Guitarra clásica

La guitarra clásica (también conocida como guitarra de cuerdas de nailon o guitarra española) es un miembro de la familia de las guitarras utilizadas en la música clásica. música y otros estilos. Un instrumento acústico de cuerdas de madera con cuerdas de tripa o nylon, es un precursor de las guitarras acústicas y eléctricas modernas, las cuales usan cuerdas de metal. Las guitarras clásicas derivan de la vihuela y gittern españolas del siglo XV y XVI. Esos instrumentos evolucionaron hasta convertirse en la guitarra barroca de los siglos XVII y XVIII y, a mediados del siglo XIX, en las primeras formas de la guitarra clásica moderna.

Para un jugador diestro, la guitarra clásica tradicional tiene doce trastes fuera del cuerpo y se sostiene correctamente con la pierna izquierda, de modo que la mano que puntea o rasguea las cuerdas lo hace cerca de la parte posterior de la boca. (esto se llama la posición clásica). Sin embargo, la mano derecha puede acercarse al diapasón para lograr diferentes cualidades tonales. El jugador normalmente mantiene la pierna izquierda más alta mediante el uso de un reposapiés. La guitarra de cuerdas de acero moderna, por otro lado, generalmente tiene catorce trastes separados del cuerpo (ver Dreadnought) y comúnmente se sujeta con una correa alrededor del cuello y el hombro.

La frase "guitarra clásica" puede referirse a cualquiera de dos conceptos distintos del instrumento en sí:

• La técnica instrumental de los dedos común a la guitarra clásica - cuerdas individuales rociadas con las uñas o, con menor frecuencia, las puntas de los dedos
• Repertorio de música clásica del instrumento

El término guitarra clásica moderna a veces distingue a la guitarra clásica de formas más antiguas de guitarra, que en su sentido más amplio también se denominan clásica, o más específicamente, primeras guitarras. Los ejemplos de las primeras guitarras incluyen la guitarra romántica temprana de seis cuerdas (c. 1790–1880) y las guitarras barrocas anteriores con cinco cursos.

Los materiales y los métodos de construcción de guitarras clásicas pueden variar, pero la forma típica es la guitarra clásica moderna o la guitarra clásica histórica similar a las primeras guitarras románticas de Francia e Italia. Las cuerdas de guitarra clásica que antes estaban hechas de tripa ahora están hechas de materiales como nailon o fluoropolímeros, generalmente con alambre fino de cobre plateado enrollado alrededor de las cuerdas acústicamente más bajas (d-A-E en afinación estándar).

Se puede identificar un árbol genealógico de la guitarra. La guitarra flamenca deriva de la clásica moderna, pero tiene diferencias en material, construcción y sonido.

La guitarra clásica moderna de hoy fue establecida por los últimos diseños del luthier español del siglo XIX, Antonio Torres Jurado.

Contextos

La guitarra clásica tiene una larga historia y se pueden distinguir varias:

• instrumentos
• repertorio (compositores y sus composiciones, arreglos, improvisaciones)

Tanto el instrumento como el repertorio se pueden ver desde una combinación de varias perspectivas:

Histórico (periodo de tiempo cronológico)

• Guitarra barroca – 1600 a 1750
• Guitarras románticas tempranas – 1750 a 1850 (para la música de los períodos clásico y romántico)
• Guitarras clásicas modernas

Geográfica

• Guitarra española (Torres) y guitarras francesas (René Lacôte,...), etc.

Cultural

• Música barroca, ópera del siglo XIX y sus influencias, canciones folclóricas del siglo XIX, música latinoamericana

Perspectiva histórica

Guitarras antiguas

Guitarra del Museo Cité de la Musique en París (que alberga casi 200 guitarras clásicas)

Mientras que "guitarra clásica" se asocia hoy principalmente con el diseño de la guitarra clásica moderna, hay un interés creciente en las primeras guitarras; y comprender el vínculo entre el repertorio histórico y la guitarra de época particular que se usó originalmente para interpretar este repertorio. El musicólogo y autor Graham Wade escribe:

Hoy en día es costumbre tocar este repertorio sobre reproducciones de instrumentos auténticamente modelados en conceptos de investigación musical con ajustes apropiados a técnicas e interpretación general. Así, en las últimas décadas nos hemos acostumbrado a artistas especializados con experiencia en el arte de vihuela (un tipo de guitarra popular del siglo XVI en España), lute, guitarra barroca, guitarra del siglo XIX, etc.

Diferentes tipos de guitarras tienen diferentes estéticas de sonido, p. diferentes características del espectro de color (la forma en que la energía del sonido se distribuye en la frecuencia fundamental y los armónicos), respuesta diferente, etc. Estas diferencias se deben a diferencias en la construcción; por ejemplo, las guitarras clásicas modernas suelen usar un refuerzo diferente (refuerzo en abanico) del que se usaba en las guitarras anteriores (tenían refuerzos en escalera); y el luthier utilizó una voz diferente.

Existe un paralelismo histórico entre los estilos musicales (barroco, clásico, romántico, flamenco, jazz) y el estilo de "estética sonora" de los instrumentos musicales utilizados, por ejemplo: Robert de Visée tocaba una guitarra barroca con una estética sonora muy diferente a las guitarras utilizadas por Mauro Giuliani y Luigi Legnani, que utilizaban guitarras del siglo XIX. Estas guitarras a su vez suenan diferente a los modelos Torres utilizados por Segovia que son aptos para interpretaciones de obras romántico-modernas como Moreno Torroba.

Al considerar la guitarra desde una perspectiva histórica, el instrumento musical utilizado es tan importante como el lenguaje musical y el estilo de la época en particular. Como ejemplo: es imposible tocar un de Visee o Corbetta (guitarristas-compositores barrocos) históricamente informados en una guitarra clásica moderna. La razón es que la guitarra barroca usaba cuerdas, que son dos cuerdas muy juntas (al unísono), que se pulsan juntas. Esto le da a las guitarras barrocas una característica de sonido inconfundible y una textura tonal que es una parte integral de una interpretación. Además, la estética del sonido de la guitarra barroca (con su fuerte presencia de armónicos) es muy diferente a la de las guitarras clásicas modernas, como se muestra a continuación.

