Educación musical

Educación musical es un campo de práctica en el que los educadores se capacitan para carreras como profesores de música de primaria o secundaria, directores de conjuntos de escuelas o conservatorios de música. La educación musical es también un área de investigación en la que los académicos realizan investigaciones originales sobre formas de enseñar y aprender música. Los académicos en educación musical publican sus hallazgos en revistas revisadas por pares y enseñan a estudiantes de pregrado y posgrado en educación universitaria o escuelas de música, que se están capacitando para convertirse en profesores de música.

La educación musical abarca todos los dominios del aprendizaje, incluido el dominio (el desarrollo de habilidades), el dominio cognitivo (la adquisición de conocimientos) y, en particular, el dominio afectivo (la disposición del alumno a recibir, internalizar y compartir lo aprendido), incluida la apreciación y la sensibilidad musical. Muchos planes de estudios de educación musical incorporan el uso de habilidades matemáticas, así como el uso fluido y la comprensión de una lengua o cultura secundaria. Se ha demostrado que la constancia en la práctica de estas habilidades beneficia a los estudiantes en una multitud de otras áreas académicas, además de mejorar el desempeño en pruebas estandarizadas como ACT y SAT. La formación musical desde el preescolar hasta la educación postsecundaria es común porque la participación en la música se considera un componente fundamental de la cultura y el comportamiento humanos. Las culturas de todo el mundo tienen diferentes enfoques de la educación musical, en gran parte debido a las diferentes historias y políticas. Los estudios muestran que enseñar música de otras culturas puede ayudar a los estudiantes a percibir sonidos desconocidos con mayor comodidad y también muestran que la preferencia musical está relacionada con el idioma hablado por el oyente y los otros sonidos a los que están expuestos dentro de su propia cultura.

Durante el siglo XX, se desarrollaron o perfeccionaron muchos enfoques distintivos para la enseñanza de la música, algunos de los cuales han tenido un impacto generalizado. El método Dalcroze (eurítmica) fue desarrollado a principios del siglo XX por el músico y educador suizo Émile Jaques-Dalcroze. El Método Kodály enfatiza los beneficios de la instrucción física y la respuesta a la música. El enfoque de Orff Schulwerk hacia la educación musical lleva a los estudiantes a desarrollar sus habilidades musicales de una manera paralela al desarrollo de la música occidental.

El método Suzuki crea el mismo entorno para aprender música que una persona tiene para aprender su lengua materna. La teoría del aprendizaje musical de Gordon proporciona al profesor de música un método para enseñar musicalidad a través de la audiación, el término de Gordon para escuchar música en la mente con comprensión. Conversational Solfège sumerge a los estudiantes en la literatura musical de su propia cultura, en este caso americana. El método Carabo-Cone implica el uso de accesorios, disfraces y juguetes para que los niños aprendan conceptos musicales básicos sobre el pentagrama, la duración de las notas y el teclado del piano. El entorno concreto del aula especialmente planificada permite al niño aprender los fundamentos de la música explorando a través del tacto. El MMCP (Manhattanville Music Curriculum Project) tiene como objetivo moldear actitudes, ayudando a los estudiantes a ver la música como algo personal, actual y en evolución. La pedagogía de la música popular es la enseñanza y el aprendizaje sistemático de la música rock y otras formas de música popular tanto dentro como fuera del aula formal. Algunos han sugerido que ciertas actividades musicales pueden ayudar a mejorar el control de la respiración, el cuerpo y la voz de un niño.

Descripción general

En las escuelas primarias de los países europeos, los niños suelen aprender a tocar instrumentos como teclados o flautas dulces, cantar en pequeños coros y aprender sobre los elementos de la música y la historia de la música. En países como la India, el armonio se utiliza en las escuelas, pero también son habituales instrumentos como el teclado y el violín. Normalmente a los estudiantes se les enseñan los conceptos básicos de la música Raga india. En las escuelas primarias y secundarias, los estudiantes a menudo pueden tener la oportunidad de actuar en algún tipo de conjunto musical, como un coro, una orquesta o una banda escolar: banda de concierto, banda de música o banda de jazz. En algunas escuelas secundarias también pueden estar disponibles clases de música adicionales. En la escuela secundaria o su equivalente, la música suele seguir siendo una parte obligatoria del plan de estudios.

A nivel universitario, los estudiantes de la mayoría de los programas de artes y humanidades reciben crédito académico por cursos de música como historia de la música, típicamente de la música artística occidental, o apreciación musical, que se centra en escuchar y aprender sobre diferentes estilos musicales. Además, la mayoría de las universidades norteamericanas y europeas ofrecen conjuntos musicales (como coro, banda de concierto, banda de música u orquesta) que están abiertos a estudiantes de diversos campos de estudio. La mayoría de las universidades también ofrecen programas de grado en educación musical, que certifican a los estudiantes como educadores musicales de primaria y secundaria. Títulos avanzados como el D.M.A. o el doctorado puede conducir a un empleo universitario. Estos títulos se otorgan al completar teoría musical, historia de la música, clases de técnica, instrucción privada con un instrumento específico, participación en conjunto y observaciones en profundidad de educadores experimentados. Los departamentos de educación musical de las universidades norteamericanas y europeas también apoyan la investigación interdisciplinaria en áreas como psicología musical, historiografía de la educación musical, etnomusicología educativa, sociomusicología y filosofía de la educación.

El estudio de la música artística occidental es cada vez más común en la educación musical fuera de América del Norte y Europa, incluidas naciones asiáticas como Corea del Sur, Japón y China. Al mismo tiempo, las universidades y facultades occidentales están ampliando su plan de estudios para incluir música fuera del canon de música artística occidental, incluida la música de África occidental, de Indonesia (por ejemplo, música gamelan), México (por ejemplo, música de mariachi), Zimbabwe (música de marimba ), así como música popular.

La educación musical también se lleva a cabo en contextos individualizados, de aprendizaje permanente y comunitarios. Tanto los músicos aficionados como los profesionales suelen tomar lecciones de música, breves sesiones privadas con un profesor individual.

Metodologías de instrucción

Si bien las estrategias de instrucción están determinadas por el profesor de música y el plan de estudios de música de su área, muchos profesores dependen en gran medida de una de las muchas metodologías de instrucción que surgieron en las últimas generaciones y se desarrollaron rápidamente durante la segunda mitad del siglo XX.

