Estudio de la historia del arte

La historia del arte es el estudio de los objetos estéticos y la expresión visual en un contexto histórico y estilístico. Tradicionalmente, la disciplina de la historia del arte enfatizaba la pintura, el dibujo, la escultura, la arquitectura, la cerámica y las artes decorativas; sin embargo, hoy en día, la historia del arte examina aspectos más amplios de la cultura visual, incluidos los diversos resultados visuales y conceptuales relacionados con una definición de arte en constante evolución. La historia del arte abarca el estudio de objetos creados por diferentes culturas alrededor del mundo y a lo largo de la historia que transmiten significado, importancia o utilidad principalmente a través de representaciones visuales.

Como disciplina, la historia del arte se distingue de la crítica de arte, que se ocupa de establecer un valor artístico relativo sobre obras individuales con respecto a otras de estilo comparable o sancionar un estilo o movimiento completo; y la teoría del arte o "filosofía del arte", que se ocupa de la naturaleza fundamental del arte. Una rama de esta área de estudio es la estética, que incluye investigar el enigma de lo sublime y determinar la esencia de la belleza. Técnicamente, la historia del arte no es estas cosas, porque el historiador del arte utiliza el método histórico para responder a las preguntas: ¿Cómo llegó el artista a crear la obra?, ¿Quiénes eran los mecenas?, ¿Quiénes eran sus maestros?, ¿Quién era el público? ¿Quiénes fueron sus discípulos?, ¿Qué fuerzas históricas dieron forma a la obra del artista y cómo él o ella y la creación, a su vez, afectar el curso de los acontecimientos artísticos, políticos y sociales? Sin embargo, es cuestionable si muchas preguntas de este tipo pueden responderse satisfactoriamente sin considerar también preguntas básicas sobre la naturaleza del arte. La brecha disciplinaria actual entre la historia del arte y la filosofía del arte (estética) a menudo dificulta esta indagación.

Metodologías

La historia del arte es una práctica interdisciplinaria que analiza los diversos factores (culturales, políticos, religiosos, económicos o artísticos) que contribuyen a la apariencia visual de una obra de arte.

Los historiadores del arte emplean una serie de métodos en su investigación sobre la ontología y la historia de los objetos.

Los historiadores del arte a menudo examinan el trabajo en el contexto de su tiempo. En el mejor de los casos, esto se hace respetando las motivaciones e imperativos de su creador; con consideración de los deseos y prejuicios de sus patrocinadores y patrocinadores; con un análisis comparativo de temas y enfoques de los colegas y profesores del creador; y con consideración de iconografía y simbolismo. En resumen, este enfoque examina la obra de arte en el contexto del mundo en el que fue creada.

Los historiadores del arte también suelen examinar el trabajo a través de un análisis de la forma; es decir, el uso que hace el creador de la línea, la forma, el color, la textura y la composición. Este enfoque examina cómo el artista utiliza un plano de imagen bidimensional o las tres dimensiones del espacio escultórico o arquitectónico para crear su arte. La forma en que se emplean estos elementos individuales da como resultado un arte representativo o no representativo. ¿El artista está imitando un objeto o la imagen se puede encontrar en la naturaleza? Si es así, es representativo. Cuanto más se acerca el arte a la imitación perfecta, más realista es el arte.. ¿El artista no imita, sino que confía en el simbolismo o se esfuerza de manera importante por capturar la esencia de la naturaleza, en lugar de copiarla directamente? Si es así, el arte no es representativo, también llamado abstracto. El realismo y la abstracción existen en un continuo. El impresionismo es un ejemplo de un estilo de representación que no era directamente imitativo, sino que se esforzaba por crear una "impresión" de la naturaleza. Si la obra no es figurativa y es una expresión de los sentimientos, anhelos y aspiraciones del artista o es una búsqueda de ideales de belleza y forma, la obra no es figurativa o es una obra expresionista.

