Steve reich

Steve Reich en el Festival de Holanda, c.Junio de 1976

Stephen Michael Reich (RYSHE; nacido el 3 de octubre de 1936) es un compositor estadounidense conocido por su contribución al desarrollo de la música minimal a mediados y finales de la década de 1960. El trabajo de Reich se caracteriza por el uso de figuras repetitivas, ritmo armónico lento y cánones. Reich describe este concepto en su ensayo "La música como un proceso gradual", afirmando: "Estoy interesado en los procesos perceptibles. Quiero poder escuchar el proceso que ocurre a lo largo de la música que suena." Para ello, su música emplea la técnica del cambio de fase, en la que una frase se altera ligeramente con el tiempo, en un flujo que es claramente perceptible para el oyente. Sus innovaciones incluyen el uso de bucles de cinta para crear patrones de fase, como en las primeras composiciones It's Gonna Rain (1965) y Come Out (1966), y el uso de procesos simples y audibles, como en Pendulum Music (1968) y Four Organs (1970). La grabación de 1978 Música para 18 músicos ayudaría a afianzar el minimalismo como movimiento. El trabajo de Reich adquirió un carácter más oscuro en la década de 1980 con la introducción de temas históricos y de su herencia judía, en particular Different Trains (1988).

El estilo de composición de Reich ha influido en muchos compositores y grupos contemporáneos, especialmente en los Estados Unidos. Escribiendo en The Guardian, el crítico musical Andrew Clements sugirió que Reich es uno de "un puñado de compositores vivos que pueden afirmar legítimamente que han alterado la dirección de la historia musical".

Primeros años

Reich nació en la ciudad de Nueva York de la letrista de Broadway June Sillman y Leonard Reich. Cuando tenía un año, sus padres se divorciaron y Reich dividió su tiempo entre Nueva York y California. Es medio hermano del escritor Jonathan Carroll. Recibió lecciones de piano cuando era niño y describe haber crecido con los 'favoritos de la clase media', sin haber estado expuesto a la música escrita antes de 1750 o después de 1900. A la edad de 14 años, comenzó a estudiar música en serio., después de escuchar música del período barroco y anteriores, así como música del siglo XX. Reich estudió batería con Roland Kohloff para tocar jazz. Mientras asistía a la Universidad de Cornell, se especializó en música y se graduó en 1957 con un B.A. en Filosofía. Reich's B.A. la tesis fue sobre Ludwig Wittgenstein; más tarde musicalizaría textos de ese filósofo en Proverbio (1995) y Eres (variaciones) (2006).

Durante un año después de graduarse, Reich estudió composición de forma privada con Hall Overton antes de matricularse en Juilliard para trabajar con William Bergsma y Vincent Persichetti (1958–1961). Posteriormente, asistió al Mills College en Oakland, California, donde estudió con Luciano Berio y Darius Milhaud (1961–1963) y obtuvo una maestría en composición. En Mills, Reich compuso Melodica para melódica y cinta, que apareció en 1986 en el lanzamiento de tres LP Music from Mills.

Reich trabajó con el San Francisco Tape Music Center junto con Pauline Oliveros, Ramon Sender, Morton Subotnick, Phil Lesh y Terry Riley. Estuvo involucrado en el estreno de In C de Riley y sugirió el uso del pulso de corchea, que ahora es estándar en la interpretación de la pieza.

Carrera

Década de 1960

Las primeras incursiones de Reich en la composición involucraron la experimentación con la composición dodecafónica, pero encontró los aspectos rítmicos del número doce más interesantes que los aspectos tonales. Reich también compuso bandas sonoras para Plastic Haircut (1963), Oh Dem Watermelons (1965) y Thick Pucker (1965), tres películas de Roberto Nelson. La banda sonora de Plastic Haircut, compuesta en 1963, era un breve collage de cintas, posiblemente el primero de Reich. La banda sonora de Watermelons usó dos melodías de juglares del siglo XIX como base y usó frases repetidas juntas en un gran canon de cinco partes. La música de Thick Pucker surgió a partir de grabaciones callejeras que Reich hizo caminando por San Francisco con Nelson, quien filmó en blanco y negro en 16 mm. Esta película ya no sobrevive. Una cuarta película de 1965, de unos 25 minutos de duración y titulada tentativamente 'Thick Pucker II', fue ensamblada por Nelson a partir de tomas descartadas de ese rodaje y más del audio sin procesar que Reich había grabado. Nelson no estaba contento con la película resultante y nunca la mostró.

