Historia del ballet

Ballet es una forma formalizada de danza con sus orígenes en las cortes renacentistas italianas de los siglos XV y XVI. El ballet se extendió de Italia a Francia con la ayuda de Catalina de Médicis, donde el ballet se desarrolló aún más bajo su influencia aristocrática. Un ejemplo temprano del desarrollo del ballet de Catalina es a través de 'Le Paradis d'Amour', una obra presentada en la boda de su hija, Marguerite de Valois, con Enrique de Navarra. El dinero aristocrático fue responsable de las etapas iniciales de desarrollo del 'ballet de la corte', ya que fue el dinero real el que dictó las ideas, la literatura y la música utilizadas en los ballets que se crearon principalmente para entretener a los aristócratas de la época. El primer 'ballet de la corte' formal jamás reconocido se representó en 1573, 'Ballet des Polonais'. En una verdadera forma de entretenimiento real, Catalina de Médici encargó el 'Ballet des Polonais' para honrar a los embajadores polacos que visitaban París tras la ascensión de Enrique de Anjou al trono de Polonia. En 1581, Catalina de Médicis encargó otro ballet de la corte,Ballet Comique de la Reine, sin embargo fue su compatriota, Balthasar de Beaujoyeulx, quien organizó el ballet. Catherine de' Medici y Balthasar de Beaujoyeulx fueron los responsables de presentar el primer ballet de la corte que aplicó los principios de la Academie de Baif, integrando poesía, danza, música y escenografía para transmitir una historia dramática unificada. Además, la organización temprana y el desarrollo del 'ballet de la corte' fueron financiados, influenciados y producidos por los aristócratas de la época, satisfaciendo tanto sus necesidades de entretenimiento personal como de propaganda política.

A finales del siglo XVII, Luis XIV fundó la Académie Royale de Musique (la Ópera de París) dentro de la cual surgió la primera compañía de ballet teatral profesional, el Ballet de la Ópera de París. El predominio del francés en el vocabulario del ballet refleja esta historia. El ballet teatral pronto se convirtió en una forma de arte independiente, aunque todavía mantenía con frecuencia una estrecha asociación con la ópera, y se extendió desde el corazón de Europa a otras naciones. El Royal Danish Ballet y el Imperial Ballet of the Russian Empire se fundaron en la década de 1740 y comenzaron a florecer, especialmente después de 1850. En 1907, el ballet ruso a su vez regresó a Francia, donde los Ballets Russes de Sergei Diaghilev y sus sucesores se establecieron. particularmente influyente. Pronto el ballet se extendió por todo el mundo con la formación de nuevas compañías, incluida la de Londres.

En el siglo XX, los estilos de ballet continuaron desarrollándose e influyeron fuertemente en la danza de concierto más amplia, por ejemplo, en los Estados Unidos, el coreógrafo George Balanchine desarrolló lo que ahora se conoce como ballet neoclásico, los desarrollos posteriores han incluido el ballet contemporáneo y el ballet postestructural, por ejemplo. visto en el trabajo de William Forsythe en Alemania.

La etimología de la palabra "ballet" refleja su historia. La palabra ballet proviene del francés y se tomó prestada al inglés alrededor del siglo XVII. La palabra francesa a su vez tiene su origen en el italiano balletto, un diminutivo de ballo (baile). En última instancia, el ballet se remonta al italiano ballare, que significa "bailar".

Orígenes

Renacimiento - Italia y Francia

El ballet se originó en la corte del Renacimiento como una consecuencia de la pompa de la corte en Italia, donde las bodas aristocráticas eran celebraciones lujosas. Aún no se usaban tutús, zapatillas de ballet y puntas. La coreografía fue adaptada de pasos de baile de la corte. Los artistas vestidos a la moda de la época. Para las mujeres eso significaba vestidos formales que cubrían sus piernas hasta los tobillos. Los primeros ballets eran participativos, y el público se unía al baile hacia el final.

