Música de Japón

En Japón, la música incluye una amplia gama de géneros distintos, tanto tradicionales como modernos. La palabra para "música" en japonés es 音楽 (ongaku), que combina el kanji 音on (sonido) con el kanji 楽gaku (música, comodidad). Japón es el mercado de música en medios físicos más grande del mundo y el segundo mercado de música en general más grande, con un valor minorista de US $ 2.7 mil millones en 2017.

Música tradicional y folclórica

Gagaku, hougaku

Las formas más antiguas de música tradicional japonesa son:

• shōmyō (enunciado o declaración), o canto budista
• gagaku o música cortesana orquestal

ambos datan de los períodos Nara (710–794) y Heian (794–1185). La música clásica Gagaku se ha interpretado en la Corte Imperial desde el período Heian. Kagura-uta, Azuma-asobi y Yamato-uta son repertorios indígenas. Tōgaku (唐楽) y komagaku surgieron durante la dinastía Tang (618–907) a través de la península de Corea. Además, gagaku se divide en kangen (música en inglés) y bugaku (baile) (baile acompañado de gagaku).

Samurai escuchó y realizó estas actividades musicales, en sus prácticas de enriquecimiento de sus vidas y comprensión.

Biwa hōshi, Heike biwa y goze

El biwa (琵琶 - chino: pipa), una forma de laúd de cuello corto, fue tocado por un grupo de artistas itinerantes (biwa hōshi). La raíz de la música biwa fue El cuento de Heike . Biwa hōshi se organizó en una asociación similar a un gremio. El biwa es el instrumento tradicional de Japón.

Lafcadio Hearn relató en su libro Kwaidan: Stories and Studies of Strange Things (1903) "Mimi-nashi Hoichi" (Hoichi the Earless), una historia de fantasmas japonesa sobre un biwa hōshi ciego que interpreta "The Tale of the Heike".

Las mujeres ciegas, conocidas como goze (瞽女), realizaron giras a partir de la época medieval, cantaban y tocaban música de acompañamiento en un tambor de regazo. A partir del siglo XVII se tocaba a menudo el koto o el shamisen. Las organizaciones de Goze surgieron en muchos lugares y existieron hasta el siglo XXI en la prefectura de Niigata.

Wadaiko

Wadaiko, un tambor japonés, viene en varios tamaños y se usa en una variedad de géneros musicales. Se ha vuelto particularmente popular en los últimos años como el instrumento central de conjuntos de percusión cuyo repertorio se basa en una variedad de música folklórica y festiva del pasado. Esta música taiko es interpretada por grandes conjuntos de tambores llamados kumi-daiko. Sus orígenes siguen siendo inciertos, pero se remontan al siglo VII, cuando una figura de arcilla de un tamborilero documentó su existencia. Siguieron influencias chinas, pero el instrumento y su música siguieron siendo únicamente japoneses.Los tambores Taiko durante este período se utilizaron durante la batalla para intimidar al enemigo y comunicar órdenes. Taiko continúa usándose en la música religiosa del budismo y el sintoísmo. En el pasado, los jugadores eran hombres santos que tocaban solo en ocasiones especiales y en pequeños grupos, pero con el tiempo, los hombres seculares (rara vez mujeres) también tocaban el taiko en festivales semirreligiosos como el baile bon.

El taiko de conjunto moderno fue inventado por Daihachi Oguchi en 1951. Un baterista de jazz, Oguchi incorporó su experiencia musical en grandes conjuntos de su diseño. Su estilo enérgico hizo que su grupo fuera popular en todo Japón e hizo de la región de Hokuriku un centro para la música taiko. Los grupos musicales que surgieron de esta ola de popularidad incluyeron a Oedo Sukeroku Taiko, fundado por Seido Kobayashi. 1969 vio un grupo llamado Za Ondekoza; Za Ondekoza reunió a jóvenes artistas que innovaron un nuevo taiko revival de raíces, que se utilizó como una forma de vida en los estilos de vida comunales. Durante la década de 1970, el gobierno japonés asignó fondos para preservar la cultura japonesa y se formaron muchos grupos comunitarios de taiko. Más adelante en el siglo, los grupos de taiko se extendieron por todo el mundo, especialmente en los Estados Unidos. El videojuego Taiko no Tatsujinse basa en el taiko.