Reich fue influenciado por su compañero minimalista Terry Riley, cuyo trabajo In C combina patrones musicales simples, desplazados en el tiempo, para crear un todo cohesivo que cambia lentamente. Reich adoptó este enfoque para componer su primera gran obra, It's Gonna Rain. Compuesta en 1965, la pieza utilizó un fragmento de un sermón sobre el fin del mundo pronunciado por un predicador callejero negro pentecostal conocido como el hermano Walter. Reich se basó en su primer trabajo de cinta, transfiriendo las últimas tres palabras del fragmento, '¡va a llover!', a múltiples bucles de cinta que gradualmente se desfasan entre sí.

El Come Out (1966) de 13 minutos utiliza grabaciones manipuladas de manera similar de una sola línea hablada proporcionada por Daniel Hamm, uno de los Harlem Six acusados falsamente, que resultó gravemente herido por la policía. El sobreviviente, que había sido golpeado, se perforó un hematoma en su propio cuerpo para convencer a la policía sobre la golpiza. La línea hablada incluye la frase "dejar que la sangre del moretón salga para mostrarlos". Reich volvió a grabar el fragmento "salir a mostrarles" en dos canales, que inicialmente se reproducen al unísono. Rápidamente se desincronizan; gradualmente la discrepancia se amplía y se convierte en una reverberación. Luego, las dos voces se dividen en cuatro, en bucle continuo, luego en ocho, y continúan dividiéndose hasta que las palabras reales son ininteligibles, dejando al oyente solo con los patrones rítmicos y tonales del discurso.

Melodica (1966) toma la idea del bucle de fase de sus trabajos anteriores y la aplica a la música instrumental. Steve Reich tomó una melodía simple, que tocó en una melódica, y luego la grabó. Luego establece la melodía en dos canales separados y los desfasa lentamente, creando una melodía entrelazada intrincada. Esta pieza es muy similar a Come Out en estructura rítmica y es un ejemplo de cómo un proceso rítmico se puede realizar en diferentes sonidos para crear dos piezas musicales diferentes. Reich se inspiró para componer esta pieza a partir de un sueño que tuvo el 22 de mayo de 1966 y armó la pieza en un día. Melodica fue la última pieza que Reich compuso únicamente para cinta, y la considera su transición de la música de cinta a la música instrumental.

El primer intento de Reich de traducir esta técnica de phasing de una cinta grabada a una interpretación en vivo fue la Piano Phase de 1967, para dos pianos. En Piano Phase los intérpretes repiten una figura melódica rápida de doce notas, inicialmente al unísono. Mientras un ejecutante mantiene el tempo con precisión robótica, el otro acelera muy levemente hasta que las dos partes vuelven a alinearse, pero con una semicorchea de diferencia. El segundo jugador luego reanuda el tempo anterior. Este ciclo de aceleración y luego bloqueo continúa a lo largo de la pieza; el ciclo completa el círculo tres veces, el segundo y el tercer ciclo usan versiones más cortas de la figura inicial. Fase de violín, también escrita en 1967, se construye sobre esta misma línea. Piano Phase y Violin Phase se estrenaron en una serie de conciertos en galerías de arte de Nueva York.

Un ejemplo similar, menos conocido, de esta llamada música de proceso es Pendulum Music (1968), que consiste en el sonido de varios micrófonos que se balancean sobre los altavoces a los que están conectados, produciendo retroalimentación. como lo hacen. "Música de péndulo" Reich nunca lo grabó, pero Sonic Youth lo presentó a las audiencias de rock a fines de la década de 1990.