Domenico da Piacenza (c. 1400–c. 1470) fue uno de los primeros maestros de danza. Junto con sus alumnos, Antonio Cornazzano y Guglielmo Ebreo da Pesaro, se formó en danza y se encargó de enseñar el arte a los nobles. Da Piacenza dejó una obra: De arte saltandi et choreus ducendi (Sobre el arte de bailar y dirigir bailes), que fue elaborado por sus alumnos.

En 1489, Galeazzo, duque de Milán, se casó con Isabel de Aragón en Tortona. El maestro de danza italiano Bergonzio di Botta organizó un elaborado espectáculo de baile para las celebraciones. Los bailes estaban vinculados por una breve narración sobre Jasón y los argonautas, y cada uno correspondía a un plato diferente para la cena. Tristano Calco de Milán escribió sobre el evento, y se consideró tan impresionante que se organizaron muchos espectáculos similares en otros lugares.

El ballet fue moldeado aún más por el ballet de cour francés, que consistía en bailes sociales realizados por la nobleza junto con música, discurso, verso, canción, desfile, decoración y vestuario. Cuando Catalina de Médicis, una aristócrata italiana interesada en las artes, se casó con el heredero de la corona francesa Enrique II, trajo su entusiasmo por la danza a Francia y le brindó apoyo financiero. Los deslumbrantes entretenimientos de Catalina apoyaban los objetivos de la política de la corte y, por lo general, se organizaban en torno a temas mitológicos. El primer ballet de cour fue el Ballet de Polonais.Este Ballet se representó en 1573 con motivo de la visita del Embajador de Polonia. Fue coreografiado por Balthasar de Beaujoyeulx y contó con un baile de una hora de duración para dieciséis mujeres, cada una de las cuales representaba una provincia francesa. El Ballet Comique de la Reine (1581), que también fue coreografiado y dirigido por Balthasar de Beaujoyeulx, fue encargado por Luisa de Lorena, reina consorte del rey Enrique III, hijo de Catalina, para celebrar el matrimonio del favorito de Enrique, el duque de Joyeuse con Margarita de Lorena, hermana de la reina Luisa. El ballet duró más de cinco horas y fue bailado por veinticuatro bailarines: doce náyades y doce pajes.

En el mismo año, la publicación de Il Ballarino de Fabritio Caroso, un manual técnico sobre el baile de la corte, tanto de actuación como social, ayudó a establecer a Italia como un centro de desarrollo técnico del ballet.

Siglo XVII – Francia y la danza de la corte

El ballet se desarrolló como una forma de arte centrada en la actuación en Francia durante el reinado de Luis XIV, quien era un apasionado de la danza. Su interés por el ballet tenía motivaciones políticas. Estableció estrictas etiquetas sociales a través del baile y lo convirtió en uno de los elementos más cruciales en la vida social de la corte, ejerciendo autoridad sobre los nobles y reinando sobre el estado. Los iniciados de Louis llevaron al refinamiento y la perfección del baile social entre los aristócratas como una forma de mostrar la realeza, consolidando aún más el arte del ballet clásico con reglas y protocolos recién establecidos.

En 1661, Luis XIV, decidido a promover su ambición de controlar a los nobles y revertir el declive en los estándares de danza que comenzó en el siglo XVII, estableció la Académie Royale de Danse. Antes de eso, los aristócratas consideraban el baile, junto con la equitación y el entrenamiento militar como tres disciplinas principales para mostrar su nobleza. No obstante, la fundación de la Academia por parte de Louis desvió su atención de las artes militares a las funciones sociales de la corte, de la guerra al ballet, y endureció aún más las reglas a su alrededor.

