Historia de la Escultura en los Estados Unidos

La historia de la escultura en los Estados Unidos comienza en la década de 1600 "con los modestos esfuerzos de los artesanos que adornaban lápidas, cajas bíblicas y varios objetos utilitarios con decoraciones sencillas en bajorrelieve". La escultura estadounidense en sus múltiples formas, géneros y apariencias ha contribuido continuamente al panorama cultural del arte mundial en el siglo XXI.

Arte popular

Frecuentemente hay arte en lápidas bien hechas, productos de hierro, muebles, juguetes y herramientas, tal vez reflejando mejor el carácter de un pueblo que las esculturas hechas en estilos clásicos para las élites sociales. Una de estas aplicaciones específicas, el tallado de mascarones de proa de madera para barcos, comenzó en las Américas ya en 1750 y un siglo después ayudó a impulsar las carreras de Samuel McIntyre y del primer escultor famoso del país, William Rush (1756–1833) de Filadelfia. La tradición que comenzó entonces continúa hoy en el estilo de escultura popular conocido como talla de motosierra.

• Lápida de Boston, 1736 (?)
• Mascarón de proa del barco, artista desconocido, c. 1830, Instituto de Arte de Chicago
• predicador, c. 1830, Instituto de Arte de Chicago
• William Rush: retrato del general Andrew Jackson, 1815, Art Institute of Chicago

Los años italianos

En la década de 1830, la primera generación de notables escultores estadounidenses estudió y vivió en Italia, particularmente en Florencia y Roma, creando el estilo neoclásico. En ese momento, Italia " proporcionó la atmósfera adecuada, acercó al escultor a los grandes monumentos de la antigüedad y proporcionó colecciones de museos que estaban disponibles para estudiar ".También dieron acceso a los artistas a los talladores de Italia que tradujeron sus obras de arcilla en mármol. Durante este período, los temas de los que se eligieron los temas de las obras escultóricas tendieron a ser extraídos de la antigüedad, con la excepción de los retratos (cuyos temas se mostraban con frecuencia vistiendo atuendos romanos o griegos) u obras que incluían nativos americanos. Estos artistas incluyeron a Horatio Greenough (1805–1852), Hiram Powers (1805–1873), Thomas Crawford (1814–1857), Thomas Ball (1819–1911) y su yerno William Couper (1853–1942), Harriet Hosmer (1830–1908), Chauncey Ives (1810–1894), Randolph Rogers (1825–1892) y (algo más tarde) William Henry Rinehart (1825–1874).

• Horacio Greenough, Abdiel 1838-43
• Thomas Crawford, David triunfante, 1848
• Hiram Powers - El esclavo griego, Castillo de Raby, 1844
• Randolph Rogers, Nydia, la florista ciega de Pompeya, 1856
• El cautivo voluntario de Chauncey Ives, 1871

Mujeres escultoras estadounidenses del siglo XIX

Las mujeres estadounidenses también se convirtieron en escultoras activas durante el período italiano a pesar del sexismo de la época. Entre las mujeres que adquirieron encargos y fama se encontraban Edmonia Lewis, Harriet Hosmer, Anne Whitney, Vinnie Ream y Emma Stebbins).

• Harriet Hosmer, Zenobia encadenada, 1857, Museo de Arte de Saint Louis
• Fuente Bethesda de Emma Stebbins
• El Lincoln de Vinnie Ream
• Charles Sumner por Anne Whitney

Los años de París

En las décadas posteriores a la Guerra Civil, los escultores estadounidenses comenzaron a ir cada vez más a París para estudiar, adoptando el estilo más naturalista y dramático ejemplificado por las obras de Jean-Baptiste Carpeaux (1827-1875) y Antoine-Louis Barye (1796). –1875) y otros escultores franceses. Entre estos estadounidenses se encontraban Augustus Saint-Gaudens, Frederick MacMonnies y Daniel Chester French.