Reich también intentó crear el efecto de fase en una pieza "que no necesitaría ningún instrumento más allá del cuerpo humano". Encontró que la idea de la fase era inapropiada para las formas simples que estaba experimentando para producir sonido. En cambio, compuso Clapping Music (1972), en el que los jugadores no entran y salen entre sí, sino que un intérprete mantiene una línea de 12 corcheas de longitud (12- corchea larga) y el otro ejecutante cambia un tiempo de corchea cada 12 compases, hasta que ambos ejecutantes están de vuelta al unísono 144 compases más tarde.

La pieza prototipo de 1967 Slow Motion Sound no se interpretó aunque Chris Hughes la interpretó 27 años después como Slow Motion Blackbird en su álbum de 1994 influenciado por Reich Shift . Introdujo la idea de ralentizar un sonido grabado hasta muchas veces su longitud original sin cambiar el tono o el timbre, que Reich aplicó a Four Organs (1970), que trata específicamente sobre el aumento. La pieza tiene maracas tocando un pulso de corchea rápido, mientras que los cuatro órganos acentúan ciertas corcheas usando un acorde de undécimo. Por lo tanto, este trabajo se ocupó de la repetición y el cambio rítmico sutil. En contraste con la estructura cíclica típica de Reich, Cuatro órganos es único entre su trabajo en el uso de una estructura lineal: los Patrones de fase superficialmente similares, también para cuatro órganos pero sin maracas, es (como su nombre indica) una pieza de fase cíclica similar a otras compuestas durante el período. Cuatro órganos se interpretó como parte de un programa de la Orquesta Sinfónica de Boston y fue la primera composición de Reich que se interpretó en un gran escenario tradicional.

Década de 1970

En 1970, Reich se embarcó en un viaje de cinco semanas para estudiar música en Ghana, durante el cual aprendió del maestro baterista Gideon Alorwoyie. Reich también estudió gamelán balinés en Seattle en 1973 y 1974. De su experiencia africana, así como de los Studies in African Music de A. M. Jones sobre la música del pueblo Ewe, Reich se inspiró para su Pieza de 90 minutos Drumming, que compuso poco después de su regreso. Compuesta para un ensamble de percusión de nueve piezas con voces femeninas y flautín, Drumming marcó el inicio de una nueva etapa en su carrera, pues por esta época formó su ensamble, Steve Reich and Musicians, y se concentró cada vez más sobre composición e interpretación con ellos. Steve Reich and Musicians, que iba a ser el único conjunto para interpretar sus obras durante muchos años, aún permanece activo con muchos de sus miembros originales.

Después de Percusionar, Reich pasó del "cambio de fase" técnica en la que había sido pionero, y comenzó a escribir piezas más elaboradas. Investigó otros procesos musicales como el aumento (el alargamiento temporal de frases y fragmentos melódicos). Fue durante este período que escribió obras como Música para instrumentos de mazo, voces y órgano (1973) y Seis pianos (1973).

En 1974, Reich comenzó a escribir Música para 18 músicos. Esta pieza involucró muchas ideas nuevas, aunque también se remonta a piezas anteriores. Se basa en un ciclo de once acordes introducido al principio (llamado "Pulsos"), seguido de una pequeña sección de música basada en cada acorde ("Secciones I-XI"), y finalmente un regreso al ciclo original ("Pulses"). Este fue el primer intento de Reich de escribir para conjuntos más grandes. El mayor número de artistas resultó en un mayor alcance para los efectos psicoacústicos, lo que fascinó a Reich, y señaló que le gustaría "explorar más esta idea". Reich comentó que esta obra contenía más movimiento armónico en los primeros cinco minutos que cualquier otra obra que había escrito. Steve Reich and Musicians realizó la primera grabación de este trabajo en ECM Records.