Para expandir la influencia de la cultura francesa en toda Europa, Louis ordenó a Pierre Beauchamp, el maestro de danza personal del rey y compañero favorito en el ballet de cour en la década de 1650, que creara "una forma de hacer que la danza se entendiera en el papel". Beauchamp también fue nombrado Intendant des ballets du roi y en 1680 se convirtió en el director de la academia de danza, cargo que ocupó hasta 1687. Esta orden condujo a una intensa investigación en esta área por parte de muchos maestros de ballet, sin embargo, solo el sistema de notación de danza de Beauchamp obtuvo Reconocido. En su sistema codificó las cinco posiciones básicas de los pies en el ballet.Raoul Auger Feuillet, un maestro de ballet parisino, adoptó más tarde su sistema y publicó su obra en 1700. Su sistema de notación se hizo muy popular en Europa.

Feuillet concentró sus esfuerzos en el baile de mayor influencia en la corte, llamado "La belle danse", o también conocido como "El estilo noble francés". Este tipo de baile era popular en bailes o canchas con habilidades más exigentes. "Entrée grave", como una de las formas más altas de la belle danse, era típicamente interpretada por uno o dos hombres con movimientos graciosos y dignos, seguida de música lenta y elegante. En este momento, solo los hombres interpretaban la belle danse y entrée grave. Las mujeres actuaron en los ballets de la reina y otras ocasiones sociales, pero no en la tumba principal., ballets del rey, en las cortes o en los escenarios de París, no hasta la década de 1680. Durante este tiempo en particular, el hombre era considerado el campeón y maestro del arte, desplegando su danza masculina, digna y noble, la danza de un rey. Esto también estableció el modelo para el ballet clásico.

Los ballets de la corte tenían una larga historia de combinación de danza y etiqueta desde el Renacimiento, pero cuando se trataba de la belle danse, las etiquetas en el ballet alcanzaron un nivel completamente nuevo. Cada regla de etiqueta en las cortes de Louis se puso en gran detalle en la belle danse y uno ciertamente podía ver el estatus noble de los demás a través de sus bailes. Cinco posiciones de los cuerpos codificadas por Beauchamp, seguido por Feuillet, describían el cuerpo como una corte en miniatura, con la cabeza como punto central, coordinando sus miembros como el rey que gobierna su estado. Un bailarín que interprete a un noble genuino realizaría cinco posiciones diferentes que uno que interprete a un campesino o personajes de menor rango.La prueba de nobleza también se indicó mediante el uso de máscaras, maquillaje, disfraces, especialmente zapatos en la belle danse.

Jean-Baptiste Lully, un violinista, bailarín, coreógrafo y compositor italiano, que se unió a la corte de Luis XIV en 1652, desempeñó un papel importante en el establecimiento de la dirección general que seguiría el ballet durante el próximo siglo. Apoyado y admirado por el rey Luis XIV, Lully a menudo incluía al rey en sus ballets. El título de Rey Sol para el monarca francés se originó en el papel de Luis XIV en el Ballet de la Nuit de Lully (1653). Luis XIV, de catorce años, bailó cinco papeles en este ballet de 12 horas. Este ballet fue lujoso y presentó una escena en la que se quemó una parte de una casa, incluidas brujas, hombres lobo, gitanos, pastores, ladrones y las diosas Venus y Diana.Sin embargo, el tema principal del ballet no era la oscuridad y los terrores nocturnos, sino que se enfocaba en Louis, quien apareció al final como el Sol (el Dios Sol, Apolo), poniendo fin a la noche. La principal contribución de Lully al ballet fueron sus composiciones matizadas. Su comprensión del movimiento y la danza le permitió componer específicamente para ballet, con fraseos musicales que complementaban los movimientos físicos. Lully también colaboró ​​con el dramaturgo francés Molière. Juntos, tomaron un estilo de teatro italiano, la commedia dell'arte, y lo adaptaron a su trabajo para una audiencia francesa, creando la comédie-ballet. Entre sus mayores producciones, con Beauchamp como coreógrafo, se encuentra Le Bourgeois Gentilhomme (1670).

