Porcelana japonesa

La alfarería y la porcelana (陶磁器, tōjiki, también yakimono (焼きもの) o tōgei (陶芸)), es una de las formas de arte y artesanía japonesas más antiguas, que data del Neolítico. Los hornos han producido loza, cerámica, gres, cerámica vidriada, gres vidriado, porcelana y cerámica azul y blanca. Japón tiene una historia excepcionalmente larga y exitosa de producción de cerámica. Las lozas de barro se fabricaban ya en el período Jōmon (10.500–300 BC), dando a Japón una de las tradiciones cerámicas más antiguas del mundo. Japón se distingue además por la inusual estima que tiene la cerámica dentro de su tradición artística, debido a la perdurable popularidad de la ceremonia del té.

Los registros de la historia de la cerámica japonesa distinguieron muchos nombres de alfareros, y algunos eran artistas-alfareros, por ejemplo, Hon'ami Kōetsu, Ogata Kenzan y Aoki Mokubei. Los hornos anagama japoneses también han florecido a lo largo de los siglos, y su influencia pesa con la de los alfareros. Otro aspecto característicamente japonés del arte es la continua popularidad del gres de alto fuego sin esmaltar, incluso después de que la porcelana se hiciera popular. Desde el siglo IV, la cerámica japonesa a menudo se ha visto influenciada por la cerámica china y coreana. Japón transformó y tradujo los prototipos chino y coreano en una creación exclusivamente japonesa, y el resultado fue claramente de carácter japonés. Desde mediados del siglo XVII, cuando Japón comenzó a industrializarse,Los artículos estándar de alta calidad producidos en las fábricas se convirtieron en exportaciones populares a Europa. En el siglo XX, creció una industria cerámica moderna (p. ej., Noritake and Toto Ltd.).

La cerámica japonesa se distingue por dos tradiciones estéticas polarizadas. Por un lado, existe una tradición de alfarería muy sencilla y de acabados toscos, mayoritariamente en loza y utilizando una paleta apagada de colores tierra. Esto se relaciona con el budismo zen y muchos de los más grandes maestros fueron sacerdotes, especialmente en los primeros períodos. Muchas piezas también están relacionadas con la ceremonia del té japonesa y encarnan los principios estéticos del wabi-sabi. La mayoría de los artículos de raku, donde la decoración final es en parte aleatoria, se encuentran en esta tradición. La otra tradición es la de artículos de fábrica muy acabados y de colores brillantes, principalmente en porcelana, con una decoración compleja y equilibrada, que desarrolla estilos de porcelana china de una manera distinta.Una tercera tradición, de gres simple pero perfectamente formado y esmaltado, también se relaciona más estrechamente con las tradiciones china y coreana. En el siglo XVI, varios estilos de artículos rústicos utilitarios tradicionales que se producían en ese momento fueron admirados por su simplicidad, y sus formas a menudo se han mantenido en producción hasta el día de hoy para un mercado de coleccionistas.

Historia

Período Jomon

En el período Neolítico (c.  11.º milenio a. C.), se fabricó la primera loza blanda.

Durante el período Jōmon temprano en el sexto milenio antes de Cristo, apareció la cerámica típica hecha en espiral, decorada con patrones de cuerda impresos a mano. La cerámica Jōmon desarrolló un estilo extravagante en su apogeo y se simplificó en el período Jōmon posterior. La cerámica se formó enrollando cuerdas de arcilla y cocida en un fuego abierto.

Periodo yayoi

Aproximadamente entre los siglos IV y III a. C., apareció la cerámica Yayoi, que era otro estilo de loza caracterizada por un patrón simple o sin patrón. Jōmon, Yayoi y, más tarde, los artículos de Haji compartieron el proceso de cocción, pero tenían diferentes estilos de diseño.

Período de Kofun

En los siglos III y IV d. C., aparecieron el horno anagama, un horno de túnel techado en la ladera de una colina, y el torno de alfarero, traídos a la isla de Kyushu desde la península de Corea.

El horno anagama podía producir gres, cerámica Sue, cocida a altas temperaturas de más de 1200 a 1300 ° C (2190 a 2370 ° F), a veces adornada con accidentes producidos al introducir material vegetal en el horno durante la fase de cocción con oxígeno reducido. Su fabricación comenzó en el siglo V y continuó en las zonas periféricas hasta el siglo XIV. Aunque se han identificado varias variaciones regionales, Sue fue notablemente homogénea en todo Japón. Sin embargo, la función de la cerámica Sue cambió con el tiempo: durante el período Kofun (300-710 d. C.) era principalmente cerámica funeraria; durante el período Nara (710–94) y el período Heian (794–1185), se convirtió en una vajilla de élite; y finalmente se utilizó como cerámica utilitaria y para los vasos rituales de los altares budistas.