El uso actual de guitarras tipo Torres y post-Torres para el repertorio de todas las épocas a veces se ve de manera crítica: las guitarras modernas de estilo Torres y post-Torres (con su refuerzo y diseño en abanico) tienen un tono grueso y fuerte., muy adecuado para el repertorio de la era moderna. Sin embargo, se considera que enfatizan demasiado la fundamental (a expensas de los armónicos parciales) para el repertorio anterior (Clásico/Romántico: Carulli, Sor, Giuliani, Mertz,...; Barroco: de Visee,...; etc.). "Andrés Segovia presentó la guitarra española como un modelo versátil para todos los estilos de interpretación" hasta el punto, que aún hoy, "muchos guitarristas tienen una visión de túnel del mundo de la guitarra, provenientes de la tradición segoviana moderna".

Guitarra del siglo XIX hecha por Manuel de Soto y Solares, realizada por el guitarrista español Rafael Serrallet

A principios del siglo XX, mientras que los instrumentos clásicos modernos de estilo Torres y post-Torres con refuerzos en abanico coexistieron con las guitarras tradicionales con refuerzos en escalera, las formas más antiguas eventualmente desaparecieron. Algunos lo atribuyen a la popularidad de Segovia, considerándolo "el catalizador del cambio hacia el diseño español y el llamado 'moderno' escuela en la década de 1920 y más allá." Los estilos de música interpretados en guitarras con refuerzos en escalera estaban pasando de moda y, por ejemplo, en Alemania, más músicos se estaban volviendo hacia la música folclórica (música Schrammel y la contraguitarra). Esto se localizó en Alemania y Austria y volvió a pasar de moda. Por otro lado, Segovia estaba dando conciertos en todo el mundo, popularizando la guitarra clásica moderna y, en la década de 1920, el estilo romántico-moderno español con obras para guitarra de Moreno Torroba, de Falla, etc.

Francisco Tárrega, guitarrista clásico del siglo XIX, popularizó por primera vez el diseño de Torres como un instrumento solista clásico. Sin embargo, algunos sostienen que la influencia de Segovia llevó a su dominio sobre otros diseños. Las fábricas de todo el mundo comenzaron a producirlos en grandes cantidades.

Características

• Vihuela, guitarras renacentistas y guitarras barrocas tienen un sonido brillante, rico en matices, y sus cursos (cuerdas dobles) dan al sonido una textura muy particular.
• Las guitarras tempranas de la época clásica y romántica (guitarras casi románticas) tienen cuerdas individuales, pero su diseño y voicing todavía son tales que tienen su energía tonal más en las tonalidades (pero sin estrellas fundamentales), dando un tono íntimo brillante.
• Más tarde en España surgió un estilo de música que favorecía un fundamento más fuerte:
  "Con el cambio de música se exigió un fundamento más fuerte y se abordó el sistema de fijación de ventiladores.... el tono de la guitarra ha sido cambiado desde un tono transparente, rico en parciales superiores a un tono más 'fuera' con un fuerte fundamental."
• Así, las guitarras modernas con el sujetador de ventilador (fan strutting) tienen un diseño y voicing que les da un sonido grueso, pesado, con mucha más energía tonal encontrada en el fundamental.

Períodos de estilo

Renacimiento

Los compositores del Renacimiento que escribieron para guitarra de cuatro órdenes incluyen a Alonso Mudarra, Miguel de Fuenllana, Adrian Le Roy, Grégoire Brayssing [fr], Guillaume de Morlaye y Simon Gorlier [fr].

Instrumento

Guitarra de cuatro órdenes

Barroca

Algunos compositores muy conocidos de la guitarra barroca fueron Gaspar Sanz, Robert de Visée, Francesco Corbetta y Santiago de Murcia.

Ejemplos de instrumentos

• Guitarra barroca de Nicolas Alexandre Voboam II: Este instrumento francés tiene el diseño típico del período con cinco cursos de doble cuerda y una espalda plana.
• Guitarra barroca atribuida a Matteo Sellas: Este instrumento italiano tiene cinco cursos y una espalda redondeada.

Clásica y romántica

Desde aproximadamente 1780 hasta 1850, la guitarra tuvo numerosos compositores e intérpretes, entre ellos:

• Filippo Gragnani (1767-1820)
• Antoine de Lhoyer (1768–1852)
• Ferdinando Carulli (1770–1841)
• Wenzel Thomas Matiegka (1773-1830)
• Francesco Molino (1774-1847)
• Fernando Sor (1778–1839)
• Luigi Moretti[it] [1](c. 1780–1850)
• Mauro Giuliani (1781-1829)
• Niccolò Paganini (1782-1840)
• Dionisio Aguado (1784-1849)
• Luigi Legnani (1790-1877)
• Matteo Carcassi (1792-1853)
• Napoléon Coste (1805-1883)
• Johann Kaspar Mertz (1806-1856)
• Giulio Regondi (1822-1872)

Héctor Berlioz estudió guitarra en su adolescencia; Franz Schubert poseía al menos dos y escribía para el instrumento; y Ludwig van Beethoven, después de escuchar tocar a Giuliani, comentó que el instrumento era "una orquesta en miniatura en sí misma". Niccolò Paganini también fue un virtuoso de la guitarra y compositor. Una vez escribió: "Me encanta la guitarra por su armonía; es mi compañero constante en todos mis viajes". También dijo, en otra ocasión: "No me gusta este instrumento, pero lo considero simplemente como una forma de ayudarme a pensar".

Francisco Tárrega

El guitarrista y compositor Francisco Tárrega (21 de noviembre de 1852 – 15 de diciembre de 1909) fue uno de los grandes virtuosos y maestros de la guitarra y es considerado el padre de la guitarra clásica moderna. Como profesor de guitarra en los conservatorios de Madrid y Barcelona, definió muchos elementos de la técnica clásica moderna y elevó la importancia de la guitarra en la tradición de la música clásica.