En 1669 Luis XIV fundó la Académie d'Opéra con Pierre Perrin como director. Luis XIV se retiró como bailarín en 1670, en gran parte debido al aumento excesivo de peso. Anteriormente, en 1661 había fundado una escuela, la Adaemie Royale de danse. Beauchamp fue el primer maestro de ballet de la Ópera y creó los bailes para la primera producción de la nueva compañía, Pomone, con música de Robert Cambert. Más tarde, después de la quiebra de Perrin, el rey restableció la Ópera como Académie royale de Musique y nombró a Lully como directora. Beauchamp fue uno de los principales coreógrafos. En esta posición, Lully, con su libretista Philippe Quinault, creó un nuevo género, la tragédie en musique, cada acto del cual presentaba undivertimento que era una escena de ballet en miniatura. En casi todas sus creaciones importantes, Jean-Baptiste Lully combinó la música y el teatro con elementos de la danza italiana y francesa. Su trabajo creó un legado que definiría el futuro del ballet.

Popularidad en toda Europa

La corte de Francia fue, en cierto modo, la principal fuente de cultura de moda para muchas otras cortes reales de Europa. Se imitaron estilos de entretenimiento, incluidos los ballets reales. Las cortes de España, Portugal, Polonia, Alemania y otros lugares se convirtieron en audiencias y participantes en los ballets. Además de Francia, Italia se convirtió en una influencia importante en la forma de arte, predominantemente Venecia.

Las compañías de ballet profesionales comenzaron a organizarse y realizar giras por Europa, actuando para audiencias aristocráticas. En Polonia, el rey Władysław IV Vasa (1633–1648) presentó producciones de ópera italiana, que incluyeron artistas de ballet en algunas escenas. Los famosos maestros de ballet europeos que trabajaron para la corte polaca incluyen a Jean Favier, Antoine Pitrot, Antonio Sacco y Francesco Caselli.

Siglo 18

Francia y el desarrollo como forma de arte

El siglo XVIII fue un período de avance en los estándares técnicos del ballet y el período en que el ballet se convirtió en una forma de arte dramático seria a la par de la ópera. Un elemento central de este avance fue la obra seminal de Jean-Georges Noverre, Lettres sur la danse et les ballets (1760), que se centró en desarrollar el ballet d'action, en el que los movimientos de los bailarines están diseñados para expresar el carácter y ayudar en la narrativa. Noverre creía que: el ballet debe ser técnico pero también conmover emocionalmente a la audiencia, las tramas deben estar unificadas, el escenario y la música deben apoyar la trama y estar unificados dentro de la historia, y la pantomima debe ser simple y comprensible.

Se hicieron reformas en la composición de ballet por compositores como Christoph Willibald Gluck. Finalmente, el ballet se dividió en tres técnicas formales sérieux, demi-caractère y comique. El ballet también comenzó a aparecer en las óperas como interludios llamados divertimentos.

Fuera de Francia

Venecia siguió siendo un centro de la danza en Europa, especialmente durante el Carnaval de Venecia, cuando bailarines y visitantes de todo el continente viajaban a la ciudad para un animado intercambio cultural. El Teatro San Benedetto de la ciudad se convirtió en un hito famoso en gran parte debido a los ballets que se representaban allí. Las técnicas de ballet italianas siguieron siendo la influencia dominante en gran parte del sur y este de Europa hasta que las técnicas rusas las suplantaron a principios del siglo XX.

Las representaciones de ballet se extendieron a Europa del Este durante el siglo XVIII, en áreas como Hungría, donde se llevaron a cabo en teatros privados en castillos aristocráticos. Se establecieron compañías profesionales que actuaron en toda Hungría y también realizaron giras por el extranjero. El Teatro Nacional de Budapest cumple cada vez más el papel de hogar para los bailarines.

Algunos de los principales bailarines de la época que actuaron en toda Europa fueron Louis Dupré, Charles Le Picque con Anna Binetti, Gaetano Vestris y Jean-Georges Noverre.

Siglo 19

La bailarina se convirtió en la artista de danza más popular de Europa en la primera mitad del siglo XIX, alejando gradualmente la atención del bailarín masculino. En muchas representaciones, los héroes del ballet eran interpretados por una mujer, como el Niño Principal en la pantomima.

