personaje, que influye en la forma en que el público reacciona al personaje.

Tipos de textura

textura táctil, también conocida como "textura real", se refiere a la textura física tridimensional de un objeto. La textura táctil se puede percibir mediante el sentido del tacto. Una persona puede sentir la textura táctil de una escultura pasando la mano por su superficie y palpando sus crestas y abolladuras.

• Los pintores usan impasto para construir picos y crear textura en su pintura.
• La textura se puede crear a través del collage. Esto es cuando los artistas montan objetos tridimensionales y los aplican sobre una superficie bidimensional, como un pedazo de papel o lienzo, para crear una composición final.
• Papier collé es otra técnica de collage en la que los artistas pegan papel a una superficie para crear diferentes texturas en su superficie.
• El montaje es una técnica que consiste en montar diversos objetos tridimensionales en una escultura, que también puede revelar texturas al espectador.

textura visual, también denominada "textura implícita", no es detectable por nuestro sentido del tacto, sino por nuestro sentido de la vista. La textura visual es la ilusión de una textura real sobre una superficie bidimensional. Cualquier textura percibida en una imagen o fotografía es una textura visual. Una fotografía de la corteza rugosa de un árbol se considera una textura visual. Crea la impresión de una textura real sobre una superficie bidimensional que permanecerá suave al tacto sin importar cuán rugosa sea la textura representada.

En pintura se utilizan diferentes pinturas para conseguir diferentes tipos de texturas. Las pinturas como el óleo, el acrílico y la encáustica son más espesas y opacas y se utilizan para crear impresiones tridimensionales en la superficie. Otras pinturas, como la acuarela, tienden a usarse para texturas visuales, porque son más delgadas y transparentes, y no dejan mucha textura táctil en la superficie.

Patrón

Muchas texturas parecen repetir el mismo motivo. Cuando un motivo se repite una y otra vez en una superficie, da como resultado un patrón. Los patrones se utilizan con frecuencia en el diseño de moda o el diseño textil, donde los motivos se repiten para crear patrones decorativos en telas u otros materiales textiles. Los patrones también se utilizan en el diseño arquitectónico, donde se incorporan al diseño del edificio elementos estructurales decorativos como ventanas, columnas o frontones.

Espacio

En diseño, el espacio se refiere al área profunda en el momento del diseño designado, en la que se llevará a cabo el diseño. Para un diseño bidimensional, el espacio implica crear la ilusión de una tercera dimensión en una superficie plana:

• La superposición es el efecto donde los objetos parecen estar encima uno del otro. Esta ilusión hace que el elemento superior se vea más cerca del observador. No hay manera de determinar la profundidad del espacio, sólo el orden de cercanía.
• Shading añade marcas de gradación para hacer que un objeto de una superficie bidimensional parezca tridimensional.
• Luz de transición, núcleo de la sombra, luz reflejada y sombra de fundición dan un objeto un aspecto tridimensional.
• Perspectiva lineal es el concepto relativo a cómo un objeto parece más pequeño en cuanto más lejos llega.
• La Perspectiva Atmosférica se basa en cómo el aire actúa como filtro para cambiar la apariencia de objetos distantes.

Formulario

En diseño visual, la forma se describe como la forma en que un artista organiza los elementos en la totalidad de una composición. También puede describirse como cualquier objeto tridimensional. La forma se puede medir de arriba a abajo (alto), de lado a lado (ancho) y de atrás hacia adelante (profundidad). La forma también se define por la luz y la oscuridad. Puede definirse por la presencia de sombras en superficies o caras de un objeto. Hay dos tipos de forma, geométrica (artificial) y natural (forma orgánica). La forma puede crearse mediante la combinación de dos o más formas. Puede realzarse con tono, textura o color. Puede ser ilustrado o construido.

Principios de diseño

Principios aplicados a los elementos de diseño que los reúnen en un solo diseño. La forma en que se aplican estos principios determina el éxito que puede tener un diseño.

Unidad/armonía

Según Alex White, autor de Los elementos del diseño gráfico, lograr la unidad visual es el objetivo principal del diseño gráfico. Cuando todos los elementos están de acuerdo, un diseño se considera unificado. Ninguna parte individual se considera más importante que el diseño completo. Se debe establecer un buen equilibrio entre unidad y variedad para evitar un diseño caótico o sin vida.

Métodos

• Perspectiva: sentido de distancia entre elementos.
• Similitud: capacidad para parecer repetible con otros elementos.
• Continuación: el sentido de tener una línea o patrón se extiende.
• Repetición: elementos siendo copiados o imitados numerosas veces.
• Rhythm: se logra cuando la posición, tamaño, color y uso recurrente de un elemento gráfico tiene una interrupción de punto focal.
• Alterar el tema básico logra la unidad y ayuda a mantener el interés.

