Rococó

El rococó (o barroco tardío), es un movimiento arquitectónico, artístico y decorativo de mediados del siglo XVIII, que combina formas exageradas —como en el barroco—, con un refinamiento en los acabados, como colores, curvas, sombras, etc. Lo que dar lugar a un arte repleta de figuras, colores pasteles, excepcionalmente ornamental y teatral, que sin embargo es suave y no llega a ser grotesca.

Este movimiento se origina en el siglo XVIII, durante el reinado de Luis XV “el bien amado”, entre 1730 y 1760 como una forma de dar un nuevo aire a los estilos propios del absolutismo francés del ancient regime (antiguo régimen).

El rococó es exuberante teatral, combinando curvas que se desplazan, dorado, blanco, colores pastel, molduras esculpidas y frescos trampantojos para crear sorpresa y la ilusión de movimiento y drama. A menudo se describe como la expresión final del movimiento barroco.

Durante su comienzo en la Francia de 1730, fue una reacción contra el estilo de Luis XIV, más formal y geométrico, siendo conocido como el "estilo Rocaille", o "estilo Rocaille". Pronto se extendió a otras partes de Europa, particularmente al norte de Italia, Austria, el sur de Alemania, Europa Central y Rusia. También llegó a influir en las demás artes, en particular la escultura, el mobiliario, la platería, la cristalería, la pintura, la música y el teatro. Y aunque originalmente era un estilo secular utilizado principalmente para interiores de residencias privadas, el rococó tenía un aspecto espiritual que llevó a su uso generalizado en interiores de iglesias, especialmente en Europa Central, Portugal y América del Sur.

Características

• Exuberante
• Acabados finos
• Abundancia de curvas
• Ondulaciones
• Uso de la naturaleza
• Teatralidad

El rococó presenta una decoración exuberante, con abundancia de curvas, contracurvas, ondulaciones y elementos inspirados en la naturaleza. Los exteriores de los edificios rococó suelen ser sencillos, mientras que los interiores están totalmente dominados por su ornamentación. El estilo era muy teatral, diseñado para impresionar y asombrar a primera vista. Los planos de planta de las iglesias a menudo eran complejos, con óvalos entrelazados; En los palacios, las grandes escaleras se convirtieron en piezas centrales y ofrecieron diferentes puntos de vista de la decoración. Los principales ornamentos del rococó son: conchas asimétricas, acantos y otras hojas, pájaros, ramos de flores, frutas, instrumentos musicales, ángeles y chinoiserie (pagodas, dragones, monos, flores extrañas y chinos).

El estilo a menudo integraba pintura, estuco moldeado y tallado en madera, y quadratura, o pinturas de techo ilusionistas, que fueron diseñadas para dar la impresión de que quienes ingresaban a la habitación miraban hacia el cielo, donde los querubines y otras figuras los miraban. Los materiales utilizados incluyeron estuco, ya sea pintado o dejado en blanco; combinaciones de maderas de diferentes colores (normalmente roble, haya o nogal); madera lacada al estilo japonés, adorno de bronce dorado y tapas de mármol de cómodas o mesas. La intención era crear una impresión de sorpresa, asombro y asombro a primera vista.

Diferencias entre Barroco y Rococó

Las siguientes son características que tiene el rococó y el barroco no:

• El abandono parcial de la simetría, todo compuesto de elegantes líneas y curvas, similar al Art Nouveau.
• La gran cantidad de curvas asimétricas y volutas en forma de C
• El amplio uso de las flores en la ornamentación, siendo un ejemplo los festones hechos de flores.
• Motivos chinos y japoneses (ver también: chinoiserie y japonismo)
• Colores pastel cálidos (amarillo blanquecino, crema, grises perla, azules muy claros)

Etimología

La palabra rococó se utilizó por primera vez como una variación humorística de la palabra rocaille. Rocaille era originalmente un método de decoración, utilizando guijarros, conchas marinas y cemento, que se usaba a menudo para decorar grutas y fuentes desde el Renacimiento. A finales del siglo XVII y principios del XVIII, rocalla se convirtió en el término para un tipo de motivo decorativo u ornamento que apareció a finales del estilo Luis XIV, en forma de concha marina entrelazada con hojas de acanto. En 1736 el diseñador y joyero Jean Mondon publicó el Premier Livre de forme rocquaille et cartel, una colección de diseños para adornos de muebles y decoración de interiores. Fue la primera aparición impresa del término "rocaille" para designar el estilo.El motivo de concha marina tallada o moldeada se combinaba con hojas de palma o enredaderas retorcidas para decorar puertas, muebles, paneles de pared y otros elementos arquitectónicos.