Un análisis iconográfico es aquel que se enfoca en elementos de diseño particulares de un objeto. A través de una lectura atenta de tales elementos, es posible rastrear su linaje, y con ello sacar conclusiones sobre los orígenes y la trayectoria de estos motivos. A su vez, es posible realizar una serie de observaciones sobre los valores sociales, culturales, económicos y estéticos de los responsables de la producción del objeto.

Muchos historiadores del arte utilizan la teoría crítica para enmarcar sus investigaciones sobre los objetos. La teoría se usa con mayor frecuencia cuando se trata de objetos más recientes, aquellos de finales del siglo XIX en adelante. La teoría crítica en la historia del arte a menudo se toma prestada de los estudiosos de la literatura e implica la aplicación de un marco analítico no artístico al estudio de los objetos de arte. Las teorías feministas, marxistas, de raza crítica, queer y poscoloniales están bien establecidas en la disciplina. Al igual que en los estudios literarios, existe un interés entre los académicos por la naturaleza y el medio ambiente, pero aún no se ha determinado la dirección que esto tomará en la disciplina.

Cronología de métodos destacados

Plinio el Viejo y precedentes antiguos

Los escritos sobre arte más antiguos que se conservan que pueden clasificarse como historia del arte son los pasajes de la Historia natural de Plinio el Viejo (c. 77-79 d. C.), que se refieren al desarrollo de la escultura y la pintura griegas. De ellos es posible rastrear las ideas de Jenócrates de Sición (c. 280 a. C.), un escultor griego que fue quizás el primer historiador del arte.El trabajo de Plinio, aunque principalmente una enciclopedia de las ciencias, ha sido influyente desde el Renacimiento en adelante. (Los pasajes sobre las técnicas utilizadas por el pintor Apelles c. (332-329 a. C.) han sido especialmente conocidos). Desarrollos similares, aunque independientes, ocurrieron en la China del siglo VI, donde los escritores establecieron un canon de artistas dignos en la clase erudito-oficial. Estos escritores, siendo necesariamente competentes en caligrafía, eran artistas ellos mismos. Los artistas se describen en los Seis principios de la pintura formulados por Xie He.

Vasari y biografías de artistas

Si bien se han escrito y leído durante mucho tiempo reminiscencias personales del arte y los artistas (ver Lorenzo Ghiberti Commentarii, para el mejor ejemplo temprano), fue Giorgio Vasari, el pintor, escultor y autor toscano de las Vidas de los más excelentes pintores, escultores y Arquitectos, que escribieron la primera verdadera historia del arte. Hizo hincapié en la progresión y el desarrollo del arte, que fue un hito en este campo. El suyo era un relato personal e histórico, con biografías de artistas italianos individuales, muchos de los cuales eran sus contemporáneos y conocidos personales. El más renombrado de ellos fue Miguel Ángel, y el relato de Vasari es esclarecedor, aunque sesgado en algunos lugares.

Las ideas de Vasari sobre el arte fueron enormemente influyentes y sirvieron como modelo para muchos, incluso en el norte de Europa Schilder-boeck de Karel van Mander y Teutsche Akademie de Joachim von Sandrart. El enfoque de Vasari dominó hasta el siglo XVIII, cuando se criticó su relato biográfico de la historia.

Winckelmann y la crítica de arte

Académicos como Johann Joachim Winckelmann (1717-1768) criticaron el "culto" a la personalidad artística de Vasari y argumentaron que el énfasis real en el estudio del arte debería ser la visión del espectador erudito y no el punto de vista único del artista carismático.. Los escritos de Winckelmann fueron así los comienzos de la crítica de arte. Sus dos obras más notables que introdujeron el concepto de crítica de arte fueron Gedanken über die Nachahmung der griechischen Werke in der Malerei und Bildhauerkunst, publicada en 1755, poco antes de partir hacia Roma (Fuseli publicó una traducción al inglés en 1765 con el título Reflections on the Pintura y Escultura de los Griegos), y Geschichte der Kunst des Altertums (Historia del Arte en la Antigüedad), publicado en 1764 (esta es la primera aparición de la frase 'historia del arte' en el título de un libro)". Winckelmann criticó los excesos artísticos de las formas barroca y rococó, y contribuyó decisivamente a reformar el gusto a favor de las formas más Neoclasicismo sobrio. Jacob Burckhardt (1818-1897), uno de los fundadores de la historia del arte, señaló que Winckelmann fue "el primero en distinguir entre los períodos del arte antiguo y vincular la historia del estilo con la historia mundial". A mediados del siglo XX, el campo de la historia del arte estaba dominado por académicos de habla alemana, por lo que el trabajo de Winckelmann marcó la entrada de la historia del arte en el discurso filosófico elevado de la cultura alemana.

