Historia del diseño de moda

La historia del diseño de moda se refiere específicamente al desarrollo del propósito y la intención detrás de las prendas, zapatos y accesorios, y su diseño y construcción. La industria moderna, basada en firmas o casas de moda dirigidas por diseñadores individuales, comenzó en el siglo XIX con Charles Frederick Worth, quien, a partir de 1858, fue el primer diseñador en tener su etiqueta cosida en las prendas que creaba.

La moda comenzó cuando los humanos comenzaron a usar ropa. Estas ropas estaban típicamente hechas de plantas, pieles de animales y huesos. Antes de mediados del siglo XIX, la división entre alta costura y prêt-à-porter no existía realmente. Pero las prendas femeninas más básicas eran confeccionadas a medida por modistas y costureras que trataban directamente con el cliente. La mayoría de las veces, la ropa se modelaba, cosía y confeccionaba en el hogar. Cuando aparecieron los escaparates que vendían ropa lista para usar, esta necesidad se eliminó de la carga de trabajo doméstico.

El diseño de estas prendas fue aumentando a partir de diseños impresos, especialmente de París, que circulaban por Europa y eran muy esperados en las provincias. Las costureras interpretarían estos patrones lo mejor que pudieran. El origen de los diseños era la ropa ideada por las figuras más fashion, normalmente de la corte, junto con sus costureras y sastres. Aunque había habido distribución de muñecas vestidas de Francia desde el siglo XVI y Abraham Bosse había producido grabados de moda en la década de 1620, el ritmo del cambio se aceleró en la década de 1780 con una mayor publicación de grabados franceses que ilustraban los últimos estilos de París, seguidos por la moda. revistas como Cabinet des Modes. Para 1800, todos los europeos occidentales se vestían igual (o pensaban que lo hacían); las variaciones locales se convirtieron primero en un signo de la cultura provincial y luego en una insignia del campesino conservador.

A principios del siglo XX, las revistas de moda y, con el huecograbado, los periódicos, comenzaron a incluir fotografías y se hicieron aún más influyentes. En todo el mundo, estas revistas fueron muy buscadas y tuvieron un profundo efecto en el gusto del público. Ilustradores talentosos, entre ellos Paul Iribe, Georges Lepape, Erté y George Barbier, dibujaron atractivas láminas de moda para estas publicaciones, que cubrían los desarrollos más recientes en moda y belleza. Quizás la más famosa de estas revistas fue La Gazette du Bon Ton, fundada en 1912 por Lucien Vogel y publicada regularmente hasta 1925.

Antes de 1900: inicios de la alta costura

A principios del siglo XVIII, los primeros diseñadores de moda se destacaron como líderes de la moda. En la década de 1720, la modista de la reina, Françoise Leclerc, se volvió buscada por las mujeres de la aristocracia francesa y, a mediados de siglo, Marie Madeleine Duchapt, Mademoiselle Alexandre y Le Sieur Beaulard obtuvieron reconocimiento nacional y ampliaron su base de clientes de la aristocracia francesa. a la aristocracia extranjera. Sin embargo, Rose Bertin es generalmente considerada como la primera diseñadora de moda de fama internacional.

Rose Bertin (2 de julio de 1747 - 22 de septiembre de 1813), apodada la 'Ministra de la Moda', fue la modista de María Antonieta, Reina de Francia desde 1770 hasta 1793. Bertin abrió una tienda en París y tuvo una influencia considerable en Parisian estilo, hasta que la Revolución Francesa la obligó a exiliarse en Londres.

Una extraña en la corte francesa, María Antonieta se basó en los meticulosos diseños de Bertin para ayudarla a "combatir a sus enemigos con estilo". Las preferencias de moda únicas de María Antonieta, como los pantalones de montar masculinos o los simples vestidos rectos de muselina, contrastaban fuertemente con los elaborados vestidos mientras la Reina intentaba crear una personalidad que permitiera a los ciudadanos de Francia conectarse con ella y su estilo de vida. Aunque los intentos de María Antonieta fueron en gran parte infructuosos, la forma en que Bertin ayudó a la Reina a expresarse a través de la moda fue innovadora y sentó un precedente para los monarcas que siguieron y sus diseñadores, como Louis Hippolyte Leroy. Y a principios del siglo XIX, diseñadores como Ann Margaret Lanchester y Mary Ann Bell estaban expandiendo sus negocios, En la primera mitad del siglo XIX, los diseñadores parisinos de moda, como Madame Vignon, Madame Victorine y Madame Palmyre, normalmente no diseñaban de forma independiente un producto que sus clientes pudieran elegir comprar, sino que creaban el producto en colaboración con los deseos de sus clientes., para producir algo único.

Un inglés que vive en París, Charles Frederick Worth (1825 - 1905) es considerado como el primer diseñador en el sentido moderno del término, con un gran negocio que emplea a muchos sastres y costureras en gran parte anónimos. Un ex pañero, el éxito de Worth fue tal que fue capaz de dictar lo que los clientes deben usar. Lanzado al centro de atención como diseñador principal de la emperatriz Eugenia, Worth usó sus conexiones reales para ganar reconocimiento y clientes. La proclamación del 1 de febrero de 1853 por parte de Napoleón III de que no se recibirían visitantes en su corte sin vestimenta formal significó que la popularidad de los vestidos estilo Worth se volvió abrumadora. Profundamente decorados y construidos con los materiales más finos, los vestidos de Worth son bien conocidos por sus crinolinas (estructuras de metal en forma de jaula que sostienen el vestido con una forma elegante).

A lo largo de las primeras décadas del siglo XX, la alta costura se originó en París y, en menor medida, en Londres. Revistas de moda de otros países enviaron editores a los desfiles de moda de París. Los grandes almacenes también enviaron compradores a los espectáculos de París, donde compraron prendas para copiar (y robaron abiertamente las líneas de estilo y los detalles de corte de los demás). Tanto los salones hechos a medida como los departamentos de prêt-à-porter presentaban las últimas tendencias de París, adaptadas a las suposiciones de las tiendas sobre los estilos de vida y los bolsillos de su público objetivo.

1900

Los atuendos que usaban las mujeres a la moda durante la Belle Époque (1871-1914) eran sorprendentemente similares a los que usaban en el apogeo del pionero de la moda Charles Worth. A fines del siglo XIX, los horizontes de la industria de la moda se habían ampliado debido a los estilos de vida más estables e independientes de las mujeres acomodadas y la ropa práctica que exigían. Sin embargo, la moda de la Belle Époque aún conservaba el estilo elaborado y tapizado del siglo XIX. El cambio de moda era impensable, por lo que el uso de diferentes pasamanerías era lo único que distinguía la ropa de una temporada a otra.

El despilfarro ostentoso y el consumo ostentoso definieron las modas de la década y los atuendos de los modistos de la época eran extravagantes, ornamentados y cuidadosamente confeccionados. La curvilínea silueta S-Bend dominó la moda hasta alrededor de 1908. El corsé S-Bend empujaba el pecho hacia adelante en el mono-pecho y, con la ayuda del relleno, la colocación juiciosa de los adornos en la ropa y, más especialmente, un particular postura completamente independiente del corsé, creó la ilusión de una silueta en "S". Hacia finales de la década, Paul Poiret introdujo diseños que no incluían enaguas ni corsé, lo que hizo que la forma de S pasara de moda. Este fue un gran cambio, ya que las cinturas de las mujeres habían sido moldeadas por corsés desde el Renacimiento.

La Maison Redfern, fundada por el sastre inglés John Redfern (1820-1895), fue la primera casa de moda en ofrecer a las mujeres ropa deportiva y trajes a la medida basados ​​en sus contrapartes masculinas, y sus prendas prácticas y sobriamente elegantes pronto se convirtieron en indispensables para los guardarropas de bien -mujeres vestidas.

1910s

Durante los primeros años de la década de 1910, la silueta de moda se volvió mucho más ágil y fluida, y más suave que en el siglo XIX. Cuando los Ballets Russes interpretaron Scheherazade en París en 1910, se produjo una locura por el orientalismo. El modisto Paul Poiret fue uno de los primeros diseñadores en trasladar esto al mundo de la moda. Los clientes de Poiret se transformaban inmediatamente en chicas del harén con pantalones flotantes, turbantes y colores vivos y geishas con exóticos kimonos. Poiret también ideó el primer atuendo que las mujeres podían ponerse sin la ayuda de una doncella.

El movimiento Art Deco comenzó a surgir en este momento y su influencia fue evidente en los diseños de muchos modistos de la época. Sencillos sombreros de fieltro, turbantes y nubes de tul reemplazaron los estilos de tocados populares en el siglo XIX. También es de destacar que los primeros desfiles de moda reales fueron organizados durante este período, por Jeanne Paquin, una de las primeras modistas, quien también fue la primera modista parisina en abrir sucursales en el extranjero en Londres, Buenos Aires y Madrid.