La profesionalidad de las compañías de ballet se convirtió en el centro de atención de una nueva generación de maestros y bailarines de ballet. Viena fue una fuente importante de entrenadores de ballet influyentes. El primer maestro de ballet del Teatro Nacional y la Ópera Real de Hungría fue Frigyes Campilli, nacido en Viena, que trabajó en Budapest durante 40 años.

El siglo XIX fue un período de gran cambio social, que se reflejó en el ballet por un alejamiento de las sensibilidades aristocráticas que habían dominado períodos anteriores a través del ballet romántico. Bailarinas como Geneviève Gosselin, Marie Taglioni y Fanny Elssler experimentaron con nuevas técnicas como el trabajo de puntas que dieron protagonismo a la bailarina como figura escénica ideal. Taglioni era conocida como la "bailarina cristiana", ya que su imagen era ligera y pura (asociada con su papel de sílfide en La Sylphide). Fue entrenada principalmente por su padre, Filipo Taglioni. En 1834, Fanny Elssler llegó a la Ópera de París y se hizo conocida como la "Bailarina Pagana", por las fogosas cualidades de la Cachucha.baile que la hizo famosa. Los libretistas profesionales comenzaron a elaborar las historias en los ballets. Maestros como Carlo Blasis codificaron la técnica del ballet en la forma básica que todavía se usa hoy. La zapatilla de ballet con puntera en caja se inventó para apoyar el trabajo de puntas.

Movimiento romantico

El movimiento romántico en el arte, la literatura y el teatro fue una reacción contra las restricciones formales y la mecánica de la industrialización.[22] El espíritu de la época llevó a los coreógrafos a componer ballets románticos que parecían ligeros, aireados y libres, que actuarían como un contraste con la difusión de la ciencia reduccionista a través de muchos aspectos de la vida cotidiana que, en palabras de Edgar Allan Poe, "expulsaron a la hamadríade del bosque". Estos ballets "irreales" retrataban a las mujeres como frágiles seres sobrenaturales, criaturas etéreas que podían levantarse sin esfuerzo y casi parecían flotar en el aire. Las bailarinas comenzaron a usar disfraces con faldas sueltas de color pastel que dejaban al descubierto las espinillas. Las historias giraban en torno a espíritus folclóricos misteriosos. Un ejemplo de uno de esos ballets románticos es La Sylphide., uno de los ballets románticos más antiguos que se sigue representando en la actualidad.

Una cepa del movimiento romántico fue una nueva exploración del folclore y la cultura étnica tradicional. Esta influencia se vio en el surgimiento de la danza folclórica europea y las representaciones occidentales de los pueblos de África, Asia y Medio Oriente en los escenarios europeos. En los ballets de este período, los personajes no europeos a menudo se creaban como villanos o como divertimentos tontos para adaptarse a la comprensión orientalista occidental del mundo. La Ópera Nacional de Ucrania, un teatro de artes escénicas con una compañía de ópera residente, se estableció en Kiev en 1867. También incluía una pequeña compañía residente de bailarines de ballet, que realizaban principalmente bailes de estilo folclórico durante las producciones de ópera. En 1893, creció hasta convertirse en una compañía lo suficientemente grande como para organizar grandes ballets. Las danzas folclóricas y los ballets con historias ucranianas estuvieron entre las primeras producciones.

Muchas de las principales compañías europeas de ballet profesional que sobreviven en la actualidad se establecieron en nuevos teatros en las capitales de Europa a mediados y finales del siglo XIX, incluido el Ballet de Kiev, el Ballet Nacional Húngaro, el Ballet del Teatro Nacional (Praga) y el Ballet Estatal de Viena. (anteriormente el Ballet de la Ópera Estatal de Viena). Estos teatros solían combinar grandes compañías de ópera, teatro y ballet bajo el mismo techo. Los compositores, dramaturgos y coreógrafos pudieron entonces crear obras que aprovecharon la capacidad de colaboración entre estos grupos de actuación.