Winckelmann fue leído con avidez por Johann Wolfgang Goethe y Friedrich Schiller, quienes comenzaron a escribir sobre la historia del arte, y su descripción del grupo de Laocoonte provocó una respuesta de Lessing. El surgimiento del arte como un tema importante de la especulación filosófica se consolidó con la aparición de la Crítica del juicio de Immanuel Kant en 1790, y fue fomentado por las Lecciones de estética de Hegel. La filosofía de Hegel sirvió como inspiración directa para el trabajo de Karl Schnaase. El Niederländische Briefe de Schnaase estableció los fundamentos teóricos de la historia del arte como disciplina autónoma, y ​​su Geschichte der bildenden Künste, uno de los primeros estudios históricos de la historia del arte desde la antigüedad hasta el Renacimiento, facilitó la enseñanza de la historia del arte en las universidades de habla alemana. La encuesta de Schnaase se publicó simultáneamente con un trabajo similar de Franz Theodor Kugler.

Wölfflin y el análisis estilístico

Ver: Análisis formal.

Heinrich Wölfflin (1864-1945), que estudió con Burckhardt en Basilea, es el "padre" de la historia del arte moderno. Wölfflin enseñó en las universidades de Berlín, Basilea, Múnich y Zúrich. Varios estudiantes siguieron carreras distinguidas en historia del arte, incluidos Jakob Rosenberg y Frida Schottmuller. Introdujo un enfoque científico de la historia del arte, centrándose en tres conceptos. En primer lugar, intentó estudiar el arte utilizando la psicología, particularmente aplicando el trabajo de Wilhelm Wundt. Sostuvo, entre otras cosas, que el arte y la arquitectura son buenos si se asemejan al cuerpo humano. Por ejemplo, las casas estaban bien si sus fachadas parecían caras. En segundo lugar, introdujo la idea de estudiar el arte a través de la comparación. Al comparar pinturas individuales entre sí, pudo hacer distinciones de estilo. Su libroRenaissance and Baroque desarrolló esta idea y fue el primero en mostrar cómo estos períodos estilísticos diferían entre sí. A diferencia de Giorgio Vasari, Wölfflin no estaba interesado en las biografías de los artistas. De hecho, propuso la creación de una "historia del arte sin nombres". Finalmente, estudió arte basado en ideas de nación. Estaba particularmente interesado en saber si había un estilo inherentemente "italiano" e inherentemente "alemán". Este último interés se articuló más plenamente en su monografía sobre el artista alemán Albrecht Dürer.

Riegl, Wickhoff y la Escuela de Viena

Al mismo tiempo que la carrera de Wölfflin, se desarrolló una importante escuela de pensamiento histórico-artístico en la Universidad de Viena. La primera generación de la Escuela de Viena estuvo dominada por Alois Riegl y Franz Wickhoff, ambos alumnos de Moritz Thausing, y se caracterizó por una tendencia a revalorizar períodos olvidados o menospreciados de la historia del arte. Riegl y Wickhoff escribieron extensamente sobre el arte de la antigüedad tardía, que antes de ellos había sido considerado como un período de declive del ideal clásico. Riegl también contribuyó a la revalorización del barroco.