Período moderno

A principios de la década de 1920, Andrés Segovia popularizó la guitarra con giras y primeras grabaciones fonográficas. Segovia colaboró con los compositores Federico Moreno Torroba y Joaquín Turina con el objetivo de ampliar el repertorio guitarrístico con nueva música. La gira de Segovia por Sudamérica revitalizó el interés del público por la guitarra y ayudó a que la música para guitarra de Manuel Ponce y Heitor Villa-Lobos llegara a un público más amplio. Los compositores Alexandre Tansman y Mario Castelnuovo-Tedesco recibieron el encargo de Segovia de escribir nuevas piezas para guitarra. Luiz Bonfá popularizó estilos musicales brasileños como la recién creada Bossa Nova, que fue bien recibida por el público estadounidense.

"Música nueva" – vanguardista

El repertorio de guitarra clásica también incluye obras contemporáneas modernas, a veces denominadas "Nueva música" – como Changes de Elliott Carter, Codex I de Cristóbal Halffter, Sequenza XI de Luciano Berio, Sette Studi de Maurizio Pisati, Si Le Jour Paraît de Maurice Ohana, Rara (eco sierologico), Suite für Guitarre allein de Ernst Krenek, op. 164, Algo: Due pezzi per chitarra de Franco Donatoni, Variazioni Notturne de Paolo Coggiola, etc.

Los artistas que son conocidos por incluir repertorio moderno incluyen a Jürgen Ruck, Elena Càsoli, Leo Brouwer (cuando aún actuaba), John Schneider, Reinbert Evers, Maria Kämmerling, Siegfried Behrend, David Starobin, Mats Scheidegger, Magnus Andersson, etc..

Este tipo de repertorio suele ser interpretado por guitarristas que han optado especialmente por centrarse en la vanguardia en sus interpretaciones.

Dentro de la propia escena musical contemporánea, también hay obras que generalmente se consideran extremas. Estos incluyen obras como Kurze Schatten II de Brian Ferneyhough, away from de Sven-David Sandström y Toccata de Rolf Riehm Orfeo etc. que son notorios por su extrema dificultad.

También hay una variedad de bases de datos que documentan trabajos modernos de guitarra, como Sheer Pluck y otros.

Antecedentes

La evolución de la guitarra clásica y su repertorio abarca más de cuatro siglos. Tiene una historia que fue moldeada por aportes de instrumentos anteriores, como el laúd, la vihuela y la guitarra barroca.

El último guitarrista en seguir los pasos de Segovia fue Julian Bream y Julian Bream tendrá 73 años el 15 de julio de 2006. Miguel Llobet, Andrés Segovia y Julian Bream son las tres personalidades intérpretes del siglo XX. No me entiendas mal, hoy tenemos muchos guitarristas que son intérpretes muy excelentes, pero ninguno con una personalidad tan distinta en su tono y estilo como Llobet, Segovia y Bream. En todas las áreas instrumentales, no sólo la guitarra, hay una falta de individualismo con una fuerte tendencia a la conformidad. Esto me parece muy desafortunado ya que el arte (música, teatro o artes pictóricas) es un asunto muy individual y personal.

—Bernard Hebb, Interview

Historia

Guitarra Latina (izquierda) y

Guitarra Morisca (derecha)

Historia de guitarras
(exhibido en el Museo Deutsches)

Resumen de la historia de la guitarra clásica

Los orígenes de la guitarra moderna no se conocen con certeza. Algunos creen que es autóctono de Europa, mientras que otros piensan que es un instrumento importado. Los instrumentos similares a guitarras aparecen en tallas antiguas y estatuas recuperadas de las civilizaciones egipcia, sumeria y babilónica. Esto significa que los instrumentos iraníes contemporáneos, como el tanbur y el setar, están lejanamente relacionados con la guitarra europea, ya que todos derivan en última instancia de los mismos orígenes antiguos, pero por caminos históricos e influencias muy diferentes.

Durante la Baja Edad Media, los gitterns llamados "guitarras" estaban en uso, pero su construcción y afinación eran diferentes de las guitarras modernas. La guitarra latina en España tenía los lados curvos y un solo agujero. La guitarra morisca, que parece haber tenido influencias moriscas, tenía una caja de resonancia ovalada y muchos agujeros de sonido en su tapa armónica. En el siglo XV, un instrumento de cuatro cuerdas y dos cuerdas llamado vihuela de mano, que se afinaba como la guitarra moderna posterior excepto en una cuerda y una construcción similar, apareció por primera vez en España y se extendió a Francia. e Italia. En el siglo XVI se añadió una quinta cuerda doble. Durante este tiempo, los compositores escribieron principalmente en notación de tablatura. A mediados del siglo XVI se combinan influencias de la vihuela y la guitarra renacentista y aparece en España la guitarra barroca de cinco cuerdas. La guitarra barroca rápidamente reemplazó a la vihuela en popularidad en España, Francia e Italia y los músicos y compositores italianos se hicieron prominentes. A finales del siglo XVIII, la guitarra de seis cuerdas se hizo rápidamente popular a expensas de las guitarras de cinco cuerdas. Durante el siglo XIX, el luthier y ejecutante español Antonio de Torres le dio a la guitarra clásica moderna su forma definitiva, con un cuerpo ensanchado, una mayor curvatura de la cintura, una panza más delgada y un varetaje interno mejorado. La guitarra clásica moderna reemplazó una forma más antigua para el acompañamiento del canto y la danza llamada flamenco, y se creó una versión modificada, conocida como guitarra flamenca.