Rusia

Si bien Francia jugó un papel decisivo en el ballet temprano, otros países y culturas pronto adoptaron la forma de arte, sobre todo Rusia. Rusia tiene una reconocida tradición de ballet, y el ballet ruso ha tenido una gran importancia en su país a lo largo de la historia. Después de 1850, el ballet comenzó a decaer en París, pero floreció en Dinamarca y Rusia gracias a maestros como August Bournonville, Jules Perrot, Arthur Saint-Léon, Enrico Cecchetti y Marius Petipa. A fines del siglo XIX, el orientalismo estaba en boga. El colonialismo trajo conciencia de las culturas asiática y africana, pero distorsionadas con desinformación y fantasía. Oriente a menudo se percibía como un lugar lejano donde todo era posible, siempre que fuera lujoso, exótico y decadente. Petipa apeló al gusto popular con La hija del faraón (1862), y más tardeEl talismán (1889) y La bayadera (1877). Petipa es mejor recordado por sus colaboraciones con Tchaikovsky. Usó su música para la coreografía de El cascanueces (1892, aunque esto está abierto a cierto debate entre los historiadores), La bella durmiente (1890) y la reposición definitiva de El lago de los cisnes (1895, con Lev Ivanov). Todas estas obras fueron extraídas del folclore europeo.

El tutú clásico de las bailarinas, tal como se reconoce hoy en día, comenzó a aparecer en este momento. Consistía en una falda corta y rígida sostenida por capas de crinolina o tul que dejaban ver el acrobático trabajo de piernas, combinado con un amplio fuelle que servía para preservar el pudor.

Argentina

Las compañías de ballet de Europa comenzaron lucrativas giras por teatros en América del Norte, Central y del Sur a mediados del siglo XIX. El prestigioso Teatro Colón en Buenos Aires, Argentina, había recibido a artistas de ballet extranjeros en su escenario, con compañías de gira de Europa presentando ballets completos desde 1867. En la década de 1880, el Teatro Colón tenía su propia compañía de ballet profesional. Sin embargo, aún pasarían varias décadas antes de que la mayoría de los países fuera de Europa pudieran reclamar sus propias compañías de ballet profesionales.

Siglo xx y modernismo

Rusia y los Ballets Rusos

Sergei Diaghilev trajo el ballet completo de regreso a París cuando abrió su compañía, Ballets Russes. Estaba formado por bailarines de la comunidad de exiliados rusos en París después de la Revolución.

Diaghilev y el compositor Igor Stravinsky fusionaron sus talentos para dar vida al folclore ruso en El pájaro de fuego y Petrushka con coreografía de Fokine. Las siguientes comisiones coreográficas de Diaghilev fueron para Nijinsky. Su primer ballet fue L'apres-midi d'un Faune (La tarde de un fauno) con música de Debussy. Se destacó por sus formas bidimensionales y la falta de técnica de ballet. Causó controversia al representar al fauno frotándose el pañuelo de una de las doncellas sobre sí mismo, en una masturbación simulada. Sin embargo, la obra más controvertida de los Ballets Russes fue La consagración de la primavera., coreografiado por Nijinsky con música de Stravinsky. La música moderna del ballet, las pisadas de paloma y el tema del sacrificio humano sorprendieron tanto al público que se amotinaron.

Después de la “edad de oro” de Petipa, Michel Fokine comenzó su carrera en San Petersburgo pero se mudó a París y trabajó con Diaghilev y los Ballets Russes.

El ballet ruso continuó desarrollándose bajo el dominio soviético. Quedaba poco talento en el país después de la Revolución, pero fue suficiente para sembrar una nueva generación. Tras el estancamiento de la década de 1920, a mediados de la década de 1930 apareció en escena esa nueva generación de bailarines y coreógrafos. La perfección técnica y la precisión de la danza fueron promovidas (y exigidas) por Agrippina Vaganova, quien había sido instruida por Petipa y Cecchetti y dirigía la Academia de Ballet Vaganova, la escuela para preparar bailarines para el Ballet Kirov en San Petersburgo/Leningrado.