• Adams Memorial 1891, por Augustus Saint-Gaudens
• Abraham Lincoln, 1920, la escultura francesa de Daniel Chester en el Lincoln Memorial, Washington, DC
• Lincoln (detalle), 1916, Daniel Chester French, Instituto de Arte de Chicago
• Monumento a la batalla de Princeton de MacMonnies

Cultivado en casa

La escultura estadounidense de mediados a finales del siglo XIX era a menudo clásica y a menudo romántica, pero mostraba una inclinación especial por un realismo dramático, narrativo, casi periodístico (especialmente apropiado para temas nacionalistas), como lo demuestra la vida en la frontera representada por Frederic Remington. Este fue el comienzo del estilo de "arte occidental" que continuó con Alexander Phimister Proctor y otros durante el siglo XX y XXI.

• El destructor de broncos de Frederic Remington
• Vaquero descansando de Solon Borglum, 1904
• Vaquero de Frederic Remington, 1908
• Apelación al Gran Espíritu por Cyrus Dallin, 1909
• Monumento a Hudson McKnight, por Alexander Phimister Proctor, 1931

Escultores de animales (Animaliers)

El naturalismo de la escuela francesa, ejemplificado por Antoine Barye, tuvo un gran impacto en los primeros escultores de la vida salvaje americana. La primera generación de criadores de animales estadounidenses incluyó a Edward Kemeys, Edward Potter (que ocasionalmente trabajó con Daniel Chester French, produciendo caballos para sus estatuas ecuestres), Alexander Phimister Proctor (que ejecutó monturas para los jinetes de Augustus Saint-Gaudens), Charles Russell, Herbert Haseltine, Frederick Roth, Albert Laessle y Anna Hyatt Huntington.

• Edward Kemeys (1833-1907), Encerrado en la muerte, 1886
• Albert Laessle (1877-1954), Billy, 1914

Monumentos públicos

Los años posteriores a la Guerra Civil Estadounidense vieron un gran aumento en la cantidad de monumentos públicos erigidos en los Estados Unidos. "Con mucho, el monumento más frecuente presenta a un soldado confederado completamente equipado (el mismo prototipo se aplica a los monumentos de la Unión) en una pose realista". Este estilo de monumento fue popularizado por el escultor Martin Milmore, quien creó uno de los primeros en 1868. El propio monumento de Milmore, escrito por Daniel Chester French, Death and the Sculptor sigue siendo uno de los "nobles tributos" de Estados Unidos.

A medida que finalizaba el siglo, se aceleró el ritmo de construcción de monumentos en las grandes ciudades de Oriente, especialmente los erigidos para conmemorar la Guerra Civil. Surgieron varios escultores destacados, la mayoría formados en las academias de bellas artes de París. Destacan Daniel Chester French, Frederick William Macmonnies, Hans Schuler y Lorado Taft. Esta tradición continuó hasta la década de 1940 con Charles Keck, Alexander Stirling Calder y otros, y el uso de la escultura figurativa en los monumentos persiste hasta el siglo XXI. A partir de mediados del siglo XX, la escultura utilizada en los monumentos públicos fue cada vez más abstracta.

Las décadas posteriores a la Segunda Guerra Mundial vieron una gran cantidad de monumentos y memoriales dedicados a las víctimas del Holocausto.

• Monumento a la Guerra Civil, por Martin Milmore en York, Pensilvania, 1872
• El Robert Gould Shaw Memorial, Boston Common, conmemora a Shaw y la 54.a Infantería de Voluntarios afroamericana de Massachusetts, St. Gaudens
• US Marine Corps War Memorial, ubicado en Arlington, Virginia, 1954, diseñado por Felix de Weldon
• Un infante de marina en el Monumento a los Veteranos de Vietnam el 4 de julio de 2002, diseñado por Maya Lin

Tallando montañas

Hay al menos tres esculturas de montaña importantes en los Estados Unidos. Estos son Mount Rushmore, Stone Mountain y Crazy Horse Memorial. Gutzon Borglum, un consumado escultor con piezas como Seated Lincoln y una variedad de otros monumentos públicos, supervisó la escultura del Monte Rushmore en Black Hills en Dakota del Sur. El monumento fue terminado después de su muerte por su hijo Lincoln Borglum.

Gutzon Borglum también fue responsable de iniciar el proyecto Stone Mountain en Georgia, pero tuvo una pelea con sus supervisores. Luego, el monumento fue retomado por Augustus Lukeman, quien murió durante su tallado en 1935. El monumento fue terminado por Walker Hancock y se consideró completo en 1972.

