Diego Velázquez
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (bautizado el 6 de junio de 1599 -6 de agosto de 1660) fue un pintor español, el artista principal en la corte del rey Felipe IV de España y Portugal, y de el Siglo de Oro español. Fue un artista individualista del período barroco (c. 1600–1750). Comenzó a pintar con un estilo tenebrista preciso, desarrollando luego una manera más libre caracterizada por una pincelada audaz. Además de numerosas representaciones de escenas de importancia histórica y cultural, pintó decenas de retratos de la familia real española y plebeyos, que culminaron en su obra maestra Las Meninas (1656).
Las pinturas de Velázquez se convirtieron en un modelo para los pintores realistas e impresionistas del siglo XIX. En el siglo XX, artistas como Pablo Picasso, Salvador Dalí y Francis Bacon rindieron homenaje a Velázquez reinterpretando algunas de sus imágenes más icónicas.
La mayor parte de su obra ingresó a la colección real española y, con diferencia, la mejor colección se encuentra en el Museo del Prado de Madrid, aunque algunos retratos se enviaron al extranjero como obsequios diplomáticos, especialmente a los Habsburgo de Austria.
Primeros años
Velázquez nació en Sevilla, España, primogénito del notario Juan Rodríguez de Silva y Jerónima Velázquez. Fue bautizado en la iglesia de San Pedro en Sevilla el domingo 6 de junio de 1599. El bautismo probablemente ocurrió unos días o semanas después de su nacimiento. Sus abuelos paternos, Diego da Silva y María Rodríguez, eran portugueses y se habían mudado a Sevilla décadas antes. Cuando a Velázquez se le ofreció el título de caballero en 1658, afirmó descender de la nobleza menor para calificar; de hecho, sin embargo, sus abuelos eran comerciantes y posiblemente conversos judíos. Rafael Cómez propone que Velázquez pudo haber tenido linaje morisco.
Criado en circunstancias modestas, mostró un don temprano para el arte y fue aprendiz de Francisco Pacheco, un artista y maestro en Sevilla. Un biógrafo de principios del siglo XVIII, Antonio Palomino, dijo que Velázquez estudió por un corto tiempo con Francisco de Herrera antes de comenzar su aprendizaje con Pacheco, pero esto no está documentado. Un contrato firmado el 17 de septiembre de 1611 formalizó un aprendizaje de 6 años con Pacheco con fecha anterior a diciembre de 1610, y se ha sugerido que Herrera pudo haber sustituido a un Pacheco viajero entre diciembre de 1610 y septiembre de 1611.
Aunque se le consideraba un pintor aburrido y mediocre, Pacheco a veces expresaba un realismo simple y directo, aunque su obra seguía siendo esencialmente manierista. Como maestro, fue muy erudito y animó a sus alumnos' desarrollo intelectual. En la escuela de Pacheco, Velázquez estudió los clásicos, se formó en la proporción y la perspectiva, y fue testigo de las tendencias en los círculos literarios y artísticos de Sevilla.
El 23 de abril de 1618, Velázquez se casó con Juana Pacheco (1 de junio de 1602 - 10 de agosto de 1660), hija de su maestro. Tuvieron dos hijas. La mayor, Francisca de Silva Velázquez y Pacheco (1619-1658), se casó con el pintor Juan Bautista Martínez del Mazo en la Iglesia de Santiago de Madrid el 21 de agosto de 1633. La menor, Ignacia de Silva Velázquez y Pacheco, nacida en 1621, murió en la infancia.
Las primeras obras de Velázquez son bodegones (escenas de cocina con naturalezas muertas prominentes). Fue uno de los primeros artistas españoles en pintar tales escenas, y su Old Woman Frying Eggs (1618) demuestra la inusual habilidad del joven artista en la representación realista. El realismo y la iluminación dramática de esta obra pueden haber estado influenciados por la obra de Caravaggio —que Velázquez pudo haber visto de segunda mano, en copias— y por la escultura policromada de las iglesias sevillanas. Dos de sus bodegones, Escena de cocina con Cristo en casa de Marta (1618) y Escena de cocina con Cristo en Emaús (c. 1618), presentan escenas religiosas de fondo., pintado de una manera que crea ambigüedad sobre si la escena religiosa es una pintura en la pared, una representación de los pensamientos de la criada de la cocina en primer plano o un incidente real visto a través de una ventana. La Virgen de la Inmaculada Concepción (1618-19) sigue una fórmula utilizada por Pacheco, pero reemplaza el tipo facial idealizado y las superficies suavemente acabadas de su maestro con el rostro de una niña local y una pincelada variada. Sus otras obras religiosas incluyen La adoración de los magos (1619) y San Juan evangelista en la isla de Patmos (1618-19), las cuales comienzan a expresar su realismo más puntiagudo y cuidado.
También de esta época son el retrato de Sor Jerónima de la Fuente (1620) -primer retrato de cuerpo entero de Velázquez- y el género El Aguador de Sevilla< /i> (1618-1622). El Aguador de Sevilla ha sido denominado "el pico de los bodegones" y es admirado por su interpretación virtuosa de volúmenes y texturas, así como por su enigmática seriedad.