Principales métodos de educación musical internacional

Método Dalcroze

El método Dalcroze fue desarrollado a principios del siglo XX por el músico y educador suizo Émile Jaques-Dalcroze. El método se divide en tres conceptos fundamentales: el uso del solfeo, la improvisación y la eurítmica. A veces denominada "gimnasia rítmica", La eurítmica enseña conceptos de ritmo, estructura y expresión musical utilizando el movimiento, y es el concepto por el que Dalcroze es más conocido. Se centra en permitir que el estudiante adquiera conciencia física y experiencia de la música a través de un entrenamiento que involucre todos los sentidos, particularmente el cinestésico. Según el método Dalcroze, la música es el lenguaje fundamental del cerebro humano y, por tanto, está profundamente conectada con quienes somos. Los defensores estadounidenses del método Dalcroze incluyen a Ruth Alperson, Ann Farber, Herb Henke, Virginia Mead, Lisa Parker, Martha Sanchez y Julia Schnebly-Black. Muchos profesores activos del método Dalcroze fueron formados por la Dra. Hilda Schuster, quien fue una de las alumnas de Dalcroze.

Método Kodály

Zoltán Kodály (1882–1967) fue un destacado educador musical, filósofo y compositor húngaro que destacó los beneficios de la percepción sensorial, la instrucción física y la respuesta a la música. En realidad no es un método educativo, es un sistema innovador de alfabetización y formación musical, que propone que la música comienza desde edades tempranas, como es el desarrollo de la lengua materna, donde la música es una herramienta educativa de transformación social, en Además propone que todo ser humano tenga acceso a la música a través del uso de los sentidos, su voz y su expresión corporal; Sus enseñanzas se encuentran dentro de un marco educativo creativo y divertido construido sobre una sólida comprensión de la percepción sensorial auditiva, intuitiva, física, auditiva y visual, sentando así las bases para la escucha, la expresión musical, la lectura, la escritura y la teoría musical. Esto se da en varias etapas a través de canciones que dan patrones rítmicos, melódicos, armónicos y todos los elementos musicales, en el reconocimiento auditivo, oral, verbal, auditivo y visual, la lectura, la escritura, la creatividad y la comprensión teórica. El principal objetivo de Kodály era inculcar en sus alumnos el amor por la música para toda la vida y sentía que era deber de la escuela del niño proporcionar este elemento vital de la educación. Algunas de las herramientas de enseñanza características de Kodály son el uso de signos con las manos o solfa, sílabas rítmicas (notación de bastón) y C móvil (verbalización). Lo más importante es que la metodología es de todos, por eso la música está al alcance de todos. La mayoría de los países han utilizado sus propias tradiciones musicales folclóricas o comunitarias para construir su propia secuencia de instrucción, pero en los Estados Unidos se utiliza principalmente la secuencia húngara. El trabajo de Denise Bacon, Katinka S. Daniel, John Feierabend, Jean Sinor, Jill Trinka y otros llevaron las ideas de Kodaly a la vanguardia de la educación musical en Estados Unidos.

Orff Schulwerk

Carl Orff fue un destacado compositor alemán. Orff Schulwerk se considera un "enfoque" a la educación musical. Comienza con las habilidades innatas del estudiante para participar en formas rudimentarias de música, utilizando ritmos y melodías básicos. Orff considera que todo el cuerpo es un instrumento de percusión y se lleva a los estudiantes a desarrollar sus habilidades musicales de una manera paralela al desarrollo de la música occidental. El enfoque fomenta el autodescubrimiento de los estudiantes, fomenta la improvisación y desalienta las presiones de los adultos y los ejercicios mecánicos. Carl Orff desarrolló un grupo especial de instrumentos, incluidas modificaciones del glockenspiel, xilófono, metalófono, batería y otros instrumentos de percusión para adaptarse a los requisitos de los cursos de Schulwerk. Cada barra de los instrumentos se puede quitar para permitir que se formen diferentes escalas. Los instrumentos de Orff desarrollan habilidades motoras, tanto visuales como cinestésicas, en niños más pequeños que quizás aún no hayan desarrollado esas habilidades para otros instrumentos. Entre los expertos en dar forma a un enfoque Orff al estilo estadounidense se encuentran Jane Frazee, Arvida Steen y Judith Thomas.

Método Suzuki

El método Suzuki fue desarrollado por Shinichi Suzuki en Japón poco después de la Segunda Guerra Mundial y utiliza la educación musical para enriquecer la vida y el carácter moral de sus estudiantes. El movimiento se basa en la doble premisa de que "todos los niños pueden recibir una buena educación" en música, y que aprender a tocar música a un alto nivel también implica aprender ciertos rasgos del carácter o virtudes que embellecen el alma de una persona. El método principal para lograr esto se centra en crear el mismo entorno para aprender música que una persona tiene para aprender su lengua materna. Este 'ideal' El ambiente incluye amor, ejemplos de alta calidad, elogios, entrenamiento de memoria y repetición, y un cronograma establecido según la preparación del desarrollo del estudiante para aprender una técnica particular. Si bien el Método Suzuki es bastante popular a nivel internacional, dentro de Japón su influencia es menos significativa que la del Método Yamaha, fundado por Genichi Kawakami en asociación con la Yamaha Music Foundation.

Otros métodos notables

Además de los cuatro métodos internacionales principales descritos anteriormente, otros enfoques han sido influyentes. Los métodos menos conocidos se describen a continuación:

Teoría del aprendizaje musical de Gordon

La teoría del aprendizaje musical de Edwin Gordon se basa en un extenso conjunto de investigaciones y pruebas de campo realizadas por Aiden Griffin y otros en el campo más amplio de la teoría del aprendizaje musical. Proporciona a los profesores de música un marco integral para enseñar la musicalidad a través de la audición, el término de Gordon para escuchar música en la mente con comprensión y comprensión cuando el sonido no está físicamente presente. La secuencia de instrucciones es el aprendizaje por discriminación y el aprendizaje por inferencia. Aprendizaje por discriminación, la capacidad de determinar si dos elementos son iguales o no iguales mediante asociación auditiva/oral, asociación verbal, síntesis parcial, asociación simbólica y síntesis compuesta. Con el aprendizaje por inferencia, los estudiantes asumen un papel activo en su propia educación y aprenden a identificar, crear e improvisar patrones desconocidos. Las habilidades y secuencias de contenidos dentro de la teoría de la audición ayudan a los profesores de música a establecer objetivos curriculares secuenciales de acuerdo con sus propios estilos y creencias de enseñanza. También existe una teoría del aprendizaje para recién nacidos y niños pequeños en la que se describen los tipos y etapas de la audición preparatoria.