Dos de los diseñadores de moda más influyentes de la época fueron Jacques Doucet y Mariano Fortuny. Doucet sobresalió en la superposición de colores pastel y sus elaborados vestidos de gasa sugerían los destellos impresionistas de la luz reflejada. Sus distinguidos clientes nunca perdieron el gusto por sus líneas fluidas y materiales diáfanos y endebles. Si bien obedecía imperativos que dejaban poco a la imaginación del modisto, Doucet era, no obstante, un diseñador de inmenso gusto y discriminación, un rol que muchos han intentado desde entonces, pero rara vez con el nivel de éxito de Doucet.

El diseñador afincado en Venecia Mariano Fortuny y Madrazo, fue una figura curiosa, con muy pocos paralelos en cualquier época. Para sus diseños de vestidos, concibió un proceso especial de plisado y nuevas técnicas de teñido. Le dio el nombre de Delphos a sus largos vestidos tubo que ondulaban con color. Cada prenda estaba hecha de una sola pieza de la seda más fina, su color único adquirido por inmersiones repetidas en tintes cuyos tonos sugerían la luz de la luna o los reflejos acuosos de la laguna veneciana. La paja bretona, la cochinilla mexicana y el añil del Lejano Oriente fueron algunos de los ingredientes que usó Fortuny. Entre sus muchos devotos estaban Eleonora Duse, Isadora Duncan, Cléo de Mérode, Marchesa Casati, Émilienne d'Alençon y Liane de Pougy.

Los cambios de vestimenta durante la Primera Guerra Mundial fueron dictados más por la necesidad que por la moda. A medida que más y más mujeres se vieron obligadas a trabajar, exigieron ropa que se adaptara mejor a sus nuevas actividades. Los eventos sociales tuvieron que posponerse en favor de trabajos más apremiantes y la necesidad de llorar el creciente número de muertos, las visitas a los heridos y la gravedad general de la época hizo que los colores más oscuros se convirtieran en la norma. Surgió una nueva apariencia monocromática que no era familiar para las mujeres jóvenes en circunstancias cómodas. En 1915, las faldas de moda se habían elevado por encima del tobillo y, en 1920, hasta la mitad de la pantorrilla.

Edad de oro de la moda francesa

El período entre las dos guerras mundiales, a menudo considerado como la Edad de Oro de la moda francesa, fue de grandes cambios y reformas. La alta costura encontró nuevos clientes en las filas de las actrices de cine, las herederas estadounidenses y las esposas e hijas de los industriales adinerados.

1920

Después de la Primera Guerra Mundial, se produjo un cambio radical en la moda. Los peinados voluminosos dieron paso a bobs cortos, los vestidos con largas colas dieron paso a delantales por encima de la rodilla. Se abandonaron los corsés y las mujeres tomaron prestada su ropa del guardarropa masculino y optaron por vestirse como niños. Aunque, al principio, muchos modistos se mostraron reacios a adoptar el nuevo estilo andrógino, lo adoptaron de todo corazón a partir de alrededor de 1925. Surgió una silueta sin busto y sin cintura y la agresiva vestimenta informal se mitigó con boas de plumas, bordados y accesorios llamativos. El estilo flapper (conocido por los franceses como el look 'garçonne') se hizo muy popular entre las mujeres jóvenes. El sombrero cloche se usó mucho y la ropa deportiva se hizo popular entre hombres y mujeres, con diseñadores como Jean Patou y Coco Chanel que popularizaron el aspecto deportivo y atlético.

La gran modista Coco Chanel era una figura importante de la moda en ese momento, conocida tanto por su personalidad magnética como por sus diseños elegantes y progresistas. Chanel ayudó a popularizar el peinado bob, el vestidito negro y el uso del tejido de punto para la ropa de mujer; también elevó el estatus de la bisutería y las prendas de punto.

Otros dos destacados diseñadores franceses de la década de 1920 fueron Jeanne Lanvin y Jean Patou. Jeanne Lanvin, que comenzó su carrera como sombrerera, hizo trajes tan hermosos para su pequeña hija Marguerite que la gente comenzó a pedir copias. El nombre de Lanvin aparece en el anuario de moda de alrededor de 1901, sin embargo, fue en la década de 1920 cuando alcanzó la cima de su éxito. El estilo Lanvin abrazó el estilo de la época, con su uso hábil de adornos complejos, bordados deslumbrantes y adornos de cuentas en colores florales claros y claros que eventualmente se convirtieron en una marca registrada de Lanvin. En 1925, Lanvin producía muchos productos diferentes, que incluían ropa deportiva, pieles, lencería, moda masculina y diseños de interiores.

El estilo de Jean Patou nunca fue mainstream, sino lleno de originalidad y caracterizado por una estudiada sencillez que le haría famoso, sobre todo en los mercados americanos. Muchas de sus prendas, con sus líneas limpias, motivos geométricos y cubistas, y una mezcla de lujo y practicidad, fueron diseñadas para satisfacer la nueva moda de la vida al aire libre, y guardaban una notable similitud con la ropa deportiva moderna. La defensora más famosa de su estilo fue Suzanne Lenglen, la legendaria campeona de tenis.

En la moda masculina, había un ambiente cada vez más informal, especialmente entre los estadounidenses, que se reflejaba en modas que enfatizaban la juventud y la relajación. En el pasado, había un atuendo especial para cada evento en el día del caballero bien vestido, pero los jóvenes de la década de 1920, que ya no tenían miedo de mostrar su juventud, comenzaron a usar el mismo traje de lana suave durante todo el día. Las chaquetas de traje cortas reemplazaron a las viejas chaquetas largas del pasado que ahora solo se usaban para ocasiones formales. Los hombres tenían a su disposición una variedad de ropa deportiva, incluidos suéteres y pantalones cortos, comúnmente conocidos como bragas. Para la noche, un esmoquin corto estaba más de moda que el frac, que ahora se consideraba algo anticuado. El corte London, de líneas finas, mangas holgadas y hombros acolchados, perfeccionado por el sastre inglés Scholte,

Los patrones Fair Isle se hicieron muy populares para ambos sexos. Los tacones, en ese momento, a menudo tenían más de dos pulgadas de alto y ayudaron a popularizar el zapato de dos tonos. Salvatore Ferragamo y André Perugia fueron dos de los diseñadores de calzado más influyentes y respetados. Muchas estrellas del cine mudo tuvieron un impacto significativo en la moda durante la década de 1920, incluidas Louise Brooks, Gloria Swanson y Colleen Moore. La moda alegre y progresista de la década de 1920 se detuvo gradualmente después del desplome de Wall Street de 1929 y sucumbió a un estilo más conservador. Si bien la apariencia de flapper persistió hasta 1930, desapareció rápidamente después, aunque los sombreros con forma de campana duraron hasta 1933.

1930

En la década de 1930, cuando el público comenzó a sentir los efectos de la Gran Depresión, muchos diseñadores descubrieron que las crisis no eran el momento para experimentar. La moda se volvió más comprometida, aspirando a preservar las victorias del feminismo mientras redescubría una sutil y tranquilizadora elegancia y sofisticación. En general, la ropa de la década de 1930 era sombría y modesta, lo que reflejaba la difícil situación social y económica de la década. La moda femenina se alejó del estilo descarado y atrevido de la década de 1920 hacia una silueta más romántica y femenina. Se restauró la cintura, los dobladillos bajaron casi hasta los tobillos, se renovó la apreciación del busto y los vestidos de noche sin espalda y los vestidos de día suaves y ajustados se hicieron populares. El cuerpo femenino fue remodelado en una forma más neoclásica, y los cuerpos delgados, tonificados y atléticos se pusieron de moda. La moda de las actividades al aire libre estimuló a los modistos a fabricar lo que hoy se denominaría "ropa deportiva". El término "prêt-à-porter" aún no se usaba mucho, pero las boutiques describían esa ropa como "para el deporte". En lugar del corte de pelo estilo flapper, el peinado estándar de las mujeres de la década de 1930 era una permanente corta y modesta.

Dos de los diseñadores de moda más destacados e influyentes de la década de 1930 fueron Elsa Schiaparelli y Madeleine Vionnet. Elsa Schiaparelli mostró su primera colección en 1929 e inmediatamente fue aclamada por la prensa como "una de las raras innovadoras" del momento. Con sus emocionantes e inventivos diseños, Schiaparelli no revolucionó tanto la moda como destruyó sus cimientos. El primer jersey que exhibió en sus escaparates causó sensación: estaba tejido en negro con un lazo blanco trampantojo. Schiaparelli fue íntima amiga de Christian Bérard, Jean Cocteau y Salvador Dalí, quien le diseñó motivos bordados y sirvió de inspiración para modelos como el traje de oficina con cajones para bolsillos, el sombrero con forma de zapato, los vestidos de seda pintados con moscas o langostas..