Gittern (1450)

Vihuela
(vihuela book by Luis Milan, 1536)

Guitarra barroca con espalda redondeada
(grabado por Etienne Picart, 1680)

Guitarra renacentista

El libro Tres Libros de Música de Alonso de Mudarra, publicado en España en 1546, contiene las primeras piezas escritas conocidas para guitarra de cuatro órdenes. Esta "guitarra" de cuatro tiempos fue popular en Francia, España e Italia. En Francia, este instrumento ganó popularidad entre los aristócratas. Un volumen considerable de música se publicó en París desde la década de 1550 hasta la de 1570: Le Troysième Livre... mis en tablature de Guiterne de Simon Gorlier se publicó en 1551. En 1551 Adrian Le Roy también publicó su Premier Livre de Tablature de Guiterne, y en el mismo año también publicó Briefve et facile Instruction pour apprendre la tablature a bien accorder, conduire, et disposer la main sur la Guiterne. Robert Ballard, Grégoire Brayssing de Augsburgo y Guillaume Morlaye (c. 1510 - c. 1558) contribuyeron significativamente a su repertorio. Le Premier Livre de Chansons, Gaillardes, Pavannes, Bransles, Almandes, Fantasies de Morlaye, que tiene un instrumento de cuatro tiempos ilustrado en la portada, se publicó en colaboración con Michel Fedenzat y, entre otras obras musicales, publicaron seis libros de tablatura del laudista Albert de Rippe (quien muy probablemente fue el maestro de Guillaume).

Vihuelas

La historia escrita de la guitarra clásica se remonta a principios del siglo XVI con el desarrollo de la vihuela en España. Mientras que el laúd se estaba volviendo popular en otras partes de Europa, los españoles no lo tomaron bien debido a su asociación con los moros. En cambio, apareció la vihuela parecida a un laúd con dos cuerdas más que le dieron más amplitud y complejidad. En su forma más desarrollada, la vihuela era un instrumento parecido a una guitarra con seis cuerdas dobles hechas de tripa, afinadas como una guitarra clásica moderna con la excepción de la tercera cuerda, que se afinaba medio paso más abajo. Tiene un sonido alto y es bastante grande para sostener. Pocos han sobrevivido y la mayor parte de lo que se conoce hoy proviene de diagramas y pinturas.

Guitarra barroca en El reproductor de guitarra ()c.1672), por Johannes Vermeer

Guitarra romántica temprana de Jean-Nicolas Grobert (1830)

Guitarra barroca

"Guitarra romántica temprana" o "Guitarra durante la era de la música clásica"

Se cree que la guitarra de seis cuerdas más antigua que existe fue construida en 1779 por Gaetano Vinaccia (1759 - después de 1831) en Nápoles, Italia; sin embargo, la fecha en la etiqueta es un poco ambigua. La familia de luthiers Vinaccia es conocida por desarrollar la mandolina. Esta guitarra ha sido examinada y no muestra signos reveladores de modificaciones de una guitarra de dos cuerdas. A menudo se cuestiona la autenticidad de las guitarras supuestamente producidas antes de la década de 1790. Esto también corresponde a cuando apareció el método de 6 cuerdas de Moretti, en 1792.

Guitarra española de Antonio de Torres Jurado (1862)

Smallman interpretado por John Williams en 2008

Guitarra clásica moderna

Eminent guitarrista clásico y compositor Agustín Barrios

La guitarra clásica moderna (también conocida como "guitarra española"), precursora inmediata de las guitarras actuales, fue desarrollada en el siglo XIX por Antonio de Torres Jurado, Ignacio Fleta, Hermann Hauser padre y Robert Bouchet.

Técnica

El fingerstyle se usa fervientemente en la guitarra clásica moderna. El pulgar puntea tradicionalmente el bajo, o la nota fundamental, mientras que los dedos tocan la melodía y las partes que la acompañan. A menudo, la técnica de la guitarra clásica implica el uso de las uñas de la mano derecha para tocar las notas. Los jugadores destacados fueron: Francisco Tárrega, Emilio Pujol, Andrés Segovia, Julian Bream, Agustín Barrios y John Williams (guitarrista).

Rendimiento

La guitarra clásica moderna generalmente se toca sentado, con el instrumento descansando sobre el regazo izquierdo y el pie izquierdo sobre un taburete. Alternativamente, si no se usa un reposapiés, se puede colocar un soporte de guitarra entre la guitarra y el regazo izquierdo (el soporte generalmente se sujeta al costado del instrumento con ventosas). (Por supuesto, hay excepciones, con algunos artistas que eligen sostener el instrumento de otra manera).

Los jugadores diestros usan los dedos de la mano derecha para tocar las cuerdas, con el pulgar punteando desde la parte superior de una cuerda hacia abajo (golpe descendente) y los otros dedos punteando desde la parte inferior de la cuerda hacia arriba (golpe ascendente). El dedo meñique en la técnica clásica, tal como evolucionó en el siglo XX, se usa solo para moverse junto con el dedo anular sin tocar las cuerdas y, por lo tanto, para facilitar fisiológicamente el movimiento del dedo anular.

Por el contrario, la técnica flamenca y las composiciones clásicas que evocan el flamenco emplean el dedo meñique de forma semiindependiente en el rasgueado flamenco de cuatro dedos, ese rasgueo rápido de la cuerda con los dedos en orden inverso empleando la parte posterior de la uña, un característica familiar del flamenco.

Técnica flamenca, en la interpretación del rasgueado también se utiliza el movimiento ascendente de los cuatro dedos y el movimiento descendente del pulgar: la cuerda se golpea no solo con la cara interna y carnosa de la yema del dedo, sino también con la cara externa, la uña.. Esto también se utilizó en una técnica de la vihuela llamada dedillo que recientemente ha comenzado a introducirse en la guitarra clásica.

Algunos guitarristas modernos, como Štěpán Rak y Kazuhito Yamashita, usan el dedo meñique de forma independiente, compensando la brevedad del dedo meñique manteniendo una uña extremadamente larga. Rak y Yamashita también han generalizado el uso del golpe de los cuatro dedos hacia arriba y del pulgar hacia abajo (la misma técnica que en el rasgueado del Flamenco: como se explicó anteriormente, la cuerda no se golpea solo con el lado carnoso interno del yema del dedo sino también con el lado externo de la uña) tanto como trazo libre como de descanso.