El término rococó se utilizó por primera vez en forma impresa en 1825 para describir la decoración que estaba "fuera de moda y anticuada". Se utilizó en 1828 para la decoración "que pertenecía al estilo del siglo XVIII, sobrecargado de adornos retorcidos". En 1829, el autor Stendhal describió el rococó como "el estilo rocalla del siglo XVIII".

En el siglo XIX, el término se utilizó para describir la arquitectura o la música que era excesivamente ornamental. Desde mediados del siglo XIX, el término ha sido aceptado por los historiadores del arte. Si bien todavía existe cierto debate sobre el significado histórico del estilo, el rococó ahora se considera a menudo como un período distinto en el desarrollo del arte europeo.

Francia

El estilo Rocaille, o rococó francés, apareció en París durante el reinado de Luis XV y floreció entre 1723 y 1759. El estilo se usó particularmente en los salones, un nuevo estilo de habitación diseñado para impresionar y entretener a los invitados. El ejemplo más destacado fue el salón de la Princesa en el Hôtel de Soubise en París, diseñado por Germain Boffrand y Charles-Joseph Natoire (1735-1740). Las características del rococó francés incluyeron un arte excepcional, especialmente en los marcos complejos hechos para espejos y pinturas, que fueron esculpidos en yeso y, a menudo, dorados; y el uso de formas vegetales (enredaderas, hojas, flores) entrelazadas en diseños complejos.Los muebles también presentaban curvas sinuosas y diseños vegetales. Los principales diseñadores de muebles y artesanos del estilo incluyeron a Juste-Aurele Meissonier, Charles Cressent y Nicolas Pineau.

El estilo Rocaille duró en Francia hasta mediados del siglo XVIII, y aunque se volvió más curvo y vegetal, nunca alcanzó la exuberancia extravagante del Rococó en Baviera, Austria e Italia. Los descubrimientos de antigüedades romanas a partir de 1738 en Herculano y especialmente en Pompeya en 1748 cambiaron la arquitectura francesa en la dirección del neoclasicismo más simétrico y menos ostentoso.

• Diseño de mesa de Juste-Aurele Meissonier (1730)
• Gran Cámara del Príncipe, Hotel de Soubise (1735-1740)
• Carpintería en el Hôtel de Varengeville de Nicolas Pineau (1735)
• Cómoda de Charles Cressent (1730), Waddesdon Manor
• Detalle de una puerta del Hôtel de Samuel Bernard de París, construido en la década de 1740
• La puerta del Hôtel de Marsilly, con dos ménsulas y una cartela encima, todas ellas rococó.

Italia

Los artistas en Italia, particularmente en Venecia, también produjeron un estilo rococó exuberante. Las cómodas venecianas imitaron las líneas curvas y el adorno tallado de la rocalla francesa, pero con una particular variación veneciana; las piezas estaban pintadas, a menudo con paisajes o flores o escenas de Guardi u otros pintores, o Chinoiserie, sobre un fondo azul o verde, a juego con los colores de la escuela de pintores venecianos cuya obra decoraba los salones. Los pintores decorativos notables incluyeron a Giovanni Battista Tiepolo, que pintó techos y murales de iglesias y palacios, y Giovanni Battista Crosato, que pintó el techo del salón de baile de Ca Rezzonico en quadraturo, dando la ilusión de tres dimensiones. Tiepelo viajó a Alemania con su hijo durante 1752-1754, decorando los techos de la Residencia de Würzburg, uno de los principales hitos del rococó bávaro. Un pintor veneciano célebre anterior fue Giovanni Battista Piazzetta, quien pintó varios techos de iglesias notables.

El rococó veneciano también contó con cristalería excepcional, en particular cristal de Murano, a menudo grabado y coloreado, que se exportaba a toda Europa. Las obras incluyeron candelabros multicolores y espejos con marcos extremadamente ornamentados.

• Techo de la iglesia de Santi Giovanni e Paolo en Venecia, de Piazzetta (1727)
• Juno y Luna de Giovanni Battista Tiepolo (1735-1745)
• Araña de cristal de Murano en Ca Rezzonico (1758)

Sur de Alemania

En la construcción de iglesias, especialmente en la región del sur de Alemania y Austria, a veces se crean creaciones espaciales gigantescas solo por razones prácticas que, sin embargo, no parecen monumentales, sino que se caracterizan por una fusión única de arquitectura, pintura, estuco, etc. a menudo eliminan por completo los límites entre los géneros artísticos y se caracterizan por una ingravidez llena de luz, alegría festiva y movimiento. El estilo decorativo rococó alcanzó su apogeo en el sur de Alemania y Austria desde la década de 1730 hasta la década de 1770. Allí domina el paisaje de la iglesia hasta el día de hoy y está profundamente arraigado allí en la cultura popular. Se introdujo por primera vez desde Francia a través de las publicaciones y obras de arquitectos y decoradores franceses, incluido el escultor Claude III Audran, el diseñador de interiores Gilles-Marie Oppenordt, el arquitecto Germain Boffrand, el escultor Jean Mondon y el dibujante y grabador Pierre Lepautre. Su trabajo tuvo una influencia importante en el estilo rococó alemán, pero no alcanza el nivel de los edificios del sur de Alemania.