Madeleine Vionnet encontró su inspiración en las estatuas antiguas, creando hermosos vestidos atemporales que no se verían fuera de lugar en un friso griego. Reina del corte al bies (cortando en diagonal los hilos longitudinales de la tela), confeccionó vestidos de noche que se ajustaban al cuerpo sin excesiva elaboración ni disimulo, empleando una línea fluida y elegante. Su perfecto drapeado de gasa, seda y crepé marroquí creó un efecto maravillosamente equilibrado y sensual. El éxito sin precedentes de los cortes de Vionnet garantizó su reputación hasta su jubilación en 1939.

Mainbocher, el primer diseñador estadounidense que vivió y trabajó en París, también fue influyente, con sus diseños simples pero extremadamente elegantes, a menudo empleando el corte al bies iniciado por Vionnet. El fabricante de artículos de lujo Hermès comenzó a vender pañuelos cuadrados de seda estampados hechos a mano a principios de la década de 1930, además de popularizar la cremallera y muchas otras innovaciones prácticas. Hacia el final de la década, la moda femenina tomó una silueta algo más imponente y de hombros anchos, posiblemente influenciada por Elsa Schiaparelli. La moda masculina continuó la tendencia informal y práctica que había dominado desde el final de la Primera Guerra Mundial.

Mediados del siglo XX

Después de la Segunda Guerra Mundial, la reputación de París como centro mundial de la moda comenzó a desmoronarse. Un nuevo estilo juvenil surgió en la década de 1950, cambiando el enfoque de la moda. En Occidente, se cuestionó la división tradicional entre la alta sociedad y la clase trabajadora. En particular, una nueva generación joven quería cosechar los beneficios de una sociedad de consumo en auge. El privilegio se hizo menos publicitado que en el pasado y las diferencias se disimularon más. A medida que se derrocaron las antiguas jerarquías europeas, las marcas externas de distinción se desvanecieron. En el momento en que se lanzaron los primeros cohetes al espacio, Europa estaba más que lista para adoptar una prenda de calidad prêt-à-porter similar a la estadounidense, algo que ocupara el punto medio entre lo original y la alta costura. Esta necesidad era aún más apremiante porque los aumentos en los costos generales y de materias primas estaban comenzando a relegar la moda hecha a mano a un segundo plano. Mientras tanto, el rápido desarrollo de nuevas tecnologías hizo cada vez más fácil fabricar un producto de alta calidad en constante mejora.

Enfrentada a la amenaza de un producto hecho en fábrica y basado en la moda, la alta costura de la moda parisina montó sus defensas, pero con poco efecto. Mientras el viejo mundo hacía su última reverencia, los cambios en la moda fueron una de las manifestaciones más visibles de la reorganización general de la sociedad. En poco tiempo, las clases de mujeres hasta ahora restringidas a sustitutos inferiores de la alta costura disfrutarían de una libertad de elección mucho mayor. Al tratar con cantidades mucho mayores, los ciclos de producción eran más largos que los de los talleres de alta costura, lo que significaba que los estilistas que planeaban sus líneas para las colecciones bianuales tenían que intentar adivinar con más de un año de anticipación lo que querrían sus clientes. Una nueva autoridad se había hecho cargo, la de la calle, lo que constituía una nueva amenaza para la dictadura de la alta costura.

1940

Muchas casas de moda cerraron durante la ocupación de París durante la Segunda Guerra Mundial, incluidas Maison Vionnet y Maison Chanel. Varios diseñadores, incluido Mainbocher, se mudaron permanentemente a Nueva York. En el enorme programa de reeducación moral e intelectual emprendido por el estado francés, la alta costura no se salvó. En contraste con la parisina elegante y liberada, el régimen de Vichy promovió el modelo de esposa y madre, una mujer joven robusta y atlética, una figura mucho más consistente con la agenda política del nuevo régimen. Mientras tanto, Alemania se estaba apoderando de más de la mitad de lo que producía Francia, incluida la alta costura, y estaba considerando trasladar la alta costura francesa a Berlín y Viena. Se incautaron los archivos de la Chambre Syndicale de la Couture, incluida, en consecuencia, la lista de clientes.

Debido a los tiempos difíciles, los dobladillos se deslizaron hacia arriba tanto en la ropa de noche como en la de día, la última de las cuales se hizo usando materiales sustitutos siempre que fue posible. A partir de 1940 se necesitaba tela para el personal militar; para todos los demás, estaba racionada, con una asignación de no más de cuatro metros (trece pies) de tela para un abrigo y un poco más de un metro (tres pies) para una blusa. Ningún cinturón podría tener más de 3 centímetros (una pulgada y media) de ancho. Todos, desde amas de casa hasta diseñadores, se vieron obligados a reutilizar telas viejas o crear nuevos estilos a partir de prendas viejas.La alta costura hizo todo lo posible para mantener su bandera ondeando. El humor y la frivolidad se convirtieron en una forma de estrella del pop de desafiar a los poderes ocupantes y la alta costura sobrevivió. Aunque algunos han argumentado que la razón por la que perduró se debió al patrocinio de las esposas de los nazis adinerados, los registros revelan que, además de las parisinas adineradas habituales, era una mezcla ecléctica de esposas de embajadores extranjeros, clientes del mercado negro, y varios otros patrocinadores de los salones (entre los cuales las mujeres alemanas eran solo una minoría) que mantenían las puertas abiertas en casas de moda como Jacques Fath, Maggy Rouff, Marcel Rochas, Jeanne Lafaurie, Nina Ricci y Madeleine Vramant.

Los peinados con permanente se mantuvieron estándar, aunque durante los años 40, esto evolucionó a un rollo a lo largo de la parte inferior de la línea del cabello.

Durante la Ocupación, la única forma verdadera de que una mujer hiciera alarde de su extravagancia o agregara color a un atuendo monótono era usar un sombrero. En este período, los sombreros a menudo se fabricaban con restos de material que, de otro modo, se habrían tirado, incluidos trozos de papel y virutas de madera. Entre las sombrereras más innovadoras de la época se encontraban Pauline Adam, Simone Naudet, Rose Valois y Le Monnier.

La situación aislada de París en la década de 1940 permitió a los estadounidenses utilizar plenamente el ingenio y la creatividad de sus propios diseñadores. Durante la Segunda Guerra Mundial, Vera Maxwell presentó trajes constituidos por coordenadas lisas, simplemente cortadas, e introdujo innovaciones en la ropa de trabajo de los hombres. Bonnie Cashin transformó las botas en un importante accesorio de moda y, en 1944, comenzó la producción de ropa deportiva original e imaginativa. Claire McCardell, Anne Klein y Cashin formaron un notable trío de mujeres que sentaron las bases de la ropa deportiva estadounidense, asegurando que el prêt-à-porter no se considerara una mera segunda opción, sino una forma elegante y cómoda de vestir para las mujeres modernas.

En los años de la guerra, el traje zoot (y en Francia el traje zazou) se hizo popular entre los jóvenes.

Muchas actrices de la época, incluidas Rita Hayworth, Katharine Hepburn y Marlene Dietrich, tuvieron un impacto significativo en la moda popular.

El modisto Christian Dior creó un maremoto con su primera colección en febrero de 1947. La colección contenía vestidos con bustos acentuados, cinturas diminutas (o de "avispa") y faldas extravagantemente voluminosas, enfatizando la figura femenina de reloj de arena de una manera muy similar a la estilo de la Belle Époque. El uso suntuoso de la tela y la elegancia femenina de los diseños atrajeron a la clientela de la posguerra y aseguraron el ascenso meteórico de Dior a la fama. La pura sofisticación del estilo incitó a la todopoderosa editora de American Harper's Bazaar, Carmel Snow, a exclamar '¡Este es un nuevo look!'.

1950

Frente al continuismo, el apoyo y la lógica, y los eruditos pronósticos sociológicos, la moda de los años 50, lejos de ser revolucionaria y progresista, recurría más a la década anterior. Toda una sociedad que en las décadas de 1920 y 1930 había creído mucho en el progreso, ahora era mucho más circunspecta. A pesar de que las mujeres tenían derecho a votar, a trabajar y a conducir sus propios automóviles, optaron por usar vestidos hechos de materiales opulentos, con cinturas encorsetadas y faldas con volantes hasta la mitad de la pantorrilla. Mientras la moda miraba hacia el pasado, la alta costura experimentó una especie de renacimiento y generó una miríada de diseñadores estrella que se beneficiaron enormemente del rápido crecimiento de los medios.