La cerámica Haji contemporánea y los objetos funerarios haniwa eran de barro como Yayoi.

Periodo Heian

Aunque se introdujo en Japón una técnica de vidriado con plomo de tres colores a partir de la dinastía Tang de China en el siglo VIII, los hornos oficiales solo producían vidriado con plomo verde simple para los templos en el período Heian, alrededor de 800-1200.

La cerámica Kamui apareció en este tiempo, así como la cerámica Atsumi y la cerámica Tokoname.

Período Kamakura

Hasta el siglo XVII, el gres sin esmaltar era popular para los requisitos diarios de trabajo pesado de una sociedad mayoritariamente agraria; tinajas funerarias, tinajas de almacenamiento y una variedad de ollas de cocina tipifican la mayor parte de la producción. Algunos de los hornos mejoraron su tecnología y se denominan "Seis hornos antiguos": Shigaraki (cerámica de Shigaraki), Tamba, Bizen, Tokoname, Echizen y Seto.

Entre estos, el horno Seto en la provincia de Owari (actual prefectura de Aichi) tenía una técnica de esmalte. Según la leyenda, Katō Shirozaemon Kagemasa (también conocido como Tōshirō) estudió técnicas de cerámica en China y trajo cerámica vidriada de alto fuego a Seto en 1223. El horno de Seto imitaba principalmente la cerámica china como sustituto del producto chino. Desarrolló varios esmaltes: marrón ceniza, negro hierro, blanco feldespato y verde cobre. Los productos se usaron tanto que Seto-mono ("producto de Seto") se convirtió en el término genérico para la cerámica en Japón. El horno Seto también producía gres sin esmaltar. A fines del siglo XVI, muchos alfareros de Seto que huían de las guerras civiles se mudaron a la provincia de Mino en la prefectura de Gifu, donde produjeron cerámica vidriada: Yellow Seto (Ki -Seto), Shino, Black Seto (Seto-Guro) y Oribeware.

Período Muromachi

Según las crónicas de 1406, el emperador Yongle (1360-1424) de la dinastía Ming otorgó diez cuencos de cerámica Jian de la dinastía Song al shōgun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), que gobernó durante el período Muromachi. Varios monjes japoneses que viajaron a monasterios en China también trajeron piezas a casa. A medida que se valoraron para las ceremonias del té, se importaron más piezas de China, donde se convirtieron en bienes muy preciados. Cinco de estos navíos de la dinastía Song del sur son tan apreciados que fueron incluidos por el gobierno en la lista de Tesoros Nacionales de Japón (artesanía: otros). La vajilla Jian se produjo más tarde y se desarrolló aún más como tenmoku y tenía un precio muy alto durante las ceremonias del té de esta época.

Período Azuchi-Momoyama

Desde mediados del siglo XI hasta el siglo XVI, Japón importó gran parte de la cerámica verde celadón china, la porcelana blanca y la cerámica azul y blanca. Japón también importó cerámica china, así como cerámica coreana y vietnamita. Estas cerámicas chinas (tenmoku) se consideraban artículos sofisticados que las clases altas usaban en la ceremonia del té. Los japoneses también ordenaron cerámicas diseñadas a la medida de los hornos chinos.

Las importaciones de alto precio también procedían de Luzón y se llamaban Rusun-yaki o "mercancía de Luzón", así como Annan de Annam, en el norte de Vietnam.

Período Sengoku

Con el surgimiento del budismo a fines del siglo XVI, los principales maestros del té introdujeron un cambio de estilo y favorecieron los humildes tazones de té coreanos y la vajilla doméstica en lugar de la sofisticada porcelana china. El influyente maestro del té Sen no Rikyū (1522-1591) recurrió a los estilos japoneses nativos de cerámica rústica simple, a menudo imperfecta, que admiraba por su "espontaneidad resistente", un "cambio decisivo" de enorme importancia para el desarrollo de la cerámica japonesa. La familia Raku (llamada así por la cerámica y no al revés) suministró cuencos de té de loza esmaltada en marrón. Mino, Bizen, Shigaraki (artículos de Shigaraki), Iga (similar a Shigaraki) y otros hornos domésticos también suministraron utensilios para el té. El artista y alfarero Hon'ami Kōetsu hizo varios tazones de té que ahora se consideran obras maestras.

Durante la invasión de Corea por parte de Toyotomi Hideyoshi en 1592, las fuerzas japonesas trajeron alfareros coreanos como esclavos a Japón, aunque también hay evidencia de una inmigración voluntaria anterior. Según la tradición, uno de los secuestrados, Yi Sam-pyeong, descubrió una fuente de arcilla de porcelana cerca de Arita y pudo producir la primera porcelana japonesa. Estos alfareros también trajeron una tecnología de horno mejorada en el noborigama u horno ascendente, subiendo una ladera y permitiendo alcanzar temperaturas de 1400 ° C (2550 ° F). Pronto se iniciaron los hornos Satsuma, Hagi, Karatsu, Takatori, Agano y Arita.