Los arquitectos alemanes adaptaron el estilo rococó pero lo hicieron mucho más asimétrico y cargado con una decoración más ornamentada que el original francés. El estilo alemán se caracterizó por una explosión de formas que caían en cascada por las paredes. Presentaba molduras formadas en curvas y contracurvas, patrones torcidos y giratorios, techos y paredes sin ángulos rectos, y follaje de estuco que parecía trepar por las paredes y por el techo. La decoración a menudo era dorada o plateada para contrastar con las paredes blancas o pastel pálido.

El arquitecto y diseñador de origen belga François de Cuvilliés fue uno de los primeros en crear un edificio rococó en Alemania, con el pabellón de Amalienburg en Munich, (1734-1739), inspirado en los pabellones del Trianon y Marly en Francia. Fue construido como un pabellón de caza, con una plataforma en el techo para cazar faisanes. El Salón de los Espejos en el interior, del pintor y escultor de estuco Johann Baptist Zimmermann, era mucho más exuberante que cualquier rococó francés.

Otro ejemplo notable del rococó alemán temprano es la residencia de Würzburg (1737-1744) construida para el príncipe-obispo de Würzburg por Balthasar Neumann. Neumann había viajado a París y consultó con los artistas decorativos de rocaille franceses Germain Boffrand y Robert de Cotte. Mientras que el exterior era de un estilo barroco más sobrio, el interior, en particular las escaleras y los techos, era mucho más ligero y decorativo. El Príncipe-Obispo importó al pintor rococó italiano Giovanni Battista Tiepolo en 1750-1753 para crear un mural sobre la parte superior de la escalera ceremonial de tres niveles.Neumann describió el interior de la residencia como "un teatro de luz". La escalera también fue el elemento central de una residencia que Neumann construyó en el Palacio de Augustusburg en Brühl (1743-1748). En ese edificio, la escalera conducía a los visitantes a través de una fantasía de estuco de pinturas, esculturas, herrajes y decoración, con vistas sorprendentes en cada esquina.

En las décadas de 1740 y 1750, se construyeron varias iglesias de peregrinación notables en Baviera, con interiores decorados en una variante distintiva del estilo rococó. Uno de los ejemplos más notables es la Wieskirche (1745-1754) diseñada por Dominikus Zimmermann. Como la mayoría de las iglesias de peregrinación bávaras, el exterior es muy simple, con paredes de color pastel y pocos adornos. Al entrar en la iglesia, el visitante se encuentra con un asombroso teatro de movimiento y luz. Presenta un presbiterio de forma ovalada y un deambulatorio de la misma forma, llenando la iglesia de luz por todos lados. Las paredes blancas contrastaban con las columnas de estuco azul y rosa del coro, y el techo abovedado rodeado de ángeles de yeso debajo de una cúpula que representaba el cielo repleto de coloridas figuras bíblicas.

• Pabellón de Amalienburg en Múnich por François de Cuvilliés (1734-1739)
• Salón de los espejos de Amalienburg por Johann Baptist Zimmermann (1734-1739)
• Mirando hacia la escalera central del Palacio de Augustusburg en Brühl por Balthasar Neumann (1741-1744)
• La Wieskirche de Dominikus Zimmermann (1745-1754)
• Interior de la Basílica de los Catorce Santos Auxiliadores de Balthasar Neumann (1743-1772)
• El Kaisersaal en la residencia de Würzburg por Balthasar Neumann (1749-1751)
• Sala de fiestas del Schaezlerpalais en Augsburgo por Carl Albert von Lespilliez (1765-1770)
• Gabinete dorado del palacio chino, Oranienbaum, Rusia, construido por Antonio Rinaldi para Catalina la Grande (1762-1778)

Johann Michael Fischer fue el arquitecto de la abadía de Ottobeuren (1748-1766), otro hito del rococó bávaro. La iglesia presenta, como gran parte de la arquitectura rococó en Alemania, un notable contraste entre la regularidad de la fachada y la sobreabundancia de decoración en el interior.