A lo largo de la década de 1950, aunque sería la última vez, las mujeres de todo el mundo continuaron sometiéndose a las tendencias de la alta costura parisina. Tres de los modistos parisinos más destacados de la época fueron Cristóbal Balenciaga, Hubert de Givenchy y Pierre Balmain. El frugal príncipe del lujo, Cristóbal Balenciaga Esagri, hizo su debut en la moda a fines de la década de 1930. Sin embargo, no fue hasta los años de la posguerra que se hizo evidente toda la escala de la inventiva de este diseñador tan original. En 1951 transformó totalmente la silueta, ensanchando los hombros y quitando la cintura. En 1955, diseñó el vestido túnica, que luego se convirtió en el vestido camisero de 1957. Y, finalmente, en 1959, su trabajo culminó con la línea Empire, con vestidos de talle alto y abrigos cortados de manera similar al kimono. Su dominio del diseño y la creación de telas desafió la creencia. Balenciaga también se destaca como uno de los pocos modistos en la historia de la moda que podía usar sus propias manos para diseñar, cortar y coser los modelos que simbolizaban el apogeo de su arte.

Hubert de Givenchy abrió su primera casa de alta costura en 1952 y causó sensación con sus prendas sueltas, que se podían mezclar y combinar a voluntad. La más famosa fue su blusa Bettina hecha de camisería, que lleva el nombre de su top model. Pronto, se abrieron boutiques en Roma, Zúrich y Buenos Aires. Un hombre de inmenso gusto y discriminación, fue, quizás más que cualquier otro diseñador de la época, una parte integral del mundo cuya discreta elegancia ayudó a definir.

Pierre Balmain abrió su propio salón en 1945. Fue en una serie de colecciones denominadas 'Jolie Madame' donde experimentó su mayor éxito, a partir de 1952. La visión de Balmain de la mujer elegantemente vestida era particularmente parisina y estaba tipificada por el glamour a la medida del "New Look", con su amplio busto, cintura estrecha y faldas amplias, por el dominio del corte y los imaginativos ensamblajes de telas en sutiles combinaciones de colores. Su sofisticada clientela se sentía igualmente a gusto con lujosa elegancia, sastrería sencilla y un aspecto más natural. Junto con su trabajo de alta costura, el talentoso hombre de negocios fue pionero en una línea de prêt-à-porter llamada Florilege y también lanzó una serie de perfumes de gran éxito.

También destaca el regreso de Coco Chanel (que detestaba el "New Look") al mundo de la moda. Tras el cierre de sus salones en los años de la guerra, en 1954, con más de setenta años, reaparece y el 5 de febrero presenta una colección que contenía todo un abanico de ideas que serían adoptadas y copiadas por mujeres de todo el mundo: su famoso trajecito trenzado con cadenas de oro, bisutería reluciente, blusas de seda en colores que hacían juego con el forro del traje, elegantes prendas de tweed, botones con monogramas, lazos planos de seda negra, canotiers, bolsos acolchados con cadenas y vestidos de noche y pieles que eran maravillas de sencillez.

A pesar de ser un diseñador de alta costura, Mainbocher, nacido en Estados Unidos, también diseñó uniformes militares y de servicio civil. En 1952, rediseñó el uniforme de servicio de Women Marines combinando feminidad con funcionalidad. Los rediseños anteriores incluyen uniformes para WAVES (Mujeres aceptadas para el servicio voluntario de emergencia) en 1942 y diseños de uniformes para las Girl Scouts of the USA y la Cruz Roja Americana en 1948.

El "New Look" de Dior (que se estrenó en 1947) revivió la popularidad de las fajas y las corselettes todo en uno. A principios de la década de 1950, muchas casas de alta costura utilizaron el interés por la "ropa de base" para lanzar sus propias líneas, poco después de que muchos fabricantes de lencería comenzaran a crear sus propias marcas. En 1957, Jane Russell usó el sostén "Cantilever" que fue diseñado científicamente por Howard Hughes para maximizar una apariencia voluptuosa. La invención de Lycra (originalmente llamada "Fibra K") en 1959 revolucionó la industria de la ropa interior y se incorporó rápidamente a todos los aspectos de la lencería.

Después de la guerra, el look estadounidense (que consistía en hombros anchos, corbatas florales, pantalones de pierna recta y camisas con cuellos largos en punta, que a menudo se usaban colgando en lugar de por dentro) se volvió muy popular entre los hombres en Europa. Ciertos fabricantes de Londres marcaron el comienzo de un renacimiento de la elegancia eduardiana en la moda masculina, adoptando un estilo retro ceñido que pretendía atraer a los tradicionalistas. Este look, originalmente dirigido al joven respetable de la ciudad, se convirtió en moda popular como el estilo Teddy boy. El look italiano, popularizado por Caraceni, Brioni y Cifonelli, fue retomado por toda una generación de jóvenes amantes elegantes, a ambos lados del Atlántico. La tela escocesa era muy común en la moda masculina de la década de 1950, tanto para camisas como para trajes, junto con el corte de pelo "cola de pato",

Durante la segunda mitad de la década de 1950, hubo un movimiento general hacia la ropa menos formal, especialmente entre la moda masculina. El sombrero fedora y Homburg, así como las gabardinas, desaparecieron del uso generalizado (esta tendencia ya había comenzado algunos años antes en la costa oeste más informal de los EE. UU.) después de haber sido parte estándar de la moda masculina desde la década de 1920.

Los diseñadores de Hollywood crearon un tipo particular de glamour para las estrellas del cine estadounidense, y los atuendos usados ​​por artistas como Marilyn Monroe, Lauren Bacall o Grace Kelly fueron ampliamente copiados. Cuantitativamente hablando, un traje usado por una actriz en una película de Hollywood tendría una audiencia mucho mayor que la fotografía de un vestido diseñado por un modisto ilustrado en una revista leída por no más de unos pocos miles de personas. Sin siquiera tratar de hacer un seguimiento de todos los estilos de París, sus diseñadores de vestuario se centraron en su propia versión del clasicismo, que pretendía ser atemporal, halagador y fotogénico. Usando materiales aparentemente lujosos, como lentejuelas, gasa y pieles, la ropa se cortó de manera muy simple, a menudo incluyendo algún detalle memorable. como un escote en la espalda de un vestido que solo se reveló cuando la actriz le dio la espalda a la cámara o algún accesorio particularmente impactante. Los diseñadores más influyentes y respetados de Hollywood desde la década de 1930 hasta la de 1950 fueron Edith Head, Orry-Kelly, William Travilla, Jean Louis, Travis Banton y Gilbert Adrian. La vestimenta cotidiana de las mujeres durante la década consistía en abrigos largos, sombreros con pequeños velos y guantes de cuero. Vestidos hasta la rodilla combinados con collares de perlas, que se hicieron instantáneamente populares por la Primera Dama Mamie Eisenhower. El cabello corto con permanente era el peinado estándar de las mujeres de la época. y Gilbert Adrián. La vestimenta cotidiana de las mujeres durante la década consistía en abrigos largos, sombreros con pequeños velos y guantes de cuero. Vestidos hasta la rodilla combinados con collares de perlas, que se hicieron instantáneamente populares por la Primera Dama Mamie Eisenhower. El cabello corto con permanente era el peinado estándar de las mujeres de la época. y Gilbert Adrián. La vestimenta cotidiana de las mujeres durante la década consistía en abrigos largos, sombreros con pequeños velos y guantes de cuero. Vestidos hasta la rodilla combinados con collares de perlas, que se hicieron instantáneamente populares por la Primera Dama Mamie Eisenhower. El cabello corto con permanente era el peinado estándar de las mujeres de la época.

A finales de la década, la ropa prefabricada en serie se había vuelto mucho más popular que en el pasado, lo que le otorgaba al público en general un acceso sin precedentes a los estilos de moda.

1960

Hasta la década de 1960, París era considerada el centro de la moda en todo el mundo. Sin embargo, entre 1960 y 1969 se produjo un cambio radical en la estructura fundamental de la moda. A partir de la década de 1960, nunca habrá una sola tendencia o moda imperante, sino una gran plétora de posibilidades, indisolublemente unidas a todas las diversas influencias en otros ámbitos de la vida de las personas. La prosperidad y el surgimiento de una cultura adolescente distinta, combinados con el movimiento de contracultura, tendrían efectos importantes en la moda.

Después de 30 años de estilos de ropa conservadores, los años 60 vieron una especie de regreso a la década de 1920 cuando las mujeres volvieron a adoptar un aspecto infantil con cortes de pelo bob y ropa progresivamente menos modesta. A principios de la década, las faldas llegaban hasta la rodilla, pero se hicieron cada vez más y más cortas hasta que surgió la minifalda en 1965. A finales de la década, se habían disparado muy por encima de las medias, lo que hizo inevitable la transición a las mallas.