Periodo Edo

En la década de 1640, las rebeliones en China y las guerras entre la dinastía Ming y los manchúes dañaron muchos hornos, y en 1656-1684 el nuevo gobierno de la dinastía Qing detuvo el comercio al cerrar sus puertos. Los alfareros chinos refugiados pudieron introducir técnicas refinadas de porcelana y esmaltes en los hornos de Arita. A partir de 1658, la Compañía Holandesa de las Indias Orientales buscó en Japón porcelana azul y blanca para vender en Europa (ver porcelana Imari). En ese momento, los hornos Arita, como el horno Kakiemon, aún no podían suministrar suficiente porcelana de calidad a la Compañía Holandesa de las Indias Orientales, pero rápidamente ampliaron su capacidad. De 1659 a 1740, los hornos de Arita pudieron exportar enormes cantidades de porcelana a Europa y Asia. Gradualmente, los hornos chinos se recuperaron y desarrollaron sus propios estilos de artículos esmaltados de colores que los europeos encontraban tan atractivos. incluyendo famille rose, famille verte y el resto de ese grupo. Aproximadamente desde 1720, los hornos chinos y europeos también comenzaron a imitar el estilo esmaltado de Imari en el extremo inferior del mercado, y hacia 1740, el primer período de exportación de porcelana japonesa casi había cesado.Los hornos de Arita también suministraron utensilios domésticos como los llamados esmaltes Ko-Kutani.

La porcelana también se exportaba a China, gran parte de la cual era revendida por comerciantes chinos a otras "Compañías de las Indias Orientales" europeas a las que no se les permitía comerciar en Japón. Se ha sugerido que la elección de tales artículos fue dictada principalmente por el gusto chino, que prefirió los productos Kakiemon a los "Imari", lo que explica una notable disparidad en las primeras colecciones europeas que se puede reconstruir entre las holandesas y las de otros países, como Inglaterra, Francia y Alemania. Debido a que Imari era el puerto de embarque, algunas porcelanas, tanto para exportación como para uso doméstico, se llamaron Ko-Imari (antiguo Imari).. La costumbre europea ha sido generalmente llamar a las mercancías azules y blancas "Arita" y a las azules, rojas y doradas "Imari", aunque de hecho ambas se fabricaban a menudo en los mismos hornos en Arita. En 1759, el pigmento de esmalte rojo oscuro conocido como bengara estuvo disponible industrialmente, lo que llevó a un renacimiento rojizo del estilo Ko-Imari naranja de 1720.

En 1675, la familia local Nabeshima que gobernó Arita estableció un horno personal para fabricar porcelana esmaltada de alta calidad para las clases altas de Japón, que se llama cerámica Nabeshima. Esto utiliza principalmente decoración en estilos japoneses tradicionales, a menudo inspirados en textiles, en lugar de los estilos derivados de China de la mayoría de los artículos de Arita. La cerámica de Hirado era otro tipo de porcelana reservada inicialmente para la presentación como obsequios políticos entre la élite, concentrándose en pinturas muy finas en azul sobre un cuerpo blanco inusualmente fino, para lo cual se contrataron pintores de pergaminos. Estos dos tipos representaban la porcelana más fina producida después de que el comercio de exportación se estancó en la década de 1740. A diferencia de la cerámica de Nabeshima, Hirado pasó a ser un importante exportador en el siglo XIX.

Durante el siglo XVII, en Kioto, entonces la capital imperial de Japón, los hornos producían solo cerámica transparente vidriada con plomo que se asemejaba a la cerámica del sur de China. Entre ellos, el alfarero Nonomura Ninsei inventó un esmalte opaco sobre vidriado y con el patrocinio del templo pudo refinar muchos diseños de estilo japonés. Su discípulo Ogata Kenzan inventó un estilo artesanal idiosincrásico y llevó el Kyōyaki (cerámica de Kioto) a nuevas alturas. Sus obras fueron los modelos para la posterior Kyōyaki. Aunque los cuerpos de porcelana fueron presentados a Kyōyaki por Okuda Eisen, la cerámica vidriada todavía floreció. Aoki Mokubei, Ninami Dōhachi (ambos discípulos de Okuda Eisen) y Eiraku Hozen ampliaron el repertorio de Kyōyaki.

A fines del siglo XVIII y principios del XIX, se descubrió arcilla de porcelana blanca en otras áreas de Japón y se comercializaba a nivel nacional, y a los alfareros se les permitió moverse más libremente. Los señores y comerciantes locales establecieron muchos hornos nuevos (p. ej., el horno Kameyama y el horno Tobe) para obtener beneficios económicos, y los hornos antiguos, como el Seto, volvieron a funcionar como hornos de porcelana. Estos muchos hornos se llaman "Nuevos Hornos" y popularizaron la porcelana al estilo de los hornos Arita entre la gente común.

