Tecnica teatral

Las técnicas teatrales son procedimientos que facilitan la presentación exitosa de una obra de teatro. También incluyen cualquier práctica que avance y mejore la comprensión que la audiencia aporta a la acción y la actuación del elenco en el escenario.

El oficio del dramaturgo

La técnica teatral es parte de la escritura creativa del drama del dramaturgo, como una especie de mimesis en lugar de una mera ilusión o imitación de la vida, en la que el dramaturgo es capaz de presentar una realidad a la audiencia que es diferente, pero reconocible a aquello con lo que normalmente se identifican en su vida cotidiana.
Otro aspecto de esto es el de crear el tipo de diálogo que hace que los personajes del dramaturgo cobren vida y permite su desarrollo en el curso de su dramatización.

El arte del dramaturgo también consiste en la capacidad de transmitir al público las ideas que dan esencia al drama dentro del marco de su estructura.
Finalmente, el sentimiento de las divisiones naturales de una obra, incluidos los actos, las escenas y los cambios de lugar, sus entradas y salidas, y el posicionamiento del elenco son parte integral de la técnica de dramaturgia.

Una de las funciones del dramaturgo es la relacionada con las adaptaciones del drama tradicional existente, como los collages de Charles Marowitz de Hamlet y Macbeth y otras reinterpretaciones. de las obras de Shakespeare, así como los planteamientos de Tom Stoppard en Rosencrantz & Guildenstern están muertos, Hamlet de Dogg y Macbeth de Cahoot.

El oficio del director

Actualmente, el director es responsable de la producción real de una obra de teatro, a diferencia de días anteriores, cuando era el productor quien, al menos en Gran Bretaña hasta la década de 1950, tenía esta tarea. En siglos anteriores, era el autor, un actor-director o un actor principal a quien se invertía la responsabilidad de poner en escena un drama.

El director produce la obra en la forma en que imagina cómo debe verse al interpretar lo que el dramaturgo pretendía dentro del drama; cuida la efectividad de los ensayos de los actores; y coordina el trabajo de los diseñadores y técnicos en la producción.

Sin embargo, el trabajo del dramaturgo todavía se refleja en la copia rápida del director, una forma separada de instrucciones escénicas elaboradas en detalle por el director, en las que a cada actor se le da detalles sobre lo que está sucediendo en el escenario, dónde debe estar exactamente en relación con la parte posterior, frontal, izquierda o derecha del escenario, y qué debe hacer en cualquier momento durante la obra.

Dirección escénica y escenografía

El director de escena tiene que trabajar con el director y determinar si tanto los objetivos del director como las percepciones de los escenógrafos son compatibles y realistas. Suelen ser el vínculo entre el director y el resto de la compañía, y son responsables de que las visiones del director se transmitan a cada actor y miembro del equipo de rodaje. También son responsables de la seguridad y de mantener un área detrás del escenario ordenada. Mantienen el libro de avisos y el tablero de llamadas, en el que se adjuntan las notas del horario de ensayos para el elenco.

La escenografía en general tiene que abordar las diversas deficiencias de las limitaciones espaciales y físicas del escenario. Por ejemplo, no se puede esperar que el escenario por sí solo proporcione vistas amplias y distantes, o grandes espacios donde se reúnan los ejércitos o se congreguen grandes masas de personas. Los fenómenos naturales como las tormentas eléctricas o los vientos, que a menudo forman parte del drama, no se pueden recrear en su forma original. Además, debido a la distancia que implica, es difícil para los actores representar los sentimientos, las tensiones y las pasiones de sus personajes al público con mucha distinción.

Es por estas razones que se han desarrollado tecnologías y técnicas especiales desde la época clásica en adelante para complementar y aumentar los efectos que se van a realizar. Los especialistas técnicos ayudan a implementar estas técnicas brindando experiencia en varias áreas de la producción. El director de escena y su equipo deben, en última instancia, combinar todas estas técnicas separadas para crear una producción escénica eficaz y exitosa.