Contacto directo con cuerdas

Al igual que con otros instrumentos punteados (como el laúd), el músico toca directamente las cuerdas (normalmente punteando) para producir el sonido. Esto tiene consecuencias importantes: se pueden producir diferentes tonos/timbres (de una sola nota) punteando la cuerda de diferentes maneras (apoyando o tirando) y en diferentes posiciones (como más cerca o más lejos del puente de la guitarra). Por ejemplo, puntear una cuerda al aire sonará más brillante que tocar la(s) misma(s) nota(s) en una posición con trastes (que tendría un tono más cálido).

La versatilidad del instrumento significa que puede crear una variedad de tonos, pero este estilo de tocar con los dedos también hace que el instrumento sea más difícil de aprender que la técnica de rasgueo de una guitarra acústica estándar.

Notación de digitación

En las partituras de guitarra, los cinco dedos de la mano derecha (los que tocan las cuerdas) se designan con la primera letra de su nombre en español, a saber, p = pulgar (pulgar), i = dedo índice (índice), m = dedo medio (mayor), a = dedo anular (anular), c = meñique dedo o meñique (meñique/chiquito)

Los cuatro dedos de la mano izquierda (que tocan las cuerdas) se designan 1 = índice, 2 = mayor, 3 = dedo anular, 4 = dedo meñique. 0 designa una cuerda al aire, una cuerda que no se detiene con un dedo y cuya longitud completa vibra cuando se toca. Es raro usar el pulgar de la mano izquierda en la interpretación, el mástil de una guitarra clásica es demasiado ancho para la comodidad y la técnica normal mantiene el pulgar detrás del mástil. Sin embargo, Johann Kaspar Mertz, por ejemplo, se destaca por especificar el pulgar para tocar las notas bajas en la sexta cuerda, anotadas con una punta de flecha hacia arriba (⌃).

Las partituras (al contrario de las tablaturas) no indican sistemáticamente la cuerda a tocar (aunque la elección suele ser obvia). Cuando se indica que la cuerda es útil, la partitura utiliza los números del 1 al 6 dentro de círculos (desde el tono más alto hasta el más bajo).

Las partituras no indican sistemáticamente las posiciones del diapasón (dónde colocar el dedo índice de la mano que toca el traste), pero cuando es útil (principalmente con acordes de barrés), la partitura indica las posiciones con números romanos desde la primera posición I (dedo índice en el traste 1: F-B bemol-E bemol-A bemol-C-F) hasta la duodécima posición XII (dedo índice en el traste 12: E-A-D-G-B-E. El traste 12 es donde comienza el cuerpo) o incluso más arriba hasta la posición XIX (el clásico la guitarra suele tener 19 trastes, y el traste 19 se divide con mayor frecuencia y no se puede usar para tocar las cuerdas 3 y 4).

Alternancia

Para lograr efectos de trémolo y pasajes de escala rápidos y fluidos, el jugador debe practicar la alternancia, es decir, nunca tocar una cuerda con el mismo dedo dos veces seguidas. Usando p para indicar el pulgar, i el dedo índice, m el dedo medio y a el dedo anular, Los patrones de alternancia comunes incluyen:

• i-m-i-i- m: Línea de melodía básica en las cuerdas tragables. Tiene la apariencia de "caminar por las cuerdas". Esto se utiliza a menudo para reproducir pasajes Scale (music).
• p-i-m-a-i-m-a: Arpeggio patrón ejemplo. Sin embargo, hay muchos patrones de arpeggio incorporados en el repertorio de guitarra clásica.
• p-a-m-i-p-a-m i: Patrón de tremolo de guitarra clásica.
• p-m-p-m: Una forma de jugar una línea de melodía en las cuerdas inferiores.

Repertorio

La música escrita específicamente para guitarra clásica data de la adición de la sexta cuerda (la guitarra barroca normalmente tenía cinco pares de cuerdas) a finales del siglo XVIII.

Un recital de guitarra puede incluir una variedad de obras, por ejemplo, obras escritas originalmente para laúd o vihuela por compositores como John Dowland (n. Inglaterra 1563) y Luis de Narváez (n. España c. 1500), y también música escrita para clavecín por Domenico Scarlatti (n. Italia 1685), para laúd barroco por Sylvius Leopold Weiss (n. Alemania 1687), para guitarra barroca por Robert de Visée (n. Francia c. 1650) o incluso español- música con sabor escrita para piano por Isaac Albéniz (n. España 1860) y Enrique Granados (n. España 1867). El compositor más importante que no escribió para guitarra pero cuya música se toca con frecuencia es Johann Sebastian Bach (n. Alemania 1685), cuyas obras para laúd barroco han demostrado ser muy adaptables al instrumento.

De la música escrita originalmente para guitarra, los primeros compositores importantes son del período clásico e incluyen a Fernando Sor (n. España 1778) y Mauro Giuliani (n. Italia 1781), quienes escribieron en un estilo fuertemente influenciado por el vienés. clasicismo. En el siglo XIX, compositores de guitarra como Johann Kaspar Mertz (n. Eslovaquia, Austria 1806) fueron fuertemente influenciados por el dominio del piano. No fue hasta finales del siglo XIX que la guitarra comenzó a establecer su propia identidad única. Francisco Tárrega (n. España 1852) fue central en esto, a veces incorporando aspectos estilizados de las influencias moriscas del flamenco en sus miniaturas románticas. Esto fue parte del nacionalismo musical europeo dominante de finales del siglo XIX. Albéniz y Granados fueron centrales en este movimiento; su evocación de la guitarra tuvo tanto éxito que sus composiciones han sido absorbidas por el repertorio guitarrístico estándar.

