Historia de las grabadoras

La historia de la grabación de sonido, que ha progresado en oleadas, impulsada por la invención y la introducción comercial de nuevas tecnologías, se puede dividir aproximadamente en cuatro períodos principales:

• La era acústica (1877-1925)
• La era eléctrica (1925-1945)
• La era magnética (1945-1975)
• La era digital (1975-presente)

Los experimentos de captura de sonido en un medio de grabación para su conservación y reproducción comenzaron en serio durante la Revolución Industrial del siglo XIX. Se realizaron muchos intentos pioneros de grabar y reproducir sonido durante la segunda mitad del siglo XIX, en particular el fonoautógrafo de Scott de 1857, y estos esfuerzos culminaron con la invención del fonógrafo por Thomas Edison en 1877. La grabación digital surgió a fines del siglo XX y Desde entonces, ha florecido con la popularidad de la música digital y los servicios de transmisión en línea.

Visión de conjunto

La era acústica (1877-1925)

Las primeras tecnologías prácticas de grabación fueron dispositivos enteramente mecánicos. Estas grabadoras generalmente usaban una gran bocina cónica para recolectar y enfocar la presión del aire físico de las ondas de sonido producidas por la voz humana o los instrumentos musicales. Una membrana o diafragma sensible, ubicado en el vértice del cono, se conectó a un trazador o lápiz articulado, y a medida que la presión de aire cambiante movía el diafragma hacia adelante y hacia atrás, el lápiz rayaba o incidía un análogo de las ondas de sonido en un movimiento. medio de grabación, como un rollo de papel estucado, o un cilindro o disco recubierto con un material blando como cera o un metal blando.

Estas primeras grabaciones eran necesariamente de baja fidelidad y volumen y capturaban solo un segmento estrecho del espectro de sonido audible, generalmente solo desde alrededor de 250 Hz hasta alrededor de 2500 Hz, por lo que los músicos e ingenieros se vieron obligados a adaptarse a estas limitaciones sónicas. Los conjuntos musicales de la época a menudo preferían instrumentos más fuertes como la trompeta, la corneta y el trombón; los instrumentos de metal de registro más bajo, como la tuba y el bombardino, doblaron o reemplazaron al contrabajo, y los bloques de madera sustituyeron a los bombos. Los artistas también tenían que colocarse estratégicamente alrededor de la bocina para equilibrar el sonido y tocar lo más alto posible. La reproducción de fonógrafos domésticos estaba igualmente limitada tanto en el rango de frecuencia como en el volumen.

Al final de la era acústica, el disco se había convertido en el medio estándar para la grabación de sonido y su dominio en el mercado de audio doméstico duró hasta finales del siglo XX.

The Electrical Era (1925-1945) (incluido el sonido en la película)

La 'segunda ola' de la historia de la grabación de sonido se inició con la introducción del sistema integrado de micrófonos eléctricos, amplificadores de señal electrónica y grabadoras electromecánicas de Western Electric, que fue adoptado por los principales sellos discográficos de EE. UU. en 1925. La grabación de sonido ahora se convirtió en un proceso híbrido: El sonido ahora se podía capturar, amplificar, filtrar y equilibrar electrónicamente, y el cabezal de corte del disco ahora funcionaba con energía eléctrica, pero el proceso de grabación real seguía siendo esencialmente mecánico: la señal todavía se inscribía físicamente en un disco 'maestro' de cera, y el consumidor Los discos se producían mecánicamente en masa mediante el estampado de una electroforma de metal hecha de la cera maestra en una sustancia adecuada, originalmente un compuesto a base de goma laca y luego plástico de polivinilo.

El sistema Western Electric mejoró enormemente la fidelidad de la grabación de sonido, aumentando el rango de frecuencia reproducible a una banda mucho más amplia (entre 60 Hz y 6000 Hz) y permitiendo que una nueva clase de profesionales, los ingenieros de audio, capturen un sonido más completo, rico y grabación de un sonido más detallado y equilibrado, utilizando varios micrófonos conectados a amplificadores, compresores, filtros y mezcladores electrónicos multicanal. Los micrófonos eléctricos llevaron a un cambio dramático en el estilo de interpretación de los cantantes, marcando el comienzo de la era del "crooner", mientras que la amplificación electrónica tuvo un amplio impacto en muchas áreas, lo que permitió el desarrollo de la radiodifusión, los sistemas de megafonía y la electrónica. -tocadiscos caseros amplificados.

Además, el desarrollo de amplificadores electrónicos para instrumentos musicales ahora permitió que instrumentos más silenciosos, como la guitarra y el contrabajo, compitieran en igualdad de condiciones con los instrumentos de viento y de trompeta, naturalmente más ruidosos, y los músicos y compositores también comenzaron a experimentar con instrumentos musicales electrónicos completamente nuevos. instrumentos como el Theremin, el Ondes Martenot, el órgano electrónico y el Hammond Novachord, el primer sintetizador polifónico analógico del mundo.

Al mismo tiempo que estos desarrollos, varios inventores se comprometieron en una carrera para desarrollar métodos prácticos para proporcionar sonido sincronizado con películas. Algunas de las primeras películas sonoras, como la histórica película de 1927 The Jazz Singer – utilizaba grandes discos de bandas sonoras que se reproducían en un tocadiscos acoplado mecánicamente al proyector. A principios de la década de 1930, la industria del cine había adoptado casi universalmente la tecnología de sonido en película, en la que la señal de audio que se grababa se usaba para modular una fuente de luz que se reflejaba en la película en movimiento a través de una rendija estrecha, lo que permitía que se grabara. fotografiados como variaciones en la densidad o el ancho de una "banda sonora" que recorre un área específica de la película. El proyector usó una luz constante y una celda fotoeléctrica para convertir las variaciones nuevamente en una señal eléctrica, que se amplificó y se envió a los altavoces detrás de la pantalla.

La adopción del sonido en la película también ayudó a los ingenieros de audio de la industria del cine a hacer rápidos avances en el proceso que ahora conocemos como "múltiples pistas", mediante el cual múltiples fuentes de audio grabadas por separado (como voces, efectos de sonido y música de fondo)) pueden reproducirse simultáneamente, mezclarse y sincronizarse con la acción en la película para crear nuevas pistas de audio 'mezcladas' de gran sofisticación y complejidad. Uno de los ejemplos más conocidos de un sonido compuesto 'construido' de esa época es el famoso "grito de Tarzán" creado para la serie de películas de Tarzán protagonizada por Johnny Weissmuller.

Entre los grandes y a menudo rápidos cambios que han tenido lugar durante el último siglo de grabación de audio, cabe destacar que hay un dispositivo de audio crucial, inventado al comienzo de la "Era eléctrica", que ha sobrevivido prácticamente sin cambios desde su introducción en la década de 1920: el transductor electroacústico o altavoz. La forma más común es el altavoz dinámico, efectivamente un micrófono dinámico al revés. Este dispositivo generalmente consta de un diafragma cónico poco profundo, generalmente de un material rígido similar al papel plegado concéntricamente para hacerlo más flexible, firmemente sujeto en su perímetro, con la bobina de un controlador electromagnético de bobina móvil unida alrededor de su vértice. Cuando una señal de audio de una grabación, un micrófono o un instrumento electrificado se alimenta a través de un amplificador al altavoz,

Aunque ha habido numerosos refinamientos en la tecnología y se han introducido otras tecnologías relacionadas (por ejemplo, el altavoz electrostático), el diseño básico y la función del altavoz dinámico no ha cambiado sustancialmente en 90 años, y sigue siendo abrumadoramente el más común, desde el punto de vista del sonido. medios precisos y confiables para convertir señales de audio electrónicas nuevamente en sonido audible.