Música folclórica min'yō

Las canciones populares japonesas (min'yō) se pueden agrupar y clasificar de muchas maneras, pero a menudo es conveniente pensar en cuatro categorías principales:

• canción del trabajo del pescador, canción del trabajo del granjero
• canción de cuna
• canciones religiosas (como sato kagura, una forma de música sintoísta)
• canciones utilizadas para reuniones como bodas, funerales y festivales (matsuri, especialmente Obon)
• canciones infantiles (warabe uta)

En min'yō, el laúd de tres cuerdas conocido como shamisen, los tambores taiko y una flauta de bambú llamada shakuhachi suelen acompañar a los cantantes. Otros instrumentos que podrían acompañar incluyen una flauta transversal conocida como shinobue, una campana conocida como kane, un tambor de mano llamado tsuzumi y/o una cítara de 13 cuerdas conocida como koto. En Okinawa el instrumento principal es el sanshin. Estos son instrumentos japoneses tradicionales, pero la instrumentación moderna, como guitarras eléctricas y sintetizadores, también se usa en la actualidad, cuando los cantantes de enka hacen versiones de canciones min'yō tradicionales (el enka es un género musical japonés propio).

Un ondo generalmente describe cualquier canción folclórica con un swing distintivo que se puede escuchar como un ritmo de 2/4 (aunque los intérpretes generalmente no agrupan los ritmos). La canción popular típica que se escucha en los bailes del festival de Obon es típicamente un ondo. Un bushi ("melodía" o "ritmo") es una canción con una melodía distintiva. La palabra rara vez se usa por sí sola, pero generalmente va precedida de un término que se refiere a la ocupación, ubicación, nombre personal o similar. Bon uta son canciones para Obon, el festival de los faroles de los muertos. Komori uta son canciones de cuna. Los nombres de las canciones min'yo suelen incluir un término descriptivo, normalmente al final. Por ejemplo: Tokyo Ondo, Kushimoto Bushi, Hokkai Bon Uta e Itsuki no Komoriuta.

Muchas de estas canciones incluyen énfasis adicional en ciertas sílabas, así como gritos agudos (kakegoe). Los kakegoe son generalmente gritos de alegría, pero en min'yō, a menudo se incluyen como parte de coros. Hay muchos kakegoe, aunque varían de una región a otra. En Okinawa Min'yō, por ejemplo, el común "¡ha iya sasa!" aparece En el Japón continental, sin embargo, "¡un yoisho!", "¡sate!" o "¡una llaga!" son más comunes. Otros incluyen "a donto koi!" y "dokoisho!"

Recientemente, se ha aplicado un sistema basado en gremios conocido como sistema iemoto a algunas formas de min'yō. Este sistema se desarrolló originalmente para transmitir géneros clásicos como la música nagauta, shakuhachi o koto, pero resultó rentable para los profesores y fue apoyado por estudiantes que deseaban obtener certificados de competencia. Continúa extendiéndose a géneros como min'yō, Tsugaru-jamisen y otras formas de música que tradicionalmente se transmitían de manera más informal. Hoy en día, algunos min'yō se transmiten en estas organizaciones pseudofamiliares y los aprendizajes prolongados son comunes.

Música folclórica de Okinawa

Umui, canciones religiosas, shima uta, canciones de baile y, especialmente kachāshī, música animada de celebración, eran populares en la isla. La música folclórica de Okinawa se diferencia de la música folclórica japonesa continental en varios aspectos.

La música folclórica de Okinawa suele ir acompañada del sanshin, mientras que en el Japón continental el shamisen acompaña en su lugar. Otros instrumentos de Okinawa incluyen el sanba (que produce un chasquido similar al de las castañuelas), el taiko y un silbato de dedo afilado llamado yubi-bue (指笛).

Una escala pentatónica se usa a menudo en min'yō de las islas principales de Japón. En esta escala pentatónica se omiten el tono subdominante y principal (grados de escala 4 y 7 de la escala mayor occidental), lo que da como resultado una escala musical sin semitonos entre cada nota. (Do, Re, Mi, Sol, La en solfeo, o grados de escala 1, 2, 3, 5 y 6). El min'yō de Okinawa, sin embargo, usa escalas que incluyen los semitonos omitidos en la escala pentatónica antes mencionada, cuando se analiza en la disciplina occidental de la música. De hecho, la escala más común utilizada en el min'yō de Okinawa incluye los grados de escala 1, 2, 3, 4, 5, 6 y 7.