Reich exploró más estas ideas en sus piezas grabadas con frecuencia Música para un gran conjunto (1978) y Octeto (1979). En estas dos obras, Reich experimentó con "el aliento humano como medida de la duración musical... los acordes tocados por las trompetas están escritos para tomar un respiro cómodo para tocar". Las voces humanas son parte de la paleta musical en Música para un gran conjunto pero las partes vocales sin palabras simplemente forman parte de la textura (como lo hacen en Percusión). Con Octeto y su primera pieza orquestal Variaciones para vientos, cuerdas y teclados (también de 1979), la música de Reich mostró la influencia de la cantilación bíblica, que había estudiado. en Israel desde el verano de 1977. Después de esto, la voz humana cantando un texto jugaría un papel cada vez más importante en la música de Reich.

La técnica consiste en tomar patrones melódicos preexistentes y unirlos para formar una melodía más larga al servicio de un texto santo. Si te quitas el texto, te queda la idea de armar pequeños motivos para hacer melodías más largas – una técnica que no había encontrado antes.

En 1974 Reich publicó el libro Writings About Music, que contiene ensayos sobre su filosofía, estética y proyectos musicales escritos entre 1963 y 1974. Una colección actualizada y mucho más extensa, Writings On Música (1965–2000), se publicó en 2002.

Década de 1980

Reich circa 1982-1984

El trabajo de Reich adquirió un carácter más oscuro en la década de 1980 con la introducción de temas históricos y de su herencia judía. Tehillim (1981), hebreo para salmos, es la primera de las obras de Reich que se inspira explícitamente en su trasfondo judío. La obra consta de cuatro partes, y está escrita para un conjunto de cuatro voces femeninas (una soprano alta, dos sopranos líricas y una contralto), flautín, flauta, oboe, corno inglés, dos clarinetes, seis percusiones (tocando panderetas afinadas sin jingles, palmas, maracas, marimba, vibráfono y crotales), dos órganos electrónicos, dos violines, viola, violonchelo y contrabajo, con voces amplificadas, cuerdas y vientos. Un marco de textos de los Salmos 19:2–5 (19:1–4 en las traducciones cristianas), 34:13–15 (34:12–14), 18:26–27 (18:25–26) y 150:4–6, Tehillim es una desviación del otro trabajo de Reich en su estructura formal; la ambientación de textos de varias líneas en lugar de los fragmentos utilizados en obras anteriores hace de la melodía un elemento sustantivo. El uso del contrapunto formal y la armonía funcional también contrasta con las obras minimalistas poco estructuradas escritas anteriormente.

"Electric Counterpoint III Fast" (1989)

25 segundos de "Electric Counterpoint III Fast" realizado por Pat Metheny. Desde Diferentes trenes/Contrapunto eléctrico álbum.

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Different Trains (1988), para cuarteto de cuerdas y cinta, utiliza voz grabada, como en sus trabajos anteriores, pero esta vez como un elemento melódico más que rítmico. En Different Trains, Reich compara y contrasta los recuerdos de su infancia de sus viajes en tren entre Nueva York y California en 1939-1941 con los trenes muy diferentes que se usaban para transportar a los niños europeos contemporáneos a la muerte bajo el régimen nazi. La grabación del Kronos Quartet de Different Trains recibió el premio Grammy a la Mejor Composición Clásica Contemporánea en 1990. Richard Taruskin describió la composición como "la única respuesta musical adecuada, una de las pocas adecuadas". respuestas artísticas en cualquier medio: al Holocausto, y le dio crédito a la pieza por haberle ganado a Reich un lugar entre los grandes compositores del siglo XX.

Década de 1990

En 1993, Reich colaboró con su esposa, la videoartista Beryl Korot, en una ópera, La cueva, que explora las raíces del judaísmo, el cristianismo y el Islam a través de las palabras de israelíes, palestinos, y estadounidenses, repetidos musicalmente por el conjunto. La obra, para percusión, voces y cuerdas, es un documental musical, llamado así por la Cueva de Macpela en Hebrón, donde ahora se encuentra una mezquita y se dice que Abraham fue enterrado.