La era magnética (1945-1975)

La tercera ola de desarrollo en la grabación de audio comenzó en 1945 cuando las naciones aliadas obtuvieron acceso a un nuevo invento alemán: la grabación en cinta magnética. La tecnología se inventó en la década de 1930, pero permaneció restringida a Alemania (donde se usó ampliamente en la radiodifusión) hasta el final de la Segunda Guerra Mundial. La cinta magnética proporcionó otro salto espectacular en la fidelidad del audio; de hecho, los observadores aliados se dieron cuenta por primera vez de la existencia de la nueva tecnología porque notaron que la calidad del audio de los programas obviamente pregrabados era prácticamente indistinguible de las transmisiones en vivo.

A partir de 1950, la cinta magnética se convirtió rápidamente en el medio estándar de grabación maestra de audio en las industrias de la radio y la música, y condujo al desarrollo de las primeras grabaciones estéreo de alta fidelidad para el mercado nacional, el desarrollo de la grabación en cinta multipista para música, y la desaparición del disco como principal medio de masterización del sonido. La cinta magnética también provocó una remodelación radical del proceso de grabación: hizo posibles grabaciones de una duración mucho más larga y una fidelidad mucho mayor que nunca, y ofreció a los ingenieros de grabación la misma plasticidad excepcional que la película le dio a los editores de cine: los sonidos capturados en la cinta podían ahora se pueden manipular fácilmente, editar y combinar sónicamente de formas que eran simplemente imposibles con las grabaciones en disco.

Estos experimentos alcanzaron un pico temprano en la década de 1950 con las grabaciones de Les Paul y Mary Ford, quienes fueron pioneros en el uso de la edición de cintas y el multipista para crear grandes conjuntos 'virtuales' de voces e instrumentos, construidos completamente a partir de múltiples grabaciones grabadas de sus propias voces e instrumentos. La cinta magnética impulsó una expansión rápida y radical en la sofisticación de la música popular y otros géneros, lo que permitió a los compositores, productores, ingenieros e intérpretes alcanzar niveles de complejidad previamente inalcanzables. Otros avances simultáneos en la tecnología de audio condujeron a la introducción de una gama de nuevos formatos y dispositivos de audio de consumo, tanto en disco como en cinta, incluido el desarrollo de la reproducción de discos de gama completa de frecuencias, el cambio de goma laca a plástico de polivinilo para la fabricación de discos, la invento de las 33rpm,

La era digital (1975-presente)

La cuarta y actual "fase", la era "digital", ha visto la serie de cambios más rápidos, dramáticos y de mayor alcance en la historia de la grabación de audio. En un período de menos de 20 años, todas las tecnologías de grabación anteriores fueron reemplazadas rápidamente por la codificación de sonido digital, y la corporación electrónica japonesa Sony en la década de 1970 fue fundamental con el primer codificador PCM de consumo (adinerado) Unidad de audio PCM-1, presentada en 1977. A diferencia de todas las tecnologías anteriores, que capturaban un análogo continuo de los sonidos que se grababan, la grabación digital capturó el sonido por medio de una serie muy densa y rápida de muestras discretas del sonido.Cuando se reproducen a través de un convertidor de digital a analógico, estas muestras de audio se recombinan para formar un flujo continuo de sonido. El primer álbum de música popular totalmente grabado digitalmente, Bop 'Til You Drop de Ry Cooder, fue lanzado en 1979, y desde ese momento, la grabación y reproducción de sonido digital se convirtió rápidamente en el nuevo estándar en todos los niveles, desde el estudio de grabación profesional hasta el equipo de alta fidelidad para el hogar.

Aunque en este período aparecieron varias tecnologías "híbridas" de estudio y consumo de corta duración (por ejemplo, cinta de audio digital o DAT, que grababa muestras de señales digitales en cinta magnética estándar), Sony aseguró la preeminencia de su nuevo sistema de grabación digital al presentar, junto con Philips, el disco compacto digital (CD). El disco compacto reemplazó rápidamente tanto al álbum de 12″ como al sencillo de 7″ como el nuevo formato de consumo estándar y marcó el comienzo de una nueva era de audio de consumo de alta fidelidad.

Los CD son pequeños, portátiles y duraderos, y pueden reproducir todo el espectro de sonido audible, con un amplio rango dinámico (~96dB), claridad perfecta y sin distorsión. Como los CD estaban codificados y se leían ópticamente, usando un rayo láser, no había contacto físico entre el disco y el mecanismo de reproducción, por lo que un CD bien cuidado podía reproducirse una y otra vez, sin degradación ni pérdida de fidelidad. Los CD también representaron un avance considerable tanto en el tamaño físico del medio como en su capacidad de almacenamiento. Los LP prácticamente solo podían contener alrededor de 20 a 25 minutos de audio por lado porque estaban físicamente limitados por el tamaño del disco en sí y la densidad de los surcos que se podían cortar en él: cuanto más larga era la grabación, más cerca estaban los surcos y por lo tanto, menor es la fidelidad general. Los CD, por otro lado,

El disco compacto dominó casi por completo el mercado de audio de consumo a fines del siglo XX, pero en otra década, los rápidos desarrollos en la tecnología informática hicieron que se volviera virtualmente redundante en solo unos pocos años por el nuevo invento más importante en la historia de la grabación de audio. — el archivo de audio digital (.wav,.mp3 y otros formatos). Cuando se combinan con algoritmos de compresión de señales digitales recientemente desarrollados, que redujeron en gran medida el tamaño de los archivos, los archivos de audio digital llegaron a dominar el mercado nacional, gracias a innovaciones comerciales como la aplicación multimedia iTunes de Apple y su popular reproductor multimedia portátil iPod.

Sin embargo, la introducción de archivos de audio digital, junto con los rápidos avances en la informática doméstica, pronto condujo a una consecuencia imprevista: la distribución generalizada sin licencia de archivos de audio y otros medios digitales. La carga y descarga de grandes volúmenes de archivos de medios digitales a alta velocidad fue facilitada por tecnologías gratuitas de intercambio de archivos como Napster y BitTorrent.