La próxima generación de profesores en Viena incluyó a Max Dvořák, Julius von Schlosser, Hans Tietze, Karl Maria Swoboda y Josef Strzygowski. Varios de los historiadores del arte más importantes del siglo XX, incluido Ernst Gombrich, se graduaron en Viena en ese momento. El término "Segunda Escuela de Viena" (o "Nueva Escuela de Viena") generalmente se refiere a la siguiente generación de eruditos vieneses, incluidos Hans Sedlmayr, Otto Pächt y Guido Kaschnitz von Weinberg. Estos estudiosos comenzaron en la década de 1930 a volver al trabajo de la primera generación, particularmente a Riegl y su concepto de Kunstwollen., y trató de desarrollarlo en una metodología histórica del arte en toda regla. Sedlmayr, en particular, rechazó el estudio minucioso de la iconografía, el mecenazgo y otros enfoques basados ​​en el contexto histórico, y prefirió concentrarse en las cualidades estéticas de una obra de arte. Como resultado, la Segunda Escuela de Viena se ganó una reputación de formalismo desenfrenado e irresponsable y, además, se vio teñida por el racismo manifiesto de Sedlmayr y su pertenencia al partido nazi. Sin embargo, esta última tendencia no fue compartida por todos los miembros de la escuela; Pächt, por ejemplo, era judío y se vio obligado a abandonar Viena en la década de 1930.

Panofsky y la iconografía

Nuestra comprensión del siglo XXI del contenido simbólico del arte proviene de un grupo de académicos que se reunieron en Hamburgo en la década de 1920. Los más destacados entre ellos fueron Erwin Panofsky, Aby Warburg, Fritz Saxl y Gertrud Bing. Juntos desarrollaron gran parte del vocabulario que los historiadores del arte siguen utilizando en el siglo XXI. "Iconografía", cuyas raíces significan "símbolos de la escritura", se refiere al tema del arte derivado de fuentes escritas, especialmente las escrituras y la mitología. "Iconología" es un término más amplio que se refiere a todo el simbolismo, ya sea derivado de un texto específico o no. Hoy en día, los historiadores del arte a veces usan estos términos indistintamente.

Panofsky, en sus primeros trabajos, también desarrolló las teorías de Riegl, pero finalmente se preocupó más por la iconografía y, en particular, por la transmisión de temas relacionados con la antigüedad clásica en la Edad Media y el Renacimiento. En este sentido sus intereses coincidían con los de Warburg, hijo de una familia acomodada que había reunido en Hamburgo una impresionante biblioteca dedicada al estudio de la tradición clásica en el arte y la cultura posteriores. Bajo los auspicios de Saxl, esta biblioteca se convirtió en un instituto de investigación, afiliado a la Universidad de Hamburgo, donde enseñaba Panofsky.

Warburg murió en 1929 y en la década de 1930 Saxl y Panofsky, ambos judíos, se vieron obligados a abandonar Hamburgo. Saxl se instaló en Londres, trajo consigo la biblioteca de Warburg y estableció el Instituto Warburg. Panofsky se instaló en Princeton en el Instituto de Estudios Avanzados. En este sentido, fueron parte de una extraordinaria afluencia de historiadores del arte alemanes en la academia de habla inglesa en la década de 1930. Estos académicos fueron en gran parte responsables de establecer la historia del arte como un campo de estudio legítimo en el mundo de habla inglesa, y la influencia de la metodología de Panofsky, en particular, determinó el curso de la historia del arte estadounidense durante una generación.

Freud y el psicoanálisis

Heinrich Wölfflin no fue el único erudito que invocó teorías psicológicas en el estudio del arte. El psicoanalista Sigmund Freud escribió un libro sobre el artista Leonardo da Vinci, en el que usó las pinturas de Leonardo para interrogar la psique y la orientación sexual del artista. Freud infirió de su análisis que Leonardo probablemente era homosexual.

Aunque el uso de material póstumo para realizar psicoanálisis es controvertido entre los historiadores del arte, especialmente porque las costumbres sexuales de la época de Leonardo y de Freud son diferentes, a menudo se intenta. Una de las académicas psicoanalíticas más conocidas es Laurie Schneider Adams, quien escribió un libro de texto popular, Art Across Time, y un libro Art and Psychoanalysis.