Las guitarras eléctricas y de cuerdas de acero características del auge del rock and roll en la era posterior a la Segunda Guerra Mundial se tocaron más ampliamente en América del Norte y el mundo de habla inglesa. Agustín Barrios Mangoré de Paraguay compuso muchas obras y trajo a la corriente principal las características de la música latinoamericana, al igual que el compositor brasileño Heitor Villa-Lobos. Andrés Segovia encargó obras a compositores españoles como Federico Moreno Torroba y Joaquín Rodrigo, italianos como Mario Castelnuovo-Tedesco y compositores latinoamericanos como Manuel Ponce de México. Otros destacados compositores latinoamericanos son Leo Brouwer de Cuba, Antonio Lauro de Venezuela y Enrique Solares de Guatemala. Julian Bream de Gran Bretaña logró que casi todos los compositores británicos, desde William Walton y Benjamin Britten hasta Peter Maxwell Davies, escribieran obras importantes para guitarra. Las colaboraciones de Bream con el tenor Peter Pears también dieron como resultado ciclos de canciones de Britten, Lennox Berkeley y otros. Hay obras significativas de compositores como Hans Werner Henze de Alemania, Gilbert Biberian de Inglaterra y Roland Chadwick de Australia.

La guitarra clásica también se volvió muy utilizada en la música popular y el rock & rodó en la década de 1960 después de que el guitarrista Mason Williams popularizara el instrumento en su éxito instrumental Classical Gas. El guitarrista Christopher Parkening es citado en el libro Classical Gas: The Music of Mason Williams diciendo que es la pieza de guitarra más solicitada además de la Malagueña y quizás la pieza de guitarra instrumental más conocida en la actualidad. En el campo del Nuevo Flamenco, las obras e interpretaciones del compositor e intérprete español Paco de Lucía son mundialmente conocidas.

No se escribieron muchos conciertos de guitarra clásica a lo largo de la historia. Sin embargo, algunos conciertos para guitarra son hoy en día muy conocidos y populares, especialmente el Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo (con el famoso tema del 2º movimiento) y la Fantasía para un gentilhombre.. Los compositores que también escribieron famosos conciertos para guitarra son: Antonio Vivaldi (originalmente para mandolina o laúd), Mauro Giuliani, Heitor Villa-Lobos, Mario Castelnuovo-Tedesco, Manuel Ponce, Leo Brouwer, Lennox Berkeley y Malcolm Arnold. En la actualidad, cada vez más compositores contemporáneos deciden escribir un concierto para guitarra, entre ellos el Bosco Sacro de Federico Biscione, para guitarra y orquesta de cuerdas, es uno de los más inspirados.

Características físicas

La guitarra clásica se distingue por una serie de características:

• Es un instrumento acústico. El sonido de la cuerda plucked es amplificado por la cavidad sonora y resonante de la guitarra.
• Tiene seis cuerdas, aunque algunas guitarras clásicas tienen siete o más cuerdas.
• Las seis cuerdas están hechas de nylon, o nylon envuelto con metal, en lugar de las cuerdas metálicas encontradas en otras guitarras acústicas. Las cadenas de nylon también tienen una tensión mucho menor que las cadenas de acero, así como los predecesores de cadenas de nylon, cadenas de tripas (hechas de buey o tripa de ovejas). Las tres cuerdas inferiores ('bass strings') están heridas con metal, comúnmente cobre plateado.
• Debido a la baja tensión de cuerda
  • El cuello se puede hacer completamente de madera sin una varilla de acero
  • El sujetador interior puede ser más ligero
• Las típicas guitarras clásicas de seis cuerdas son de 48 a 54 mm de ancho en la tuerca, en comparación con alrededor de 42 mm para guitarras eléctricas.
• Las tablas de dedos clásicas son normalmente planas y sin marcadores de freta incrustados, o simplemente tienen incrustaciones de puntos en el lado del cuello: las tablas de dedos de cadenas de acero generalmente tienen un ligero radio y incrustaciones.
• Los guitarristas clásicos usan su mano derecha para arrancar las cuerdas. Los jugadores dan forma a sus uñas para el tono ideal y se sienten contra las cuerdas.
• Strumming es una técnica menos común en la guitarra clásica, y a menudo se refiere por el término español "rasgueo", o para los patrones de strumming "rasgueado", y utiliza las espaldas de las uñas. Rasgueado es parte integral de la guitarra flamenca.
• Las cabezas de la máquina en la cabeza de un punto de guitarra clásico hacia atrás, en contraste con la mayoría de las guitarras de acero, que tienen cabezas de máquina que apuntan hacia fuera.
• El diseño general de una Guitarra Clásica es muy similar a la guitarra flamenca ligeramente más ligera y más pequeña.

Piezas

Diagrama mostrando partes exteriores de la guitarra clásica

Las partes de las guitarras clásicas típicas incluyen:

• Headstock
• Nut
• Cabezas de máquinas (o cabezas de peluca, teclas de ajuste, máquinas de sintonización, sintonizadores)
• Frets
• Neck
• Heel
• Cuerpo
• Puente
• Bottom deck
• Soundboard
• Carros
• Agujero de sonido, con incrustación de roseta
• Pendientes
• Saddle (Bridge nut)
• Fretboard

Diapasón

El diapasón (también llamado diapasón) es una pieza de madera incrustada con trastes de metal que constituye la parte superior del mástil. Es plano o ligeramente curvado. La curvatura del diapasón se mide por el radio del diapasón, que es el radio de un círculo hipotético del cual la superficie del diapasón constituye un segmento. Cuanto más pequeño es el radio del diapasón, más notablemente curvado es el diapasón. Los diapasones suelen estar hechos de ébano, pero también pueden estar hechos de palisandro, alguna otra madera dura o de compuesto fenólico ("micarta").