Aunque la infracción sigue siendo un problema importante para los propietarios de derechos de autor, el desarrollo del audio digital ha tenido beneficios considerables para los consumidores y las discográficas. Además de facilitar la transferencia y el almacenamiento de archivos de audio digital de gran volumen y bajo costo, esta nueva tecnología también ha impulsado una explosión en la disponibilidad de los llamados títulos de "retro-catálogo" almacenados en los archivos de los sellos discográficos, gracias al hecho de que las discográficas ahora pueden convertir grabaciones antiguas y distribuirlas digitalmente a una fracción del costo de reeditar físicamente álbumes en LP o CD. El audio digital también ha permitido mejoras drásticas en la restauración y remasterización de grabaciones acústicas y eléctricas predigitales, e incluso el software digital gratuito para consumidores puede eliminar muy eficazmente los arañazos, ruido superficial y otros artefactos sónicos no deseados de viejas grabaciones de vinilo y 78 rpm y mejoran en gran medida la calidad del sonido de todos los discos, excepto los más dañados. En el campo del almacenamiento de datos digitales a nivel del consumidor, la tendencia constante hacia el aumento de la capacidad y la reducción de los costos significa que los consumidores ahora pueden adquirir y almacenar grandes cantidades de medios digitales de alta calidad (audio, video, juegos y otras aplicaciones), y acumular bibliotecas de medios que consisten en decenas o incluso cientos de miles de canciones, álbumes o videos, colecciones que, excepto para los más ricos, habrían sido física y financieramente imposibles de acumular en tales cantidades si estuvieran en 78 o LP, pero que ahora puede almacenarse en dispositivos de almacenamiento no más grandes que el promedio de un libro de tapa dura.

El archivo de audio digital marcó el final de una era en la grabación y el comienzo de otra. Los archivos digitales eliminaron efectivamente la necesidad de crear o utilizar un medio de grabación físico discreto y específico (un disco o un carrete de cinta, etc.) como medio principal para capturar, fabricar y distribuir grabaciones de sonido comerciales. Simultáneamente con el desarrollo de estos formatos de archivos digitales, los avances dramáticos en la informática doméstica y la rápida expansión de Internet significan que las grabaciones de sonido digital ahora pueden capturarse, procesarse, reproducirse, distribuirse y almacenarse completamente electrónicamente, en una variedad de medios de grabación magnéticos y ópticos. y estos pueden distribuirse en cualquier parte del mundo, sin pérdida de fidelidad y, lo que es más importante, sin la necesidad de transferir primero estos archivos a algún tipo de medio de grabación permanente para su envío y venta.

Los servicios de transmisión de música han ganado popularidad desde finales de la década de 2000. La transmisión de audio no requiere que el oyente sea propietario de los archivos de audio. En cambio, escuchan a través de Internet. Los servicios de streaming ofrecen un método alternativo para consumir música y algunos siguen un modelo de negocio freemium. El modelo freemium que utilizan muchos servicios de transmisión de música, como Spotify y Apple Music, proporciona una cantidad limitada de contenido gratis y luego servicios premium de pago. Hay dos categorías en las que se clasifican los servicios de transmisión, radio o bajo demanda. Los servicios de transmisión como Pandora utilizan el modelo de radio, lo que permite a los usuarios seleccionar listas de reproducción pero no canciones específicas para escuchar, mientras que servicios como Apple Music permiten a los usuarios escuchar tanto canciones individuales como listas de reproducción prefabricadas.

Grabación acústica

El método más antiguo de grabación y reproducción de sonido implicaba la grabación en vivo de una actuación directamente en un medio de grabación mediante un proceso completamente mecánico, a menudo llamado "grabación acústica". En el procedimiento estándar utilizado hasta mediados de la década de 1920, los sonidos generados por la interpretación hacían vibrar un diafragma con un lápiz de grabación conectado mientras el lápiz cortaba una ranura en un medio de grabación suave que giraba debajo. Para que este proceso fuera lo más eficiente posible, el diafragma se ubicó en el vértice de un cono hueco que servía para recolectar y concentrar la energía acústica, con los artistas amontonados en el otro extremo. El balance de registro se logró empíricamente. Un ejecutante que grabó demasiado fuerte o no lo suficientemente fuerte sería alejado o más cerca de la boca del cono. El número y tipo de instrumentos que podían grabarse eran limitados. Los instrumentos de metal, que grababan bien, a menudo sustituían a instrumentos como violonchelos y violines bajos, que no lo hacían. En algunas de las primeras grabaciones de jazz, se utilizó un bloque de madera en lugar de la caja, lo que podría sobrecargar fácilmente el diafragma de grabación.

Fonautografo

En 1857, Édouard-Léon Scott de Martinville inventó el fonoautógrafo, el primer dispositivo que podía registrar las ondas sonoras a medida que pasaban por el aire. Estaba destinado únicamente al estudio visual de la grabación y no podía reproducir el sonido. El medio de grabación era una hoja de papel recubierta de hollín envuelta alrededor de un cilindro giratorio sostenido por una varilla roscada. Un lápiz, conectado a un diafragma a través de una serie de palancas, trazó una línea a través del hollín, creando un registro gráfico de los movimientos del diafragma a medida que las variaciones de audiofrecuencia en la presión del aire lo impulsaban minuciosamente hacia adelante y hacia atrás.

En la primavera de 1877, otro inventor, Charles Cros, sugirió que el proceso podría revertirse mediante el uso de fotograbado para convertir la línea trazada en una ranura que guiaría la aguja, lo que haría que las vibraciones originales de la aguja se recrearan y se transmitieran al diafragma vinculado., y enviado de vuelta al aire como sonido. La invención del fonógrafo por parte de Edison pronto eclipsó esta idea, y no fue sino hasta 1887 que otro inventor, Emile Berliner, fotograbó una grabación fonográfica en metal y la reprodujo.

Las primeras grabaciones de Scott languidecieron en los archivos franceses hasta 2008, cuando los académicos ansiosos por resucitar los sonidos capturados en estos y otros tipos de grabaciones experimentales tempranas las localizaron. En lugar de usar tecnología aproximada del siglo XIX para crear versiones reproducibles, se escanearon en una computadora y se usó software para convertir sus huellas moduladas por sonido en archivos de audio digital. Breves extractos de dos canciones francesas y una recitación en italiano, todos grabados en 1860, son los resultados más sustanciales.

Fonógrafo/gramófono

El fonógrafo, inventado por Thomas Edison en 1877, podía tanto grabar sonido como reproducirlo. El primer tipo de fonógrafo vendido grabado en una hoja delgada de papel de aluminio envuelta alrededor de un cilindro de metal ranurado. Un lápiz óptico conectado a un diafragma vibrado por sonido indentaba la lámina en la ranura a medida que giraba el cilindro. La vibración del lápiz óptico estaba en ángulo recto con la superficie de grabación, por lo que la profundidad de la muesca variaba con los cambios de audiofrecuencia en la presión del aire que transportaba el sonido. Este arreglo se conoce como grabación vertical o "montaña y valle". El sonido podría reproducirse pasando el lápiz óptico a lo largo del surco grabado y acoplando acústicamente sus vibraciones resultantes al aire circundante a través del diafragma y la llamada bocina "amplificadora".

El tosco fonógrafo de papel de aluminio demostró ser de poca utilidad excepto como novedad. No fue hasta finales de la década de 1880 que se comercializó una forma mejorada y mucho más útil del fonógrafo. Las nuevas máquinas grabaron en cilindros de cera huecos fácilmente extraíbles y la ranura se grabó en la superficie en lugar de sangrar. El uso objetivo era la comunicación comercial y, en ese contexto, el formato de cilindro tenía algunas ventajas. Cuando el uso del entretenimiento demostró ser la fuente real de ganancias, una desventaja aparentemente insignificante se convirtió en un problema importante: la dificultad de hacer copias de un cilindro grabado en grandes cantidades.