Un giro inesperado para la historia de la crítica de arte se produjo en 1914 cuando Sigmund Freud publicó una interpretación psicoanalítica del Moisés de Miguel Ángel titulada Der Moses des Michelangelo como uno de los primeros análisis basados ​​en la psicología sobre una obra de arte. Freud publicó por primera vez este trabajo poco después de leer las Vidas de Vasari. Con fines desconocidos, Freud publicó originalmente el artículo de forma anónima.

Jung y los arquetipos

Carl Jung también aplicó la teoría psicoanalítica al arte. CG Jung fue un psiquiatra suizo, un pensador influyente y fundador de la psicología analítica. El enfoque de Jung a la psicología enfatizó la comprensión de la psique a través de la exploración de los mundos de los sueños, el arte, la mitología, la religión mundial y la filosofía. Gran parte del trabajo de su vida se dedicó a explorar la filosofía oriental y occidental, la alquimia, la astrología, la sociología, así como la literatura y las artes. Sus contribuciones más notables incluyen su concepto de arquetipo psicológico, el inconsciente colectivo y su teoría de la sincronicidad. Jung creía que muchas experiencias percibidas como coincidencias no se debían simplemente al azar, sino que sugerían la manifestación de eventos o circunstancias paralelos que reflejaban esta dinámica gobernante.Argumentó que una imaginería colectiva inconsciente y arquetípica era detectable en el arte. Sus ideas fueron particularmente populares entre los expresionistas abstractos estadounidenses en las décadas de 1940 y 1950. Su trabajo inspiró el concepto surrealista de dibujar imágenes de los sueños y el inconsciente.

Jung enfatizó la importancia del equilibrio y la armonía. Advirtió que los humanos modernos confían demasiado en la ciencia y la lógica y se beneficiarían de la integración de la espiritualidad y la apreciación del reino inconsciente. Su trabajo no solo desencadenó el trabajo analítico de los historiadores del arte, sino que se convirtió en una parte integral de la creación artística. Jackson Pollock, por ejemplo, creó una famosa serie de dibujos para acompañar sus sesiones psicoanalíticas con su psicoanalista junguiano, el Dr. Joseph Henderson. Henderson, quien luego publicó los dibujos en un texto dedicado a las sesiones de Pollock, se dio cuenta de cuán poderosos eran los dibujos como herramienta terapéutica.

El legado del psicoanálisis en la historia del arte ha sido profundo y se extiende más allá de Freud y Jung. La destacada historiadora feminista del arte Griselda Pollock, por ejemplo, recurre al psicoanálisis tanto en su lectura del arte contemporáneo como en su relectura del arte modernista. Con la lectura de Griselda Pollock del psicoanálisis feminista francés y en particular los escritos de Julia Kristeva y Bracha L. Ettinger, como con las lecturas de Rosalind Krauss de Jacques Lacan y Jean-François Lyotard y la relectura curatorial del arte de Catherine de Zegher, la teoría feminista escrita en los campos del feminismo y el psicoanálisis franceses ha influido fuertemente en la reformulación de los artistas, tanto hombres como mujeres, en la historia del arte.

Marx y la ideologia

A mediados del siglo XX, los historiadores del arte adoptaron la historia social mediante el uso de enfoques críticos. El objetivo era mostrar cómo el arte interactúa con las estructuras de poder en la sociedad. Un enfoque crítico que utilizaron los historiadores del arte fue el marxismo. La historia del arte marxista intentó mostrar cómo el arte estaba ligado a clases específicas, cómo las imágenes contienen información sobre la economía y cómo las imágenes pueden hacer que el statu quo parezca natural (ideología).

Marcel Duchamp y el Movimiento Dada dieron inicio al estilo Anti-arte. Varios artistas no querían crear obras de arte con las que todos estuvieran conformes en ese momento. Estos dos movimientos ayudaron a otros artistas a crear piezas que no eran vistas como arte tradicional. Algunos ejemplos de estilos que se ramificaron del movimiento antiarte serían el neodadaísmo, el surrealismo y el constructivismo. Estos estilos y artistas no querían rendirse a las formas tradicionales de arte. Esta forma de pensar provocó movimientos políticos como la Revolución Rusa y los ideales comunistas.