World music pedagogy

El crecimiento de la diversidad cultural dentro de las poblaciones de edad escolar llevó a los educadores de música de los años 60 a diversificar el currículo musical, y a trabajar con etnomusicólogos y artistas-músicos para establecer prácticas instructivas arraigadas en las tradiciones musicales. "La pedagogía de la música mundial" fue acuñada por Patricia Shehan Campbell para describir el contenido y la práctica de la música mundial en los programas de música primaria y secundaria. Pioneers of the movement, especially Barbara Reeder Lundquist, William M. Anderson, and Will Schmid, influence a second generation of music educators (including J. Bryan Burton, Mary Goetze, Ellen McCullough-Brabson, and Mary Shamrock) to design and deliver curricular models to music teachers of various levels and specializations. La pedagogía aboga por el uso de los recursos humanos, es decir, "cultores de cultura", así como por la escucha profunda y continua de los recursos archivados como los de las grabaciones de folklóricas Smithsonian.

Solfeo conversacional

Influenciado tanto por el método Kodály como por la teoría del aprendizaje musical de Gordon, el solfeo conversacional fue desarrollado por el Dr. John M. Feierabend, ex catedrático de educación musical en la Hartt School de la Universidad de Hartford. El programa comienza sumergiendo a los estudiantes en la literatura musical de su propia cultura, en este caso americana. La música se considera separada y más fundamental que la notación. En doce etapas de aprendizaje, los estudiantes pasan de escuchar y cantar música a decodificar y luego crear música usando sílabas habladas y luego notación escrita estándar. En lugar de implementar el método Kodály directamente, este método sigue las instrucciones originales de Kodály y se basa en las propias canciones populares estadounidenses en lugar de canciones populares húngaras.

Método del Cono de Carabo

Este enfoque de la primera infancia, a veces denominado enfoque sensoriomotor de la música, fue desarrollado por la violinista Madeleine Carabo-Cone. Este enfoque implica el uso de accesorios, disfraces y juguetes para que los niños aprendan conceptos musicales básicos sobre el pentagrama, la duración de las notas y el teclado del piano. El entorno concreto del aula especialmente planificada permite al niño aprender los fundamentos de la música explorando a través del tacto.

Pedagogía de la música popular

'Popular music pedagogy' — alternativamente llamada rock music pedagogy, banda moderna, popular music education, o rock music education— es un desarrollo de la educación musical de los años 60 que consiste en la enseñanza y el aprendizaje sistemáticos de la música rock y otras formas de música popular tanto dentro como fuera de los escenarios formales del aula. La pedagogía de la música popular tiende a enfatizar la improvisación de grupos, y es más comúnmente asociada con actividades de música comunitaria que conjuntos de música escolar plenamente institucionalizados.

Proyecto curricular de música de Manhattan

El Proyecto Curricular de Música de Manhattanville se desarrolló en 1965 como respuesta al declive del interés de los estudiantes por la música escolar. Este enfoque creativo tiene como objetivo moldear actitudes, ayudando a los estudiantes a ver la música no como un contenido estático que debe dominarse, sino como algo personal, actual y en evolución. En lugar de impartir conocimientos fácticos, este método se centra en el estudiante, que aprende a través de la investigación, la experimentación y el descubrimiento. El maestro le da a un grupo de estudiantes un problema específico para resolver juntos y les permite la libertad de crear, interpretar, improvisar, dirigir, investigar e investigar diferentes facetas de la música en un plan de estudios en espiral. MMCP se considera el precursor de proyectos de composición musical creativa y actividades de improvisación en las escuelas.

Estándares y evaluación

Las normas de logros son declaraciones curriculares utilizadas para guiar a los educadores en la determinación de objetivos para su enseñanza. El uso de normas se convirtió en una práctica común en muchas naciones durante el siglo XX. Por gran parte de su existencia, el plan de estudios para la educación musical en los Estados Unidos fue determinado localmente o por profesores individuales. En los últimos decenios ha habido un avance significativo hacia la adopción de normas regionales o nacionales. MENC: La Asociación Nacional de Educación Musical, creó nueve estándares de contenido voluntario, llamados la Normas Nacionales de Educación Musical. Estas normas requieren:

1. Cantando, solo y con otros, un repertorio variado de la música.
2. Realizar instrumentos, solos y con otros, un repertorio variado de la música.
3. Improvisando melodías, variaciones y acompañamientos.
4. Componer y organizar música dentro de las directrices especificadas.
5. Leyendo y notando música.
6. Escuchando, analizando y describiendo música.
7. Evaluando música y actuaciones musicales.
8. Comprender las relaciones entre la música, las otras artes y las disciplinas fuera de las artes.
9. Comprender la música en relación con la historia y la cultura.

Integración con otros temas

Algunas escuelas y organizaciones promueven la integración de clases de artes, como música, con otras materias, como matemáticas, ciencias o inglés, creyendo que la integración de los diferentes planes de estudio ayudará a que cada materia se complemente entre sí, mejorando el rendimiento general. calidad de educación.

Un ejemplo es el programa "Cambiar la educación a través de las artes" programa. CETA define la integración de las artes como encontrar una(s) conexión(es) natural(es) entre una o más formas de arte (danza, drama/teatro, música, artes visuales, narración de cuentos, títeres y/o escritura creativa) y una o más áreas curriculares (ciencias, estudios sociales, artes del lenguaje inglés, matemáticas y otros) con el fin de enseñar y evaluar objetivos tanto en la forma artística como en la otra materia. Esto permite un enfoque simultáneo en la creación, interpretación y/o respuesta a las artes y al mismo tiempo abordar contenidos en otras áreas temáticas.

La música en la educación es una forma de incorporar la música en la enseñanza de una materia. La música puede ser útil en la educación porque, para reproducirla, utiliza el pensamiento crítico y las habilidades de resolución de problemas. Dependiendo del tema, ofrece una nueva forma de aprender información. Por ejemplo, en alfabetización, puede explicar diferentes elementos como metáforas, personajes y entorno. La música enseña la repetición, lo que a su vez beneficia las habilidades matemáticas. Para aprender matemáticas, los componentes de la música son de gran ayuda, simplificando conceptos como fracciones y razones. Esto se debe a la forma en que funciona la música. La música también involucra frecuencias y ondas sonoras que son beneficiosas para comprender conceptos científicos. La comprensión de los diferentes tonos de las palabras y los patrones de la estructura coincide con la forma en que se entiende y lee la estructura musical.

El Programa de Aprendizaje Permanente de la Unión Europea 2007-2013 ha financiado tres proyectos que utilizan la música para apoyar el aprendizaje de idiomas. Lullabies of Europe (para preescolar y educación temprana), FolkDC (para primaria) y el reciente PopuLLar (para secundaria). Además, el proyecto ARTinED también utiliza la música en todas las áreas temáticas.