El Crazy Horse Memorial en Black Hills de Dakota del Sur representa al guerrero Oglala Lakota Crazy Horse montando a caballo y señalando a lo lejos. Fue iniciado en 1948 por el escultor Korczak Ziolkowski y continuó después de su muerte por su esposa, Ruth Ziolkowski, quien asumió la dirección del proyecto, y varios de sus hijos. La cara se dedicó en 1998.

• Monumento Nacional Monte Rushmore. Las esculturas de George Washington, Thomas Jefferson, Theodore Roosevelt y Abraham Lincoln representan los primeros 150 años de la historia estadounidense.
• Montaña de piedra en Georgia

Escultura arquitectónica

Los edificios públicos del último cuarto del siglo XIX y la primera mitad del siglo XX sirvieron de escenario arquitectónico a la escultura, especialmente en relieve. Karl Bitter, Lee Lawrie, Adolph Alexander Weinman, C. Paul Jennewein, Rene Paul Chambellan, Corrado Parducci y muchos otros trabajaron en el estilo simple, a veces narrativo, que encaja en estos espacios. Gran parte de este trabajo fue creado por escultores y talladores anónimos.

• América del Norte, Ayuntamiento de Filadelfia, Alexander Milne Calder, escultor, 1870
• Lincoln emitiendo la Proclamación de Emancipación, Capitolio del Estado de Nebraska, Lee Lawrie, escultor, c. 1925
• Cortador de caña, Capitolio del Estado de Luisiana, Lee Lawrie, escultor, 1929
• Tráfico fluvial, Ayuntamiento de Kansas City, Walker Hancock, escultor, 1937

Siglo veinte

Cuando comenzó el siglo, muchos escultores europeos jóvenes emigraron a la economía libre y en auge al otro lado del Atlántico, y los escultores formados en Europa representan gran parte del gran trabajo creado antes de 1950. Estos incluyen a Elie Nadelman, Albin Polasek, Gaston Lachaise y Carl Milles.

• Escultura de Elie Nadelman en el Teatro del Estado de Nueva York

Clasicismo moderno

Varios escultores estadounidenses notables se unieron a la revitalización de la tradición clásica en este momento, sobre todo Paul Manship, quien "descubrió" la escultura griega arcaica mientras estudiaba con una beca en Roma. C. Paul Jennewein y Edward McCartan también fueron líderes en esta dirección y encajaron fácilmente con los gustos art-deco de la década de 1920. En las décadas de 1930 y 1940, las ideologías que desgarran la política europea se reflejaron en las asociaciones de escultores estadounidenses. A la derecha estaba el grupo, en su mayoría nativos, en su mayoría clásicos de la vieja escuela, en su mayoría modeladores de arcilla, que fundó la Sociedad Nacional de Escultura, dirigida por la heredera y escultora Anna Hyatt Huntington y conservada en el parque de esculturas que ella dotó: Brookgreen. Jardines en Carolina del Sur.

• Augustus Saint-Gaudens, Diana (1892-1893)
• Paul Manship, Chica pato, 1916
• C. Paul Jennewein, Fuente conmemorativa de Darlington, 1922
• Edward McCartan, Dionisio, 1923

Expresionismo americano

A la izquierda, a menudo inmigrante, a menudo expresionista, estaba el Sculptors Guild con sede en Nueva York, con énfasis en temas más actuales y tallado directo en madera o piedra. Uno de sus miembros más conocidos fue William Zorach.

• Moisés, William Zorach, 1952

Escultores afroamericanos

Con el Renacimiento de Harlem, surgió un género escultórico afroamericano. Richmond Barthé fue un ejemplo destacado. Augusta Savage fue escultora y maestra. Richard Hunt fue el primero en tener una exposición retrospectiva en el Museo de Arte Moderno en 1971. Otros escultores contemporáneos incluyen a Elizabeth Catlett, Martin Puryear, Jerry Harris y Thaddeus Mosley.