Al principio, los cilindros se copiaron conectando acústicamente una máquina de reproducción a una o más máquinas de grabación a través de tubos flexibles, un arreglo que degradaba la calidad de audio de las copias. Más tarde, se utilizó un mecanismo de pantógrafo, pero solo pudo producir unas 25 copias en limpio antes de que el original se desgastara demasiado. Durante una sesión de grabación, se pueden colocar hasta una docena de máquinas frente a los artistas para grabar múltiples originales. Aún así, una sola "toma" finalmente produciría solo unos pocos cientos de copias en el mejor de los casos, por lo que los artistas fueron reservados para sesiones de grabación maratónicas en las que tenían que repetir sus temas más populares una y otra vez. Hacia 1902 se habían desarrollado con éxito procesos de moldeo para la fabricación de cilindros pregrabados.

El cilindro de cera tuvo un competidor con la llegada del Gramophone, que fue patentado por Emile Berliner en 1887. La vibración de la aguja de grabación del Gramophone era horizontal, paralela a la superficie de grabación, lo que resultaba en un surco en zig-zag de profundidad constante. Esto se conoce como grabación lateral. La patente original de Berliner mostraba una grabación lateral grabada alrededor de la superficie de un cilindro, pero en la práctica optó por el formato de disco. Los gramófonos que pronto comenzó a comercializar estaban destinados únicamente a reproducir discos de entretenimiento pregrabados y no podían usarse para grabar. El surco en espiral en la superficie plana de un disco era relativamente fácil de replicar: un electrotipo de metal negativo del disco original podía usarse para eliminar cientos o miles de copias antes de que se desgastaran. Al principio, las copias estaban hechas de goma dura,

"Gramophone", el nombre comercial de Berliner, se abandonó en los EE. UU. en 1900 debido a complicaciones legales, con el resultado de que en inglés estadounidense los gramófonos y los discos de gramófono, junto con los discos y reproductores de otros fabricantes, se incorporaron hace mucho tiempo bajo el paraguas. término "fonógrafo", una palabra que los competidores de Edison evitaron usar pero que nunca fue su marca registrada, simplemente un término genérico que introdujo y aplicó a cilindros, discos, cintas y cualquier otro formato capaz de llevar un ritmo modulado por sonido. En el Reino Unido, el uso patentado del nombre Gramophone continuó durante otra década hasta que, en un caso judicial, se dictaminó que se había generalizado y, por lo tanto, los fabricantes de discos de la competencia podían usarlo libremente, con el resultado de que en inglés británico un registro de disco se llama un "

No todos los registros de cilindros son iguales. Estaban hechos de varias formulaciones cerosas blandas o duras o plásticos tempranos, a veces en tamaños inusuales; no todos usaron el mismo tono de ritmo; y no todos fueron grabados a la misma velocidad. Los primeros cilindros de cera marrón generalmente se cortaban a aproximadamente 120 rpm, mientras que los cilindros posteriores funcionaban a 160 rpm para obtener un sonido más claro y fuerte a costa de reducir el tiempo máximo de reproducción. Como medio de entretenimiento, el cilindro ya estaba perdiendo la guerra de formatos con el disco en 1910, pero la producción de cilindros de entretenimiento no cesó por completo hasta 1929 y el uso del formato con fines comerciales persistió hasta la década de 1950.

Los registros en disco también se hicieron a veces en tamaños inusuales, o con materiales inusuales, o se desviaron de las normas de formato de sus épocas de alguna manera sustancial. La velocidad a la que se giraban los registros del disco finalmente se estandarizó en aproximadamente 78 rpm, pero a veces se usaban otras velocidades. Alrededor de 1950, las velocidades más lentas se convirtieron en estándar: 45, 33⅓ y las raramente utilizadas 16⅔ rpm. El material estándar para los discos cambió de goma laca a vinilo, aunque el vinilo se había utilizado para algunos discos de propósito especial desde principios de la década de 1930 y algunos discos de goma laca de 78 rpm todavía se fabricaban a fines de la década de 1950.

Grabación eléctrica

Hasta mediados de la década de 1920, los discos se reproducían en tocadiscos puramente mecánicos, generalmente accionados por un motor de resorte de cuerda. El sonido era "amplificado" por una bocina externa o interna que estaba acoplada al diafragma y la aguja, aunque no había una amplificación real: la bocina simplemente mejoraba la eficiencia con la que las vibraciones del diafragma se transmitían al aire libre. El proceso de grabación fue, en esencia, la misma configuración no electrónica que operaba a la inversa, pero con un lápiz de grabación que grababa un surco en un disco maestro ceroso suave y se transportaba lentamente hacia adentro a través de un mecanismo de alimentación.

El advenimiento de la grabación eléctrica en 1925 hizo posible el uso de micrófonos sensibles para capturar el sonido y mejoró enormemente la calidad de audio de los registros. Se podría grabar una gama mucho más amplia de frecuencias, el equilibrio de frecuencias altas y bajas podría controlarse mediante filtros electrónicos elementales y la señal podría amplificarse hasta el nivel óptimo para controlar el lápiz óptico de grabación. Los principales sellos discográficos cambiaron al proceso eléctrico en 1925 y el resto pronto siguió, aunque un rezagado en los EE. UU. resistió hasta 1929.

Hubo un período de casi cinco años, de 1925 a 1930, cuando la tecnología superior de "audiófilos" para la reproducción de sonido doméstico consistía en una combinación de discos grabados eléctricamente con el Victor Orthophonic Victrola especialmente desarrollado, un fonógrafo acústico que utilizaba ingeniería de guía de ondas y un bocina plegada para proporcionar una respuesta de frecuencia razonablemente plana. Los primeros tocadiscos amplificados electrónicamente llegaron al mercado solo unos meses después, a principios de 1926, pero al principio eran mucho más caros y su calidad de audio se veía afectada por sus primitivos altavoces; no se hicieron comunes hasta finales de la década de 1930.

La grabación eléctrica aumentó la flexibilidad del proceso, pero la interpretación aún se cortaba directamente en el medio de grabación, por lo que si se cometía un error, se echaba a perder toda la grabación. La edición de disco a disco era posible mediante el uso de varios tocadiscos para reproducir partes de diferentes "tomas" y grabarlas en un nuevo disco maestro, pero cambiar las fuentes con una precisión de una fracción de segundo era difícil y la calidad de sonido más baja era inevitable, por lo que, a excepción de rara vez se usaba en la edición de algunas de las primeras películas sonoras y grabaciones de radio.

La grabación eléctrica hizo más factible grabar una parte en un disco y luego reproducirla mientras se reproduce otra parte, grabando ambas partes en un segundo disco. Esta y otras técnicas conceptualmente relacionadas, conocidas como sobregrabación, permitieron a los estudios crear "actuaciones" grabadas en las que uno o más artistas cantan varias partes o tocan varias partes de instrumentos y, por lo tanto, no pueden ser duplicadas por el mismo artista o artistas actuando en vivo. Los primeros discos emitidos comercialmente con sobregrabación fueron lanzados por Victor Talking Machine Company a fines de la década de 1920. Sin embargo, la sobregrabación tuvo un uso limitado hasta la llegada de las cintas de audio. El uso de la superposición de cintas fue iniciado por Les Paul en la década de 1940.