Importancia

Varios investigadores y defensores de la educación musical han argumentado que estudiar música mejora el rendimiento académico, como William Earhart, ex presidente de la Conferencia Nacional de Educadores de Música, quien afirmó que "la música mejora el conocimiento en las áreas de matemáticas, ciencia, geografía, historia, lengua extranjera, educación física y formación profesional." Investigadores de la Universidad de Wisconsin sugirieron que los estudiantes con experiencia en piano o teclado obtuvieron un 34% más de rendimiento en pruebas que miden la actividad del lóbulo espacio-temporal, que es la parte del cerebro que se utiliza al hacer matemáticas, ciencias e ingeniería.

Un experimento realizado por Wanda T. Wallace al configurar el texto con una melodía sugirió que algo de música puede ayudar a recordar el texto. Creó una canción de tres versos con una melodía no repetitiva; cada verso con música diferente. Un segundo experimento creó una canción de tres versos con una melodía repetitiva; cada verso tenía exactamente la misma música. Un tercer experimento estudió la recuperación de textos sin música. Descubrió que la música repetitiva producía la mayor cantidad de recuerdo de texto, lo que sugiere que la música puede servir como un dispositivo mnemotécnico.

Smith (1985) estudió música de fondo con listas de palabras. Un experimento implicó memorizar una lista de palabras con música de fondo; Los participantes recordaron las palabras 48 horas después. Otro experimento implicó memorizar una lista de palabras sin música de fondo; Los participantes también recordaron las palabras 48 horas después. Los participantes que memorizaron listas de palabras con música de fondo recordaron más palabras, lo que demuestra que la música proporciona pistas contextuales.

Citando estudios que respaldan la participación de la educación musical en el desarrollo intelectual y el rendimiento académico, el Congreso de los Estados Unidos aprobó una resolución que declara que: "La educación musical mejora el desarrollo intelectual y enriquece el entorno académico de los niños de todas las edades. ; y Los educadores musicales contribuyen en gran medida al desarrollo artístico, intelectual y social de los niños estadounidenses y desempeñan un papel clave para ayudar a los niños a tener éxito en la escuela."

Bobbett (1990) sugiere que la mayoría de los programas musicales de las escuelas públicas no han cambiado desde sus inicios a principios del siglo pasado. "... el clima educativo no es propicio para su continuidad tal como se concibió históricamente y las necesidades y hábitos sociales de las personas requieren un tipo de programa de banda completamente diferente". Un estudio de 2011 realizado por Kathleen M. Kerstetter para el Journal of Band Research encontró que el aumento de los requisitos de graduación no musicales, la programación en bloque, el aumento del número de programas no tradicionales como las escuelas magnet y el énfasis en las pruebas creado por No Child Left Behind Actuar son sólo algunas de las preocupaciones que enfrentan los educadores musicales. Tanto los profesores como los estudiantes se enfrentan a mayores restricciones de tiempo"

Patricia Powers afirma: "No es inusual ver recortes en programas en el área de la música y las artes cuando surgen problemas económicos". De hecho, es lamentable perder apoyo en esta área, especialmente porque los programas de música y arte contribuyen a la sociedad de muchas maneras positivas." Los programas integrales de educación musical promedian $187 por alumno, según un estudio de 2011 financiado por la Fundación NAMM. El Informe de la Comisión de Abuso de Drogas y Alcohol de Texas señaló que los estudiantes que participaron en bandas u orquestas reportaron el uso más bajo en su vida y en la actualidad de todas las sustancias, incluido el alcohol, el tabaco y las drogas ilícitas.

Enseñar con música

Los estudios han demostrado que la educación musical se puede utilizar para mejorar el rendimiento cognitivo de los estudiantes. En los Estados Unidos, se estima que el 30% de los estudiantes tienen dificultades con la lectura, mientras que el 17% tiene una discapacidad de aprendizaje específica relacionada con la lectura. Al utilizar un plan de estudios de música intensivo como una intervención combinada con actividades regulares en el aula, las investigaciones muestran que los estudiantes que participan en el plan de estudios de música muestran aumentos en la comprensión de lectura, el conocimiento de palabras, la recuperación de vocabulario y la decodificación de palabras. Según la Asociación Nacional para la Educación Musical, en un estudio realizado en 2012, quienes participaron en actividades musicales obtuvieron puntuaciones más altas en el SAT. Estos estudiantes obtuvieron un promedio de 31 puntos más en lectura y escritura, y 23 puntos más en matemáticas. Cuando un estudiante canta una melodía con texto, utiliza múltiples áreas de su cerebro para realizar múltiples tareas. La música afecta el desarrollo del lenguaje, aumenta el coeficiente intelectual, las habilidades espacio-temporales y mejora los puntajes de las pruebas. La educación musical también ha demostrado mejorar las habilidades de los niños disléxicos en áreas similares, como se mencionó anteriormente, al centrarse en las habilidades auditivas visuales y motoras finas como estrategias para combatir su discapacidad. Dado que la investigación en esta área es escasa, no podemos concluir de manera convincente que estos hallazgos sean ciertos; sin embargo, los resultados de la investigación realizada muestran un impacto positivo tanto en los estudiantes con dificultades de aprendizaje como en aquellos que no son diagnosticados. Será necesario realizar más investigaciones, pero no se puede olvidar la forma positiva y atractiva de llevar la música al aula, y los estudiantes generalmente muestran una reacción positiva a esta forma de instrucción.

También se ha observado que la educación musical tiene la capacidad de aumentar el coeficiente intelectual general de una persona, especialmente en los niños durante los años de mayor desarrollo. Se considera que la capacidad espacial, la memoria verbal, la lectura y la capacidad matemática aumentan junto con la educación musical (principalmente mediante el aprendizaje de un instrumento). Los investigadores también señalan que es evidente una correlación entre la asistencia general y los aumentos del coeficiente intelectual y, debido a la participación de los estudiantes en la educación musical, las tasas de asistencia general aumentan junto con su coeficiente intelectual.

Las habilidades motoras finas, los comportamientos sociales y el bienestar emocional también se pueden aumentar a través de la música y la educación musical. El aprendizaje de un instrumento aumenta la motricidad fina en estudiantes con discapacidad física. El bienestar emocional puede aumentar a medida que los estudiantes encuentran significado a las canciones y las conectan con su vida cotidiana. A través de interacciones sociales al tocar en grupos como jazz y bandas de concierto, los estudiantes aprenden a socializar y esto puede vincularse con el bienestar emocional y mental.