Instrumentos tradicionales

• Biwa (pipa)
• Fue (笛)
• Hichiriki (筚篥)　
• Hocchiku
• Hyōshigi (golpe de madera)
• Kane
• Kakko
• Kokyū
• koto
• Niko (erhu)
• Okawa (alias Ōtsuzumi)
• Ryūteki (flauta de dragón)
• Sanshin
• Shakuhachi (flauta de bambú) (Shakuhachi)
• Shamisén (shamisén)
• Shime-Daiko
• Shinobu
• Sho (sheng)
• Suikinkutsu (cítara de agua)
• Taiko (es decir, Wadaiko) Taiko - Tambores japoneses
• Tsuzumi (tambor de mano) (también conocido como Kotsuzumi)

Llegada de la música occidental

Blues japonés/Enka

Después de que la Restauración Meiji introdujera la instrucción musical occidental, Izawa Shuji (un burócrata) compiló canciones como "Auld Lang Syne". Dos formas principales de música que se desarrollaron durante este período fueron el shōka, que se compuso para llevar la música occidental a las escuelas, y el gunka.

A medida que Japón avanzaba hacia la democracia representativa a finales del siglo XIX, los líderes contrataron cantantes para vender copias de canciones que transmitían sus mensajes, ya que a los propios líderes se les prohibía hablar en público. Surgió una forma distintivamente japonesa de tango llamada "dodompa". Kayōkyoku se asoció con estructuras japonesas tradicionales influenciadas por Enka. Entre los famosos cantantes de enka se encuentran Hibari Misora, Saburo Kitajima, Ikuzo Yoshi y Haruo Minami.

Arte musical

Musica clasica occidental

Shuji Isawa (1851-1917) estudió música en la Escuela Normal de Bridgewater y en la Universidad de Harvard y fue una figura importante en el desarrollo de la música japonesa de influencia occidental en la Era Meiji (1868-1912). Al regresar a Japón en 1879, Isawa formó la Ongaku-Torishirabe-Gakari (Agencia de Investigación Musical), un centro nacional de investigación de la música occidental; más tarde pasó a llamarse Escuela de Música de Tokio (Tôkyô ongaku gakkô). En 1880, el maestro y amigo estadounidense de Isawa, Luther Whiting Mason, aceptó un nombramiento de dos años. Kosaku Yamada, Yoshinao Nakada y Toru Takemitsu son compositores japoneses que han desarrollado sucesivamente lo que ahora se conoce como Música Clásica Japonesa.

La música clásica occidental estableció una fuerte presencia en Japón, convirtiendo al país en uno de los mercados más importantes para esta tradición musical. Toru Takemitsu compuso música de vanguardia, música clásica contemporánea y música para películas.

Orquestas

• Orquesta Sinfónica de Hiroshima
• Orquesta del Centro de Artes Escénicas de Hyogo
• Orquesta Filarmónica de Japón
• Orquesta Filarmónica de Kanagawa
• Orquesta Filarmónica de Nagoya
• Nueva Filarmónica de Japón
• Orquesta Sinfónica NHK
• Conjunto Orquestal Kanazawa
• Orquesta Filarmónica de Osaka
• Orquesta de viento de Osaka Shion
• Orquesta Sinfónica de Sapporo
• Orquesta de Viento Kosei de Tokio
• Orquesta Sinfónica Metropolitana de Tokio
• Orquesta Filarmónica de Tokio
• Orquesta Sinfónica de Tokio
• Orquesta Sinfónica de Yomiuri Nippon

Además de las orquestas sinfónicas tradicionales, Japón es internacionalmente prominente en el campo de las bandas de viento. La All-Japan Band Association es el órgano rector de las competiciones de bandas sinfónicas del país.

Jazz

A partir de la década de 1930 (excepto durante la Segunda Guerra Mundial, cuando fue reprimido como música del enemigo) el jazz mantuvo una fuerte presencia en Japón. El país es un mercado importante para la música, y es común que grabaciones que no están disponibles en los Estados Unidos o Europa estén disponibles allí. Varios músicos de jazz japoneses, como June (nacido en Japón) y Sadao Watanabe, tienen una gran base de seguidores fuera de su país natal.

Musica Popular

J-pop

J-pop, una abreviatura de pop japonés, es un género musical vagamente definido que entró en la corriente principal musical de Japón en la década de 1990. El J-pop tiene sus raíces en la música pop y rock de la década de 1960, como los Beatles, cuyas bandas de rock de la década de 1970 fusionaron el rock con la música japonesa. El J-pop fue definido aún más por bandas japonesas de nueva ola como Southern All Stars a fines de la década de 1970. Eventualmente, J-pop reemplazó a kayōkyoku ("Música lírica cantada", un término para la música pop japonesa de la década de 1920 a la de 1980) en la escena musical japonesa. El término fue acuñado por los medios japoneses para distinguir la música japonesa de la música extranjera.