Saldo

Es un estado de tensión y equilibrio igualados, que puede no ser siempre tranquilo.

Tipos de equilibrio en el diseño visual

• Simmetría
• El equilibrio asimétrico produce un equilibrio informal que atrae la atención y dinámica.
• El equilibrio radial se arregla alrededor de un elemento central. Los elementos colocados en un equilibrio radial parecen 'radiar' desde un punto central en una forma circular.
• En general es una forma de mosaico de equilibrio que normalmente surge de demasiados elementos que se ponen en una página. Debido a la falta de jerarquía y contraste, esta forma de equilibrio puede parecer ruidosa pero a veces silenciosa.

Jerarquía/Dominancia/Énfasis

Un buen diseño contiene elementos que guían al lector a través de cada elemento en orden de importancia. El tipo y las imágenes deben expresarse desde el más importante al menos importante. La dominancia se crea contrastando tamaño, posición, color, estilo o forma. El punto focal debe dominar el diseño con escala y contraste sin sacrificar la unidad del conjunto.

Escala/proporción

Utilizar el tamaño relativo de los elementos entre sí puede atraer la atención hacia un punto focal. Cuando los elementos se diseñan a gran escala, la escala se utiliza para mostrar dramatismo. La escala se puede considerar tanto objetiva como subjetivamente. En términos objetivos, la escala se refiere a las dimensiones físicas literales exactas de un objeto en el mundo real o la coloración entre la representación y la real. Los mapas impresos pueden ser buenos ejemplos, ya que tienen una escala exacta que representa el mundo físico real. Sin embargo, subjetivamente la escala se refiere a la impresión que uno tiene del tamaño de un objeto. Una representación “carece de escala” cuando no existe una causa exacta que la vincule con la experiencia vivida, dándole una identidad física. Por ejemplo, un libro puede tener una escala grandiosa o íntima según cómo se relaciona con nuestro propio cuerpo o nuestro conocimiento de otros libros.

Escala en diseño

Una pieza impresa puede ser tan pequeña como un sello postal o tan grande como un cartel publicitario. Un logotipo debe ser legible tanto en dimensiones pequeñas como a distancia en una pantalla. Algunos proyectos tienen su escala específica diseñada para un determinado medio o sitio, mientras que otros necesitan trabajar en varios tamaños diseñados para su reproducción en múltiples escalas. No importa el tamaño del trabajo de diseño, debe tener su propio sentido de escala. Aumentar la escala de un elemento en una pieza de diseño aumenta su valor en términos de jerarquía y hace que se vea primero en comparación con otros elementos, mientras que disminuir la escala de un elemento reduce su valor.

Similitud y contraste

Planificar un diseño consistente y similar es un aspecto importante del trabajo de un diseñador para hacer visible su punto focal. Demasiada similitud es aburrida, pero sin similitud los elementos importantes no existirán y una imagen sin contraste transcurre sin incidentes, por lo que la clave es encontrar el equilibrio entre similitud y contraste.

Entorno similar

Hay varias formas de desarrollar un entorno similar:

• Construir una estructura de organización interna única.
• Manipular formas de imágenes y texto para correlacionar juntos.
• Express continuidad de página a página en publicaciones. Los artículos a ver incluyen encabezados, temas, fronteras y espacios.
• Desarrollar un manual de estilo y adherirse a él.

Contrastes

• Espacio
  • Lleno / Vacío
  • Cerca / Lejano
  • 2-D / 3-D
• Posición
  • Izquierda / derecha
  • Isolated / Grouped
  • Centro / Off-Center
  • Top / Bottom
• Formulario
  • Simple / Complejo
  • Belleza / Ugly
  • Total / roto
• Dirección
  • Estabilidad / Movimiento
• Estructura
  • Organizada / caótica
  • Mecánica / Mano-Drawn
• Tamaño
  • Grande / pequeño
  • Deep / Shallow
  • Gordo / Thin
• Color
  • Escala gris / Color
  • Blanco y negro / color
  • Luz / Oscuridad
• Textura
  • Bien / Ruso
  • Smooth / Rough
  • Sharp / Dull
• Densidad
  • Transparent / Opaque
  • Thick / Thin
  • Liquid / Solid
• Gravedad
  • Luz / pesada
  • Stable / Inestable

El movimiento es el camino que sigue el ojo del espectador a través de la obra de arte, a menudo hacia áreas focales. Dicho movimiento puede dirigirse a lo largo de líneas, bordes, formas y colores dentro de la obra de arte, y más.