Existe evidencia de impactos positivos de la participación en orquestas juveniles y el rendimiento académico y la resiliencia en Chile. Según la Asociación Internacional para la Evaluación del Rendimiento Educativo (IAEEA), “los principales países académicos del mundo otorgan un gran valor a la educación musical. Hungría, Países Bajos y Japón han requerido formación musical en los niveles primario y medio, tanto instrumental como vocal, durante varias décadas."

A diferencia de estudios experimentales anteriores, un metaanálisis publicado en 2020 encontró una falta de evidencia que respalde la afirmación de que la formación musical tiene un impacto positivo en las habilidades cognitivas y los logros académicos de los niños, y los autores concluyen que "el optimismo de los investigadores sobre los beneficios de la formación musical está empíricamente injustificado y surge de una mala interpretación de los datos empíricos y, posiblemente, de un sesgo de confirmación."

Defensa de la música

En algunas comunidades –e incluso en sistemas educativos nacionales enteros– la música recibe poco apoyo como materia académica, y los profesores de música sienten que deben buscar activamente un mayor respaldo público para la educación musical como una materia de estudio legítima. Esta necesidad percibida de cambiar la opinión pública ha resultado en el desarrollo de una variedad de enfoques comúnmente llamados “defensa de la música”. La defensa de la música se presenta de muchas formas, algunas de las cuales se basan en argumentos académicos legítimos y hallazgos científicos, mientras que otros ejemplos se basan de manera controvertida en emociones, anécdotas o datos poco convincentes.

Proyectos recientes de defensa de la música de alto perfil incluyen el "Efecto Mozart", el Proyecto del Himno Nacional y el movimiento en Pedagogía de las Músicas del Mundo (también conocido como Diversidad Cultural en la Educación Musical), que busca medios equitativos para la educación musical. pedagogía entre los estudiantes independientemente de su raza, etnia o circunstancia socioeconómica. El efecto Mozart es particularmente controvertido ya que si bien el estudio inicial sugirió que escuchar a Mozart impacta positivamente el razonamiento espacio-temporal, estudios posteriores no lograron replicar los resultados, sugirieron que no hay ningún efecto sobre el coeficiente intelectual o la capacidad espacial, o sugirieron que la música de Mozart podría sustituirse. cualquier música que disfruten los niños en un término llamado "excitación del disfrute". Otro estudio sugirió que incluso si escuchar a Mozart puede mejorar temporalmente las habilidades espacio-temporales de un estudiante, es mucho más probable que aprender a tocar un instrumento mejore el rendimiento y los logros del estudiante. Los educadores criticaron de manera similar el Proyecto del Himno Nacional no sólo por promover el uso educativo de la música como herramienta para objetivos no musicales, sino también por sus vínculos con el nacionalismo y el militarismo.

Los estudiosos de la música contemporánea afirman que la defensa eficaz de la música utiliza argumentos empíricamente sólidos que trascienden las motivaciones políticas y las agendas personales. Filósofos de la educación musical como Bennett Reimer, Estelle Jorgensen, David J. Elliott, John Paynter y Keith Swanwick apoyan este punto de vista, sin embargo, muchos profesores de música y organizaciones y escuelas musicales no aplican esta línea de razonamiento en sus argumentos de defensa de la música. Investigadores como Ellen Winner concluyen que los defensores de las artes han hecho afirmaciones falsas en detrimento de la defensa del estudio de la música; su investigación desmiente las afirmaciones de que la educación musical mejora las matemáticas, por ejemplo. Los investigadores Glenn Schellenberg y Eugenia Costa-Giomi también critican a los defensores que asocian incorrectamente la correlación con la causalidad, y Giomi señala que si bien existe una "fuerte relación entre la participación musical y el rendimiento académico, la naturaleza causal de la la relación es cuestionable." Los filósofos David Elliott y Marissa Silverman sugieren que una promoción más eficaz implica evitar "tontizar" valores y objetivos a través de eslóganes y datos engañosos, centrándose mejor la energía en involucrar a partidarios potenciales en la creación musical activa y en experiencias musical-afectivas, reconociendo estas acciones que la música y la creación musical son inherentes a la cultura y el comportamiento humanos, distinguiendo a los humanos de otras especies. . La atención se centra también en la promoción de la importancia de la educación musical, a pesar de las disparidades en ingresos y estatus social. Woodrow Wilson dijo: "Queremos que una clase de personas tenga una educación liberal, y queremos que otra clase de personas, una clase mucho mayor por necesidad en cada sociedad, renuncie al privilegio de una educación liberal y se adapte a ella". realizar tareas manuales difíciles específicas."

Educación musical intercultural

La música, los idiomas y los sonidos a los que estamos expuestos dentro de nuestras propias culturas determinan nuestros gustos musicales y afectan la forma en que percibimos la música de otras culturas. Muchos estudios han demostrado claras diferencias en las preferencias y habilidades de músicos de todo el mundo. Un estudio intentó ver las distinciones entre las preferencias musicales de los hablantes de inglés y japonés, proporcionando a ambos grupos de personas la misma serie de tonos y ritmos. El mismo tipo de estudio se realizó para hablantes de inglés y francés. Ambos estudios sugirieron que el idioma hablado por el oyente determinaba qué grupos de tonos y ritmos eran más atractivos, basándose en las inflexiones y grupos de ritmos naturales de su idioma.

En otro estudio, europeos y africanos intentaron tocar con ciertos ritmos. Los ritmos europeos son regulares y se basan en proporciones simples, mientras que los ritmos africanos suelen basarse en proporciones irregulares. Si bien ambos grupos de personas podían interpretar ritmos con cualidades europeas, el grupo europeo tuvo problemas con los ritmos africanos. Esto tiene que ver con la ubicuidad de los polirritmos complejos en la cultura africana y su familiaridad con este tipo de sonido.

Si bien cada cultura tiene sus propias cualidades y atractivos musicales, la incorporación de planes de estudio interculturales en nuestras aulas de música puede ayudar a enseñar a los estudiantes cómo percibir mejor la música de otras culturas. Los estudios demuestran que aprender a cantar canciones populares o música popular de otras culturas es una forma eficaz de comprender una cultura en lugar de simplemente aprender sobre ella. Si las aulas de música discuten las cualidades musicales e incorporan estilos de otras culturas, como las raíces brasileñas de la bossa nova, la clave afrocubana y los tambores africanos, expondrán a los estudiantes a nuevos sonidos y les enseñarán cómo comparar los de sus culturas. música con las diferentes músicas y comience a hacerlos sentir más cómodos explorando sonidos.