Música de ídolos

Los artistas musicales ídolos japoneses son una parte importante del mercado, con grupos de chicas y bandas de chicos que encabezan regularmente la lista de sencillos. Estos incluyen la banda de chicos Arashi, que tuvo los sencillos más vendidos de 2008 y 2009, y el grupo de chicas AKB48, que ha tenido los sencillos más vendidos cada año desde 2010. Desde finales de la década de 2010, han surgido más y más grupos de ídolos.. Su éxito a veces se denomina "Idol sengoku jidai" (ア イ ド ル 戦 国 時代; lit. Idol war age). En 2014, unas 486.000 personas asistieron a los conciertos en vivo de Momoiro Clover Z, lo que supuso el récord más alto para mujeres músicas en Japón este año. SMAP era una boy band japonesa, reconocida. El grupo fue creado en 1988. Nogizaka 46 y Keyakizaka 46 también fueron populares.

Música dance y disco

En 1984, el álbum Thriller del músico estadounidense Michael Jackson se convirtió en el primer álbum de un artista occidental en vender más de un millón de copias en la historia de las listas japonesas de Oricon. Su estilo es citado como uno de los modelos de la música dance japonesa, liderando la popularidad de los músicos y bailarines del Grupo Avex.

En 1990, Avex Trax comenzó a lanzar la serie Super Eurobeat en Japón. Eurobeat en Japón lideró la popularidad de la forma de baile grupal Para Para. Mientras que los artistas de Avex como Every Little Thing y Ayumi Hamasaki se hicieron populares en la década de 1990, a fines de esa década surgieron Hikaru Utada y Morning Musume. El álbum debut de Hikaru Utada, First Love, se convirtió en el álbum más vendido en Japón vendiendo más de 7 millones de copias, mientras que Ayumi Hamasaki se convirtió en la artista solista y femenina más vendida en Japón, y Morning Musume sigue siendo uno de los grupos femeninos más conocidos en Japón. industria de la música popular.

Roca

En la década de 1960, muchas bandas de rock japonesas fueron influenciadas por el rock occidental, junto con la música folclórica de los Apalaches, el rock psicodélico, el mod y géneros similares: un fenómeno llamado Group Sounds (GS). John Lennon se convirtió en uno de los músicos occidentales más populares de Japón. A fines de la década de 1960, bandas de Group Sounds como The Tempters, Tigers, Golden Cups, Spiders, Jaguars, Ox, Village Singers, Carnabeats, Wild Ones, Mops eran populares. Tras el auge de Group Sounds llegaron los cantautores de folk. The Tigers fue la banda de Group Sounds más popular de la época. Más tarde, algunos de los miembros de Tigers, Tempters y Spiders formaron el primer supergrupo japonés Pyg.

Kenji Sawada y Kenichi Hagiwara comenzaron su carrera en solitario a principios de la década de 1970 junto con bandas de rock como Power House, Blues Creation y bandas de hard rock de finales de los 70 como Murasaki, Condition Green, Bow Wow. Carol (dirigida por Eikichi Yazawa), RC Succession y Funny Company ayudaron a definir el sonido del rock. A finales de los 70, Creation y Char interpretaron rock al estilo de Jeff Beck. Comenzando a finales de los sesenta, pero principalmente en los setenta, los músicos mezclaron el rock con elementos folk y pop de estilo estadounidense, generalmente etiquetados como folk rock debido a su uso regular de la guitarra acústica. Esto incluye bandas como Tulip, Banban y Garo. Los artistas de rock incluyen y los primeros Southern All Stars.

Los músicos japoneses comenzaron a experimentar con el rock electrónico en la década de 1970. El más notable fue Isao Tomita, cuyo álbum de 1972 Electric Samurai: Switched on Rock incluía versiones de sintetizadores electrónicos de canciones pop y rock contemporáneas. Otros ejemplos tempranos de discos de rock electrónico incluyen el álbum de folk rock y pop rock de Inoue Yousui Ice World (1973) y el álbum de rock psicodélico progresivo Benzaiten (1974) de Osamu Kitajima, ambos con contribuciones de Haruomi Hosono, quien más tarde fundó el grupo de música electrónica ". Yellow Magic Band" (más tarde conocida como Yellow Magic Orchestra) en 1977.