Trastes

Los frets son las tiras metálicas (generalmente aleación de níquel o acero inoxidable) incrustadas a lo largo del dedo y colocadas en puntos que dividen la longitud de la cadena matemáticamente. La longitud vibratoria de las cuerdas se determina cuando las cuerdas están presionadas detrás de las fretas. Cada fret produce un lanzamiento diferente y cada parcela se espació a medio paso en la escala de 12 tonos. La relación de los anchos de dos frets consecutivos es la 12a raíz de dos (212{displaystyle {sqrt[{12}{2}}), cuyo valor numérico es alrededor de 1.059463. El duodécimo fret divide la cuerda en dos mitades exactas y el 24o fret (si está presente) divide la cuerda en la mitad una vez más. Cada doce fretas representa una octava. Este arreglo de frets resulta en igual ajuste templado.

Cuello

Los trastes, el diapasón, los afinadores y el clavijero de una guitarra clásica, todos unidos a una larga extensión de madera, constituyen colectivamente su mástil. La madera del diapasón suele ser diferente de la del resto del mástil. La tensión de flexión en el mástil es considerable, especialmente cuando se utilizan cuerdas de mayor calibre. La longitud de escala más común para la guitarra clásica es de 650 mm (que se calcula midiendo la distancia entre el extremo de la cejilla y el centro del traste 12 y luego duplicando esa medida). Sin embargo, las longitudes de escala pueden variar de 635 a 664 mm o más.

Articulación del cuello o 'talón'

Este es el punto donde el cuello se encuentra con el cuerpo. En la junta de cuello tradicional española, el cuello y el bloque son una sola pieza con los lados insertados en ranuras cortadas en el bloque. Otros cuellos se construyen por separado y se unen al cuerpo con una junta de cola de milano, mortaja o junta al ras. Estas juntas suelen estar pegadas y pueden reforzarse con sujetadores mecánicos. Recientemente, muchos fabricantes utilizan sujetadores atornillados. Las juntas de mástil atornilladas alguna vez se asociaron solo con instrumentos menos costosos, pero ahora algunos de los principales fabricantes y constructores manuales están utilizando variaciones de este método. Algunas personas creían que el mástil/bloque de una pieza de estilo español y los mástiles de cola de milano pegados tienen mejor sustain, pero las pruebas no han podido confirmarlo. Mientras que la mayoría de los constructores de estilo español tradicional utilizan el bloque de cuello/talón de una pieza, Fleta, un destacado constructor español, utilizó una unión de cola de milano debido a la influencia de su formación inicial en la fabricación de violines. Una razón para la introducción de juntas mecánicas fue facilitar la reparación de cuellos. Esto es más un problema con las guitarras de cuerdas de acero que con las cuerdas de nailon, que tienen aproximadamente la mitad de la tensión de las cuerdas. Esta es la razón por la que las guitarras de cuerdas de nailon a menudo tampoco incluyen un alma.

Cuerpo

Una foto de una guitarra de construcción "dobletop" contemporánea hecha por Gernot Wagner en 2013 y propiedad de Jason Vieaux.

El cuerpo del instrumento es un factor determinante de la variedad de sonido general de las guitarras acústicas. La tapa de la guitarra, o caja de resonancia, es un elemento finamente elaborado y diseñado, a menudo hecho de abeto o cedro rojo. Considerado el factor más destacado para determinar la calidad del sonido de una guitarra, esta fina pieza de madera (a menudo de 2 o 3 mm de grosor) tiene un grosor uniforme y está reforzada por diferentes tipos de refuerzos internos. El fondo está hecho de palosanto y el palosanto de Brasil es especialmente codiciado, pero a veces se usa caoba u otras maderas decorativas.

La mayor parte del sonido es causado por la vibración de la tapa de la guitarra a medida que se transfiere la energía de las cuerdas vibrantes. Los luthiers han utilizado diferentes patrones de varetaje de madera a lo largo de los años (Torres, Hauser, Ramírez, Fleta y CF Martin se encuentran entre los diseñadores más influyentes de su época); no solo para fortalecer la tapa contra el colapso bajo el tremendo estrés ejercido por las cuerdas tensadas, sino también para afectar la resonancia de la tapa. Algunos fabricantes de guitarras contemporáneos han introducido nuevos conceptos de construcción como "doble tapa" que consta de dos placas de madera extrafinas separadas por Nomex, o celosía reforzada con fibra de carbono - arriostramiento patrón. El fondo y los aros están hechos de una variedad de maderas como la caoba, el arce, el ciprés, el palosanto de la India y el muy apreciado palosanto de Brasil (Dalbergia nigra). Cada uno se elige por su efecto estético y fuerza estructural, y esa elección también puede desempeñar un papel en la determinación del timbre del instrumento. Estos también están reforzados con refuerzos internos y decorados con incrustaciones y filetes. Antonio de Torres Jurado demostró que era la tapa, y no el fondo y los aros de la guitarra, lo que le daba sonido al instrumento, en 1862 construyó una guitarra con fondo y aros de cartón piedra. (Esta guitarra se encuentra en el Museu de la Musica de Barcelona, y antes del año 2000 fue restaurada para tocar por los hermanos Yagüe, Barcelona). El cuerpo de una guitarra clásica es una cámara de resonancia que proyecta las vibraciones del cuerpo a través de un agujero de sonido, lo que permite escuchar la guitarra acústica sin necesidad de amplificación. El orificio de sonido es normalmente un solo orificio redondo en la parte superior de la guitarra (debajo de las cuerdas), aunque algunos tienen diferentes ubicaciones, formas o números de orificios. La cantidad de aire que puede mover un instrumento determina su volumen máximo.

Encuadernación, fileteado y ranurado

La tapa, el fondo y los aros del cuerpo de una guitarra clásica son muy delgados, por lo que una pieza de madera flexible llamada corte (porque a menudo está ranurada o cortada) se dobla con la forma del borde) se pega en las esquinas donde el borde se encuentra con la parte superior y trasera. Este refuerzo interior proporciona de 5 a 20 mm de área sólida de pegado para estas juntas de esquina.

Durante la construcción final, una pequeña sección de las esquinas exteriores se talla o enruta y se rellena con material de unión en las esquinas exteriores y tiras decorativas de material junto a la unión, que se denominan purfing. Esta unión sirve para sellar la fibra final de la parte superior y trasera. Los materiales para encuadernación y fileteado suelen estar hechos de madera o de materiales plásticos de alta calidad.