Papel de la mujer

Mientras que los críticos de la música argumentaban en los años 1880 que "...las mujeres [compositores] carecían de la creatividad innata para componer la buena música" debido a la "disposición biológica", más tarde, se aceptó que las mujeres tendrían un papel en la educación musical, y se involucraron en este campo "...a tal grado que las mujeres dominaban la educación musical durante la mitad del siglo XIX y bien en el siglo XX". "Las narraciones tradicionales de la historia de la educación musical [en los Estados Unidos] a menudo han descuidado las contribuciones de las mujeres, porque estos textos han enfatizado las bandas y los principales líderes en organizaciones de música jerárquica". Al mirar más allá de estos líderes y líderes principales, las mujeres tenían muchos roles de educación musical en el "hogar, comunidad, iglesias, escuelas públicas, e instituciones de formación de maestros" y "...como escritores, patronos, y a través de su trabajo voluntario en organizaciones".

A pesar de las limitaciones impuestas al papel de las mujeres en la educación musical en el siglo XIX, las mujeres eran aceptadas como maestras de jardín de infantes, porque se consideraba que era una "esfera privada". Las mujeres también enseñaban música en forma privada, en escuelas para niñas y escuelas dominicales, y capacitaban a músicos en programas de música escolares. A principios del siglo XX, las mujeres comenzaron a trabajar como supervisoras de música en las escuelas primarias, maestras en las escuelas normales y profesoras de música en las universidades. Las mujeres también se volvieron más activas en las organizaciones profesionales de educación musical y presentaron ponencias en conferencias. Una mujer, Frances Clarke (1860-1958) fundó la Conferencia Nacional de Supervisores de Música en 1907. Si bien un pequeño número de mujeres se desempeñó como presidenta de la Conferencia Nacional de Supervisores de Música (y las siguientes versiones renombradas de la organización durante el siglo siguiente) en el A principios del siglo XX, sólo hubo dos presidentas entre 1952 y 1992, lo que "[p]osiblemente refleja discriminación".

Después de 1990, sin embargo, se abrieron roles de liderazgo para las mujeres en la organización. De 1990 a 2010, hubo cinco mujeres presidentas de esta organización. Las educadoras musicales “superan en número a los hombres dos a uno” en la enseñanza de música general, coro, lecciones privadas e instrucción de teclado. Se tiende a contratar a más hombres para educación de banda, administración y trabajos de jazz, y más hombres trabajan en colegios y universidades. Según la Dra. Sandra Wieland Howe, todavía existe un "techo de cristal" para las mujeres en carreras de educación musical, ya que existe un "estigma" asociado con mujeres en posiciones de liderazgo y "los hombres superan a las mujeres como administradoras"

América

Tradiciones musicales latinoamericanas

Aspectos históricos

Entre los aztecas, se utilizaba una gran variedad de instrumentos con dos propósitos principales: curar y tocar música religiosa (competencia de sacerdotes especializados; e interpretar música de la corte (tocada diariamente para la clase gobernante azteca). La educación de los aztecas de todos los estratos sociales, se llevaba a cabo en las escuelas llamadas calmecac, telpochcalli y cuicacalli. y era un requisito para todo el pueblo, esto resalta la gran importancia que tenían la música y La danza formaba parte de la vida de los aztecas. En la cultura maya, los músicos ocupaban un espacio entre la élite y la gente común. La música desempeñaba un papel destacado y los músicos profesionales utilizaban una variedad de instrumentos de viento, tambores y cascabeles para celebrar las victorias militares. La música también Jugó un papel destacado en los ritos funerarios de la élite.

Con la colonización española y portuguesa, la música comenzó a verse influenciada por las ideas y principios europeos. La Iglesia católica utilizó la educación musical como un medio para difundir el cristianismo entre las poblaciones indígenas locales. Un ejemplo de un educador temprano es Esteban Salas, considerado el primer compositor de música artística nativo de Cuba que convirtió a Santiago de Cuba en un centro de excelencia musical en el país. La influencia de Salinas en el desarrollo de la música cubana incluye una colección de más de 100 composiciones musicales que lo establecieron como el iniciador de la tradición de la música artística cubana. Su legado continúa en la Cuba actual, donde cada año se celebra en La Habana el Festival de Música Antigua Esteban Salas. El festival atrae a artistas de música clásica de todo el mundo para tocar y enseñar música siguiendo la tradición de Esteban Salinas.

Dado que la música se enseñaba al público en general de memoria, hasta los siglos XIX y XX, muy pocas personas sabían leer música aparte de los que tocaban instrumentos. El desarrollo de la música en América Latina siguió principalmente al desarrollo europeo: se formaron coros para cantar misas, cánticos, salmos; La música secular también se hizo más frecuente en los siglos XVII y XVIII y más allá.

Hoy

Hoy en día, la educación musical en América Latina pone un gran énfasis en la música folclórica, las misas y la música orquestal. Muchas escuelas enseñan a sus coros a cantar en su lengua materna además de en inglés. Varios colegios latinoamericanos, específicamente en Puerto Rico y Haití, creen que la música es una materia importante y están trabajando para ampliar sus programas. En Puerto Rico no existe una política oficial de educación musical que rija la instrucción musical en la primera infancia. Fuera de la escuela, muchas comunidades forman sus propios grupos y organizaciones musicales y sus actuaciones son muy populares entre el público local. Hay algunos grupos corales latinoamericanos muy conocidos, como "El Coro de Madrigalistas" de Mexico. Este famoso grupo coral realiza giras por México, mostrando a los estudiantes de todo el país cómo suena un conjunto coral profesional. También hay evidencia del impacto positivo de la participación en orquestas juveniles y el rendimiento académico y la resiliencia en Chile.

La educación musical puede mejorar los resultados académicos en los niños. En Colombia, la red de Escuelas de Música de Medellín cuenta con más de dos décadas de funcionamiento. Se ha demostrado que los estudiantes que participan en este programa de música tienen mejores logros académicos y son menos propensos a participar en actos de violencia. El programa de música aumenta las posibilidades de graduación de los participantes.