La obra de arte del artista Isaak Brodsky 'Shock-worker from Dneprstroi' en 1932 muestra su participación política dentro del arte. Esta obra de arte se puede analizar para mostrar los problemas internos que experimentaba la Rusia soviética en ese momento. Quizás el marxista más conocido fue Clement Greenberg, quien saltó a la fama a fines de la década de 1930 con su ensayo "Avant-Garde and Kitsch".En el ensayo, Greenberg afirmó que la vanguardia surgió para defender los estándares estéticos del declive del gusto que implicaba la sociedad de consumo y ver el kitsch y el arte como opuestos. Greenberg afirmó además que el arte vanguardista y modernista era un medio para resistir la nivelación de la cultura producida por la propaganda capitalista. Greenberg se apropió de la palabra alemana 'kitsch' para describir este consumismo, aunque sus connotaciones han cambiado desde entonces a una noción más afirmativa de materiales sobrantes de la cultura capitalista. Más tarde, Greenberg se hizo conocido por examinar las propiedades formales del arte moderno.

Meyer Schapiro es uno de los historiadores del arte marxista más recordados de mediados del siglo XX. Aunque escribió sobre numerosos períodos de tiempo y temas en el arte, es mejor recordado por su comentario sobre la escultura de finales de la Edad Media y principios del Renacimiento, momento en el que vio evidencia del surgimiento del capitalismo y el declive del feudalismo.

Arnold Hauser escribió el primer estudio marxista del arte occidental, titulado La historia social del arte. Intentó mostrar cómo la conciencia de clase se reflejaba en los principales períodos artísticos. El libro fue controvertido cuando se publicó durante la década de 1950, ya que hace generalizaciones sobre épocas enteras, una estrategia que ahora se llama "marxismo vulgar".

La historia del arte marxista se perfeccionó en el departamento de Historia del Arte de la UCLA con académicos como TJ Clark, OK Werckmeister, David Kunzle, Theodor W. Adorno y Max Horkheimer. TJ Clark fue el primer historiador del arte que escribió desde una perspectiva marxista en abandonar el marxismo vulgar. Escribió historias de arte marxista de varios artistas impresionistas y realistas, incluidos Gustave Courbet y Édouard Manet. Estos libros se centraron de cerca en los climas políticos y económicos en los que se creó el arte.

Historia del arte feminista

El ensayo de Linda Nochlin "¿Por qué no ha habido grandes mujeres artistas?" ayudó a encender la historia del arte feminista durante la década de 1970 y sigue siendo uno de los ensayos más leídos sobre mujeres artistas. A esto le siguió un Panel de la Asociación de Arte Universitario de 1972, presidido por Nochlin, titulado "El erotismo y la imagen de la mujer en el arte del siglo XIX". En una década, decenas de trabajos, artículos y ensayos mantuvieron un impulso creciente, alimentado por el movimiento feminista de la segunda ola, de discurso crítico en torno a las interacciones de las mujeres con las artes como artistas y sujetos. En su ensayo pionero, Nochlin aplica un marco crítico feminista para mostrar la exclusión sistemática de las mujeres de la formación artística,Los pocos que tuvieron éxito fueron tratados como anomalías y no proporcionaron un modelo para el éxito posterior. Griselda Pollock es otra destacada historiadora del arte feminista, cuyo uso de la teoría psicoanalítica se describe anteriormente.

Si bien la historia del arte feminista puede centrarse en cualquier período y lugar, se ha prestado mucha atención a la era moderna. Parte de esta beca se centra en el movimiento de arte feminista, que se refiere específicamente a la experiencia de las mujeres. A menudo, la historia del arte feminista ofrece una "relectura" crítica del canon del arte occidental, como la reinterpretación de Les Demoiselles d'Avignon de Carol Duncan. Dos pioneras del campo son Mary Garrard y Norma Broude. Sus antologías Feminismo e Historia del Arte: Cuestionando la Letanía, El Discurso en Expansión: Feminismo e Historia del Arte, y Reclamando la Agencia Feminista: Historia del Arte Feminista Después del Posmodernismoson esfuerzos sustanciales para llevar las perspectivas feministas al discurso de la historia del arte. La pareja también cofundó la Conferencia de Historia del Arte Feminista.