Período Meiji

Durante la apertura internacional del período Meiji, las artes y artesanías japonesas tenían una nueva audiencia y un conjunto de influencias. Los mecenas tradicionales, como la clase daimyō, se separaron y muchos de los artesanos perdieron su fuente de ingresos. El gobierno se interesó activamente en el mercado de exportación de arte, promoviendo las artes japonesas en una sucesión de ferias mundiales, comenzando con la Feria Mundial de Viena de 1873. La Casa Imperial también se interesó activamente en las artes y la artesanía, nombrando artistas de la Casa Imperial y encargando obras ("mercancías de presentación") como obsequios para dignatarios extranjeros. La mayoría de las obras promocionadas internacionalmente estaban en las artes decorativas, incluida la cerámica.

La cerámica de Satsuma era un nombre que se le dio originalmente a la cerámica de la provincia de Satsuma, elaboradamente decorada con esmaltes y dorados. Estos productos fueron muy elogiados en Occidente. Visto en Occidente como distintivamente japonés, este estilo en realidad debía mucho a los pigmentos importados y las influencias occidentales, y se había creado pensando en la exportación. Los talleres en muchas ciudades se apresuraron a producir este estilo para satisfacer la demanda de Europa y América, a menudo produciendo de forma rápida y económica. Entonces, el término "artículos de Satsuma" se asoció no con un lugar de origen sino con artículos de menor calidad creados exclusivamente para la exportación. A pesar de esto, hubo artistas como Yabu Meizan y Makuzu Kōzan que mantuvieron los más altos estándares artísticos mientras exportaban con éxito. Estos artistas ganaron múltiples premios en exposiciones internacionales.Meizan usó placas de cobre para crear diseños detallados y transferirlos repetidamente a la cerámica, a veces decorando un solo objeto con mil motivos.

La industria de la porcelana de Japón estaba bien establecida al comienzo del período Meiji, pero los artículos producidos en masa no eran conocidos por su elegancia. Durante esta era, las innovaciones técnicas y artísticas convirtieron la porcelana en una de las formas de arte decorativo japonés de mayor éxito internacional. Mucho de esto se debe a Makuzu Kōzan, conocido por la cerámica Satsuma, quien a partir de la década de 1880 introdujo una nueva sofisticación técnica en la decoración de la porcelana, mientras se comprometía a preservar los valores artísticos tradicionales. Durante la década de 1890, desarrolló un estilo de decoración que combinaba múltiples colores bajo vidriado en cada artículo. La sofisticación técnica de sus vidriados aumentó durante esta década a medida que continuaba experimentando.En la década de 1900 a 1910 se produce un cambio sustancial en la forma y decoración de sus obras, reflejando influencias occidentales. Su trabajo influyó fuertemente en las percepciones occidentales del diseño japonés.

Período Taishō

La cerámica japonesa influyó fuertemente en el alfarero de estudio británico Bernard Leach (1887-1979), considerado el "padre de la cerámica de estudio británica". Vivió en Japón desde 1909 hasta 1920 durante el período Taishō y se convirtió en el principal intérprete occidental de la cerámica japonesa y, a su vez, influyó en una serie de artistas en el extranjero.

Mostrar periodo

Durante el período Shōwa temprano, se desarrolló el movimiento de arte popular mingei (民芸), a partir de finales de los años veinte y treinta. Su padre fundador fue Yanagi Sōetsu (1889–1961). Rescató vasijas humildes utilizadas por los plebeyos en el período Edo y Meiji que estaban desapareciendo en la rápida urbanización de Japón. Shōji Hamada (1894–1978) fue un alfarero que fue una figura importante del movimiento mingei, estableciendo la ciudad de Mashiko como un centro de renombre para la cerámica de Mashiko. Otro alfarero influyente en este movimiento fue Kawai Kanjirō (1890–1966) y Tatsuzō Shimaoka (1919–2007). Estos artistas estudiaron las técnicas tradicionales de vidriado para preservar las mercancías autóctonas en peligro de desaparecer.

Uno de los momentos más críticos fue durante la Guerra del Pacífico cuando todos los recursos se destinaron a los esfuerzos bélicos, y la producción y el desarrollo se vieron gravemente obstaculizados y los mercados sufrieron.

Período Heisei hasta el presente

Varias instituciones quedaron bajo la égida de la División de Protección de Bienes Culturales.