El ballet era popular entre el público. Tanto el Bolshoi con sede en Moscú como la compañía de ballet Kirov con sede en San Petersburgo (entonces Leningrado) estaban activas. La presión ideológica obligó a la creación de muchas piezas realistas socialistas, la mayoría de las cuales causaron poca impresión en el público y fueron eliminadas del repertorio de ambas compañías posteriormente.

Algunas piezas de esa época, sin embargo, fueron notables. Romeo y Julieta de Prokofiev y Lavrovsky es una obra maestra. Las llamas de París, si bien muestra todas las fallas del arte realista socialista, fue pionera en el uso activo del cuerpo de baile en la interpretación y requirió un virtuosismo sorprendente. La versión de ballet del poema de Pushkin, La fuente de Bakhchisarai con música de Boris Asafiev y coreografía de Rostislav Zakharov también fue un éxito.

El conocido ballet Cenicienta, para el cual Prokofiev proporcionó la música, también es producto del ballet soviético. Durante la era soviética, estas piezas eran en su mayoría desconocidas fuera de la Unión Soviética y más tarde fuera del Bloque del Este. Sin embargo, después del colapso de la Unión Soviética recibieron más reconocimiento.

Por ejemplo, el estreno norteamericano en 1999 de La fuente de Bakhchisarai del Kirov Ballet en Nueva York fue un gran éxito. La era soviética del Ballet Ruso puso mucho énfasis en la técnica, el virtuosismo y la fuerza. Exigió fuerza por lo general por encima de la norma de los bailarines occidentales contemporáneos. Al ver imágenes antiguas restauradas, uno solo puede maravillarse con el talento de sus primeras bailarinas como Galina Ulanova, Natalya Dudinskaya y Maya Plisetskaya y coreógrafos como Pyotr Gusev.

Las compañías rusas, particularmente después de la Segunda Guerra Mundial, participaron en múltiples giras por todo el mundo que revitalizaron el ballet en Occidente.

Maiden Tower escrito por Afrasiyab Badalbeyli es el primer ballet en el Oriente musulmán.

Estados Unidos

Tras el traslado de los Ballets Russes a Francia, el ballet comenzó a tener una influencia más amplia, particularmente en los Estados Unidos de América.

Desde París, luego de desacuerdos con Diaghilev, Fokine se fue a Suecia y luego a los Estados Unidos y se instaló en Nueva York. Diaghilev creía que el ballet tradicional ofrecía poco más que belleza y exhibición atlética. Para Fokine eso no fue suficiente. Además del virtuosismo técnico exigía dramatismo, expresión y autenticidad histórica. El coreógrafo debe investigar el período y el contexto cultural del escenario y rechazar el tutú tradicional en favor de un vestuario de época preciso.

Fokine coreografió Sheherazade y Cleopatra. También reelaboró ​​Petrouchka y El pájaro de fuego. Una de sus obras más famosas fue El cisne moribundo, interpretada por Anna Pavlova. Más allá de su talento como bailarina, Pavlova tenía los dones teatrales para cumplir la visión de Fokine del ballet como drama. Cuenta la leyenda que Pavlova se identificó tanto con el papel del cisne que pidió su disfraz de cisne en su lecho de muerte.

George Balanchine desarrolló una técnica de vanguardia en Estados Unidos al abrir una escuela en Nueva York. Adaptó el ballet a los nuevos medios, el cine y la televisión. Trabajador prolífico, Balanchine volvió a coreografiar clásicos como El lago de los cisnes y La bella durmiente, además de crear nuevos ballets. Produjo interpretaciones originales de los dramas de William Shakespeare como Romeo y Julieta y El sueño de una noche de verano, y también de La viuda alegre de Franz Léhar.