Barthes y la semiótica

A diferencia de la iconografía que busca identificar el significado, la semiótica se ocupa de cómo se crea el significado. Los significados connotados y denotados de Roland Barthes son primordiales para este examen. En cualquier obra de arte en particular, una interpretación depende de la identificación del significado denotado, el reconocimiento de un signo visual y el significado connotado, las asociaciones culturales instantáneas que vienen con el reconocimiento. La principal preocupación del historiador del arte semiótico es encontrar formas de navegar e interpretar el significado connotado.

La historia del arte semiótico busca descubrir el significado o significados codificados en un objeto estético al examinar su conexión con una conciencia colectiva. Los historiadores del arte no suelen comprometerse con ningún tipo de semiótica en particular, sino que construyen una versión amalgamada que incorporan a su colección de herramientas analíticas. Por ejemplo, Meyer Schapiro tomó prestado el significado diferencial de Saussure en un esfuerzo por leer los signos tal como existen dentro de un sistema.Según Schapiro, para comprender el significado de frontalidad en un contexto pictórico específico, debe diferenciarse o verse en relación con posibilidades alternativas como un perfil o una vista de tres cuartos. Schapiro combinó este método con el trabajo de Charles Sanders Peirce, cuyo objeto, signo e interpretante proporcionaron una estructura para su enfoque. Alex Potts demuestra la aplicación de los conceptos de Peirce a la representación visual al examinarlos en relación con la Mona Lisa. Ver a la Mona Lisa, por ejemplo, como algo más allá de su materialidad es identificarla como un signo. Entonces se reconoce que se refiere a un objeto fuera de sí mismo, una mujer o Mona Lisa.. La imagen no parece denotar un significado religioso y, por lo tanto, se puede suponer que es un retrato. Esta interpretación conduce a una cadena de posibles interpretaciones: ¿quién era el retratado en relación con Leonardo da Vinci? ¿Qué importancia tenía ella para él? O tal vez ella es un ícono para todas las mujeres. Esta cadena de interpretación, o “semiosis ilimitada” es interminable; el trabajo del historiador del arte es poner límites a las posibles interpretaciones tanto como revelar nuevas posibilidades.

La semiótica opera bajo la teoría de que una imagen solo puede entenderse desde la perspectiva del espectador. El artista es suplantado por el espectador como proveedor de significado, incluso en la medida en que una interpretación sigue siendo válida independientemente de si el creador la pretendió. Rosalind Krauss adoptó este concepto en su ensayo “En el nombre de Picasso”. Denunció el monopolio del artista sobre el significado e insistió en que el significado solo puede derivarse después de que la obra haya sido eliminada de su contexto histórico y social. Mieke Bal argumentó de manera similar que el significado ni siquiera existe hasta que el espectador observa la imagen. Solo después de reconocer esto, el significado puede abrirse a otras posibilidades como el feminismo o el psicoanálisis.

Museología y coleccionismo

Los aspectos del tema que han salido a la luz en las últimas décadas incluyen el interés por el patrocinio y el consumo de arte, incluida la economía del mercado del arte, el papel de los coleccionistas, las intenciones y aspiraciones de quienes encargan obras y las reacciones de los contemporáneos. y posteriores espectadores y propietarios. Los estudios de museos, incluida la historia del coleccionismo y exhibición de museos, son ahora un campo de estudio especializado, al igual que la historia del coleccionismo.

Nuevo materialismo

Los avances científicos han hecho posible una investigación mucho más precisa de los materiales y técnicas utilizados para crear obras, especialmente las técnicas fotográficas de rayos X e infrarrojos que han permitido volver a ver muchos dibujos subyacentes de pinturas. Ahora es posible un análisis adecuado de los pigmentos utilizados en la pintura, lo que ha alterado muchas atribuciones. La dendrocronología para pinturas de paneles y la datación por radiocarbono para objetos antiguos en materiales orgánicos han permitido que los métodos científicos de datación de objetos confirmen o alteren las fechas derivadas del análisis estilístico o la evidencia documental. El desarrollo de una buena fotografía en color, ahora digitalizada y disponible en Internet o por otros medios, ha transformado el estudio de muchos tipos de arte, especialmente aquellos que cubren objetos que existen en grandes cantidades y que están muy dispersos entre las colecciones.