Bretaña

En Gran Bretaña, el rococó se llamó el "gusto francés" y tuvo menos influencia en el diseño y las artes decorativas que en Europa continental, aunque su influencia se sintió en áreas como la platería, la porcelana y las sedas. William Hogarth ayudó a desarrollar una base teórica para la belleza rococó. Aunque no mencionó el rococó por su nombre, argumentó en su Análisis de la belleza (1753) que las líneas ondulantes y las curvas en S prominentes en el rococó eran la base de la gracia y la belleza en el arte o la naturaleza (a diferencia de la línea recta o el círculo en el clasicismo).

El rococó tardó en llegar a Inglaterra. Antes de entrar en el rococó, los muebles británicos siguieron durante un tiempo el modelo palladiano neoclásico bajo la dirección del diseñador William Kent, que diseñó para Lord Burlington y otros importantes mecenas de las artes. Kent viajó a Italia con Lord Burlington entre 1712 y 1720 y trajo muchos modelos e ideas de Palladio. Diseñó los muebles para el Palacio de Hampton Court (1732), Chiswick House de Lord Burlington (1729), Londres, Holkham Hall de Thomas Coke, Norfolk, la pila de Robert Walpole en Houghton, para Devonshire House en Londres y en Rousham.

La caoba hizo su aparición en Inglaterra alrededor de 1720 e inmediatamente se hizo popular para muebles, junto con la madera de nogal. El rococó comenzó a hacer acto de presencia en Inglaterra entre 1740 y 1750. El mobiliario de Thomas Chippendale fue el más cercano al estilo rococó. En 1754 publicó "Gentleman's and Cabinet-makers' directory", un catálogo de diseños para rococó, chinoiseriee incluso muebles góticos, que alcanzaron una gran popularidad, pasando por tres ediciones. A diferencia de los diseñadores franceses, Chippendale no empleó marquetería ni incrustaciones en sus muebles. Los diseñadores predominantes de muebles con incrustaciones fueron Vile y Cob, los ebanistas del rey Jorge III. Otra figura importante en el mueble británico fue Thomas Johnson, quien en 1761, muy avanzado el período, publicó un catálogo de diseños de muebles rococó. Estos incluyen muebles basados ​​en motivos chinos e indios bastante fantásticos, incluida una cama con dosel coronada por una pagoda china (ahora en el Victoria and Albert Museum).

Otras figuras notables del rococó británico incluyeron al platero Charles Friedrich Kandler.

• Diseño para una cama estatal de Thomas Chippendale (1753-1754)
• Sofá chino propuesto por Thomas Chippendale (1753-1754)
• Diseño para cómoda y candelabros de Thomas Chippendale (1753-1754)
• silla lateral; Tomás Chippendale; alrededor de 1755-1760; caoba; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Diseño para candelabros en el "Chinese Taste" de Thomas Johnson (1756)
• Silla Chippendale (1772), Museo Metropolitano
• Brasero del platero Charles Friedrich Kander (1735), Museo Metropolitano

Rusia

La emperatriz rusa Catalina la Grande fue otra admiradora del rococó; El Gabinete Dorado del Palacio Chino en el complejo palaciego de Oranienbaum cerca de San Petersburgo, diseñado por el italiano Antonio Rinaldi, es un ejemplo del rococó ruso.

Rechazo y terminación

El arte de Boucher y otros pintores de la época, con su énfasis en la mitología decorativa y la galantería, pronto inspiró una reacción y una demanda de temas más "nobles". Mientras el Rococó continuaba en Alemania y Austria, la Academia Francesa de Roma comenzó a enseñar el estilo clásico. Esto fue confirmado por el nombramiento de De Troy como director de la Academia en 1738, y luego en 1751 por Charles-Joseph Natoire.

Madame de Pompadour, la amante de Luis XV contribuyó al declive del estilo rococó. En 1750 envió a su hermano, Abel-François Poisson de Vandières, en una misión de dos años para estudiar los desarrollos artísticos y arqueológicos en Italia. Lo acompañaron varios artistas, entre ellos el grabador Charles-Nicolas Cochin y el arquitecto Soufflot. Regresaron a París apasionados por el arte clásico. Vandiéres se convirtió en marqués de Marigny y fue nombrado director general de los Edificios del Rey. Orientó la arquitectura oficial francesa hacia el neoclásico. Cochin se convirtió en un importante crítico de arte; denunció el petit style de Boucher y pidió un gran estilo con un nuevo énfasis en la antigüedad y la nobleza en las academias de pintura y arquitectura.

El principio del fin del rococó se produjo a principios de la década de 1760 cuando figuras como Voltaire y Jacques-François Blondel comenzaron a criticar la superficialidad y la degeneración del arte. Blondel denunció el "ridículo revoltijo de conchas, dragones, juncos, palmeras y plantas" en los interiores contemporáneos.