En 1967, Las joyas de Balanchine rompe con la tradición narrativa y dramatiza un tema más que una trama. Este enfoque encaja con las fuentes de financiación patrocinadas por el estado en los Estados Unidos que buscaban fomentar la "libertad y el libre pensamiento" en contraste con la danza impulsada por la narrativa, que se consideraba demasiado conectada con el socialismo, especialmente el comunismo soviético. Hoy, en parte gracias a Balanchine, el ballet es una de las danzas mejor conservadas del mundo.

Barbara Karinska era una emigrante rusa y una hábil costurera que colaboró ​​con Balanchine para elevar el arte del diseño de vestuario de un papel secundario a una parte integral de una actuación de ballet. Introdujo el corte al bies y un tutú clásico simplificado que permitía a la bailarina más libertad de movimiento. Con una meticulosa atención a los detalles, decoró sus tutús con abalorios, bordados, ganchillo y apliques.

Ballet neoclásico

A menudo se considera que George Balanchine fue el primer pionero de lo que ahora se conoce como ballet neoclásico, un estilo de danza entre el ballet clásico y el ballet contemporáneo actual. Tim Scholl, autor de De Petipa a Balanchine, considera el Apolo de Balanchine (1928) como el primer ballet neoclásico. Representó un regreso a la forma en respuesta a los ballets abstractos de Serge Diaghilev. Apolo y otras obras todavía se representan hoy en día, predominantemente por el New York City Ballet. Sin embargo, otras empresas pueden pagar una tarifa por los derechos de ejecución de las obras de George Balanchine.

Frederick Ashton es otro destacado coreógrafo asociado con el estilo neoclásico. Tres de sus obras se han convertido en piezas estándar del repertorio internacional: Sylvia (1952), Romeo y Julieta (1956) y Ondine (1958), la última de las cuales fue creada como vehículo para exhibir a Margot Fonteyn.

Contemporáneo

Un bailarín que entrenó con Balanchine y absorbió gran parte de este estilo neoclásico fue Mikhail Baryshnikov. Tras el nombramiento de Baryshnikov como director artístico del American Ballet Theatre en 1980, trabajó con varios coreógrafos modernos, sobre todo Twyla Tharp. Tharp coreografió Push Comes To Shove para ABT y Baryshnikov en 1976; en 1986 crea In The Upper Room para su propia compañía. Ambas piezas se consideraron innovadoras por el uso de movimientos claramente modernos combinados con el uso de zapatillas de punta y bailarines de formación clásica, por su uso del ballet contemporáneo.

Tharp también trabajó con la compañía Joffrey Ballet, fundada en 1957 por Robert Joffrey. Ella coreografió Deuce Coupe para ellos en 1973, usando música pop y una mezcla de técnicas modernas y de ballet. El Joffrey Ballet continuó interpretando numerosas piezas contemporáneas, muchas coreografiadas por el cofundador Gerald Arpino.

Hoy en día hay muchas compañías de ballet y coreógrafos contemporáneos. Estos incluyen el Ballet de Madrid; Ballet Real de Flandes; Alonzo King y su compañía, Alonzo King LINES Ballet; Nacho Duato y Compañía Nacional de Danza; William Forsythe, quien ha trabajado extensamente con el Ballet de Frankfurt y hoy dirige The Forsythe Company; y Jiří Kylián, ex director artístico del Nederlands Dans Theatre. Compañías tradicionalmente "clásicas", como el Ballet Kirov y el Ballet de la Ópera de París, también interpretan regularmente obras contemporáneas.

Desarrollo del método de ballet

Varios métodos de ballet conocidos llevan el nombre de sus creadores. Por ejemplo, dos sistemas predominantes de Rusia se conocen como el método Vaganova en honor a Agrippina Vaganova, y el Método Legat, en honor a Nikolai Legat. El método Cecchetti fue inventado por el bailarín italiano Enrico Cecchetti (1850–1928), y el método Bournonville, que fue inventado por August Bournonville (1805–1879), se emplea principalmente en el propio país de Bournonville, Dinamarca.