Los hornos de Tamba, con vistas a Kobe, continuaron produciendo los productos cotidianos utilizados en el período Tokugawa, al tiempo que añadían formas modernas. La mayoría de los productos del pueblo fueron hechos de forma anónima por alfareros locales con fines utilitarios. Los estilos locales, ya fueran nativos o importados, tendieron a continuar sin alteración hasta el presente. En Kyūshū, los hornos instalados por alfareros coreanos en el siglo XVI, como en Koishiwara, Fukuoka y su rama en Onta ware, perpetuaron las cerámicas campesinas coreanas del siglo XVI. En Okinawa, la producción de artículos de aldea continuó bajo la dirección de varios maestros destacados, con Kinjo Jiro honrado como ningen kokuho (人間国宝, literalmente,  'tesoros culturales vivientes', oficialmente Preservador de Propiedades Culturales Intangibles Importantes).

Los alfareros modernos operan en Shiga, Iga, Karatsu, Hagi y Bizen. Yamamoto Masao (Toushuu) de Bizen y Miwa Kyusetsu de Hagi fueron designados ningen kokuho. Sólo media docena de ceramistas habían sido tan honrados en 1989, ya sea como representantes de famosos artículos de horno o como creadores de técnicas superlativas en vidriado o decoración; se designaron dos grupos para preservar las mercancías de distinguidos hornos antiguos.

En la antigua capital de Kyoto, la familia Raku continuó produciendo los ásperos tazones de té que tanto habían deleitado a Hideyoshi. En Mino, los alfareros continuaron reconstruyendo las fórmulas clásicas de los artículos de té tipo Seto del período Momoyama de Mino, como el esmalte verde cobre de la cerámica Oribe y el preciado esmalte lechoso de la cerámica Shino. Los alfareros artistas experimentaron en las universidades de artes de Kioto y Tokio para recrear la porcelana tradicional y sus decoraciones con maestros de cerámica como Fujimoto Yoshimichi, un ningen kokuho. Los antiguos hornos de porcelana alrededor de Arita en Kyūshū todavía eran mantenidos por el linaje de Sakaida Kakiemon XIV e Imaizumi Imaemon XIII, fabricantes de porcelana hereditarios del clan Nabeshima; ambos eran jefes de grupos designados mukei bunkazai (無形文化財, ver porcelana Kakiemon e Imari).

La artista británica Lucie Rie (1902–1995) estuvo influenciada por la cerámica japonesa y Bernard Leach, y también fue apreciada en Japón con una serie de exposiciones. El artista británico Edmund de Waal (n. 1964) estudió Leach y pasó varios años en Japón estudiando el estilo mingei. El hermano Thomas Bezanson de Canadá fue influenciado por ella.

Por el contrario, a fines de la década de 1980, muchos maestros alfareros ya no trabajaban en hornos antiguos o importantes, sino que fabricaban artículos clásicos en varias partes de Japón. En Tokio, un ejemplo notable es Tsuji Seimei, quien trajo su arcilla de Shiga pero la plantó en el área de Tokio. Varios artistas se dedicaron a reconstruir los estilos chinos de decoración o esmaltes, especialmente el celadón verde azulado y el qingbai verde agua. Uno de los glaseados chinos más apreciados en Japón es el glaseado tenmoku de color marrón chocolate que cubría los cuencos de té de los campesinos traídos del sur de la China Song (en los siglos XII y XIII) por los monjes zen. Para sus usuarios japoneses, estos artículos de color marrón chocolate encarnaban la estética zen de wabi.(sencillez rústica). En los Estados Unidos, un ejemplo notable del uso de esmaltes tenmoku se puede encontrar en las innovadoras vasijas cristalinas lanzadas por el artista nacido en Japón Hideaki Miyamura.

Arcilla

La arcilla se elige en gran medida en función de los materiales locales disponibles. Hay una abundancia de la mayoría de los tipos básicos de arcilla en Japón. Debido a los depósitos naturales de caolín, en Kyushu se encuentran muchas arcillas de porcelana. Los hornos se construían tradicionalmente en los sitios de los depósitos de arcilla, y la mayoría de los alfareros todavía usan arcillas locales, habiendo desarrollado una gama de técnicas de decoración y vidriado especialmente adecuadas para esa arcilla. Las arcillas de alfarería que se encuentran en el archipiélago japonés van desde lozas fusibles hasta caolines refractarios. Desde el período Jōmon hasta el período Yayoi, los alfareros japoneses se basaron en arcillas aluviales y esquisto con alto contenido de hierro plástico. Los materiales orgánicos aparecen en gran parte del trabajo del período Jōmon temprano, pero a partir de entonces predomina la arena o la piedra triturada.

Se produjeron más refinamientos bajo la influencia china en los siglos VIII y IX d.C., cuando los creadores de los artículos de tres colores de Nara y los artículos vidriados con ceniza de Heian buscaron arcillas refractarias blancas y mejoraron su finura a través de la levitación. En Kioto, donde la demanda hace que sea práctico y rentable, la arcilla se tritura, se tritura (se convierte en barbotina) y se filtra comercialmente.