Para 1785, el rococó había pasado de moda en Francia, reemplazado por el orden y la seriedad de los artistas neoclásicos como Jacques-Louis David. En Alemania, el rococó de finales del siglo XVIII fue ridiculizado como Zopf und Perücke ("coleta y peluca"), y esta fase a veces se denomina Zopfstil. El rococó siguió siendo popular en ciertos estados provinciales alemanes y en Italia, hasta que llegó la segunda fase del neoclasicismo, el "estilo Imperio", con los gobiernos napoleónicos y barrió al rococó.

Mobiliario y decoración

El estilo ornamental llamado rocaille surgió en Francia entre 1710 y 1750, principalmente durante la regencia y reinado de Luis XV; el estilo también fue llamado Louis Quinze. Sus principales características eran el detalle pintoresco, las curvas y contracurvas, la asimetría y una exuberancia teatral. En las paredes de los nuevos salones de París, los diseños retorcidos y sinuosos, generalmente hechos de estuco dorado o pintado, se enrollan alrededor de las puertas y los espejos como enredaderas. Uno de los primeros ejemplos fue el Hôtel Soubise en París (1704-05), con su famoso salón ovalado decorado con pinturas de Boucher y Charles-Joseph Natoire.

El diseñador de muebles francés más conocido de la época fue Juste-Aurèle Meissonnier (1695-1750), quien también fue escultor y pintor. y orfebre de la casa real. Ocupó el título de diseñador oficial de la Cámara y el Gabinete de Luis XV. Su obra es muy conocida hoy en día por la enorme cantidad de grabados realizados sobre su obra que popularizaron el estilo en toda Europa. Diseñó obras para las familias reales de Polonia y Portugal.

Italia fue otro lugar donde floreció el rococó, tanto en sus primeras como en sus últimas fases. Los artesanos de Roma, Milán y Venecia produjeron muebles y artículos decorativos lujosamente decorados.

• Candlelabra de Juste-Aurèle Meissonnier (1735-1740)
• Diseño del Carro de Apolo para un techo del Conde Bielinski por Meissonier, Varsovia, Polonia (1734)
• Canapé diseñado por Meissonnier para el Conde Bielinski, Varsovia, Polonia (1735)
• Mesa consola, Roma, Italia (hacia 1710)

La decoración esculpida incluía floretes, palmetas, conchas y follaje, tallados en madera. Las formas rocalla más extravagantes se encontraron en las consolas, mesas diseñadas para apoyarse contra las paredes. Las cómodas, o cofres, que aparecieron por primera vez bajo Luis XIV, estaban ricamente decoradas con adornos de rocalla hechos de bronce dorado. Fueron hechos por maestros artesanos, incluido Jean-Pierre Latz, y también presentaban marquetería de maderas de diferentes colores, a veces colocadas en patrones cúbicos de tablero de ajedrez, hechos con maderas claras y oscuras. El período también vio la llegada de Chinoiserie, a menudo en forma de cómodas lacadas y doradas, llamadas falcon de Chine de Vernis Martin., en honor al ebenista que introdujo la técnica en Francia. Ormolu, o bronce dorado, fue utilizado por maestros artesanos, incluido Jean-Pierre Latz. Latz hizo un reloj particularmente ornamentado montado sobre un cartonnier para Federico el Grande para su palacio en Potsdam. Las piezas de porcelana china importada a menudo se montaban en marcos rococó de ormolu (bronce dorado) para exhibirlas en mesas o consolas en salones. Otros artesanos imitaron el arte japonés de los muebles lacados y produjeron cómodas con motivos japoneses.

• Escritorio para Münchner Residenz de Bernard II van Risamburgh (1737)
• Cofre-reloj para Federico el Grande (1742)
• Un cuenco de porcelana china y dos peces montados en bronce dorado, Francia (1745-1749)
• Encoignure del ebanista real Jean-Pierre Latz (hacia 1750)
• Cómoda lacada en estilo Chinoiserie, de Bernard II van Risamburgh, Victoria and Albert Museum (1750-1760)

El rococó británico tendía a ser más comedido. Los diseños de muebles de Thomas Chippendale mantuvieron las curvas y la sensación, pero no llegaron a las alturas francesas de fantasía. El exponente más exitoso del rococó británico fue probablemente Thomas Johnson, un talentoso tallador y diseñador de muebles que trabajaba en Londres a mediados del siglo XVIII.