Grabación magnética

Grabación de alambre magnético

La grabación por cable o la grabación por cable magnético es un tipo de almacenamiento de audio analógico en el que se realiza una grabación magnética en un cable delgado de acero o acero inoxidable.

El cable se tira rápidamente a través de un cabezal de grabación, que magnetiza cada punto a lo largo del cable de acuerdo con la intensidad y la polaridad de la señal de audio eléctrica que se suministra al cabezal de grabación en ese instante. Al pasar más tarde el cable a través de la misma cabeza o una similar mientras la cabeza no recibe una señal eléctrica, el campo magnético variable presentado por el cable que pasa induce una corriente eléctrica variable similar en la cabeza, recreando la señal original en un reducido nivel.

La grabación con hilo magnético fue reemplazada por la grabación con cinta magnética, pero los dispositivos que empleaban uno u otro de estos medios se habían estado desarrollando más o menos simultáneamente durante muchos años antes de que cualquiera de ellos se generalizara. Los principios y la electrónica involucrados son casi idénticos. Inicialmente, la grabación por cable tenía la ventaja de que el medio de grabación en sí ya estaba completamente desarrollado, mientras que la grabación en cinta se vio frenada por la necesidad de mejorar los materiales y métodos utilizados para fabricar la cinta.

La grabación magnética fue demostrada en principio ya en 1898 por Valdemar Poulsen en su telégrafo. La grabación con hilo magnético y su sucesora, la grabación con cinta magnética, implican el uso de un medio magnetizado que se mueve con una velocidad constante a través de un cabezal de grabación. Una señal eléctrica, que es análoga al sonido que se va a grabar, se alimenta al cabezal de grabación, induciendo un patrón de magnetización similar a la señal. Luego, un cabezal de reproducción puede captar los cambios en el campo magnético de la cinta y convertirlos en una señal eléctrica.

Con la adición de la amplificación electrónica desarrollada por Curt Stille en la década de 1920, el telégrafo se convirtió en grabadoras de cable que fueron populares para la grabación de voz y el dictado durante la década de 1940 y hasta la década de 1950. La calidad de reproducción de las grabadoras de cable fue significativamente menor que la que se logra con la tecnología de grabación de discos fonográficos. También hubo dificultades prácticas, como la tendencia del cable a enredarse o enredarse. El empalme se podía realizar anudando los extremos de los cables cortados, pero los resultados no eran muy satisfactorios.

El día de Navidad de 1932, la British Broadcasting Corporation utilizó por primera vez una grabadora de cinta de acero para sus transmisiones. El dispositivo utilizado fue una grabadora Marconi-Stille, una máquina enorme y peligrosa que utilizaba cinta de acero con bordes afilados. La cinta tenía 0,1 pulgadas (2,5 mm) de ancho y 0,003 pulgadas (0,076 mm) de grosor y pasaba a 5 pies por segundo (1,5 m/s) más allá de los cabezales de grabación y reproducción. Esto significaba que la longitud de cinta requerida para un programa de media hora era de casi 1,8 millas (2,9 km) y un carrete completo pesaba 55 libras (25 kg).

Grabación de sonido en cinta magnética

Los ingenieros de AEG, en colaboración con el gigante químico IG Farben, crearon la primera grabadora de cinta magnética práctica del mundo, la 'K1', que se demostró por primera vez en 1935. Durante la Segunda Guerra Mundial, un ingeniero de Reichs-Rundfunk-Gesellschaft descubrió el AC técnica de polarización. Con esta técnica, se agrega una señal de alta frecuencia inaudible, típicamente en el rango de 50 a 150 kHz, a la señal de audio antes de aplicarla al cabezal de grabación. La polarización mejoró radicalmente la calidad del sonido de las grabaciones en cinta magnética. En 1943, AEG había desarrollado grabadoras de cinta estéreo.

Durante la guerra, los aliados se dieron cuenta de transmisiones de radio que parecían ser transcripciones (mucho de esto debido al trabajo de Richard H. Ranger), pero su calidad de audio era indistinguible de la de una transmisión en vivo y su duración era mucho más larga que era posible con discos de 78 rpm. Al final de la guerra, los aliados capturaron una serie de grabadoras de magnetofón alemanas de Radio Luxemburgo que despertaron un gran interés. Estas grabadoras incorporaron todas las características tecnológicas clave de la grabación magnética analógica, en particular el uso de polarización de alta frecuencia.

El ingeniero de audio estadounidense John T. Mullin sirvió en el Cuerpo de Señales del Ejército de los EE. UU. y fue destinado a París en los últimos meses de la Segunda Guerra Mundial. Su unidad fue asignada para averiguar todo lo que pudiera sobre la radio y la electrónica alemanas, incluida la investigación de las afirmaciones de que los alemanes habían estado experimentando con haces de radio dirigidos de alta energía como un medio para desactivar los sistemas eléctricos de los aviones. La unidad de Mullin no tardó en acumular una colección de cientos de dictáfonos magnéticos de baja calidad, pero fue una visita casual a un estudio en Bad Neuheim, cerca de Frankfurt, mientras investigaba rumores sobre haces de radio, lo que arrojó el verdadero premio.

Mullin recibió dos grabadoras de alta fidelidad AEG 'Magnetophon' del tamaño de una maleta y cincuenta carretes de cinta de grabación. Los envió a casa y durante los siguientes dos años, trabajó en las máquinas constantemente, modificándolas y mejorando su rendimiento. Su objetivo principal era interesar a los estudios de Hollywood en el uso de cintas magnéticas para la grabación de bandas sonoras de películas.

Mullin hizo dos demostraciones públicas de sus máquinas y causaron sensación entre los profesionales de audio estadounidenses: muchos oyentes no podían creer que lo que estaban escuchando no fuera una presentación en vivo. Por suerte, la segunda demostración de Mullin se llevó a cabo en los estudios MGM de Hollywood y entre la audiencia de ese día estaba el director técnico de Bing Crosby, Murdo Mackenzie. Hizo arreglos para que Mullin conociera a Crosby y en junio de 1947 le dio a Crosby una demostración privada de sus grabadoras de cinta magnética.

Crosby quedó atónito por la asombrosa calidad del sonido e instantáneamente vio el enorme potencial comercial de las nuevas máquinas. La música en vivo era el estándar de la radio estadounidense en ese momento y las principales cadenas de radio no permitían el uso de grabaciones en disco en muchos programas debido a su calidad de sonido comparativamente deficiente. Pero a Crosby no le gustaba la reglamentación de las transmisiones en vivo y prefería la atmósfera relajada del estudio de grabación. Le había pedido a NBC que le permitiera pregrabar su serie de 1944-1945 en discos de transcripción, pero la cadena se negó, por lo que Crosby se retiró de la radio en vivo durante un año y regresó para la temporada de 1946-1947 solo de mala gana.