El giro hacia la abstracción

Algunos estadounidenses, como Isamu Noguchi, ya se habían movido del diseño figurativo al no figurativo, pero después de 1950, todo el mundo del arte estadounidense dio un giro dramático alejándose de la antigua tradición, y Estados Unidos llevó al resto del mundo a un diseño más iconoclasta y teórico. acercamiento al modernismo.

En los próximos diez años, la educación escultórica tradicional sería reemplazada casi por completo por una preocupación por el diseño abstracto influenciada por la Bauhaus. Para acompañar el triunfo de la pintura expresionista abstracta, surgieron héroes de la escultura abstracta como David Smith, y se exploraron muchos materiales nuevos para la expresión escultórica. Louise Nevelson fue pionera en el género emergente de la escultura ambiental.

Sin embargo, durante este período, un grupo de escultores estadounidenses persistió en crear obras en su estilo moderno/clásico anterior a la guerra. Estos incluyen a Milton Horn, Donal Hord, Charles Umlauf, Joseph Erhardy y John Henry Waddell.

Galería de escultura americana modernista

• Gaston Lachaise (1882-1935), Figura flotante 1927, bronce, núm. 5 de una edición de 7, Galería Nacional de Australia
• Jacob Epstein (1880-1959), Día y noche, tallado para la sede del metro de Londres, 1928.
• Jacques Lipchitz (1891-1973), El nacimiento de las musas, (1944-1950).
• Alexander Calder (1898-1976), El empenaje (1953)
• David Smith, (1906-1965)Agricola I, 1952, Museo y jardín de esculturas Hirshhorn, Washington, DC.
• John Chamberlain (1927-2011), S, 1959, Museo y jardín de esculturas Hirshhorn, Washington, DC.
• Tony Smith (1912-1980), Free Ride, 1962, 6'8 x 6'8 x 6'8 (la altura de una puerta estándar de los EE. UU.), Museo de Arte Moderno, Nueva York
• Larry Bell (nacido en 1939), Sin título 1964, bismuto, cromo, oro y rodio sobre latón chapado en oro; Museo y jardín de esculturas Hirshhorn
• Isamu Noguchi (1904-1988), Heimar, 1968, en el Jardín de Esculturas Billy Rose, Museo de Israel, Jerusalén, Israel
• George Rickey (1904-2002), Four Squares in Geviert, 1969, terraza de la New National Gallery, Berlín, Alemania
• Donald Judd (1928-1994), Sin título 1977, Münster, Alemania
• Richard Serra (nacido en 1939), Fulcrum 1987, escultura independiente de acero Corten de 55 pies de altura cerca de la estación de Liverpool Street, Londres

Empujando los límites del arte

La figura regresó en la década de 1960, pero sin la tradición figurativa de las bellas artes, a veces incluso como moldes de vida como los que George Segal hizo con yeso. Jim Gary creó figuras de tamaño natural compuestas de arandelas de metal y herrajes soldados de manera casi invisible, así como de vidrieras e incluso usó piezas y herramientas de automóviles en sus esculturas.

Continuaron las preocupaciones por las cualidades de las formas y el diseño, pero generalmente sin representar una figura humana. La escultura minimalista de artistas como Richard Serra y Norman Carlberg a menudo reemplazaba a la figura en lugares públicos. La escultura de finales del siglo XX fue principalmente una exploración lúdica de los límites de lo que podría llamarse arte.

Minimalismo

El estilo minimalista reduce la escultura a sus rasgos más esenciales y fundamentales. Los minimalistas incluyen a Tony Smith, Donald Judd, Robert Morris, Larry Bell, Anne Truitt y Dan Flavin;

Movimiento específico del sitio

Las obras de arte ambientales y específicas del sitio están representadas por artistas: Donald Judd, Dennis Oppenheim, Richard Serra, Robert Irwin, George Rickey y Christo y Jeanne-Claude llevaron la escultura abstracta contemporánea en nuevas direcciones. Los artistas crearon esculturas ambientales en sitios extensos en el grupo de proyectos 'land art in the American West'. Estas obras de escultura a escala ambiental de land art o 'arte de la tierra' ejemplificadas por artistas como Robert Smithson, Michael Heizer, James Turrell (Roden Crater) y otros Las obras de escultura a escala ambiental de land art (arte de la tierra) de Robert Smithson, Michael Heizer, James Turrell y otros.