Primero se rompe la arcilla en pequeños pedazos, se vierte una pequeña cantidad de agua y luego se golpea con un kine, un mazo de madera, hasta obtener la plasticidad y uniformidad de textura deseada. Luego, la arcilla se somete a un proceso de aramomi o de "cuñas rugosas", un movimiento de amasado, después de lo cual la arcilla se almacena durante dos o tres días, o a veces hasta una semana. Antes de que la arcilla esté lista para ser lanzada, debe pasar por el proceso nejimomi ("tornillo-cuña"), que produce una masa en forma de bala de la que se han eliminado todas las burbujas de aire, y en la que la estructura granular está dispuesta de modo que irradia hacia afuera desde el centro de la masa.

Métodos de producción

Las primeras piezas se hicieron presionando la arcilla para darle forma. Este método continuó empleándose después de la invención de la rueda, como cuando se producían artículos Rengetsu. Métodos en espiral desarrollados en el período Jōmon. La producción por amasado y corte de losas se desarrolló más tarde, por ejemplo, para figuras de arcilla haniwa.

Rueda de alfarero

El primer uso del torno de alfarero en Japón se puede ver en la cerámica de Sue. Si bien las producciones de Sue combinaron técnicas de rueda y enrollado, la loza vidriada con plomo hecha bajo la influencia china desde el siglo VIII al X incluye formas hechas completamente en la rueda de alfarero.

El torno de alfarero original de Oriente era una almohadilla circular de estera tejida que el alfarero giraba a mano y con el torno, y se conocía en Japón como rokuro. Pero con la llegada del te-rokuro o volante, la mecánica del lanzamiento hizo posible un arte más sutil. La cabeza de la rueda era una pieza de madera grande, gruesa y circular con agujeros poco profundos en la superficie superior alrededor de la periferia del disco. El alfarero mantuvo la rueda en movimiento insertando un mango de madera en uno de los agujeros y girando la cabeza de la rueda sobre su eje hasta alcanzar la velocidad deseada.

El volante siempre se gira en el sentido de las agujas del reloj y el peso de la gran cabeza del volante lo induce, después de arrancar, a girar rápidamente durante un largo período de tiempo. Las piezas realizadas a torno tienen un alto grado de precisión y simetría porque no hay movimiento del cuerpo del alfarero al lanzarlas, como ocurre con el torno. En los primeros días de la fabricación de porcelana en Japón, las áreas de Kyoto, Seto y Nagoya usaban solo el volante; en otros lugares, en el área de Kutani y en Arita, se empleó el volante. La rueda de patada al estilo japonés o ke-rokuroprobablemente fue inventado en China a principios de la dinastía Ming. Su diseño es similar en muchos aspectos al del volante, o puede tener una punta de madera colocada en la parte superior y un tubo de hierro, como las ruedas posteriores. El torno siempre se gira en sentido contrario a las agujas del reloj, y el movimiento inevitable del cuerpo del alfarero al patear el torno mientras lo lanza le da a muchas vasijas japonesas una falta de simetría casual que atrae los gustos occidentales contemporáneos.

Después de la Restauración Meiji en 1868, un estudiante del Dr. Wagener fue a Alemania para aprender cómo construir un horno de tiro descendente y observó muchas ruedas operadas por correas en poleas de un solo eje. A su regreso, instaló un sistema similar en el área de Seto, utilizando a un hombre para girar el volante que impulsaba el eje y el sistema de poleas. A partir de este comienzo se desarrolló la rueda de dos hombres.

Hoy en día, la mayoría de los alfareros en Kioto usan ruedas eléctricas, aunque hay muchos estudios que todavía tienen una rueda manual y una rueda de patada. Sin embargo, ahora es difícil encontrar artesanos que puedan fabricarlos o repararlos.

Enrollar y tirar

En Koishibara, Onda y Tamba, los tazones y jarras grandes se construyen primero en espiral sobre la rueda y luego se les da forma arrojándolos, en lo que se conoce como la "técnica de enrollar y lanzar". Los pasos preliminares son los mismos que para la construcción de bobinas, después de lo cual la forma tosca se lubrica con barbotina y se le da forma entre las manos del alfarero mientras gira la rueda. El proceso se remonta 360 años atrás a una técnica coreana traída a Japón después de la invasión de Corea por Hideyoshi.

Instrumentos

Estas herramientas para dar forma a la cerámica, generalmente fabricadas con bambú o madera de crecimiento rápido, tienen una sensación natural que es muy atractiva. Si bien la mayoría son versiones japonesas de herramientas familiares en Occidente, algunas son invenciones japonesas únicas.