En la década de 1980, Yutaka Ozaki era popular entre los jóvenes fanáticos del rock. Grupos de pop rock como CCB, Tokyo JAP y Red Wariors ganaron éxitos. Boøwy inspiró a bandas de rock alternativo como Shonen Knife, the Pillows y Tama & Little Creatures, así como a bandas más experimentales como Boredoms y bandas convencionales como Glay. En 1980, Huruoma y Ry Cooder, un músico estadounidense, colaboraron en un álbum de rock con Shoukichi Kina, impulsor de la mencionada banda okinawense Champloose. Les siguieron Sandii & the Sunsetz, que mezclaron aún más las influencias japonesas y okinawenses. También durante la década de 1980, las bandas japonesas de metal y rock dieron origen al movimiento conocido como visual kei, representado durante su historia por bandas como X Japan, Buck-Tick, Luna Sea, Malice Mizer y muchas otras, algunas de las cuales con experiencia nacional,

En la década de 1990, músicos de rock japoneses como B'z, Mr. Children, Glay, Southern All Stars, L'Arc-en-Ciel, Tube, Spitz, Wands, T-Bolan, Judy and Mary, Asian Kung–Fu Generation, Field of View, Deen, Lindberg, Sharam Q, Yellow Monkey, Brilliant Green y Dragon Ash lograron un gran éxito comercial. B'z es el acto número 1 en ventas en la música japonesa desde que Oricon comenzó a contar., seguido de Mr. Children. En la década de 1990, las canciones pop se usaban a menudo en películas, anime, publicidad televisiva y programación dramática, convirtiéndose en algunos de los más vendidos de Japón.El auge del pop desechable se ha relacionado con la popularidad del karaoke, lo que generó críticas de que es consumista: Kazufumi Miyazawa de Boom dijo: "Odio esa mentalidad de comprar, escuchar, tirar y cantar en un bar de karaoke". De las bandas visual kei, Luna Sea, cuyos miembros atenuaron su atuendo en el escenario con un éxito continuo, tuvo mucho éxito, mientras que Malice Mizer, La'cryma Christi, Shazna, Janne Da Arc y Fanatic Crisis también lograron éxito comercial. a fines de la década de 1990.

La banda de rock Supercar, que se caracterizó por tener "una importancia casi fundamental para el indie rock japonés del siglo XXI", lanzó su influyente primer álbum en 1998. Permanecieron activos hasta 2005, y sus últimos álbumes contenían más rock electrónico.

El primer Fuji Rock Festival abrió en 1997. Rising Sun Rock Festival abrió en 1999. Summer Sonic Festival y Rock in Japan Festival abrieron en 2000. Aunque la escena del rock en la década de 2000 no era tan fuerte, bandas como Bump of Chicken, One Ok Rock, Sambomaster, Flow, Orange Range, Remioromen, Uverworld y Aqua Timez lograron el éxito. Orange Range también incursionó en el hip hop. Bandas establecidas como B'z, Mr. Children, Glay y L'Arc-en-Ciel continuaron en lo más alto de las listas, aunque B'z y Mr. Children son las únicas bandas que mantuvieron altas ventas a lo largo de los años.

El rock japonés tiene una vibrante escena de rock underground, más conocida internacionalmente por bandas de noise rock como Boredoms y Melt Banana, así como bandas de stoner rock como Boris, bandas de rock psicodélico como Acid Mothers Temple y actos alternativos como Shonen Knife (que fueron defendidos en Occidente por Kurt Cobain), Pizzicato Five y los Pillows (que ganaron la atención internacional en 1999 por la banda sonora de FLCL). Artistas de indie rock más convencionales como Eastern Youth, Band Apart y Number Girl tuvieron cierto éxito en Japón, pero poco reconocimiento fuera de su país de origen. Otros actos notables de indie rock de gira internacional son Mono y Nisennenmondai.

Punk-rock/alternativo

Los primeros ejemplos de punk rock incluyen SS, Star Club, Stalin, INU [ja], Gaseneta [ja], Bomb Factory, Lizard (que fueron producidos por Stranglers) y Friction (cuyo guitarrista Reck tocó con Teenage Jesus and the Jerks). antes de regresar a Tokio) y los Blue Hearts. La escena punk temprana fue filmada por Sogo Ishii, quien dirigió la película Burst City de 1982 con un elenco de bandas/músicos punk y también filmó videos para The Stalin. En la década de 1980, comenzaron a aparecer bandas de hardcore como GISM, Gauze, Confuse, Lip Cream y Systematic Death, algunas incorporando elementos cruzados.La escena independiente también incluyó un número diverso de artistas alternativos/post-punk/new wave como Aburadako, P-Model, Uchoten, Auto-Mod, Buck-Tick, Guernica y Yapoos (ambos con Jun Togawa), G- Schmitt, Totsuzen Danball y Jagatara, junto con bandas de noise/industrial como Hijokaidan y Hanatarashi.