Muchos de los cambios radicales en la moda se desarrollaron en las calles de Londres, con diseñadores tan talentosos como Mary Quant (conocida por lanzar la minifalda) y Barbara Hulanicki (la fundadora de la legendaria boutique Biba). París también tuvo su parte de diseñadores nuevos y revolucionarios, incluidos Pierre Cardin (conocido por sus diseños visionarios y hábilmente cortados), André Courrèges (conocido por sus atuendos futuristas y por lanzar la minifalda junto con Mary Quant), Yves Saint Laurent (conocido por su moda revolucionaria pero elegante), y Emanuel Ungaro (conocido por su uso imaginativo del color y los contrastes barrocos audaces). En Estados Unidos, Rudi Gernreich (conocido por sus diseños vanguardistas y futuristas) y James Galanos (conocido por su lujoso prêt-à-porter) también llegaban al público joven. Los puntos de venta principales para estos nuevos jóvenes diseñadores de moda eran pequeñas boutiques que vendían prendas que no eran exactamente "únicas", sino que se fabricaban en pequeñas cantidades en una gama limitada de tallas y colores. Sin embargo, no todos los diseñadores aceptaron bien el nuevo estilo y estado de ánimo. En 1965, Coco Chanel montó una acción de retaguardia contra la exposición de la rodilla y Balenciaga continuó con determinación produciendo diseños femeninos y conservadores.

La forma básica y el estilo de la época eran simples, limpios, elegantes y coloridos. Los sombreros ya habían comenzado su declive en la década anterior y ahora estaban casi completamente extintos excepto para ocasiones especiales. Los tacones bajos eran un bonito sustituto de los tacones de aguja. Los dedos puntiagudos dieron paso a los dedos en forma de cincel en 1961 y a los de punta almendrada en 1963. Las botas planas también se hicieron populares con los vestidos muy cortos en 1965 y, finalmente, subieron por la pierna y llegaron hasta la rodilla.

Los años 60 vieron por primera vez una variedad generalizada de peinados populares, incluidos bobs, cortes de paje y colmenas.

Dos diseñadores notables e influyentes en la década de 1960 fueron Emilio Pucci y Paco Rabanne. Los diseños y estampados de ropa deportiva de Emilio Pucci inspirados en el arte óptico, la psicodelia y los estandartes heráldicos medievales le ganaron una reputación que se extendió mucho más allá de los círculos de la alta sociedad. Sus elegantes vestidos rectos, túnicas y ropa de playa crearon una 'Puccimanía' que formaba parte de un movimiento para liberar la forma femenina y sus diseños son hoy sinónimo de la década de 1960. Francisco Rabaneda Cuervo (más tarde Paco Rabanne) abrió su primera casa de alta costura en 1966 y, desde el principio, produjo diseños decididamente modernos. En lugar de usar materiales de vestimenta convencionales, creó prendas de aluminio, Rhodoid y piezas de chatarra. Sus diseños, además de ser experimentales, también estaban muy en sintonía con lo que las jóvenes aventureras modernas querían usar. Entre sus innovaciones se encuentran el vestido sin costuras hecho, después de muchos experimentos, rociando cloruro de vinilo en un molde, y el vestido desechable de bajo presupuesto hecho de papel e hilo de nailon. Rabanne también fue el primer diseñador de moda en usar modelos negros, lo que casi resultó en su despido de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne. El éxito de su perfume Calandre ayudó a respaldar las áreas menos rentables de su trabajo, mientras que su utopismo le aseguró una posición única en el conservador mundo de la alta costura. que casi resultó en su despido de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne. El éxito de su perfume Calandre ayudó a respaldar las áreas menos rentables de su trabajo, mientras que su utopismo le aseguró una posición única en el conservador mundo de la alta costura. que casi resultó en su despido de la Chambre Syndicale de la Couture Parisienne. El éxito de su perfume Calandre ayudó a respaldar las áreas menos rentables de su trabajo, mientras que su utopismo le aseguró una posición única en el conservador mundo de la alta costura.

El principal cambio en la moda masculina en la década de 1960 estuvo en el peso de la tela utilizada. La elección de los materiales y el método de fabricación dieron como resultado un traje que, al ser más ligero, tenía un aspecto totalmente diferente, con una línea más cercana a la forma natural del cuerpo, lo que provocaba que los hombres miraran sus figuras con más ojo.. La difusión de los vaqueros sirvió para acelerar un cambio radical en el vestuario masculino. Los jóvenes se dejaban el pelo hasta el cuello y añadían un toque de color, e incluso motivos florales, a sus camisas. El cuello de polo nunca logró reemplazar a la corbata, pero la adopción de la chaqueta de obrero en pana rugosa, y especialmente la chaqueta mao, resultó ser más que una simple declaración política. Pierre Cardin y Andre Courrèges desencadenaron algunos rumores futuristas,

A principios de la década de 1960, hubo "asociaciones" influyentes de celebridades y diseñadores de alta costura, siendo las más famosas Audrey Hepburn con Givenchy y Jackie Kennedy con Oleg Cassini. Además, muchos modelos tuvieron un efecto muy profundo en la moda, sobre todo Twiggy, Veruschka, Jean Shrimpton. A principios de la década, los culottes estaban de moda y el bikini finalmente se puso de moda en 1963. Los movimientos hippie y psicodélicos de finales de la década también tuvieron una fuerte influencia en los estilos de ropa, incluidos los jeans acampanados (diseñados por el sastre inglés Tommy Nutter, de su tienda Savoy), tejidos tie-dye y batik, así como estampados paisley.

1970

Apodada la década del 'yo'; 'complacerse a sí mismo' fue el eslogan de la década de 1970. Algunos lo vieron como el fin del buen gusto. La década comenzó con una continuación del estilo hippie de finales de la década de 1960, con caftanes, bufandas indias y túnicas con estampado floral. Los jeans permanecieron deshilachados y acampanados, el teñido anudado seguía siendo popular y la moda unisex se multiplicó. Un inmenso movimiento que reivindicaba los derechos civiles de los negros combinado con la influencia de la música soul de los EE. UU. creó una nostalgia por África y la cultura africana. Surgió una elegancia radical, influenciada por James Brown, Diana Ross, Angela Davis y los Black Panthers, en todo, desde peinados afro hasta suelas de plataforma. Durante la década de 1970, las marcas aumentaron considerablemente su participación en el mercado internacional. Los dobladillos comenzaron a caer en 1974 por debajo de la rodilla hasta que finalmente llegaron a la parte inferior de la pantorrilla en 1977 y las líneas de los hombros se redujeron. Después de 1975, la moda pasó a estar dominada por el "look disco", que incluía cortes de pelo con plumas para las mujeres y, para los hombres, el traje informal de tres piezas. Los pantalones acampanados seguirían siendo populares durante toda la década.

Quizás los dos diseñadores de moda más innovadores de la década de 1970 en Francia fueron Kenzo Takada y Sonia Rykiel. La estrella indiscutible de la moda parisina en la década de 1970, Kenzo se inspiró en todo el mundo, mezclando influencias populares occidentales y orientales con una fantástica alegría de vivir y una comprensión instintiva de lo que querían sus jóvenes clientes. Con sus líneas fluidas, estampados inusuales, accesorios ingeniosos y galas que hasta ahora no tenían precedentes en el prêt-à-porter, puso patas arriba el mundo de la moda. La reina de los tejidos de punto que abrazan la figura, en 1974, Sonia Rykiel diseñó sus primeros jerséis con costuras invertidas. Sin embargo, más que eso, creó toda una gama de ropa que era extremadamente individual y, sin embargo, podía usarse en casi cualquier lugar. El estilo Rykiel, dominado por prendas fluidas de punto, negros oscuros, pedrería,

Debido al punk, Londres retuvo un grado considerable de influencia sobre la moda, más significativamente en las boutiques de King's Road, donde la boutique de Vivienne Westwood, SEX, que abrió sus puertas en 1971, soplaba con el viento predominante. Este templo de la iconoclasia británica se centró en complementos fetichistas y gamas de ropa en las que las tachuelas de caucho negro y acero eran los signos externos del sadismo subyacente. Postmodernista e iconoclasta en esencia, el movimiento punk fue una reacción directa a la situación económica durante la depresión económica del período, el vehículo de un odio que era más visceral que político. El punk tenía en su corazón un manifiesto de creación a través del desorden. Con sus camisetas rotas, peinados de nativos americanos, Doc Martens, pantalones bondage y cadenas,

Otro estilo británico popular fue el estilo de ropa rural, decididamente poco moderno, femenino y popularizado por Laura Ashley, que consistía en faldas largas con volantes y blusas de cuello alto con estampados florales tradicionales, que se usaban con chales de ganchillo. Laura Ashley comenzó a administrar una pequeña empresa en Gales a mediados de la década de 1960 y la compañía continuó expandiéndose hasta la muerte accidental de su propietario en 1985. Laura Ashley no fue la única diseñadora que miró con nostalgia al pasado. Las modas basadas en las décadas de 1920, 1930, 1940 y 1950 fueron populares durante gran parte de la década, con películas de Hollywood como El padrino y El gran Gatsby.y numerosas exposiciones sobre la historia del vestuario en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York aumentando su popularidad. En Japón, las boutiques del distrito de moda de Harajuku en Tokio vendieron muchas versiones reelaboradas de estilos tradicionales británicos y estadounidenses.