• Gyūbera o "lenguas de vaca" son largas costillas de bambú en forma de trineo que se utilizan para comprimir el fondo y dar forma a los lados de los cuencos de lados rectos. Son una herramienta tradicional de Arita, Kyushu.
• Los marugote son costillas de bambú redondas y poco profundas en forma de concha de almeja que se utilizan para dar forma a los lados de los cuencos curvos. También se pueden usar para comprimir los fondos de las formas arrojadas.
• Dango, similar a las costillas de madera, son costillas de bambú en forma de hoja que se utilizan para dar forma y alisar las superficies de una olla.
• Takebera son "cuchillos" de bambú para recortar y modelar disponibles en varias formas diferentes para tallar, limpiar ollas mojadas, cortar y producir efectos de esgrafiado.
• Tonbo, "libélulas", son el equivalente funcional de los calibradores occidentales con una característica adicional. Suspendidas de una takebera o en equilibrio sobre el borde de una olla, estas delicadas herramientas de bambú se utilizan para medir tanto el diámetro como la profundidad de las formas arrojadas.
• Las yumi son arpas para cortar alambre y bambú que también sirven como herramienta para aflautar. Se utilizan para cortar bordes irregulares o rasgados, así como para facetar formas duras como el cuero.
• Tsurunokubi, "cuellos de grullas", son palos arrojadizos de madera japoneses curvados en S que se utilizan para dar forma al interior de piezas de cuello estrecho, como botellas y ciertos jarrones.
• Los kanna son herramientas para cortar, tallar e incidir hechas de hierro y se utilizan para recortar piezas, tallar, esgrafiar y raspar el exceso de esmalte.
• Un tsuchikaki es una gran herramienta de cinta enrollada hecha de hierro que se puede usar para recortar y tallar.
• Un umakaki es un arpa de recorte que se usa para nivelar superficies planas y anchas, como el fondo de un plato o plato poco profundo.
• Los kushi no son estrictamente herramientas arrojadizas; estos peines se utilizan para marcar un mínimo de dos líneas paralelas decorativas en las superficies de las macetas. Los peines más grandes tienen unos 20 dientes.
• Un take bon bon tampoco es una herramienta de lanzamiento, sino un remolque deslizante japonés. Un take bon bon es una botella de bambú de alta capacidad con un pico del que se puede verter la barbotina y el glaseado en un flujo constante y controlado para que el alfarero pueda "dibujar" con él.

Mercancías

Cientos de productos y estilos diferentes han existido a lo largo de su historia. Los más históricos y conocidos han recibido el reconocimiento del gobierno. Para obtener más información, consulte la lista de sitios de cerámica japonesa.