Las bandas de ska-punk de finales de los noventa que se extendieron en los años 2000 incluyen Shakalabbits y 175R (pronunciado "inago rider").

Metal pesado

Japón es un mercado exitoso para las bandas de metal. Ejemplos notables son Unleashed in the East de Judas Priest, Made in Japan de Deep Purple, Maiden Japan de Iron Maiden, One Night at Budokan de Michael Schenker Group y Live at Budokan de Dream Theater.

El metal japonés surgió a fines de la década de 1970, liderado por bandas como Bow Wow, formada en 1975 por el guitarrista Kyoji Yamamoto, y Loudness, formada en 1981 por el guitarrista Akira Takasaki. Bandas contemporáneas como Earthshaker, Anthem y 44 Magnum lanzaron sus álbumes debut a mediados de los ochenta. Las primeras presentaciones en vivo en el extranjero fueron de Bow Wow en 1978 en Hong Kong, el Festival de Jazz de Montreux y el Festival de Lectura en Inglaterra en 1982. En 1983, Loudness realizó una gira por Estados Unidos y Europa. En 1985, el primer acto de metal japonés firmó con un importante sello estadounidense. Sus álbumes Thunder in the East y Lightning Strikes, lanzados en 1985 y 1986, alcanzaron el puesto 74 (mientras que el número 4 en la lista de Oricon de su tierra natal) y el número 64 en el Billboard.200 gráficos respectivamente. Hasta finales de los años ochenta, solo otras dos bandas, Ezo y Dead End, lanzaron álbumes en los Estados Unidos. En los años ochenta, pocas bandas tenían un miembro femenino, como la banda de mujeres Show-Ya liderada por Keiko Terada, y Terra Rosa con Kazue Akao en la voz. En septiembre de 1989, se lanzó el álbum Outerlimits de Show-Ya, que alcanzó el puesto número 3 en la lista de álbumes de Oricon. Las bandas de heavy metal alcanzaron su apogeo a fines de la década de 1980 y luego muchas se disolvieron hasta mediados de la década de 1990.

En 1982, se formaron algunas de las primeras bandas japonesas de glam metal, como Seikima-II con maquillaje inspirado en Kabuki, y X Japan, que fue pionera en el movimiento japonés conocido como visual kei y se convirtió en la banda de metal más vendida. En 1985, se lanzó el álbum Seikima-II - Akuma ga Kitarite Heavy Metal de Seikima-II y, aunque alcanzó el puesto 48 en la lista de álbumes de Oricon, superó las 100.000 en ventas, la primera vez para una banda japonesa de metal. Sus álbumes se ubicaron regularmente entre los diez primeros hasta mediados de la década de 1990. En abril de 1989, se lanzó el segundo álbum de X Japan, Blue Blood, y llegó al número 6, y después de 108 semanas en las listas vendió 712.000 copias. Su tercer y más vendido álbum Jealousyfue lanzado en julio de 1991; encabezó las listas y vendió 1,11 millones de copias. Dos álbumes de estudio número uno, Art of Life y Dahlia, una compilación de sencillos X Singles, todos vendieron más de medio millón, terminando con trece sencillos entre los cinco primeros antes de disolverse en 1997.

El metal japonés atrajo la atención mundial en 2014 con el éxito de la banda de "metal kawaii" Babymetal. Grabaron éxitos virales de YouTube como "¡¡Gimme Chocolate!!" así como actuaciones internacionales como el Sonisphere Festival 2014 del Reino Unido y el Heavy Montreal de Canadá junto a artistas como Metallica y Slayer. Babymetal fue el acto de apertura de cinco de los conciertos de Lady Gaga en su gira ArtRave: The Artpop Ball 2014. Babymetal ganó numerosos premios, incluido el premio The Spirit of Independence de Kerrang! y el premio Breakthrough Band de Metal Hammer.

Metal extremo

Las bandas japonesas de metal extremo se formaron a raíz de la ola estadounidense y europea, pero no tuvieron mayor exposición hasta la década de 1990, y el género tomó forma clandestina en Japón. Las primeras bandas de thrash metal se formaron a principios de la década de 1980, como United, cuya música incorpora elementos de death metal, e Outrage. United actuó en Los Ángeles en el festival de metal "Foundations Forum" en septiembre de 1995 y lanzó algunos álbumes en América del Norte. Formado a mediados de la década de 1980, Doom tocó en los Estados Unidos en octubre de 1988 en el CBGB y estuvo activo hasta 2000 cuando se disolvió.