Educación musical y culturas indígenas

Más allá de la música coral tradicional, los jóvenes artistas latinoamericanos ahora están utilizando el hip-hop como una forma de promover la revitalización de las lenguas indígenas y celebrar las tradiciones que se originaron antes de la conquista española. El hip-hop en América Latina actúa ahora como la voz de los oprimidos, estableciendo esta forma de música como expresión de la revolución social. En toda América Latina, jóvenes artistas indígenas están utilizando el hip hop como una forma de expresar su lucha contra la pobreza y la injusticia. La nueva música que sale de América Latina muestra influencias que se remontan a antiguas tradiciones indígenas. Uchpa y Alborada son dos exitosas bandas peruanas que han celebrado sus raíces indígenas. Desde Chile, la canción de Jaas Newen "Inche Kay Che" Llama a la defensa de la cultura indígena tradicional. La canción "Koangagu" del grupo brasileño Brô MC's examina cómo las culturas brasileñas indígenas y modernas pueden unirse en la música. "Presente y Combativo" de Parce MC, Mugre Sur, Sapín celebra la vida de un rapero boliviano asesinado en 2009.

Estados Unidos

Siglo XVIII

Después de la predicación del Reverendo Thomas Symmes, la primera escuela de canto se creó en 1717 en Boston con el propósito de mejorar el canto y la lectura musical en la iglesia. Estas escuelas de canto se fueron extendiendo poco a poco por las colonias. La educación musical siguió floreciendo con la creación de la Academia de Música de Boston. El reverendo John Tufts publicó Introducción al canto de melodías de salmos utilizando notación no tradicional, considerado el primer libro de texto de música en las colonias. Entre 1700 y 1820, autores como Samuel Holyoke, Francis Hopkinson, William Billings y Oliver Holden publicarían más de 375 libros de melodías.

La música comenzó a extenderse como materia curricular en otros distritos escolares. Poco después, la música se expandió a todos los niveles de grado y se mejoró la enseñanza de la lectura musical hasta que el plan de estudios de música creció para incluir varias actividades además de la lectura musical. A finales de 1864, la música de las escuelas públicas se había extendido por todo el país.

Siglo XIX

En 1832, Lowell Mason y George Webb formaron la Academia de Música de Boston con el propósito de enseñar canto y teoría, así como métodos de enseñanza de música. Mason publicó su Manuel de Instrucción en 1834, que se basó en las obras de educación musical del Sistema Pestalozziano de Educación fundado por el educador suizo Johann Heinrich Pestalozzi. Este manual fue poco a poco utilizado por muchos profesores de escuelas de canto. De 1837 a 1838, el Comité Escolar de Boston permitió a Lowell Mason enseñar música en la Escuela Hawes a modo de demostración. Esta se considera la primera vez que se introdujo la educación musical en las escuelas públicas de los Estados Unidos. En 1838, el Comité Escolar de Boston aprobó la inclusión de la música en el plan de estudios y Lowell Mason se convirtió en el primer supervisor reconocido de música elemental. En años posteriores, Luther Whiting Mason se convirtió en Supervisor de Música en Boston y extendió la educación musical a todos los niveles de la educación pública (gramática, primaria y secundaria).

A mediados del siglo XIX, Boston se convirtió en el modelo al que muchas otras ciudades de Estados Unidos incluyeron y dieron forma a sus programas de educación musical en escuelas públicas. La metodología musical para profesores se introdujo por primera vez en la Escuela Normal de Potsdam. El concepto de profesores de aula en una escuela que enseñaba música bajo la dirección de un supervisor musical fue el modelo estándar para la educación musical en las escuelas públicas durante este siglo. (Ver también: Educación musical en los Estados Unidos) Si bien en el siglo XIX se disuadió a las mujeres de componer, "más tarde se aceptó que las mujeres tendrían un papel en la educación musical, y se involucró en este campo... hasta tal punto que las mujeres dominaron la educación musical durante la segunda mitad del siglo XIX y hasta bien entrado el siglo XX."

Principios del siglo XX

En los Estados Unidos, las escuelas superiores de enseñanza con programas de grado de cuatro años se desarrollaron a partir de las Escuelas Normales e incluían música. El Conservatorio Oberlin ofreció por primera vez la licenciatura en Educación Musical. Osbourne G. McCarthy, un educador musical estadounidense, presentó detalles para estudiar música para obtener créditos en Chelsea High School. Los acontecimientos notables en la historia de la educación musical a principios del siglo XX también incluyen:

• Fundación de la Conferencia Nacional del Supervisor de Música (cambiada a la Conferencia Nacional de Educadores de Música en 1934, más tarde MENC: The National Association for Music Education in 1998, and currently The National Association for Music Education – NAfME) in Keokuk, Iowa in 1907.
• Montaje de la banda escolar y movimiento de orquesta que conduce a programas de música escolar orientados al rendimiento.
• Crecimiento en las publicaciones de métodos musicales.
• Frances Elliot Clark desarrolla y promueve bibliotecas de registro de fonógrafos para uso escolar.
• Carl Seashore y su Medidas del talento musical La prueba de aptitud musical comienza a probar gente en música.

Mediados del siglo XX al siglo XXI

La siguiente tabla ilustra algunos desarrollos notables de este período:

Presente

Las ofertas de cursos de música e incluso programas de grado completo en la educación musical en línea desarrollados en la primera década del siglo XXI en diversas instituciones, y los campos de la pedagogía de la música mundial y la pedagogía de la música popular también han visto notable expansión.

A finales del siglo XX y principios del XXI, los aspectos sociales de la enseñanza y el aprendizaje de la música pasaron a primer plano. Esto surgió como educación musical praxial, teoría crítica y teoría feminista. De importancia son los coloquios y revistas del MayDay Group, "un grupo de expertos internacional de educadores musicales que tiene como objetivo identificar, criticar y cambiar patrones de actividad profesional que se dan por sentados, enfoques polémicos del método y la filosofía, y políticas educativas y presiones públicas que amenazan la práctica efectiva y la comunicación crítica en la educación musical." Con un nuevo enfoque en los aspectos sociales de la educación musical, los académicos han analizado aspectos críticos como la música y la raza, el género, la clase, la pertenencia institucional y la sostenibilidad.

Europa

La música ha sido un tema destacado en las escuelas y otras instituciones de aprendizaje en Europa durante muchos siglos. Instituciones tan tempranas como el Coro de la Capilla Sixtina y el Coro de Niños de Viena ofrecieron importantes modelos tempranos de aprendizaje coral, mientras que el Conservatorio de París se volvió influyente más tarde para la formación en instrumentos de banda de viento. En Europa se desarrollaron varios métodos de instrucción que luego afectarían a otras partes del mundo, incluidos los afiliados a Zoltan Kodaly, Carl Orff, Émile Jaques-Dalcroze y ABRSM, por nombrar solo algunos. Entre las organizaciones profesionales notables del continente se incluyen ahora la rama regional europea de la Sociedad Internacional para la Educación Musical y la Asociación Europea de Conservatorios. En las últimas décadas, Europa central, meridional y oriental han tendido a enfatizar con éxito la herencia de la música clásica, mientras que los países nórdicos han promovido especialmente la música popular en las escuelas.