En los Estados Unidos, la tendencia general en la moda fue hacia la simplificación y las faldas más largas, aunque muchas mujeres reaccionaron negativamente al largo midi, que sintieron que envejecía. Los pantalones, por otro lado, obtuvieron la aprobación unánime. Los jeans se beneficiaron más al convertirse en una parte aceptada de la escena de la moda estadounidense en la década de 1970, y su nueva respetabilidad se derivó de su inclusión en colecciones bajo el título de ropa deportiva. Las nuevas estrellas del prêt-à-porter estadounidense adaptaron lo mejor de lo que aprendieron de Europa a la enorme industria de la confección estadounidense. Calvin Klein y Ralph Lauren surgieron del anonimato más o menos simultáneamente para abordar la cuestión de diseñar ropa para los hombres y mujeres de un nuevo mundo. Dos movimientos opuestos dominaron la moda en los EE. UU. durante la década de 1970. Por un lado, estaba el look a medida, unisex; por otro lado, un estilo fluido y desestructurado con un fuerte sentimiento del glamour de los años 30. El diseñador estadounidense más influyente de la época, Roy Halston Frowick (conocido simplemente como Halston), pertenecía a esta última categoría. Adquiriendo estatus de celebridad en la escena neoyorquina, su particular talento residía en conciliar la prenda a medida para la ocasión especial con conceptos de comodidad, naturalidad y relax. Con sus caftanes, camiseros, chilabas, vestidos rectos ultraligeros y túnicas sobre shorts y pantalones anchos, fue un ícono de la época y un visitante habitual de la sala VIP del Studio 54 después de su inauguración en 1977.. pertenecía a esta última categoría. Adquiriendo estatus de celebridad en la escena neoyorquina, su particular talento residía en conciliar la prenda a medida para la ocasión especial con conceptos de comodidad, naturalidad y relax. Con sus caftanes, camiseros, chilabas, vestidos rectos ultraligeros y túnicas sobre shorts y pantalones anchos, fue un ícono de la época y un visitante habitual de la sala VIP del Studio 54 después de su inauguración en 1977.. pertenecía a esta última categoría. Adquiriendo estatus de celebridad en la escena neoyorquina, su particular talento residía en conciliar la prenda a medida para la ocasión especial con conceptos de comodidad, naturalidad y relax. Con sus caftanes, camiseros, chilabas, vestidos rectos ultraligeros y túnicas sobre shorts y pantalones anchos, fue un ícono de la época y un visitante habitual de la sala VIP del Studio 54 después de su inauguración en 1977..

Geoffrey Beene, elogiado por sus cortes elegantes y sofisticados y su uso del blanco y negro, tuvo su mayor éxito en los diseños radicalmente simplificados en los que sobresalió. Sus elegantes vestidos pequeños y trajes bien cortados en jersey, franela y lana fueron fundamentales para disuadir a las mujeres estadounidenses de usar accesorios en exceso. Bill Blass, que lanzó su propia gama en 1962, desarrolló el hábito de viajar por todo Estados Unidos para escuchar por sí mismo lo que deseaban sus clientes. Uno de los diseñadores más populares de la época, tuvo casi demasiado éxito en cumplir los deseos de sus clientes. Su estilo disciplinado y mano de obra fueron particularmente favorecidos por las mujeres de negocios y las esposas de los altos ejecutivos. Betsey Johnson comenzó diseñando para la boutique Paraphernalia. Usando vinilos y telas metalizadas y poniendo énfasis en el ingenio,

En la moda popular, el estilo de ropa glam rock, usado por artistas de rock como David Bowie y Marc Bolan, fue muy influyente, particularmente en el Reino Unido. El diseñador Elio Fiorucci tenía un look muy similar. Su boutique en Milán vendía cosas como botas de goma de colores brillantes, sandalias de margaritas de plástico, piel sintética y chaquetas inspiradas en el arte pop.

Durante la década de 1970 surgió una nueva generación de boutiques de moda masculina, con el objetivo de cambiar la decoración, los rituales y la base de clientes de un comercio tradicionalmente "difícil". Vender ropa de moda a un joven a fines de la década de 1960 todavía equivalía, en muchos círculos, a cuestionar su masculinidad. La apariencia de los hombres cambió más en la década de 1970 que en todo un siglo. Muchos de los diseñadores de moda que revolucionaron el look masculino debieron muchas de sus innovaciones a Pierre Cardin: hombros estrechos, líneas ceñidas, sin corbata, sin entretela, monos con cremallera, chaquetas o túnicas a la cintura, a veces sin camisa. La ropa de trabajo sirvió de inspiración para un estilo menos formal, animando a los diseñadores a mirar más allá del traje tradicional y, por ejemplo, adoptar un look unisex o investigar la oferta masiva de ropa de segunda mano. A veces, este tipo de vestimenta masculina, a menudo denunciada como 'hippie', ganó reconocimiento formal como una mirada deliberada. En otros momentos, como parte de un movimiento retro, los diseñadores introdujeron un renacimiento de la elegancia de los años 30. El desenterramiento de ropa militar vieja, preferiblemente caqui y de los Estados Unidos; zapatos de estilo inglés; camisas Oxford; camisetas inmaculadas; chaquetas de tweed con hombros acolchados; suéteres con cuello en V de colores brillantes; las bufandas con estampado de cachemir que cubrían el cuello imponían cierta uniformidad en el look casual beatnik del guardarropa masculino a fines de la década de 1970. preferiblemente caqui y de Estados Unidos; zapatos de estilo inglés; camisas Oxford; camisetas inmaculadas; chaquetas de tweed con hombros acolchados; suéteres con cuello en V de colores brillantes; las bufandas con estampado de cachemir que cubrían el cuello imponían cierta uniformidad en el look casual beatnik del guardarropa masculino a fines de la década de 1970. preferiblemente caqui y de Estados Unidos; zapatos de estilo inglés; camisas Oxford; camisetas inmaculadas; chaquetas de tweed con hombros acolchados; suéteres con cuello en V de colores brillantes; las bufandas con estampado de cachemir que cubrían el cuello imponían cierta uniformidad en el look casual beatnik del guardarropa masculino a fines de la década de 1970.

También son significativos los desarrollos en la moda italiana que ocurrieron durante el período. En el transcurso de la década de 1970, como resultado de su industria de prêt-à-porter, Milán confirmó su condición de segundo después de París como centro de la moda internacional. La 'alta moda' prefirió Roma, sede de los modistos Valentino, Capucci y Schön. La capitalización de la tendencia dominante de la Italia anti-moda ofreció un glamour que no tenía nada que ver con los dictados de la alta costura parisina. Aunque se beneficiaba de un estilo claramente definido, la moda italiana era lujosa y fácil de llevar. Los dos diseñadores de moda italianos más influyentes de la época fueron probablemente Giorgio Armani y Nino Cerruti. Giorgio Armani produjo su primera colección para mujer en 1975. Desde el principio, la línea fue dinámica, urbana y discreta, de inspiración andrógina. Armani ofreció un estilo sobrio que atrajo mucho a la creciente población de mujeres que ahora tenían acceso al mundo laboral y ocupaban posiciones cada vez más importantes dentro de él. Este fue solo el comienzo de una gran carrera, que fructificó en 1981 cuando se lanzó Emporio Armani. En 1957 Nino Cerruti abrió la boutique de moda masculinaSicario en Milán. Hombre de gusto y discernimiento, en 1976 presentó su primera colección para mujer. Dos años más tarde, lanzó su primer perfume. Al vincular la carrera de un industrial exitoso con la de un diseñador de alta calidad, Cerruti ocupó una posición única en el prêt-à-porter italiano.

Finales del siglo XX

A finales del siglo XX, la moda comenzó a cruzar fronteras internacionales con rapidez. Los estilos occidentales populares se adoptaron en todo el mundo y muchos diseñadores de fuera de Occidente tuvieron un profundo impacto en la moda. Los materiales sintéticos como la lycra/spandex y la viscosa se volvieron ampliamente utilizados y la moda, después de dos décadas de mirar hacia el futuro, una vez más recurrió al pasado en busca de inspiración.

1980

La sociedad de los años 80 ya no se criticaba a sí misma como consumista, sino que se interesaba por 'el espectáculo'. La imagen tímida de la década fue muy buena para la industria de la moda, que nunca había estado tan a la moda. Los desfiles de moda se transfiguraron en espectáculos saturados de medios y televisados ​​con frecuencia, teniendo una alta prioridad en el calendario social. La apariencia estaba relacionada con el desempeño, que era de suma importancia para toda una generación de jóvenes profesionales urbanos, cuyo deseo de verse bien estaba relacionado con un ansia de poder. La forma en que hombres y mujeres se asociaban con los últimos estilos ya no era una cuestión de sumisión pasiva, pero la música disco cayó rápidamente en desgracia a medida que comenzaba la década, junto con sus estilos de ropa asociados. Para 1982, los últimos vestigios de la moda de los 70 habían desaparecido.