Las primeras bandas en tocar música black metal fueron Sabbat, que todavía está activa, y Bellzlleb, que estuvo activa hasta principios de la década de 1990. Otros actos notables son Sigh, Abigail y Gallhammer.

El doom metal también ganó audiencia en Japón. Los dos actos de doom metal japoneses más conocidos son Church of Misery y Boris: ambos ganaron una considerable popularidad fuera del país.

Núcleo metálico

En la década de 2000, se formaron bandas japonesas de metalcore como Crystal Lake de Tokio, Coldrain y Deathgaze de Nagoya, Fear y Loathing de Kobe en Las Vegas y Crossfaith de Osaka.

Hip hop

El hip-hop llegó a fines de la década de 1980 y continúa prosperando. Esto se debió principalmente a la creencia del mundo de la música de que "las oraciones japonesas no eran capaces de formar el efecto de rima que contenían las canciones de los raperos estadounidenses".

Diferentes "familias" de raperos actúan en el escenario de un genba o club nocturno. Una familia es esencialmente una colección de grupos de rap que generalmente están encabezados por uno de los actos más famosos de Tokio, que también incluyen protegidos. Son importantes porque son "la clave para comprender las diferencias estilísticas entre grupos". Los fanáticos del hip-hop en la audiencia tienen el control del club. Juzgan quién es el ganador en concursos de rap en el escenario. Un ejemplo de esto se puede ver con la batalla entre los artistas de rap Dabo (un artista de un sello importante) y Kan (un artista independiente). Kan desafió a Dabo mientras Dabo estaba en la mitad de su actuación. El evento destacado mostró "la apertura de la escena y la fluidez de los límites en los clubes".

Mugre

Grime es un género electrónico británico que surgió a principios de la década de 2000 derivado del garage y jungle del Reino Unido, y tiene influencias del dancehall, el ragga y el hip hop. El estilo se caracteriza por ritmos rápidos y sincopados, generalmente alrededor de 140 bpm, y a menudo presenta un sonido electrónico agresivo o irregular. El rap es un elemento importante, y las letras a menudo giran en torno a representaciones descarnadas de la vida urbana.

En 2004, los DJ japoneses comenzaron a tocar grime. En 2008 comenzaron a surgir esos MC, principalmente de Osaka. Los MC se inspiraron en el grupo de grime británico Roll Deep y en su mixtape Rules And Regulations. Los MC de Osaka estaban formados por los pioneros MC Dekishi, MC Duff y MC Tacquilacci. MC Dekishi lanzó el primer mixtape japonés de grime en 2009, titulado "Grime City Volume 1". Los MC de Osaka son conocidos por rapear extremadamente rápido. Otra escena surgió en la región de Tokio de Shibuya liderada por Carpainter, Double Clapperz, MC ONJUICY, PAKIN y Sakana Lavenda.

Synth-pop y música de club

El synth-pop en Japón fue influenciado por artistas electrónicos y techno alemanes como Kraftwerk. Las bandas new wave y synth-pop como Hikasyuu, P-Model y The Plastics eran populares. Muchos músicos de las décadas de 1970 y 1980 que eran conocidos por la música pop se volcaron a la producción techno, como CCB y Akiko Yano. En la década de 1990, Denki Groove se formó y se convirtió en uno de los pilares de la escena electrónica japonesa. Artistas como Polysics rinden homenaje explícito a esta época. Yasutaka Nakata de Capsule ha estado involucrado detrás de escena de los populares actos de electropop Perfume y Kyary Pamyu Pamyu, los cuales tuvieron éxito nacional e internacional; Kyary, en particular, fue apodada la "Embajadora de Kawaii Harajuku".

Bajo del futuro kawaii

Kawaii Future Bass es un subgénero de Future Bass, con un sonido generalmente optimista y muy inspirado en la cultura japonesa, y a menudo incluye letras japonesas o referencias a anime o manga. Comenzó a tener éxito alrededor de 2015, principalmente liderado por Snail's House. Debido a la creciente influencia de Japón en países extranjeros, Kawaii Future Bass se hizo popular en todo el mundo.