• Los conjuntos y escenarios deben diseñarse y crearse en el taller. Incluyen escenas al aire libre y interiores, o tipos especiales de construcciones, y por lo general deben lograr la apariencia de profundidad y distancia dentro de las limitaciones espaciales del escenario.
• La iluminación de estadio tiene que ser proporcionada para establecer los estados de ánimo y las sensibilidades de la obra, y permitir la demostración de la carga emocional en la cara de los actores, posiblemente reforzando la pallor o la intensidad de sus rostros.
• Los trajes tienen que tipificar caracteres desde el momento en que aparecen en el escenario y significar el período o el ambiente social en el que se deben ver los personajes. También pueden indicar las circunstancias de los personajes (ya sean ricos o pobres) o incluso si deben ser vistos como cómicos o personajes trágicos.
• Los efectos sonoros tienen que transmitir fenómenos naturales, como viento o tormenta. Sin embargo, también es su función llamar los ánimos y sentimientos que el público reconocerá.
• Los efectos especiales tienen que entregar las imitaciones de las acciones físicas en el escenario, tales como explosiones, fuegos artificiales, niebla, o incluso terremotos que a menudo son parte de la historia.
• Rigging es un aspecto importante que no es a menudo visible. Todas las características de sonido e iluminación y su cableado y cableado tienen que ser mantenidos en una posición segura, sobre el escenario y el auditorio, y por lo tanto requieren accesorios temporales y permanentes especializados para ser instalados.
• El director técnico, especialmente en los teatros más grandes, tiene la responsabilidad de supervisar el montaje y la construcción del escenario. Crean dibujos de trabajo de los dibujos del diseñador pintoresco para pasar los diseños a la tienda de escena.

Tendencias y movimientos

Las tres unidades

Las unidades clásicas de tiempo, acción y lugar fueron los principios fundamentales del teatro neoclásico francés durante parte del siglo XVII.
Fueron introducidas por Jean Mairet después de una lectura errónea de La Poética de Aristóteles, y el crítico Castelvetro insistieron en que los dramaturgos y directores se adhirieran a las unidades. En la Poética, Aristóteles simplemente había recomendado que la acción debería consistir únicamente en la trama principal sin subtramas, y que el tiempo representado por la acción no debería extenderse más allá de la duración de un día. El tiempo simplemente entró en sus recomendaciones como una pista sobre los límites de la capacidad de atención que se podría esperar que tenga la audiencia. La unidad de lugar, la del confinamiento de la acción en una obra de teatro a una sola localidad, no se mencionó en absoluto.
El efecto de las tres unidades en el teatro francés durante este período fue que su presentación se volvió muy restrictiva, y fue solo cuando los dramaturgos posteriores comenzaron a evitar mencionar tiempos y lugares específicos que la presentación de las obras volvió a ser más creativa.

La Cuarta Unidad

En 1944, el dramaturgo bengalí Natyaguru Nurul Momen introdujo la cuarta unidad en su obra trágica pionera, Nemesis (obra Momen). En esta obra histórica de un solo personaje (en otras palabras, 'Monodrama), Nurul Momen mantuvo inmaculadamente las tres unidades aristotélicas del teatro griego clásico --- y agregó la cuarta unidad por primera vez en el teatro mundial.

En el prefacio de Némesis, el Natyaguru escribió: " En esta obra, se agrega una cuarta Unidad a las tres unidades tradicionales de Las tragedias griegas: tiempo, espacio y espacio. Acción. Se ha realizado una nueva experimentación mediante la introducción de una nueva unidad --- "Unidad de persona" a pesar de mantener el formato de Las tres unidades. "

Presentación de teatro

Algunos dramaturgos y dramaturgos intentan lograr efectos particulares que normalmente no se buscan en una presentación teatral.

Efecto de desfamiliarización (Verfremdungseffekt)

Bertolt Brecht acuñó el término "efecto de desfamiliarización" (a veces llamado "efecto de extrañamiento" o "efecto de alienación"; alemán Verfremdungseffekt) para un enfoque del teatro que se centró en las ideas y decisiones centrales de la obra, y desaconseja involucrar al espectador en un mundo ilusorio y en las emociones de los personajes. Brecht pensó que la audiencia necesitaba una distancia emocional para reflexionar sobre lo que se estaba presentando. Ver teatro épico.

Teicoscopia

Una de las técnicas más antiguas que se ha utilizado con frecuencia es la teicoscopia o "mirar desde la pared", en la que los actores observan eventos más allá de los límites del escenario., como una batalla distante, y discutirlo en el escenario mientras se lleva a cabo la batalla, en lugar de que los mensajeros informen el evento en un momento posterior después de que haya ocurrido el evento. Shakespeare utiliza esta técnica en las escenas finales de la obra La tragedia de Julio César.