Puente

El objetivo principal del puente de una guitarra clásica es transferir la vibración de las cuerdas a la tapa armónica, que hace vibrar el aire dentro de la guitarra, amplificando así el sonido producido por las cuerdas. El puente mantiene las cuerdas en su lugar en el cuerpo. Además, la posición del sillín, generalmente una tira de hueso o plástico que sostiene las cuerdas fuera del puente, determina la distancia a la cejilla (en la parte superior del diapasón).

Tamaños

La guitarra clásica moderna de tamaño completo tiene una longitud de escala de alrededor de 650 mm (25,6 pulgadas), con una longitud total del instrumento de 965–1016 mm (38,0–40,0 pulgadas). La longitud de la escala se ha mantenido bastante constante desde que fue elegida por el creador del instrumento, Antonio de Torres. Es posible que se haya elegido esta longitud porque es el doble de la longitud de una cuerda de violín. Como la guitarra está afinada una octava por debajo de la del violín, se podría utilizar tripa del mismo tamaño para las primeras cuerdas de ambos instrumentos.

Los instrumentos de escala más pequeña se producen para ayudar a los niños a aprender a tocar el instrumento, ya que la escala más pequeña lleva a que los trastes estén más juntos, lo que lo hace más fácil para las manos más pequeñas. El tamaño de la escala para las guitarras más pequeñas suele estar en el rango de 484 a 578 mm (19,1 a 22,8 pulgadas), con una longitud de instrumento de 785 a 915 mm (30,9 a 36,0 pulgadas). Los instrumentos de tamaño completo a veces se denominan 4/4, mientras que los tamaños más pequeños son 3/4, 1/2 o 1/4.

Afinación

Se utiliza una variedad de afinaciones diferentes. La más común con diferencia, que se podría llamar la "afinación estándar" es:

• e^I – b – g – d – A – E

El orden anterior es la afinación desde la 1ra cuerda (la cuerda más aguda e'—espacialmente la cuerda inferior en la posición de ejecución) hasta la 6ta cuerda – cuerda E de tono más bajo: espacialmente la cuerda superior en posición de ejecución y, por lo tanto, cómoda para tocar con el pulgar.

La explicación de este "asimétrico" afinación (en el sentido de que la tercera mayor no está entre las dos cuerdas del medio, como en la afinación de la viola da gamba) es probable que la guitarra se originó como un instrumento de 4 cuerdas (en realidad, un instrumento con 4 hileras dobles de cuerdas, ver arriba) con una 3ra mayor entre la 2da y la 3ra cuerdas, y solo se convirtió en un instrumento de 6 cuerdas mediante la adición gradual de una 5ta cuerda y luego una 6ta cuerda afinada con una 4ta aparte:

"El desarrollo de la afinación moderna se puede rastrear en etapas. Una de las afinaciones del siglo XVI es C-F-A-D. Esto es equivalente a las cuatro cuerdas superiores de la guitarra moderna afinadas un tono más bajo. Sin embargo, el tono absoluto de estas notas no es equivalente al "tono de concierto" moderno. La afinación de la guitarra de cuatro órdenes se movió un tono hacia arriba y, hacia fines del siglo XVI, se usaban instrumentos de cinco órdenes con una cuerda inferior añadida afinada en A. Esto produjo A-D-G-B-E, una de una amplia variedad de variantes. afinaciones de la época. La cuerda Mi grave se añadió durante el siglo XVIII."

String	Sci. pitch	Helmholtz pitch	Interval desde el centro C	Semitones de A440	Freq., si utiliza un ajuste de temperamento igual (utilizando 212=2()112){displaystyle {sqrt[{12}}=2} {frac {1}{12}}}}})
1a (campo más alto)	E4	e '	tercera parte superior	; 5 -	440Hz⋅ ⋅ ()212)− − 5.. {displaystyle 440{rm} {{Hz}cdot ({sqrt[{12}}}{-5}approx } 329.63 Hz
2a	B3	b	segundo menor	−10	440Hz⋅ ⋅ ()212)− − 10.. {displaystyle 440{rm} {{Hz}cdot ({sqrt[{12}}}{-10}approx } 246.94 Hz
3a	G3	g	cuarto perfecto debajo	−14	440Hz⋅ ⋅ ()212)− − 14.. {displaystyle 440{rm} {{Hz}cdot ({sqrt[{12}}}{-14}approx } 196.00 Hz
4a	D3	d	menor de edad	−19	440Hz⋅ ⋅ ()212)− − 19.. {displaystyle 440{rm} {{Hz}cdot ({sqrt[{12}} {}} {-19}approx } 146.83 Hz
5a	A2	A	menor de edad	−24−	440Hz⋅ ⋅ ()212)− − 24={displaystyle 440{rm} {Hz}cdot ({12}{2}} {-24}}}}} {cHz} {cdot} {cHz}} {cHz} {cdot} {cdot} {cdot} {cdot} {cdot} {cdot}}} {cdot}}}}}}}}} {cdot {cdot}}}}}}}}}}}}}}}}}}}} {cdot {cdot {cdot {cdot {cdot {cdot {cdot}}}}}}}}}}}}}}}}} {cdot}}} {cdot}}}}}}} {cdot {cdot {cdot {cdot {cdot {cdot {cdot {cdot {cdot {cdot}}}} 110 Hz
6o (campo más bajo)	E2	E	menor de 13 años	−29−	440Hz⋅ ⋅ ()212)− − 29.. {displaystyle 440{rm} {{Hz}cdot ({sqrt[{12}}}{-29}approx } 82.41 Hz

Esta afinación es tal que las cuerdas vecinas tienen como máximo 5 semitonos de diferencia. También hay una variedad de afinaciones alternativas de uso común. La más común se conoce como afinación Drop D, que tiene la sexta cuerda afinada de E a D.