Cuadro

Elementos del estilo Rocaille aparecieron en la obra de algunos pintores franceses, incluido el gusto por lo pintoresco en los detalles; curvas y contracurvas; y disimetría que sustituyó el movimiento del barroco por la exuberancia, aunque la rocalla francesa nunca alcanzó la extravagancia del rococó germánico. El principal defensor fue Antoine Watteau, particularmente en Peregrinación a la isla de Cythera (1717), Louvre, en un género llamado Fête Galante que representa escenas de jóvenes nobles reunidos para celebrar en un entorno pastoral. Watteau murió en 1721 a la edad de treinta y siete años, pero su trabajo siguió teniendo influencia durante el resto del siglo. La peregrinación a Citera La pintura fue comprada por Federico el Grande de Prusia en 1752 o 1765 para decorar su palacio de Charlottenberg en Berlín.

El sucesor de Watteau y la Féte Galante en la pintura decorativa fue François Boucher (1703-1770), el pintor favorito de Madame de Pompadour. Su obra incluyó la sensual Toilette de Venus (1746), que se convirtió en uno de los ejemplos más conocidos del estilo. Boucher participó en todos los géneros de la época, diseñando tapices, maquetas para escultura de porcelana, escenografías para la ópera y la opera-comique de París y decorados para la Feria de Saint-Laurent. Otros pintores importantes de la Fête GalanteEl estilo incluía a Nicolas Lancret y Jean-Baptiste Pater. El estilo influyó particularmente en François Lemoyne, quien pintó la lujosa decoración del techo del Salón de Hércules en el Palacio de Versalles, terminado en 1735. Pinturas con fétes gallant y temas mitológicos de Boucher, Pierre-Charles Trémolières y Charles-Joseph Natoire decoradas el famoso salón del Hôtel Soubise en París (1735-1740). Otros pintores rococó incluyen: Jean François de Troy (1679–1752), Jean-Baptiste van Loo (1685–1745), sus dos hijos Louis-Michel van Loo (1707–1771) y Charles-Amédée-Philippe van Loo (1719– 1795), su hermano menor Charles-André van Loo (1705–1765) y Nicolas Lancret (1690–1743).

En Austria y el sur de Alemania, la pintura italiana tuvo el mayor efecto en el estilo rococó. El pintor veneciano Giovanni Battista Tiepolo, asistido por su hijo, Giovanni Domenico Tiepolo, fue invitado a pintar frescos para la Residencia de Würzburg (1720-1744). El pintor más destacado de las iglesias rococó bávaras fue Johann Baptist Zimmermann, quien pintó el techo de la Wieskirche (1745-1754).

• Antoine Watteau, Peregrinación a la isla de Cythera (1717)
• "Almuerzo con jamón" de Nicolas Lancret (1735)
• Techo del Salón de Hércules de François Lemoyne (1735)
• El retrete de Venus de François Boucher (1746)
• Fresco en el techo de la residencia de Würzburg (1720-1744) de Giovanni Battista Tiepolo
• Techo de la Wieskirche de Johann Baptist Zimmermann (1745-1754)

Escultura

• La "Dama velada (Puritas) de Antonio Corradini (1722)
• Cupido de Edmé Bouchardon, Galería Nacional de Arte (1744)
• Prometeo de Nicolas-Sébastien Adam (1762)
• Vertumnus y Pomone de Jean-Baptiste Lemoyne (1760)
• Pygmalion et Galatee de Étienne-Maurice Falconet (1763)
• La embriaguez del vino por Claude Michel (Clodion), terracota, 1780s-90s

La escultura rococó era teatral, colorida y dinámica, dando una sensación de movimiento en todas direcciones. Se encontraba más comúnmente en los interiores de las iglesias, por lo general estrechamente integrado con la pintura y la arquitectura. La escultura religiosa siguió el estilo barroco italiano, como se ejemplifica en el retablo teatral de la Karlskirche de Viena.

La escultura rococó temprana o Rocaille en Francia era más ligera y ofrecía más movimiento que el estilo clásico de Luis XIV. Fue fomentado en particular por Madame de Pompadour, amante de Luis XV, quien encargó muchas obras para sus castillos y jardines. El escultor Edmé Bouchardon representó a Cupido ocupado en tallar sus dardos de amor del garrote de Hércules. Las figuras rococó también llenaron las fuentes posteriores de Versalles, como la Fuente de Neptuno de Lambert-Sigisbert Adam y Nicolas-Sebastien Adam (1740). En base a su éxito en Versalles, Federico el Grande los invitó a Prusia para crear una escultura de fuente para el Palacio Sanssouci, Prusia (década de 1740).

Étienne-Maurice Falconet (1716-1791) fue otro escultor francés destacado durante el período. Falconet fue más famoso por su estatua de Pedro el Grande a caballo en San Petersburgo, pero también creó una serie de obras más pequeñas para coleccionistas adinerados, que podían reproducirse en serie en terracota o fundirse en bronce. Los escultores franceses Jean-Louis Lemoyne, Jean-Baptiste Lemoyne, Louis-Simon Boizot, Michel Clodion, Lambert-Sigisbert Adam y Jean-Baptiste Pigalle produjeron esculturas en serie para coleccionistas.