Nombre	kanji	Sitios Tradicionales	notas	Imagen de ejemplo
Mercancías del pacto	Artículos de agano	Fukuchi, distrito de Tagawa, Fukuoka
Artículos de Aizuhongō	Artículos de Aizu Hongo
Akahadaware	quemadura de piel roja
akazuware	Artículos de Akazu
Cerámica Amakusa	Cerámica Amakusa	Amakusa, Kumamoto
Aritaware	artículos de arita	Arita, saga	La principal fuente de exportación de porcelana japonesa desde mediados del siglo XVII en adelante. La producción comenzó por alfareros coreanos a principios del período Edo. Una multitud de hornos produjeron una variedad de estilos, incluidos los artículos Imari y Nabeshima, y ​​la mayoría de las primeras piezas en el estilo de decoración Kakiemon.
Asahiware	Cerámica Asahi
Bankoware	Mercancías bancarias	Prefectura de Mie	La mayoría son tazas de té, teteras, floreros y vasos de sake. Se cree que se originó en el siglo XIX.
Bizenware	Artículos de Bizen	Provincia de Bizen	También llamado Inbe ware. Un gres de cocción prolongada de color marrón rojizo, que se cree que se originó en el siglo VI. Uno de los primeros artículos utilitarios medievales que se utilizó en la ceremonia del té y se promovió al estado de cerámica artística.
Echizenware	Artículos de Echizen
Hagiware	Artículos Hagi	Hagi, Yamaguchi	Como se quema a una temperatura relativamente baja, es frágil y transmite rápidamente el calor de su contenido.
Hasamiware	artículos de hasami
artículos de iga	artículos de iga
Iwamiware	artículos iwami
Izushiware	Artículos Izushi
Karatsuware	artículos de karatsu	Karatsu, Saga	La cerámica más producida en el oeste de Japón. Se cree que comenzó en el siglo XVI.
Artículos incluidos	Artículos de Kasama
Cerámica de Kirigome	Kirikomi Yaki	Miyazaki, Miyagui
kiyomizuware	artículos de kiyomizu	Kiyomizu, Kioto	Una subcategoría de artículos Kyō
koishiwaraware	Artículos de Koishiwara	Prefectura de Fukuoka	La mayoría son tazas de té, teteras, floreros y vasos de sake y, como resultado del movimiento de arte popular, son artículos prácticos para el uso doméstico diario. Originado por un alfarero coreano en el siglo XVI.
Artículos de Kosobe	Artículos de Kosobe
Kutaniware	Artículos de Kutani	Prefectura de Ishikawa
Kyōware	Artículos de Kioto	Kioto
Mashikoware	Artículos de Mashiko
Mikawachiware	Artículos de Mikawachi
Cerámica mino	Cerámica mino	Provincia de Miño	Incluye artículos Shino, artículos Oribe, artículos Setoguro y artículos Ki-Seto.
Artículos mumyōi	artículos mumyoi
Artículos de Ōborisōma	Cerámica Obori Soma	Prefectura de Fukushima	La imagen de un caballo (uma o koma), muy popular en esta zona, es el patrón principal. Por lo tanto, a veces se le llama cerámica Sōmakoma.
Ontaware	Ontayaki	Camello, Ōita	Artículos tradicionales producidos por una pequeña comunidad de aldea sin electricidad. En su mayoría slipware decorado de forma sencilla pero elegante, en un estilo que se remonta al siglo XVIII.
Cerámica otani	Cerámica otani	Naruto, Tokushima	Un gran tipo de cerámica.
Rakuware	Artículos Raku		Una técnica y un estilo que se practica en todo Japón y ahora en todo el mundo. Por lo general, los recipientes se lanzan a mano sin usar una rueda, lo que les da una forma simple y bastante tosca, y se cuecen a bajas temperaturas antes de enfriarse al aire libre. En los períodos modernos, el material combustible generalmente se coloca en el horno, reaccionando de manera impredecible con los pigmentos del esmalte. Hay un proverbio sobre la jerarquía de los estilos cerámicos utilizados para la ceremonia del té: 'Primero Raku, segundo Hagi, tercero Karatsu'.
Satsumaware	porcelana satsuma	Provincia de Satsuma	Loza de barro, originalmente una industria local de vasijas sencillas iniciada por alfareros coreanos alrededor de 1600. Desde el siglo XIX, un término para un estilo de cerámica muy decorada producida en muchas áreas, únicamente para exportar a Occidente.
Setoware	Artículos de Seto	Seto, Aichi	La cerámica japonesa más producida en Japón. A veces, el término Seto-yaki (o Seto-mono) se refiere a toda la cerámica japonesa. Incluye vajilla Ofukei.
Entrar por separado	Artículos Shigaraki	Prefectura de Shiga	Uno de los estilos más antiguos de Japón. Famoso por piezas de cerámica tanuki.
mierda	Artículos Shidoro
Artículos Shōdai	Mercancía Shodai	Arao, Kumamoto
Artículos Takatori	Artículos Takatori
Artículos de juego	Tanba Rikang Yaki	Prefectura de Hyōgo	También llamada cerámica Tatekui. Uno de los seis tipos más antiguos de Japón.
Que tengan cuidado	Que tengan cuidado	Prefectura de Ehime	La mayoría son vajillas de porcelana gruesa con pinturas en azul cobalto.
Tokonameware	Artículos de Tokoname	Tokoname, Aichi	La mayoría son floreros, tazones de arroz o tazas de té.
Tsuboyaware	Cerámica Tsuboya	Tsuboya, Naha	Una forma de cerámica de Ryukyuan. La mayoría son vajillas de porcelana gruesa con pinturas en azul cobalto.
Artículos Zeze	Artículos Zeze	Ōtsu, antiguo dominio de Zeze	La mayoría son vajillas de porcelana gruesa con pinturas en azul cobalto.

Museos y colecciones

Varios museos en Japón están dedicados exclusivamente a la cerámica. Entre los más conocidos se encuentran el Museo de Cerámica de la Prefectura de Aichi cerca de Nagoya, el Parque de Porcelana Arita, el Museo de Cerámica Oriental de Fukuoka, el Museo de Cerámica de Kyushu, el Jardín Noritake, el Museo de Cerámica Oriental, Osaka, la Cerámica Bizen de la Prefectura de Okayama. Museo y el Museo de Arte Ōtsuka. Los museos públicos como el Museo Nacional de Kyushu, el Museo Nacional de Kioto, el Museo Nacional de Nara, el Museo Nacional de Tokio y el Museo de Arte de la Prefectura de Ishikawa tienen importantes colecciones de cerámica. Varios museos privados también tienen elementos importantes como el Museo de Arte MOA, el Museo Conmemorativo Mitsui, el Museo de Arte Seikadō Bunko, el Museo de Arte Fujita y el Museo de Arte Conmemorativo Kubosō, Izumi.

La mayoría de los museos de cerámica de todo el mundo tienen colecciones de cerámica japonesa, muchas de ellas muy extensas. Las obras de cerámica japonesas modernas suelen ser muy buscadas y caras. Además de los estilos tradicionales de arte y cerámica de estudio, los estilos de arte contemporáneo están hechos para el mercado internacional.