La grabadora de Mullin llegó precisamente en el momento adecuado. Crosby se dio cuenta de que la nueva tecnología le permitiría pregrabar su programa de radio con una calidad de sonido que igualaba las transmisiones en vivo y que estas cintas podrían reproducirse muchas veces sin pérdida apreciable de calidad. Se le pidió a Mullin que grabara un programa como prueba e inmediatamente fue contratado como ingeniero jefe de Crosby para pregrabar el resto de la serie.

Crosby se convirtió en la primera gran estrella de la música estadounidense en usar cinta para pregrabar transmisiones de radio y el primero en dominar grabaciones comerciales en cinta. Los programas de radio grabados de Crosby se editaron minuciosamente mediante empalmes de cintas para darles un ritmo y un flujo sin precedentes en la radio. Mullin incluso afirma haber sido el primero en utilizar la "risa enlatada"; ante la insistencia del escritor principal de Crosby, Bill Morrow, insertó un segmento de risa estridente de un programa anterior en una broma en un programa posterior que no había funcionado bien.

Deseoso de hacer uso de las nuevas grabadoras lo antes posible, Crosby invirtió $ 50,000 de su propio dinero en Ampex, y la pequeña empresa de seis hombres pronto se convirtió en el líder mundial en el desarrollo de la grabación en cinta, revolucionando la radio y la grabación con su famoso Ampex. Casetera modelo 200, emitida en 1948 y desarrollada directamente a partir de los magnetófonos modificados de Mullin.

El desarrollo de grabadoras de cinta magnética a fines de la década de 1940 y principios de la de 1950 está asociado con Brush Development Company y su licenciatario, Ampex; el desarrollo igualmente importante de los medios de cinta magnética en sí mismo fue liderado por la corporación Minnesota Mining and Manufacturing (ahora conocida como 3M).

Grabación multipista

El siguiente desarrollo importante en la cinta magnética fue la grabación multipista, en la que la cinta se divide en varias pistas paralelas entre sí. Debido a que se transmiten por el mismo medio, las pistas permanecen en perfecta sincronización. El primer desarrollo en el multipista fue el sonido estéreo, que dividía el cabezal de grabación en dos pistas. Desarrollado por primera vez por ingenieros de audio alemanes ca. 1943, la grabación de dos pistas se adoptó rápidamente para la música moderna en la década de 1950 porque permitía grabar señales de dos o más micrófonos por separado al mismo tiempo (mientras que el uso de varios micrófonos para grabar en la misma pista había sido común desde la década de 1943). surgimiento de la era eléctrica en la década de 1920), lo que permitió realizar y editar grabaciones estereofónicas de manera conveniente. (Las primeras grabaciones estéreo, en discos, se habían hecho en la década de 1930,

Gran parte del mérito del desarrollo de la grabación multipista se debe al guitarrista, compositor y técnico Les Paul, quien también ayudó a diseñar la famosa guitarra eléctrica que lleva su nombre. Sus experimentos con cintas y grabadoras a principios de la década de 1950 lo llevaron a encargar la primera grabadora de ocho pistas hecha a la medida de Ampex, y sus grabaciones pioneras con su entonces esposa, la cantante Mary Ford, fueron las primeras en hacer uso de la técnica de multipista para grabar elementos separados de una pieza musical de forma asincrónica, es decir, elementos separados podrían grabarse en diferentes momentos. La técnica de Paul le permitió escuchar las pistas que ya había grabado y grabar nuevas partes al mismo tiempo que ellas.

La grabación multipista fue retomada inmediatamente de forma limitada por Ampex, que pronto produjo una grabadora comercial de 3 pistas. Estos resultaron extremadamente útiles para la música popular, ya que permitieron grabar música de acompañamiento en dos pistas (ya sea para permitir la sobregrabación de partes separadas o para crear una pista de acompañamiento estéreo completa), mientras que la tercera pista estaba reservada para el vocalista principal. Las grabadoras de tres pistas se mantuvieron en uso comercial generalizado hasta mediados de la década de 1960 y muchas grabaciones pop famosas, incluidas muchas de las llamadas producciones "Wall of Sound" de Phil Spector y los primeros éxitos de Motown, se grabaron en grabadoras Ampex de 3 pistas. El ingeniero Tom Dowd fue uno de los primeros en utilizar la grabación multipista para la producción de música popular mientras trabajaba para Atlantic Records durante la década de 1950.

El siguiente desarrollo importante fue la grabación de 4 pistas. La llegada de este sistema mejorado dio a los ingenieros de grabación y a los músicos una flexibilidad mucho mayor para grabar y sobregrabar, y las 4 pistas fueron el estándar de estudio durante la mayor parte de la década de 1960. Muchas de las grabaciones más famosas de The Beatles y The Rolling Stones se grabaron en 4 pistas, y los ingenieros de los estudios Abbey Road de Londres se volvieron particularmente expertos en una técnica llamada "mezclas de reducción" en el Reino Unido y "rebote" en los Estados Unidos. Unidos, en los que se grabaron varias pistas en una máquina de 4 pistas y luego se mezclaron y se transfirieron (rebotaron) a una pista de una segunda máquina de 4 pistas. De esta manera, fue posible grabar literalmente docenas de pistas separadas y combinarlas en grabaciones terminadas de gran complejidad.

Todas las grabaciones clásicas de los Beatles de mediados de la década de 1960, incluidos los álbumes Revolver y Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, fueron grabados de esta forma. Sin embargo, hubo limitaciones debido a la acumulación de ruido durante el proceso de rebote, y los ingenieros de Abbey Road todavía son famosos por su capacidad para crear grabaciones multipista densas manteniendo el ruido de fondo al mínimo.

La cinta de 4 pistas también permitió el desarrollo del sonido cuadrafónico, en el que cada una de las cuatro pistas se usaba para simular un sonido envolvente completo de 360 ​​grados. Se lanzaron varios álbumes en formato estéreo y cuadrofónico en la década de 1970, pero 'quad' no logró una amplia aceptación comercial. Aunque ahora se considera un truco, fue el precursor directo de la tecnología de sonido envolvente que se ha convertido en estándar en muchos sistemas de cine en casa modernos.

En un entorno profesional actual, como un estudio, los ingenieros de audio pueden usar 24 pistas o más para sus grabaciones, usando una o más pistas para cada instrumento tocado.

La combinación de la capacidad de editar a través del empalme de cintas y la capacidad de grabar varias pistas revolucionó la grabación en estudio. Se convirtió en una práctica común de grabación de estudio grabar en varias pistas y luego rebotar. La comodidad de la edición de cintas y la grabación multipista condujo a la rápida adopción de la cinta magnética como tecnología principal para las grabaciones musicales comerciales. Aunque los discos de vinilo de 33⅓ rpm y 45 rpm eran el formato de consumo dominante, las grabaciones se hacían habitualmente primero en cinta y luego se transferían a disco, con Bing Crosby a la cabeza en la adopción de este método en los Estados Unidos.

Nuevos desarrollos

La grabación analógica en cinta magnética introduce ruido, generalmente llamado "silbido de cinta", causado por el tamaño finito de las partículas magnéticas en la cinta. Existe una compensación directa entre el ruido y la economía. La relación señal/ruido aumenta a velocidades más altas y con pistas más anchas, y disminuye a velocidades más bajas y con pistas más estrechas.