Posminimalismo

Los artistas Bill Bollinger, Eva Hesse, Sol LeWitt, Jackie Winsor, Keith Sonnier, Bruce Nauman y Lucas Samaras, entre otros, fueron pioneros de la escultura posminimalista. Las obras posteriores de Robert Graham continuaron evolucionando, a menudo en escenarios de arte público, hasta el siglo XXI.

También durante las décadas de 1960 y 1970, artistas tan diversos como Stephen Antonakis, Chryssa, Walter De Maria, Dan Flavin, Robert Smithson, Dennis Oppenheim, Robert Irwin, Claes Oldenburg, George Segal, Edward Kienholz, Duane Hanson y John DeAndrea exploraron la abstracción, las imágenes y la figuración a través de la escultura de luz, el Land art y el arte de la instalación de nuevas maneras.

Renacimiento de la escultura figurativa de finales del siglo XX

Otros tipos de escultura crecieron en importancia, algunos evolucionaron del trabajo de los líderes en herrería a principios del siglo XX, entre los que se encontraba Samuel Yellin. Se desarrolló un centro para el estilo occidental de la escultura estadounidense en Loveland, Colorado, y muchos estudios, revistas e incluso un museo (el National Cowboy & Western Heritage Museum en la ciudad de Oklahoma) persiguieron este interés. Surgió un estilo neovictoriano, iniciado por el escultor Frederick Hart.

Otros géneros de escultura.

Las comunidades de esculturas de cerámica y muñecas artísticas también crecieron en número e importancia a fines del siglo XX, mientras que la industria del entretenimiento requería esculturas espectaculares a gran escala (a veces monstruosas o parecidas a dibujos animados) para escenarios de películas, parques temáticos, casinos y atletismo. estadios. El diseño de productos industriales, especialmente de automóviles, no debe ser ignorado. Un ejemplo son las esculturas de Randolph Parducci (hermano de Corrado Parducci) creadas para la famosa escena de la carrera de carros en la película Ben Hur.

Problemas legales con respecto a las fotografías

Los tribunales de los Estados Unidos siempre han sostenido que los escultores mantienen un derecho de propiedad intelectual sobre las esculturas y tienen derecho a una compensación si las fotografías se utilizan con fines comerciales. Los derechos se aplican incluso si el escultor ya no es dueño de la escultura o si la escultura ni siquiera se encuentra en un espacio público. El escultor, sin embargo, podría ceder esos derechos. Algunos otros países, como Alemania, dan permiso para tomar fotografías a través del concepto de Panoramafreiheit, o Freedom of Panorama.

El 25 de febrero de 2010, la Corte de Apelaciones del Circuito Federal de los Estados Unidos dictaminó 2-1 que Frank Gaylord, escultor del Monumento a los Veteranos de la Guerra de Corea, tenía derecho a una compensación porque una imagen de él se usó en un franqueo estadounidense de 37 centavos. sello y no había renunciado a sus derechos de propiedad intelectual. El tribunal de apelaciones rechazó los argumentos de que la foto era transformadora.

En 2002, al fotógrafo aficionado y marine jubilado John All se le pagó $1500 por usar una de sus fotografías del monumento en un día de nieve para la estampilla.que vendió más de $ 17 millones en sellos. En 2006, el escultor Frank Gaylord reclutó a Fish & Richardson para que hicieran un reclamo pro bono de que el Servicio Postal de los EE. UU. había violado sus derechos de propiedad intelectual sobre la escultura y, por lo tanto, debería haber sido compensado. El Servicio Postal argumentó que Gaylord no era el único escultor (diciendo que había recibido consejos de fuentes federales, quienes recomendaron que los uniformes parecieran más al viento) y también que la escultura era en realidad arquitectura. Gaylord ganó todos sus argumentos en el tribunal inferior excepto uno... el tribunal dictaminó que la foto era de uso justo y, por lo tanto, no tenía derecho a compensación. Gaylord apeló el fallo de uso justo y ganó el caso en apelación. El 22 de abril de 2011, el Tribunal de Reclamaciones de EE. UU. otorgó a Gaylord $5,000.