Reich y Korot colaboraron en la ópera Three Tales, que trata sobre el desastre de Hindenburg, las pruebas de armas nucleares en el atolón Bikini y otras preocupaciones más modernas, específicamente la oveja Dolly, la clonación y la singularidad tecnológica.

Reich usó técnicas de muestreo para piezas como Three Tales y City Life de 1994. Reich volvió a componer obras puramente instrumentales para la sala de conciertos, comenzando con Triple Cuarteto en 1998 escrito para el Kronos Quartet que puede ser interpretado por cuarteto de cuerdas y cinta, cuartetos de tres cuerdas u orquesta de cuerdas de 36 piezas. Según Reich, la pieza está influenciada por los cuartetos de cuerda de Bartók y Alfred Schnittke, y Yo Shakespeare de Michael Gordon.

Años 2000

La serie instrumental para la sala de conciertos continuó con Dance Patterns (2002), Cello Counterpoint (2003) y múltiples obras centradas en variaciones: You Are (Variaciones) (2004), Variaciones para vibraciones, pianos y cuerdas (2005) y las Variaciones de Daniel (2006). You Are recuerda la escritura vocal de Tehillim y The Desert Music mientras que las Daniel Variations, que Reich llamó 'mucho más oscuro, para nada por lo que soy conocido', están parcialmente inspirados en la muerte de Daniel Pearl.

en 2002, Walter Fink invitó a Reich al Komponistenporträt anual del Rheingau Musik Festival, como el duodécimo compositor destacado.

Diciembre de 2010 Nonesuch Records e Indaba Music organizaron un concurso de remezclas de la comunidad en el que se recibieron más de 250 presentaciones, y Steve Reich y Christian Carey fueron los jueces de la final. Reich habló en una entrevista relacionada con la BBC que una vez que compuso una pieza, él mismo no la volvería a alterar; "Cuando está hecho, está hecho" él dijo. Por otro lado, reconoció que los remixes tienen una tradición antigua, p. famosas piezas de música religiosa donde las melodías se desarrollaron aún más en nuevas canciones.

2010

Reich estrenó una pieza, WTC 9/11, escrita para String Quartet and Tape (una instrumentación similar a la de Different Trains) en marzo de 2011. Se interpretó por el Cuarteto Kronos, en la Universidad de Duke, Carolina del Norte, Estados Unidos.

El 5 de marzo de 2013, la London Sinfonietta, dirigida por Brad Lubman, en el Royal Festival Hall de Londres estrenó mundialmente Radio Rewrite para conjunto con 11 intérpretes, inspirada en la música de cabeza de radio. El programa también incluyó Doble Sexteto para conjunto de 12 músicos, Clapping Music, para dos personas y cuatro manos con el propio Reich junto al percusionista Colin Currie, Electric Counterpoint, con guitarra eléctrica de Mats Bergström acompañada de una banda sonora en capas, así como dos de las piezas de conjunto pequeño de Reich, una para instrumentos acústicos, la otra para instrumentos eléctricos y cinta.

Música para conjunto y orquesta fue estrenada el 4 de noviembre de 2018 por la Filarmónica de Los Ángeles bajo la dirección de Susanna Mälkki en el Walt Disney Concert Hall, lo que marcó el regreso de Reich a escribir para orquesta después de un intervalo. de más de treinta años.

Premios

En 2005, Reich recibió la Medalla Edward MacDowell.

Reich recibió el premio Praemium Imperiale en música en octubre de 2006.

El 25 de enero de 2007, Reich fue nombrado ganador del Premio de Música Polar 2007 con el saxofonista de jazz Sonny Rollins.