Durante la década de 1980, el mullet se convirtió en el corte de pelo estándar para hombres y las mujeres lucían permanentes grandes y cuadradas, aunque había muchas variaciones de ambos. Los monos se convirtieron en un elemento popular de la ropa femenina y en los hombres, las corbatas finas y las gafas de sol envolventes. También durante los años 80, los ejercicios aeróbicos estaban de moda, por lo que se pusieron de moda las mallas y cintas para la cabeza de Spandex.

Los dos diseñadores de moda franceses que mejor definieron el look de la época fueron un hombre y Azzedine Alaia. Fuertemente influenciado por su temprana carrera en el teatro, Thierry Mugler produjo diseños de moda que combinaban el retro y el futurismo de Hollywood, con caderas redondeadas, hombros marcadamente acentuados y un ligero toque de heroína galáctica. Los glamurosos vestidos de Mugler fueron un éxito notable y significaron el fin total de la era hippy y su silueta desestructurada. Conocido por sus impresionantes combinaciones, Azzedine Alaia influyó mucho en la silueta de la mujer de la década de 1980. Maestro de todo tipo de técnicas que antes solo se conocían en la alta costura, experimentó con muchos materiales nuevos e infrautilizados, como el spandex y la viscosa. El acabado, la sencillez y la pura sensualidad de Alaia'

También crearon diseños muy típicos de la época Claude Montana, cuyos imponentes diseños de hombros anchos, a menudo hechos de cuero, no habrían lucido fuera de lugar en el universo futurista de Thierry Mugler, y Christian Lacroix, quien envió ondas de choque a través de la mundo de la alta costura, con sus faldas de volantes, corseletes bordados, polisones y miriñaques de lunares que evocaban los ritmos del flamenco.

Una serie de recién llegados prometedores entraron en la escena de la moda en la década de 1980. Un extraordinario técnico que una vez trabajó para Patou, cautivó tanto a la prensa como a sus clientes con sus vestidos de 'pañuelo'. Confeccionados con cuadrados de tela, resultaban, cuando llegabas a ponértelos, mucho más complicados de lo que parecía al principio. Muchas veladas parisinas de la década de 1980 estuvieron animadas por sus vestidos, todos en un estilo fluido y original, en el que el corte y la costura se reducían al mínimo. Chantal Thomas, la reina de las medias sexys y el encaje, ganó seguidores devotos por su seductora ropa interior y sus vestidos de noche que parecían camisones y viceversa. Guy Paulin fue uno de los primeros diseñadores en promover una apariencia severa, sencilla y ordenada. Sus prendas eran clásicas en sus proporciones y hechas para la comodidad y la sencillez, con sus líneas armoniosas reforzadas por una sutil paleta de colores y materiales nobles. Bajo su propio nombre, Joseph diseñó lujosas prendas de punto con líneas clásicas, creando prendas sueltas y sexys en colores neutros. Carolina Herrera, considerada durante mucho tiempo como uno de los miembros más elegantes de la jet set, lanzó en 1981 una serie de colecciones dirigidas a mujeres como ella, con prendas de corte impecable de alta calidad y atractivos vestidos de noche.

Diseñadores japoneses como Rei Kawakubo y Yohji Yamamoto ofrecieron un look que marcaba una ruptura total con la imagen de moda imperante en la época. Zapatos planos, sin maquillaje, reserva, modestia y secretismo fueron las señas de identidad de este look moderno. Eventualmente, comenzó a incluir detalles de las modas del pasado, ya que estos anarquistas de la moda volvieron a visitar los sitios antiguos de Europa, cuya influencia en la forma de la ropa, a fines del siglo XX, se volvió legendaria.

En la moda estadounidense, el estilo seductor y pegajoso de Donna Karan y la sofisticación casual de Ralph Lauren fueron muy influyentes. Una estrella de la escena social de Nueva York, Donna Karan aportó un enfoque muy personal y femenino al look casual severo, de colores sobrios que dominaba el prêt-à-porter estadounidense. Estableciendo su propia marca en 1984, sus diseños ganaron popularidad instantánea entre las mujeres urbanas activas que apreciaban mucho el lujo discreto de su ropa. En 1971, Ralph Lauren abrió una boutique para hombres y mujeres en Beverly Hills. Su estilo aristocrático a precios que el estadounidense promedio podía pagar causó sensación. Para una élite enfrentada a todo tipo de modas vanguardistas, representó un punto de encuentro, refrendando un look clásico que había sido adoptado para una vida activa. El número uno de prêt-à-porter americano,

La marca Perry Ellis, establecida en 1978, fue fundamental para el éxito de una nueva ola de ropa deportiva estadounidense, que utilizó color y fibras naturales con gran ventaja en sus elegantes variaciones de los básicos. Norma Kamali, con sus faldas cortas hechas de sudaderas, leotardos, cintas para la cabeza y calentadores de piernas, puso de moda el jogging. Kamali también creó la popular 'falda rah-rah'. También es notable la extrema popularidad de la marca deportiva Adidas, que alcanzó un increíble nivel de credibilidad callejera en la década de 1980, incitando al grupo de hip hop Run DMC a lanzar el sencillo 'My Adidas' en 1986. El legendario diseñador de calzado Manolo Blahnik también ascendió a la fama durante la década de 1980.

La multiplicidad de tendencias que florecieron durante la década de los 80 fue restringida por la recesión económica que se desató a principios de la década de los 90, destruyendo en gran medida el estado de ánimo optimista que es tan ventajoso para la industria de la moda.

1990

En la década de 1990, ya no era costumbre seguir la moda servilmente, un marcado contraste con las décadas de 1970 y 1980, muy a la mode. La fobia a estar mal vestido finalmente fue completamente desplazada por el miedo a vestirse demasiado. La moda en la década de 1990 se unió en torno a un nuevo estándar, el minimalismo y los estilos de absoluta simplicidad se pusieron de moda. A pesar de los mejores esfuerzos de algunos diseñadores para mantener ondeando la bandera de los vestidos bonitos, a finales de la década la noción de gala ostentosa prácticamente había desaparecido. Además del estilo del producto, su promoción en los medios se volvió crucial para su éxito e imagen. Las presiones financieras de la década tuvieron un efecto devastador en el desarrollo de nuevos talentos y disminuyeron la autonomía de la que disfrutaban los diseñadores más establecidos.

La moda de finales del siglo XX abordó temas que la moda no había abordado anteriormente. Estos temas incluían violación, discapacidad, violencia religiosa, muerte y modificación corporal. Hubo un alejamiento dramático de los estilos sexy dirigidos a la glamorosa mujer fatal de la década de 1980, y muchos diseñadores, tomados por una visión de pobreza romántica, adoptaron el estilo de la niña abandonada azotada por la pobreza, vestida con una paleta severa y perversamente sobria., con el rostro desmaquillado. La ropa de minoristas de prêt-à-porter como The Gap, Banana Republic y Eddie Bauer pasó a la vanguardia de la moda, logrando aprovechar las necesidades de las mujeres que simplemente querían ropa cómoda y ponible. La ropa retro inspirada en las décadas de 1960 y 1970 fue popular durante gran parte de la década de 1990.

La famosa casa de moda italiana, Gucci, fue creada en 1921 por Guccio Gucci y originalmente era una firma que vendía artículos de cuero de lujo. Bajo los hijos de Guccio Gucci, a fines de la década de 1960, la etiqueta se había expandido para incluir una plétora de productos con un glamour claramente latino. Sin embargo, solo en la década de 1990, cuando los herederos de Gucci cedieron el control de la empresa a Invest Corp., que planeaba cambiar el rumbo del negocio, comenzó realmente a disfrutar del tipo de éxito que disfruta en la actualidad. Empleando a un diseñador desconocido, Tom Ford, como director de diseño en 1994, la casa de moda fue dotada de gran prestigio, ya que Ford provocó una ola gigante con sus colecciones elegantes e impactantes, perfumes para hombres y mujeres, boutiques renovadas y campañas publicitarias. En 1998 Gucci es nombrada "Empresa Europea del año"Hoy en día es la segunda marca de moda más vendida (después de LVMH) en todo el mundo con ingresos de 7.000 millones de dólares estadounidenses en todo el mundo en 2006 según la revista BusinessWeek.

En la década de 1990, la marca de diseño Prada se convirtió en una verdadera fuerza creativa en la industria de la moda. La empresa milanesa se estableció por primera vez en 1923, dos años después de Gucci, y al igual que Gucci, era una firma que vendía zapatos y cuero de alta calidad. Fue hasta la década de 1980 que Miuccia Prada, la sobrina del fundador de la compañía, comenzó a producir moda prêt-à-porter, ganando fama por su estilo sutil, aerodinámico pero indiscutiblemente lujoso, que atendía a la mujer joven privilegiada que prefiere la discreción a la extravagancia extravagante.