En Italia, Antonio Corradini fue uno de los principales escultores del estilo rococó. Veneciano, viajó por Europa, trabajando para Pedro el Grande en San Petersburgo, para las cortes imperiales en Austria y Nápoles. Prefería los temas sentimentales y realizó varias obras de arte de mujeres con rostros cubiertos por velos, una de las cuales se encuentra ahora en el Louvre.

• Atlantides en la parte superior del Palacio Belvedere, Viena, por Johann Lukas von Hildebrandt (1721–22)
• Escena de la Asunción de Egid Quirin Asam (1722-1723) antigua iglesia del monasterio, Rohr en Niederbayern
• Altar de El Transparente en la Catedral de Toledo por Narciso Tomé (1721-1732)
• Portal del Palacio del Marqués de Dos Aguas, Valencia, España (1740-1744)
• Fuente de Neptuno y Amphitrite Palacio de Versalles, de Lambert-Sigisbert Adam y Nicolas-Sebastien Adam (1740)
• Fuente de ninfas de Lambert Sigisbert Adam en el palacio de Sanssouci, Prusia (década de 1740)

Los ejemplos más elaborados de escultura rococó se encontraron en España, Austria y el sur de Alemania, en la decoración de palacios e iglesias. La escultura estaba estrechamente integrada con la arquitectura; era imposible saber dónde acababa uno y empezaba el otro. En el Palacio Belvedere de Viena (1721-1722), el techo abovedado del Salón de los Atlantes se sostiene sobre los hombros de figuras musculosas diseñadas por Johann Lukas von Hildebrandt. La portada del Palacio del Marqués de Dos Aguas en Valencia (1715-1776) estaba completamente empapada de escultura tallada en mármol, a partir de diseños de Hipólito Rovira Brocandel.

El altar de El Transparente, en la capilla mayor de la Catedral de Toledo, es una imponente escultura de mármol policromado y estuco dorado, combinado con pinturas, estatuas y símbolos. Fue realizado por Narciso Tomé (1721-1732). Su diseño deja pasar la luz y, al cambiar de luz, parece moverse.

Porcelana

Apareció una nueva forma de escultura a pequeña escala, la figura de porcelana, o pequeño grupo de figuras, que inicialmente reemplazó a las esculturas de azúcar en las grandes mesas de comedor, pero pronto se hizo popular para colocar sobre repisas de chimenea y muebles. El número de fábricas europeas creció constantemente a lo largo del siglo, y algunas fabricaban porcelana que las clases medias en expansión podían pagar. También se incrementó la cantidad de coloridos adornos de vidriado utilizados en ellos. Por lo general, fueron modelados por artistas que se habían formado en escultura. Los temas comunes incluían figuras de la commedia dell'arte, vendedores ambulantes de la ciudad, amantes y figuras con ropa de moda y parejas de pájaros.

Johann Joachim Kändler fue el modelador más importante de porcelana de Meissen, la primera fábrica europea, que siguió siendo la más importante hasta alrededor de 1760. El escultor alemán nacido en Suiza, Franz Anton Bustelli, produjo una amplia variedad de figuras coloridas para la fábrica de porcelana de Nymphenburg en Baviera. que se vendieron en toda Europa. El escultor francés Étienne-Maurice Falconet (1716-1791) siguió este ejemplo. Mientras también realizaba obras a gran escala, se convirtió en director de la fábrica de porcelana de Sevres y produjo obras a pequeña escala, generalmente sobre el amor y la alegría, para la producción en serie.

• La lección de música, porcelana de Chelsea, Museo Metropolitano (c. 1765)
• Altar mayor de la Karlskirche de Viena (1737)
• Taza con platillo; alrededor de 1753; porcelana de pasta blanda con vidriado y esmalte; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles
• Mezzetin, de Kaendler, Meissen, c. 1739
• Arlequín y Colombina, porcelana de Capodimonte, c. 1745
• Grupo de pareja de amantes de porcelana de Nymphenburg, c. 1760, modelado por Franz Anton Bustelli
• Figura de vendedor de queso de Bustelli, porcelana de Nymphenburg (1755)

Música

Existió un período rococó en la historia de la música, aunque no es tan conocido como el barroco anterior y las formas clásicas posteriores. El estilo musical rococó se desarrolló a partir de la música barroca tanto en Francia, donde el nuevo estilo se denominó style galant (estilo "galante" o "elegante"), como en Alemania, donde se denominó empfindsamer Stil ("estilo sensible"). estilo"). Puede caracterizarse como música ligera e íntima con formas de ornamentación extremadamente elaboradas y refinadas. Los ejemplos incluyen a Jean Philippe Rameau, Louis-Claude Daquin y François Couperin en Francia; en Alemania, los principales defensores del estilo fueron CPE Bach y Johann Christian Bach, dos hijos de JS Bach.