El 20 de abril de 2009, Reich recibió el Premio Pulitzer de Música 2009, reconociendo Double Sextet, estrenado en Richmond el 26 de marzo de 2008. La mención lo llamó "un trabajo importante que muestra la capacidad de canalizar un estallido inicial de energía en un evento musical a gran escala, construido con un control magistral y constantemente intrigante para el oído.

En mayo de 2011, Steve Reich recibió un doctorado honorario del Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra.

En 2012, Steve Reich recibió la Medalla de Oro en Música de la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras.

En 2013, Reich recibió el Premio Fundación BBVA Fronteras del Conocimiento en música contemporánea de 400.000 dólares por aportar una nueva concepción de la música, basada en el uso de elementos realistas del ámbito de la vida cotidiana y otros extraídos de la música tradicional de África y Asia.

En septiembre de 2014, Reich recibió el "Leone d'Oro" (León de Oro a la Trayectoria Musical) de la Bienal de Venecia.

En marzo de 2016, Reich recibió un Doctorado Honorario del Royal College of Music de Londres.

Influencia

El compositor y crítico estadounidense Kyle Gann ha dicho que Reich "podría... ser considerado, por aclamación general, el mayor compositor vivo de Estados Unidos". El estilo de composición de Reich ha influido en muchos otros compositores y grupos musicales, incluidos John Adams, la banda de rock progresivo King Crimson, el guitarrista de la nueva era Michael Hedges, el músico art-pop y electrónico Brian Eno, el arte experimental/ el grupo de música The Residents, el grupo electrónico Underworld, los compositores asociados con el festival Bang on a Can (incluidos David Lang, Michael Gordon y Julia Wolfe) y numerosos músicos de indie rock, incluidos los compositores Sufjan Stevens y Matthew Healy de 1975, y conjuntos instrumentales Tortoise, The Mercury Program y Godspeed You! Black Emperor (quien tituló una canción inédita "Steve Reich").

John Adams comentó: "No reinventó la rueda, sino que nos mostró una nueva forma de montar". También ha influido en artistas visuales como Bruce Nauman, y muchos coreógrafos notables han hecho bailes con su música, Eliot Feld, Jiří Kylián, Douglas Lee y Jerome Robbins, entre otros; ha expresado una particular admiración por el trabajo de Anne Teresa De Keersmaeker ambientado en sus piezas.

Al presentar una muestra de Electric Counterpoint (1987) de Reich en la pista de 1990 Little Fluffy Clouds, la banda británica de ambient techno, The Orb, expuso una nueva generación de oyentes de su música. En 1999, el álbum Reich Remixed incluía remixes de varias obras de Reich de varios productores de música electrónica de baile, como DJ Spooky, Kurtis Mantronik, Ken Ishii y Coldcut, entre otros.

El Contrapunto para violonchelo de Reich (2003) fue la inspiración para una serie de encargos para violonchelo solo con violonchelos pregrabados realizados por Ashley Bathgate en 2017, incluidos nuevos trabajos de Emily Cooley y Alex. Weiser.

Reich suele citar a Pérotin, J. S. Bach, Debussy, Bartók y Stravinsky como compositores a los que admira y que lo influyeron mucho cuando era joven. El jazz es una parte importante de la formación del estilo musical de Reich, y dos de las primeras influencias en su trabajo fueron los vocalistas Ella Fitzgerald y Alfred Deller, cuyo énfasis en las capacidades artísticas de la voz solo con poco vibrato u otra alteración. fue una inspiración para sus primeros trabajos. El estilo de John Coltrane, que Reich ha descrito como 'tocar muchas notas con muy pocas armonías', también tuvo un impacto; de particular interés fue el álbum Africa/Brass, que "básicamente duraba media hora en E". La influencia de Reich del jazz incluye sus raíces, también, de la música de África Occidental que estudió en sus lecturas y en su visita a Ghana. Otras influencias importantes son Kenny Clarke y Miles Davis, y amigos artistas visuales como Sol LeWitt y Richard Serra. Reich también ha declarado que admira la música de la banda Radiohead, lo que lo llevó a su composición Radio Rewrite.