A fines de la década de 1960, los equipos de reproducción de discos se volvieron tan buenos que los audiófilos pronto se dieron cuenta de que parte del ruido audible en las grabaciones no era ruido superficial o deficiencias en su equipo, sino silbidos de cinta reproducidos. Algunas empresas especializadas comenzaron a realizar "grabaciones directas a disco", realizadas alimentando señales de micrófono directamente a un cortador de disco (después de la amplificación y la mezcla), en esencia volviendo al método de grabación directo de antes de la guerra. Estas grabaciones nunca se hicieron populares, pero demostraron dramáticamente la magnitud y la importancia del problema del silbido de la cinta.

Antes de 1963, cuando Philips introdujo el casete de audio compacto, casi todas las grabaciones de cinta habían utilizado el formato de carrete a carrete (también llamado "carrete abierto"). Los intentos anteriores de empaquetar la cinta en un casete conveniente que no requería enhebrar tuvieron un éxito limitado; el más exitoso fue el cartucho de 8 pistas utilizado principalmente en automóviles solo para reproducción. El casete de audio Philips Compact agregó la comodidad que tanto necesitaba el formato de grabación en cinta y una década más tarde había comenzado a dominar el mercado de consumo, aunque seguiría siendo de menor calidad que los formatos de carrete abierto.

En la década de 1970, los avances en la electrónica de estado sólido hicieron económicamente viable el diseño y la comercialización de circuitos analógicos más sofisticados. Esto condujo a una serie de intentos de reducir el silbido de la cinta mediante el uso de varias formas de compresión y expansión de volumen, siendo los más notables y comercialmente exitosos varios sistemas desarrollados por Dolby Laboratories. Estos sistemas dividían el espectro de frecuencias en varias bandas y aplicaban compresión/expansión de volumen de forma independiente a cada banda (los ingenieros ahora suelen utilizar el término "compañía" para referirse a este proceso). Los sistemas Dolby tuvieron mucho éxito en aumentar el rango dinámico efectivo y la relación señal-ruido de la grabación de audio analógico; a todos los efectos, se podría eliminar el silbido audible de la cinta. El Dolby A original solo se usó en grabaciones profesionales. Los sucesores encontraron uso tanto en formatos profesionales como de consumo; Dolby B se volvió casi universal para música pregrabada en cassette. Las formas posteriores, incluido Dolby C (y el Dolby S de corta duración) se desarrollaron para uso doméstico.

En la década de 1980, se introdujeron los métodos de grabación digital y la grabación analógica en cinta fue desplazada gradualmente, aunque no ha desaparecido de ninguna manera. (Muchos estudios profesionales, particularmente aquellos que atienden a clientes de gran presupuesto, usan grabadoras analógicas para multipistas y/o mezclas). La cinta de audio digital nunca llegó a ser importante como medio de grabación para el consumidor, en parte debido a complicaciones legales derivadas de los temores de "piratería" en el mercado. parte de las discográficas. Se habían opuesto a la grabación en cinta magnética cuando estuvo disponible por primera vez para los consumidores, pero la dificultad técnica de hacer malabarismos con los niveles de grabación, la distorsión de sobrecarga y el silbido residual de la cinta era lo suficientemente alta como para que la reproducción sin licencia de cinta magnética nunca se convirtiera en un problema comercial insuperable. Con los métodos digitales, las copias de las grabaciones pueden ser exactas, y la infracción de los derechos de autor podría haberse convertido en un grave problema comercial. La cinta digital todavía se usa en situaciones profesionales y la variante DAT ha encontrado un hogar en las aplicaciones de respaldo de datos de computadora. Muchos grabadores profesionales y domésticos ahora usan sistemas basados ​​en discos duros para grabar, quemando las mezclas finales en CD grabables (CD-R).

La mayoría de las fuerzas policiales en el Reino Unido (y posiblemente en otros lugares) todavía usan sistemas de casetes compactos analógicos para grabar entrevistas policiales, ya que proporciona un medio menos propenso a las acusaciones de manipulación.

Grabación en película

Los primeros intentos de grabar sonido en un medio óptico ocurrieron alrededor de 1900. Antes del uso de sonido grabado en películas, los teatros tenían orquestas en vivo presentes durante las películas mudas. Los músicos se sentaban en el foso debajo de la pantalla y proporcionaban el ruido de fondo y creaban el ambiente para lo que ocurriera en la película. En 1906, Eugene Augustin Lauste solicitó una patente para grabar sonido en película, pero se adelantó a su tiempo. En 1923, Lee de Forest solicitó una patente para grabar en película; también realizó una serie de cortometrajes experimentales, en su mayoría de artistas de vodevil. William Fox comenzó a lanzar noticieros con sonido en película en 1926, el mismo año en que Warner Bros. estrenó Don Juan.con música y efectos de sonido grabados en discos, así como una serie de cortometrajes con sonido totalmente sincronizado en discos. En 1927 se estrenó la película sonora The Jazz Singer; Si bien no fue la primera película sonora, tuvo un gran éxito e hizo que el público y la industria cinematográfica se dieran cuenta de que el cine sonoro era más que una mera novedad.

The Jazz Singer usó un proceso llamado Vitaphone que implicaba sincronizar la película proyectada con el sonido grabado en un disco. Esencialmente equivalía a reproducir un disco fonográfico, pero grabado con la mejor tecnología eléctrica de la época. Las audiencias acostumbradas a fonógrafos acústicos y grabaciones, en el teatro, habrían escuchado algo parecido a la "alta fidelidad" de los años 50.

Sin embargo, en los días de la tecnología analógica, ningún proceso que involucrara un disco separado podría mantener la sincronización de manera precisa o confiable. Vitaphone fue suplantado rápidamente por tecnologías que grababan una banda sonora óptica directamente en el costado de la tira de película cinematográfica. Esta fue la tecnología dominante desde la década de 1930 hasta la de 1960 y todavía está en uso a partir de 2013, aunque la banda sonora analógica está siendo reemplazada por sonido digital en formatos de película.

Hay dos tipos de bandas sonoras de películas sincronizadas, ópticas y magnéticas. Las bandas sonoras ópticas son representaciones visuales de formas de ondas de sonido y proporcionan sonido a través de un haz de luz y un sensor óptico dentro del proyector. Las bandas sonoras magnéticas son esencialmente las mismas que se utilizan en la grabación de cintas analógicas convencionales.

Las bandas sonoras magnéticas se pueden unir con la imagen en movimiento, pero crean una discontinuidad abrupta debido al desplazamiento de la pista de audio con respecto a la imagen. Ya sea óptica o magnética, la captación de audio debe ubicarse varias pulgadas por delante de la lámpara de proyección, el obturador y las ruedas dentadas de transmisión. Por lo general, también hay un volante para suavizar los movimientos de la película y eliminar el aleteo que de otro modo resultaría del mecanismo de extracción negativa. Si tiene películas con una pista magnética, debe mantenerlas alejadas de fuentes magnéticas potentes, como televisores. Estos pueden debilitar o borrar la señal de sonido magnético. El sonido magnético en una base de película de acetato de celulosa también es más propenso al síndrome del vinagre que una película con solo la imagen.