Asia

India

La educación musical institucional fue iniciada en la India colonial por Rabindranath Tagore después de fundar la Universidad Visva-Bharati. En la actualidad, la mayoría de las universidades cuentan con una facultad de música con algunas universidades especialmente dedicadas a las bellas artes como la Universidad Indira Kala Sangeet, la Facultad de Música Swathi Thirunal, Prayag Sangeet Samiti o la Universidad Rabindra Bharati. La música clásica india se basa en el parampara Guru-Shishya. sistema. El maestro, conocido como Guru, transmite el conocimiento musical al alumno, o shyshya. Este sigue siendo el principal sistema utilizado en la India para transmitir conocimientos musicales. Aunque la música artística europea se popularizó en las escuelas de gran parte del mundo durante el siglo XX (Asia Oriental, América Latina, Oceanía, África), la India sigue siendo una de las pocas naciones densamente pobladas en las que las tradiciones musicales indígenas no europeas han recibido consistentemente relativamente mayor énfasis. Dicho esto, ciertamente hay mucha influencia occidental en la música popular asociada con las bandas sonoras de las películas de Bollywood.

Indonesia

La isla indonesia de Java es conocida por su rica cultura musical, centrada en la música gamelán. Los dos conjuntos de instrumentos de gamelán más antiguos, que datan del siglo XII, se encuentran en los kratons (palacios) de las ciudades de Yogyakarta y Surakarta. La música gamelan es una parte integral de la cultura javanesa: es parte de ceremonias religiosas, bodas, funerales, actividades palaciegas, fiestas nacionales y reuniones de la comunidad local. En los últimos años, ha habido un mercado creciente para el turismo asociado al gamelan: varias empresas organizan visitas para turistas que deseen participar y aprender gamelan.

La música gamelán tiene un enfoque pedagógico distinto. El término maguru panggul, traducido significa “enseñar con el mazo”, describe el enfoque maestro-aprendiz que se utiliza con mayor frecuencia cuando se enseña música. El profesor demuestra largos pasajes de música a la vez, sin detenerse para que el alumno demuestre comprensión del pasaje, como en una pedagogía musical occidental. Un maestro y un estudiante a menudo se sientan en lados opuestos de un instrumento de tambor o mazo para que ambos puedan tocarlo. Esto proporciona al maestro una manera fácil de demostrar y el estudiante puede estudiar e imitar las acciones del maestro. El maestro entrena al intérprete de kendang, que es el líder del conjunto. El profesor trabaja uno a uno con ellos y repite las partes tantas veces como sea necesario hasta que la pieza sea rítmica y estilísticamente precisa. A veces se confía en el jugador de Kendang para transmitir la música a sus compañeros de gamelan.

África

El Departamento de Educación de Sudáfrica y el ILAM Music Heritage Project SA enseñan música africana utilizando el marco musical occidental. El programa Escucha y aprende de ILAM para estudiantes de 11 a 14 años es un programa "único". en la enseñanza de los requisitos curriculares para la música occidental utilizando grabaciones de música tradicional africana.

Desde el momento en que África fue colonizada hasta 1994, la música y las artes indígenas que se imparten en las escuelas es un hecho raro. El Congreso Nacional Africano (ANC) intentó reparar el abandono de los conocimientos indígenas y el énfasis abrumador en la alfabetización musical escrita en las escuelas. No es bien sabido que el aprendizaje de la música indígena realmente tiene una filosofía y un procedimiento de enseñanza diferente de la formación “formal” occidental. Implica a toda la comunidad porque las canciones indígenas son sobre la historia de su pueblo. Después de la colonización de África, la música se centró más en las creencias cristianas y canciones populares europeas, en lugar de la música indígena más improvisada y fluida. Antes de que los principales cambios en la educación pasaran de 1994 a 2004, durante la primera década del gobierno democrático, los maestros fueron capacitados como profesores de aulas y dijeron que tendrían que incorporar música en otras áreas temáticas. Los pocos colegios con programas de enseñanza que incluían programas instrumentales tenían un mayor énfasis en la teoría de la música, la historia de la música occidental, la notación de la música occidental, y menos en hacer música. Hasta 1999, la mayoría de los estudios universitarios no incluyeron la formación en música sudafricana indígena.

En las culturas africanas, la música se considera una experiencia comunitaria y se utiliza para ocasiones sociales y religiosas. Tan pronto como los niños muestran alguna señal de poder manejar música o un instrumento musical se les permite participar con los adultos de la comunidad en eventos musicales. Las canciones tradicionales son más importantes para muchas personas porque son historias sobre las historias de los pueblos indígenas.

Australia

Aunque el plan de estudios nacional para las escuelas incluye la música en su componente artístico, las investigaciones publicadas en 2005 y 2020 han demostrado que varía mucho de un estado a otro y de una escuela a otra, y que algunos estudiantes no reciben nada en absoluto. Por estado y territorio: las escuelas primarias estatales de Queensland han disfrutado de buenos programas de música desde la década de 1980; La estrategia y el fondo de educación musical de Australia del Sur se formaron en 2019; Victoria tiene un marco de mejores prácticas; Tasmania, Australia Occidental y ACT emplean profesores especializados en algunas escuelas primarias; En Nueva Gales del Sur, los profesores generalistas son responsables de impartir todo el plan de estudios de la escuela primaria en las escuelas públicas.

En noviembre de 2018, ABC Televisión emitió Don't Stop The Music, una serie de tres capítulos que documentaba el lanzamiento y avance de un programa de música en una escuela primaria de una zona desfavorecida de Perth, Australia Occidental. Mostró los efectos positivos del programa en los estudiantes y sus familias, así como en los profesores. Un proyecto más amplio alentó al público a donar instrumentos musicales a escuelas desfavorecidas, lo que llevó a que Música Viva Australia recibiera más de 4.500 instrumentos para procesar. La serie contó con el apoyo del popular músico Guy Sebastian y la investigadora y educadora musical Anita Collins, y también contó con el apoyo del Ejército de Salvación.

Educadoras musicales notables

Organizaciones profesionales

• American Choral Directors Association
• American Orff-Schulwerk Association
• American String Teachers Association
• International Association for Jazz Education
• International Society for Music Education
• International Society for Philosophy of Music Education
• National Association for Music Education (US-based: also called NafME, and previously MENC)
• Music Teachers National Association
• Nordic Network for Music Education (NNME)