En Estados Unidos, tres de los diseñadores de moda más influyentes de la época fueron Michael Kors, Marc Jacobs y Calvin Klein. Michael Kors montó su propio negocio en 1980. Sin embargo, no fue hasta la década de 1990 cuando el diseñador alcanzó la cima de su popularidad. Su conocimiento y conciencia de las tendencias le permitieron producir prendas sencillas de buen corte, cuya sofisticación y elegancia atrajeron a toda una nueva generación de clientes estadounidenses adinerados atraídos por la nueva moda de la elegancia minimalista. Marc Jacobs es uno de los diseñadores estadounidenses más notables de la época porque, a diferencia de muchos diseñadores de moda estadounidenses del pasado, no era tanto el coordinador de una prenda producida en masa como un diseñador en el sentido europeo de la palabra.. Uno de los talentos más prometedores de la industria de la moda en ese momento, el grupo LVMH (Louis Vuitton-Moet Henessy) le ofreció el trabajo de diseñar una línea de prêt-à-porter para complementar los productos de lujo del especialista en equipaje Louis Vuitton a fines de la década de 1990. Uno de los primeros diseñadores de moda en anticipar la globalización de los mercados mundiales, el ya conocido diseñador Calvin Klein comenzó a comercializar sus modas, perfumes y accesorios no solo en los EE. UU. sino también en Europa y Asia, logrando un éxito sin igual. Klein, un brillante director artístico, usó anuncios cuidadosamente construidos que contenían imágenes teñidas de erotismo para promover sus diseños sofisticados y funcionales producidos en masa, que ganaron una enorme popularidad entre la juventud urbana de la década de 1990. Uno de los primeros diseñadores de moda en anticipar la globalización de los mercados mundiales, el ya conocido diseñador Calvin Klein comenzó a comercializar sus modas, perfumes y accesorios no solo en los EE. UU. sino también en Europa y Asia, logrando un éxito sin igual. Klein, un brillante director artístico, usó anuncios cuidadosamente construidos que contenían imágenes teñidas de erotismo para promover sus diseños sofisticados y funcionales producidos en masa, que ganaron una enorme popularidad entre la juventud urbana de la década de 1990. Uno de los primeros diseñadores de moda en anticipar la globalización de los mercados mundiales, el ya conocido diseñador Calvin Klein comenzó a comercializar sus modas, perfumes y accesorios no solo en los EE. UU. sino también en Europa y Asia, logrando un éxito sin igual. Klein, un brillante director artístico, usó anuncios cuidadosamente construidos que contenían imágenes teñidas de erotismo para promover sus diseños sofisticados y funcionales producidos en masa, que ganaron una enorme popularidad entre la juventud urbana de la década de 1990.

El grupo de diseñadores conocido como los 'Seis de Amberes' (llamados así porque todos ellos eran graduados de la Real Academia de Bellas Artes de Amberes), que surgió por primera vez en la década de 1980, saltó a la fama en la década de 1990. Tres de los más influyentes del grupo fueron Ann Demeulemeester, Dries van Noten y Walter Van Beirendonck. Ann Demeulemeester, desde su primera colección en 1991, demostró mucha confianza e inventiva. Naturalmente inclinada a la subestimación, construyó sus diseños sobre las contradicciones, introduciendo elementos contrastantes en sus modas fluidas y aerodinámicas, que atraían a las mujeres que vestían, sobre todo, para complacerse a sí mismas. El trabajo de Dries van Noten se basaba en un sólido dominio del arte de la sastrería, al que la joven diseñadora añadía discretos toques de fantasía en un estilo muy personal. Consiguiendo ser a la vez clásica y original, sus modas atrajeron a aquellos que preferían expresar su individualidad en lugar de seguir servilmente las tendencias. Walter Van Beirendonck, que irrumpió en la escena de la moda en 1995, produjo diseños decididamente futuristas bajo su marca W & LT (Wild and Lethal Trash). Utilizando deliberadamente tejidos desarrollados por las últimas tecnologías, en colores que contrastan violentamente, produjo prendas llenas de referencias eróticas y sadomasoquistas, tocadas con un humor adolescente cáustico. Su enfoque tan distintivo se relaciona con un resurgimiento de la antimoda, pero esta vez una antimoda sin nada étnico en sus orígenes, sino basada en la ciencia ficción que proporcionó la inspiración para exhibiciones de provocación tan animada. su moda atrajo a aquellos que preferían expresar su individualidad en lugar de seguir servilmente las tendencias. Walter Van Beirendonck, que irrumpió en la escena de la moda en 1995, produjo diseños decididamente futuristas bajo su marca W & LT (Wild and Lethal Trash). Utilizando deliberadamente tejidos desarrollados por las últimas tecnologías, en colores que contrastan violentamente, produjo prendas llenas de referencias eróticas y sadomasoquistas, tocadas con un humor adolescente cáustico. Su enfoque tan distintivo se relaciona con un resurgimiento de la antimoda, pero esta vez una antimoda sin nada étnico en sus orígenes, sino basada en la ciencia ficción que proporcionó la inspiración para exhibiciones de provocación tan animada. su moda atrajo a aquellos que preferían expresar su individualidad en lugar de seguir servilmente las tendencias. Walter Van Beirendonck, que irrumpió en la escena de la moda en 1995, produjo diseños decididamente futuristas bajo su marca W & LT (Wild and Lethal Trash). Utilizando deliberadamente tejidos desarrollados por las últimas tecnologías, en colores que contrastan violentamente, produjo prendas llenas de referencias eróticas y sadomasoquistas, tocadas con un humor adolescente cáustico. Su enfoque tan distintivo se relaciona con un resurgimiento de la antimoda, pero esta vez una antimoda sin nada étnico en sus orígenes, sino basada en la ciencia ficción que proporcionó la inspiración para exhibiciones de provocación tan animada. quien irrumpió en la escena de la moda en 1995, produjo diseños decididamente futuristas bajo su marca W & LT (Wild and Lethal Trash). Utilizando deliberadamente tejidos desarrollados por las últimas tecnologías, en colores que contrastan violentamente, produjo prendas llenas de referencias eróticas y sadomasoquistas, tocadas con un humor adolescente cáustico. Su enfoque tan distintivo se relaciona con un resurgimiento de la antimoda, pero esta vez una antimoda sin nada étnico en sus orígenes, sino basada en la ciencia ficción que proporcionó la inspiración para exhibiciones de provocación tan animada. quien irrumpió en la escena de la moda en 1995, produjo diseños decididamente futuristas bajo su marca W & LT (Wild and Lethal Trash). Utilizando deliberadamente tejidos desarrollados por las últimas tecnologías, en colores que contrastan violentamente, produjo prendas llenas de referencias eróticas y sadomasoquistas, tocadas con un humor adolescente cáustico. Su enfoque tan distintivo se relaciona con un resurgimiento de la antimoda, pero esta vez una antimoda sin nada étnico en sus orígenes, sino basada en la ciencia ficción que proporcionó la inspiración para exhibiciones de provocación tan animada. produjo prendas llenas de referencias eróticas y sadomasoquistas, tocadas con un humor adolescente cáustico. Su enfoque tan distintivo se relaciona con un resurgimiento de la antimoda, pero esta vez una antimoda sin nada étnico en sus orígenes, sino basada en la ciencia ficción que proporcionó la inspiración para exhibiciones de provocación tan animada. produjo prendas llenas de referencias eróticas y sadomasoquistas, tocadas con un humor adolescente cáustico. Su enfoque tan distintivo se relaciona con un resurgimiento de la antimoda, pero esta vez una antimoda sin nada étnico en sus orígenes, sino basada en la ciencia ficción que proporcionó la inspiración para exhibiciones de provocación tan animada.

En Italia, Gianni Versace, con sus diseños brillantes, sexys y coloridos, y Dolce & Gabbana, con su estilo superfemenino y fantástico, rompieron con la moda seria y sobria que dominó durante gran parte de la década de 1990. La diseñadora británica Vivienne Westwood produjo muchas colecciones influyentes y populares a principios de la década de 1990, que incluían atuendos inspirados en las cortesanas del siglo XVIII y el marqués de Sade, con caderas redondeadas, corsés y tacones de plataforma. El diseñador londinense Rifat Ozbek también fue popular, particularmente en Nueva York y Milán. Su estilo juvenil, que mezclaba referencias a la India, África y su Turquía natal con inteligentes tomas de ropa histórica, recordaba a los clubes nocturnos más modernos y a la moda callejera más escandalosa de la época. La música rap fue una influencia destacada en la moda popular y callejera a principios y mediados de la década de 1990. Los seguidores del hip hop adoptaron enormes jeans holgados, similares a los que se usan en las prisiones estadounidenses, con grandes camisas estampadas y pesados ​​zapatos negros. La marca deportiva Nike tenía una gran popularidad y materiales como la lycra/spandex se usaban cada vez más para la ropa deportiva. El aumento de la conciencia ecológica y los derechos de los animales hizo que incluso las mejores casas de alta costura como Chanel introdujeran pieles sintéticas y fibras naturales en sus colecciones.