Obras

Composiciones

• Soundtrack for Corte de pelo de plástico, cinta (1963)
• Música para dos o más pianos (1964)
• Livelihood (1964)
• Es Gonna Rain, cinta (1965)
• Soundtrack for Oh Dem Watermelons, cinta (1965)
• Sal., cinta (1966)
• Melodica, para melodica y cinta (1966)
• Fase reed, para saxofón soprano o cualquier otro instrumento y cinta de caña, o tres instrumentos de caña (1966)
• Piano Phase para dos pianos, o dos marimbas (1967)
• Sonido de movimiento lento pieza conceptual (1967)
• Fase Violin para violín y cinta o cuatro violines (1967)
• Mi nombre es para tres grabadores y intérpretes (1967)
• Música del péndulo para 3 o 4 micrófonos, amplificadores y altavoces (1968) (revisado 1973)

• Pulse Music para el cambio de fase puerta de pulso (1969)
• Cuatro tambores de registro para cuatro tambores de troncos y portaobjetos de fase (1969)
• Cuatro órganos para cuatro órganos eléctricos y maracas (1970)
• Patrones de fase para cuatro órganos eléctricos (1970)
• Drumming para 4 pares de tambores de bongo sintonizados, 3 marimbas, 3 glockenspiels, 2 voces femeninas, silbido y piccolo (1970/1971)
• Clapping Music para dos músicos aplaudiendo (1972)
• Música para piezas de madera para cinco pares de claves sintonizadas (1973)
• Six Pianos (1973) – también arreglado como Seis marimbas (1986), adaptado como Six Marimbas Counterpoint (2010) y 2010 Piano Counterpoint (2011) por los demás
• Música para Instrumentos Mallet, Voces y Órganos (1973)
• Música para 18 músicos (1974–76)
• Música para un gran conjunto (1978, rev. 1979)
• Octet (1979) – retirado a favor de la revisión de 1983 para un conjunto ligeramente mayor, Ocho líneas
• Variaciones para Vientos, Cuerdas y Teclados para orquesta (1979)
• Tehillim para voces y conjunto (1981)
• Vermont Counterpoint flauta y cinta amplificada (1982)
• La música del desierto para coro, orquesta o voces y conjunto (1983, texto de William Carlos Williams)
• Sextet para percusión y teclados (1984, rev. 1985)
• Nueva York para clarinete amplificado y cinta, o 11 clarinetes y clarinete bajo (1985)
• Tres movimientos para orquesta (1986)
• Contrapunto eléctrico para guitarra eléctrica o guitarra amplificada y cinta acústica (1987, para Pat Metheny)
• Las cuatro secciones para orquesta (1987)
• Diferentes trenes para cuarteto y cinta (1988)
• La Cueva para cuatro voces, ensemble y video (1993, con Beryl Korot)
• Duet para dos violínes y conjunto de cuerdas (1993, dedicado a Yehudi Menuhin)
• Nagoya Marimbas para dos marimbas (1994)
• City Life ensemble amplificado (1995)
• Proverbio para voz y conjunto (1995, texto de Ludwig Wittgenstein)
• Cuarteto triple para cuarteto de cuerda amplificada (con cinta pregrabada), o tres cuartetos de cuerda, o orquesta de cuerdas (1998)
• Saber lo que está por encima de ti para cuatro voces de mujeres y 2 tamborims (1999)
• Tres Tales para proyección de vídeo, cinco voces y conjunto (1998–2002, con Beryl Korot)
• Patrones de baile para 2 xilófonos, 2 vibrafonos y 2 pianos (2002)
• Cello Counterpoint para violonchelo amplificado y cinta multicanal (2003)
• Estás (Variaciones) para las voces y el conjunto (2004)
• Para Aretes (con Vientos y Brass) para orquesta (1987/2004)
• Variaciones para Vibes, Pianos y Strings pieza de baile para tres cuartetos de cuerda, cuatro vibrafonos y dos pianos (2005)
• Daniel Variaciones para cuatro voces y conjunto (2006)
• Doble Sextet para 2 violines, 2 cellos, 2 pianos, 2 vibrafonos, 2 clarinetes, 2 flautas o ensemble y cinta pregrabada (2007)
• 2×5 para 2 baterías, 2 pianos, 4 guitarras eléctricas y 2 guitarras bajo (2008)
• Cuarteto de Mallet para 2 marimbas y 2 vibrafonos o 4 marimbas (o solo percusión y cinta) (2009)
• WTC 9/11 para cuarteto y cinta (2010)
• Terminando el sombrero para dos pianos (2011)
• Radio Rewrite for ensemble (2012)
• Cuarteto para dos vibrafonos y dos pianos (2013)
• Pulso para vientos, cuerdas, piano y bajo eléctrico (2015)
• Runner para gran ensemble (2016)
• Para Bob para piano (2017)
• Música para Ensemble y Orquesta (2018)
• Reich/Richter para gran conjunto (2019)
• Oración del viajero para 2 tenores, 2 sopranos, 2 vibrafonos, 1 piano, 4 violines, 2 violas y 2 cellos (2020)