Raíces y música country

A fines de la década de 1980, bandas de raíces como Shang Shang Typhoon y Boom se hicieron populares. Las bandas de raíces de Okinawa como Nenes y Kina también tuvieron éxito comercial y crítico. Esto condujo a una segunda ola de música de Okinawa, liderada por el repentino éxito de Rinken Band. Siguieron bandas, incluidos los regresos de Champluse y Kina, liderados por Kawachiya Kikusuimaru; muy similar al kawachi ondo es el goshu ondo de Tadamaru Sakuragawa.

J-country es una forma de J-pop que se originó en la década de 1960, durante la popularidad internacional de los westerns. Los primeros artistas incluyeron a Biji Kuroda, Jimmie Tokita, The Blue Rangers, Wagon Aces y Tomi Fujiyama. Continúa teniendo seguidores dedicados, con compañías importantes como Nintendo y Sony que continúan produciendo música country y occidental dentro de Japón. Algunos otros músicos asociados con este movimiento incluyen a Charlie Nagatani, JT Kanehira, Dicky Kitano y Manami Sekiya.

Música latina, reggae y ska

Se asimiló la música de Indonesia, Jamaica y otros lugares. Mice Teeth, Mute Beat, La-ppisch, Home Grown y Ska Flames, Determinations, fue popular al igual que Jamaican Reggae and Ska y Tokyo Ska Paradise Orchestra.

Musica de ruido

Otra forma musical reconocida de Japón es la música noise. El ruido de este país se llama Japanoise. Su representante más destacado es Masami Akita con su proyecto Merzbow.

Tema musical

Los temas musicales para películas, anime, tokusatsu (tokuson (特ソン)) y dorama se consideran un género musical separado. Si bien músicos y bandas de todos los géneros han grabado para la televisión y el cine japoneses, varios artistas y grupos han pasado la mayor parte de sus carreras interpretando temas musicales y componiendo bandas sonoras para medios visuales. Dichos artistas incluyen a Masato Shimon (actual poseedor del récord mundial del sencillo más exitoso en Japón por "Oyoge! Taiyaki-kun"), Ichirou Mizuki, todos los miembros de JAM Project (es decir, Hironobu Kageyama, quien cantó las aperturas de Dengeki Sentai Changeman y Dragon Ball Z), Akira Kushida, miembros de Project.R, Isao Sasaki y Mitsuko Horie.

Musica de juego

Cuando se vendieron los primeros juegos electrónicos, tenían chips de sonido rudimentarios con los que producir música. A medida que avanzaba la tecnología, la calidad aumentaba drásticamente. El primer juego en atribuirse el mérito de su música fue Xevious, también notable (en ese momento) por sus historias profundamente construidas. Uno de los juegos más importantes en la historia de la música de los videojuegos es Dragon Quest. Koichi Sugiyama, quien compuso para varios programas de televisión y anime, incluido Cyborg 009 y una película de Godzilla vs. Biollante., se involucró en el proyecto por curiosidad y demostró que los juegos pueden tener bandas sonoras serias. Hasta su participación, la música y los sonidos a menudo se descuidaban en el desarrollo de videojuegos y los programadores con pocos conocimientos musicales también se veían obligados a escribir las bandas sonoras. Sin dejarse intimidar por los límites tecnológicos, Sugiyama trabajó con polifonía de solo 8 partes para crear una banda sonora que no cansaría al jugador a pesar de las horas de juego.

Un conocido autor de música de juegos es Nobuo Uematsu. Las composiciones anteriores de Uematsu para la serie de juegos, Final Fantasy, en Famicom (Nintendo Entertainment System en Estados Unidos), se arreglaron para una partitura orquestal completa. En 2003, tomó sus melodías basadas en el rock de su formato MIDI original y creó Black Mages. Yasunori Mitsuda es el compositor de música para juegos como Xenogears, Xenosaga Episode I, Chrono Cross y Chrono Trigger. Koji Kondo, el administrador de sonido de Nintendo, escribió temas para Zelda y Mario. Jun Senoue compuso para Sonic the Hedgehog. También es el guitarrista principal de Crush 40, que es conocido por crear los temas musicales de Sonic Adventure, Sonic Adventure 2, Sonic Heroes, Shadow the Hedgehog y Sonic and the Black Knight, así como otros juegos de Sonic. Motoi Sakuraba compuso los juegos Tales, Dark Souls, Eternal Sonata, Star Ocean, Valkyrie Profile, Golden Sun y Baten Kaitos, así como numerosos juegos deportivos de Mario. Yuzo Koshiro compuso bandas sonoras influenciadas por la música electrónica para juegos como Revenge of Shinobi.y la serie Streets of Rage.

Cantantes pop como Hikaru Utada, Nana Mizuki y BoA a veces cantan para juegos.