Simultáneamente a esos avances tecnológicos, los historiadores del arte han mostrado un interés creciente en nuevos enfoques teóricos sobre la naturaleza de las obras de arte como objetos. La teoría de las cosas, la teoría del actor-red y la ontología orientada a objetos han desempeñado un papel cada vez mayor en la literatura histórica del arte.

Historia del arte nacionalista

La creación de arte, la historia académica del arte y la historia de los museos de arte están estrechamente entrelazadas con el surgimiento del nacionalismo. El arte creado en la era moderna, de hecho, a menudo ha sido un intento de generar sentimientos de superioridad nacional o amor por el propio país. El arte ruso es un ejemplo especialmente bueno de esto, ya que la vanguardia rusa y más tarde el arte soviético fueron intentos de definir la identidad de ese país.

La mayoría de los historiadores del arte que trabajan en la actualidad identifican su especialidad como el arte de una cultura y un período de tiempo en particular y, a menudo, esas culturas también son naciones. Por ejemplo, alguien podría especializarse en la historia del arte chino contemporáneo o alemán del siglo XIX. Un enfoque en la nacionalidad tiene raíces profundas en la disciplina. De hecho, las Vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos de Vasari es un intento de mostrar la superioridad de la cultura artística florentina, y los escritos de Heinrich Wölfflin (especialmente su monografía sobre Albrecht Dürer) intentan distinguir los estilos artísticos italianos de los alemanes.

Muchos de los museos de arte más grandes y mejor financiados del mundo, como el Louvre, el Victoria and Albert Museum y la National Gallery of Art en Washington, son propiedad del estado. De hecho, la mayoría de los países tienen una galería nacional, con la misión explícita de preservar el patrimonio cultural propiedad del gobierno, independientemente de las culturas que crearon el arte, y la misión a menudo implícita de reforzar el patrimonio cultural propio de ese país. La Galería Nacional de Arte, por lo tanto, exhibe arte hecho en los Estados Unidos, pero también posee objetos de todo el mundo.

Divisiones por período

La disciplina de la historia del arte se divide tradicionalmente en especializaciones o concentraciones basadas en épocas y regiones, con una subdivisión adicional basada en los medios. Por lo tanto, alguien podría especializarse en "arquitectura alemana del siglo XIX" o en "escultura toscana del siglo XVI". Los subcampos a menudo se incluyen en una especialización. Por ejemplo, el Antiguo Cercano Oriente, Grecia, Roma y Egipto suelen considerarse concentraciones especiales de arte antiguo. En algunos casos, estas especializaciones pueden estar estrechamente aliadas (como Grecia y Roma, por ejemplo), mientras que en otros tales alianzas son mucho menos naturales (arte indio versus arte coreano, por ejemplo).

Las perspectivas no occidentales o globales sobre el arte se han vuelto cada vez más predominantes en el canon histórico del arte desde la década de 1980.

"Historia del arte contemporáneo" se refiere a la investigación en el período que va desde la década de 1960 hasta la actualidad que refleja la ruptura con los supuestos del modernismo traídos por artistas de la neovanguardia y una continuidad en el arte contemporáneo en términos de práctica basada en conceptualistas y post- prácticas conceptualistas.

Organizaciones profesionales

En los Estados Unidos, la organización de historia del arte más importante es la College Art Association. Organiza una conferencia anual y publica el Boletín de Arte y el Diario de Arte. Existen organizaciones similares en otras partes del mundo, así como para especializaciones, como la historia de la arquitectura y la historia del arte del Renacimiento. En el Reino Unido, por ejemplo, la Asociación de Historiadores del Arte es la principal organización y publica una revista titulada Historia del Arte.