Para la grabación óptica en película se utilizan dos métodos. La grabación de densidad variable utiliza cambios en la oscuridad del lado de la banda sonora de la película para representar la onda sonora. La grabación de área variable usa cambios en el ancho de una franja oscura para representar la onda de sonido.

En ambos casos, una luz que se envía a través de la parte de la película que corresponde a la banda sonora cambia de intensidad, proporcional al sonido original, y esa luz no se proyecta en la pantalla sino que se convierte en una señal eléctrica mediante un sensor fotosensible. dispositivo.

Las bandas sonoras ópticas son propensas a sufrir los mismos tipos de degradación que afectan a la imagen, como arañazos y copias.

A diferencia de la imagen cinematográfica que crea la ilusión de continuidad, las bandas sonoras son continuas. Esto significa que si se corta y empalma una película con una banda sonora combinada, la imagen se cortará limpiamente, pero lo más probable es que la banda sonora produzca un crujido. Las huellas dactilares en la película también pueden producir grietas o interferencias.

A fines de la década de 1950, la industria del cine, desesperada por brindar una experiencia de teatro que fuera abrumadoramente superior a la televisión, introdujo procesos de pantalla ancha como Cinerama, Todd-AO y CinemaScope. Estos procesos introdujeron al mismo tiempo mejoras técnicas en el sonido, generalmente involucrando el uso de sonido magnético multipista, grabado en una banda de óxido laminada en la película. En las décadas siguientes, se produjo una evolución gradual con más y más teatros instalando diversas formas de equipos de sonido magnético.

En la década de 1990 se introdujeron y comenzaron a imponerse los sistemas de audio digital. En algunos de ellos, la grabación de sonido se vuelve a grabar en un disco separado, como en Vitaphone; otros usan una pista de sonido óptica digital en la propia película. Los procesos digitales ahora pueden lograr una sincronización perfecta y confiable.

Grabación digital

Las primeras grabadoras de audio digital fueron decks de carrete a carrete introducidos por compañías como Denon (1972), Soundstream (1979) y Mitsubishi. Utilizaron una tecnología digital conocida como grabación PCM. Sin embargo, en unos pocos años, muchos estudios estaban usando dispositivos que codificaban los datos de audio digital en una señal de video estándar, que luego se grababa en una U-matic u otra grabadora de cinta de video, utilizando la tecnología de cabeza giratoria que era estándar para video. Se usó una tecnología similar para un formato de consumo, Digital Audio Tape (DAT), que usaba cabezales giratorios en una cinta angosta contenida en un casete. DAT graba a frecuencias de muestreo de 48 kHz o 44,1 kHz, siendo esta última la misma frecuencia utilizada en los discos compactos. La profundidad de bits es de 16 bits, también la misma que la de los discos compactos. DAT fue un fracaso en el campo del audio de consumo (demasiado caro, demasiado quisquilloso, y paralizado por las normas contra la copia), pero se hizo popular en los estudios (particularmente en los estudios caseros) y las estaciones de radio. Un sistema de grabación de cinta digital fallido fue el Digital Compact Cassette (DCC).

Unos años después de la introducción de la grabación digital, se estaban produciendo grabadoras multipista (que usaban cabezales estacionarios) para su uso en estudios profesionales. A principios de la década de 1990, se introdujeron grabadoras digitales multipista de precio relativamente bajo para su uso en estudios domésticos; volvieron a grabar en cinta de vídeo. El más destacable de este tipo de grabadores es el ADAT. Desarrollada por Alesis y lanzada por primera vez en 1991, la máquina ADAT es capaz de grabar 8 pistas de audio digital en un solo videocasete S-VHS. La máquina ADAT sigue siendo un accesorio muy común en los estudios profesionales y domésticos de todo el mundo.

En el mercado de consumo, las cintas y gramófonos fueron desplazados en gran medida por el disco compacto (CD) y en menor medida por el minidisco. Estos medios de grabación son totalmente digitales y requieren una electrónica compleja para reproducirlos. La grabación digital ha progresado hacia una mayor fidelidad, con formatos como DVD-A que ofrecen frecuencias de muestreo de hasta 192 kHz.

Los archivos de sonido digital se pueden almacenar en cualquier medio de almacenamiento informático. El desarrollo del formato de archivo de audio MP3 y los problemas legales relacionados con la copia de dichos archivos han impulsado la mayor parte de la innovación en la distribución de música desde su introducción a fines de la década de 1990.

A medida que aumentaron las capacidades del disco duro y la velocidad de la CPU de la computadora a fines de la década de 1990, la grabación en disco duro se hizo más popular. A principios de 2005, la grabación en disco duro adopta dos formas. Una es el uso de computadoras de escritorio o portátiles estándar, con adaptadores para codificar audio en dos o más pistas de audio digital. Estos adaptadores pueden ser tarjetas de sonido en la caja o dispositivos externos, ya sea que se conecten a tarjetas de interfaz en la caja o se conecten a la computadora a través de cables USB o Firewire. La otra forma común de grabación en disco duro utiliza una grabadora dedicada que contiene convertidores de analógico a digital y de digital a analógico, así como uno o dos discos duros extraíbles para el almacenamiento de datos. Estas grabadoras, que contienen 24 pistas en unas pocas unidades de espacio de rack, son en realidad computadoras de un solo propósito, que a su vez pueden conectarse a computadoras estándar para editar.

El renacer del vinilo

Los discos de vinilo, o discos de larga duración (LP), se han vuelto populares nuevamente como una forma de consumir música a pesar del auge de los medios digitales. Se vendieron más de 15 mil unidades entre 2008 y 2012, alcanzando sus ventas en 2012 el nivel más alto desde 1993. Artistas populares han comenzado a lanzar sus discos en vinilo y tiendas como Urban Outfitters y Whole Foods han comenzado a venderlos. Las corporaciones de música popular, como Sony, han comenzado a fabricar LP por primera vez desde 1989 a medida que este medio se vuelve más popular. Sin embargo, algunas empresas enfrentan problemas de producción ya que actualmente solo hay 16 plantas discográficas en funcionamiento en los Estados Unidos.

Técnica

La grabadora de cinta analógica hizo posible borrar o grabar sobre una grabación anterior para corregir los errores. Otra ventaja de grabar en cinta es la posibilidad de cortar la cinta y volver a unirla. Esto permite editar la grabación. Se pueden quitar o reorganizar partes de la grabación. Véase también edición de audio, mezcla de audio, grabación multipista.

La llegada de instrumentos electrónicos (especialmente teclados y sintetizadores), efectos y otros instrumentos ha llevado a la importancia de MIDI en la grabación. Por ejemplo, utilizando el código de tiempo MIDI, es posible tener un 'disparador' de diferentes equipos sin intervención humana directa en el momento de la grabación.

En tiempos más recientes, las computadoras (estaciones de trabajo de audio digital) han encontrado un papel cada vez más importante en el estudio de grabación, ya que su uso facilita las tareas de corte y bucle, además de permitir cambios instantáneos, como la duplicación de partes, la adición de efectos y la reorganización de partes de la grabación.