Discografía seleccionada

• Música en vivo/eléctrica, (Columbia, 1968)
• Música para 18 músicos, Ensemble Signal, Brad Lubman harmonia mundi
• Radio Rewrite, Ensemble Signal, Brad Lubman harmonia mundi
• Doble Sextet, Ensemble Signal, Brad Lubman harmonia mundi
• Drumming. Steve Reich y músicos (Dos grabaciones: Deutsche Grammophon y Nonesuch) So Percussion (Cantaloupe)
• Música para 18 músicos. Steve Reich y músicos (Dos grabaciones: ECM y Nonesuch), Grand Valley State University New Music Ensemble (Innova), Ensemble Modern (RCA).
• Octet/Music for a Large Ensemble/Violin Phase. Steve Reich y Musicians (ECM)
• Variaciones para Vientos, Cuerdas y Teclados/Música para Instrumentos Mallet, Voces y Órgano/ Seis Pianos. San Francisco Symphony Orchestra, Edo de Waart, Steve Reich & Musicians (Deutsche Grammophon)
• Tehillim/La música del desierto. Alarma Will Sound y OSSIA, Alan Pierson (Cantaloupe)
• Diferentes trenes/contrapunto eléctrico. Cuarteto de Kronos, Pat Metheny (Nonesuch)
• Usted es (Variaciones) / Contrapunto de Cello. Los Angeles Master Chorale, Grant Gershon, Maya Beiser (Nonesuch)
• Steve Reich: Funciona 1965–1995. Varios intérpretes (Nonesuch).
• Daniel Variaciones, con Variaciones para Vibes, Pianos y StringsLondres Sinfonietta, Grant Gershon, Alan Pierson (Nonesuch)
• Doble Sextet/2×5, Octavo Blackbird y Bang en una Can (Nonesuch)
• Piano Phase, transcrito para guitarra, Alexandre Gérard (Catapult)
• Reich Remixed, Nonesuch – 79552-2; 1999
• Fase a cara, un documental sobre Steve Reich por Eric Darmon & Franck Mallet (EuroArts) DVD
• Radio Rewrite, Alarm Will Sound, Jonny Greenwood, Vicky Chow (Nonesuch)
• Pulso – Cuarteto, International Contemporary Ensemble, Colin Currie Group (Nonesuch)

Libros

• Reich, Steve (1974). Escritos sobre Música. Halifax: Prensa del New Scotia College of Art and Design. ISBN 0-8147-7358-3.
• Reich, Steve (1 de abril de 2002). Hillier, Paul (ed.). Escritos sobre Música, 1965–2000. Oxford: Oxford University Press. ISBN 0-19-511171-0.
• Reich, Steve (2022). Conversaciones. Ciudad de Nueva York: Hanover Square Press. ISBN 9781335425720.