En la segunda mitad del siglo XVIII, se produjo una reacción contra el estilo rococó, principalmente contra el uso excesivo de la ornamentación y la decoración. Dirigida por Christoph Willibald Gluck, esta reacción marcó el comienzo de la era clásica. A principios del siglo XIX, la opinión católica se había vuelto en contra de la idoneidad del estilo para contextos eclesiásticos porque "de ninguna manera propiciaba sentimientos de devoción".

El compositor ruso de la era romántica Pyotr Ilyich Tchaikovsky escribió Las variaciones sobre un tema rococó, op. 33, para violonchelo y orquesta en 1877. Aunque el tema no es de origen rococó, está escrito en estilo rococó.

Moda

La moda rococó se basaba en la extravagancia, la elegancia, el refinamiento y la decoración. La moda femenina del siglo XVII contrastaba con la moda del siglo XVIII, que era ornamentada y sofisticada, el verdadero estilo rococó. Estas modas se extendieron más allá de la corte real hacia los salones y cafés de la burguesía en ascenso. El estilo de decoración y diseño exuberante, lúdico y elegante que ahora conocemos como 'rococó' se conocía entonces como le style rocaille, le style moderne, le gout.

Un estilo que apareció a principios del siglo XVIII fue el robe volante, un vestido suelto, que se hizo popular hacia el final del reinado del rey Luis XIV. Este vestido tenía las características de un corpiño con grandes pliegues que fluían por la espalda hasta el suelo sobre una enagua redondeada. La paleta de colores consistía en telas ricas y oscuras acompañadas de características de diseño elaboradas y pesadas. Después de la muerte de Luis XIV, los estilos de vestimenta comenzaron a cambiar. La moda dio un giro hacia un estilo más ligero y frívolo, pasando del período barroco al conocido estilo rococó. El período posterior fue conocido por sus colores pastel, vestidos más reveladores y la gran cantidad de volantes, volantes, lazos y encajes como adornos. Poco después de que se introdujera el típico vestido rococó femenino,robe à la française, un vestido con un corpiño ajustado que tenía un escote escotado, generalmente con un gran lazo de cinta en el centro del frente, alforjas anchas y estaba lujosamente adornado con grandes cantidades de encaje, cinta y flores.

Los pliegues de Watteau también se hicieron más populares, llamados así por el pintor Jean-Antoine Watteau, quien pintó los detalles de los vestidos hasta las puntadas de encaje y otros adornos con inmensa precisión. Más tarde, la 'pannier' y la 'mantua ' se pusieron de moda alrededor de 1718, eran aros anchos debajo del vestido para extender las caderas hacia los lados y pronto se convirtieron en un elemento básico en la ropa formal. Esto le dio al período Rococó el vestido icónico de caderas anchas combinado con la gran cantidad de decoración en las prendas. Se usaban alforjas anchas para ocasiones especiales y podían alcanzar hasta 4,8 metros (16 pies) de diámetro, y se usaban aros más pequeños para los entornos cotidianos. Estas características provienen originalmente de la moda española del siglo XVII, conocida comoguardainfante, inicialmente diseñado para ocultar el estómago embarazado, luego reinventado más tarde como la alforja. 1745 se convirtió en la edad de oro del rococó con la introducción de una cultura oriental más exótica en Francia llamada a la turque. Esto se hizo popular gracias a la amante de Luis XV, Madame Pompadour, quien encargó al artista Charles Andre Van Loo que la pintara como una sultana turca.

En la década de 1760, surgió un estilo de vestidos menos formales y uno de estos fue la polonesa, con inspiración polaca. Era más corto que el vestido francés, lo que dejaba ver la enagua y los tobillos, lo que facilitaba los movimientos. Otro vestido que se puso de moda fue el robe a l'anglais, que incluía elementos inspirados en la moda masculina; chaqueta corta, solapas anchas y manga larga. También tenía un corpiño ceñido, una falda amplia sin alforjas pero todavía un poco larga en la espalda para formar una pequeña cola y, a menudo, algún tipo de pañuelo de encaje que se usaba alrededor del cuello. Otra pieza fue el 'redingote', a medio camino entre una capa y un abrigo.

Los accesorios también eran importantes para todas las mujeres durante este tiempo, ya que se sumaban a la opulencia y la decoración del cuerpo para combinar con sus vestidos. En cualquier ceremonia oficial, las damas debían cubrirse las manos y los brazos con guantes si su ropa no tenía mangas.