A Madrid (período temprano)
Velázquez había establecido su reputación en Sevilla a principios de la década de 1620. Viajó a Madrid en abril de 1622, con cartas de presentación a don Juan de Fonseca, capellán del rey. A Velázquez no se le permitió pintar al nuevo rey, Felipe IV, pero retrató al poeta Luis de Góngora a petición de Pacheco. El retrato mostraba a Góngora coronado con una corona de laurel, que posteriormente pintó Velázquez. Regresó a Sevilla en enero de 1623 y permaneció allí hasta agosto.
En diciembre de 1622 fallece Rodrigo de Villandrando, el pintor de corte favorito del rey. Velázquez recibió la orden de acudir a la corte de Gaspar de Guzmán, conde-duque de Olivares, el poderoso ministro de Felipe IV. Le ofrecieron 50 ducados (175 g de oro) para sufragar sus gastos, y estuvo acompañado por su suegro. Fonseca alojó al joven pintor en su casa y posó para un retrato que, una vez terminado, fue trasladado al palacio real. Se encargó un retrato del rey y el 30 de agosto de 1623 Felipe IV posó para Velázquez. El retrato complació al rey, y Olivares ordenó a Velázquez que se mudara a Madrid, prometiéndole que ningún otro pintor volvería a pintar el retrato de Felipe y que todos los demás retratos del rey serían retirados de circulación. Al año siguiente, 1624, recibió del rey 300 ducados para pagar el traslado de su familia a Madrid, que se convirtió en su hogar para el resto de su vida.
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Velázquez consiguió el ingreso al servicio real con un salario de 20 ducados mensuales, alojamiento y pago de los cuadros que pintara. Su retrato de Felipe fue expuesto en la escalinata de San Felipe y recibido con entusiasmo. Ahora está perdido (al igual que el retrato de Fonseca). El Museo del Prado, sin embargo, conserva dos retratos del rey de Velázquez (núms. 1070 y 1071) en los que ha desaparecido la severidad de la época sevillana y los tonos son más delicados. El modelado es firme, recordando al de Antonio Mor, el retratista holandés de Felipe II, que ejerció una considerable influencia en la escuela española. Velázquez representa a Felipe con la golilla, un cuello rígido de lino que sobresale del cuello en ángulo recto. La golilla reemplazó la moda cortesana anterior de elaborados cuellos con volantes como parte de las leyes de reforma del vestido de Felipe durante un período de crisis económica.
El Príncipe de Gales (luego Carlos I) llegó a la corte de España en 1623. Los registros indican que posó para Velázquez, pero la imagen ahora se ha perdido.
En 1627, Felipe convocó un concurso para los mejores pintores de España con el tema de la expulsión de los moriscos. Ganó Velázquez. Las descripciones registradas de su pintura (destruida en un incendio en el palacio en 1734) dicen que mostraba a Felipe III señalando con su bastón a una multitud de hombres y mujeres que eran conducidos por soldados, mientras la personificación femenina de España se sienta en un tranquilo reposo. Velázquez fue nombrado ujier caballero como recompensa. Más tarde también recibió una asignación diaria de 12 réis, la misma cantidad asignada a los barberos de la corte, y 90 ducados al año para el vestido.
En septiembre de 1628, Peter Paul Rubens se colocó en Madrid como emisario de la Infanta Isabel, y Velázquez lo acompañó a ver a los Tiziano en El Escorial. Rubens, que demostró su brillantez como pintor y cortesano durante los siete meses de la misión diplomática, tenía una alta opinión de Velázquez pero no tuvo una influencia significativa en su pintura. Sin embargo, galvanizó el deseo de Velázquez de conocer Italia y las obras de los grandes maestros italianos.
En 1629, Velázquez recibió 100 ducados por el cuadro de Baco (El triunfo de Baco), también llamado Los Borrachos (Los Borrachos), una pintura de un grupo de hombres con vestimenta contemporánea que rinden homenaje a un joven semidesnudo con corona de hiedra sentado en un barril de vino. Primera pintura mitológica de Velázquez, ha sido interpretada de diversas formas como representación de una representación teatral, como parodia o como representación simbólica de campesinos pidiendo al dios del vino que les alivie de sus penas. El estilo muestra el naturalismo de las primeras obras de Velázquez ligeramente tocado por la influencia de Tiziano y Rubens.
Período italiano
En 1629, Velázquez obtuvo permiso para pasar un año y medio en Italia. Aunque esta primera visita se reconoce como un capítulo crucial en el desarrollo de su estilo —y en la historia del Real Patronato español, ya que Felipe IV patrocinó su viaje— pocos detalles y detalles se conocen de lo que vio el pintor, a quién conoció, cómo fue percibido y qué innovaciones esperaba introducir en su pintura.
Viaja a Venecia, Ferrara, Cento, Loreto, Bolonia y Roma. En 1630 visitó Nápoles para pintar el retrato de María Ana de España, y allí probablemente conoció a Ribera. Las principales obras de su primer período italiano son La túnica ensangrentada de José llevada a Jacob (1629–30) y Apolo en la fragua de Vulcano (1630), ambas de los cuales revelan su ambición de rivalizar con los italianos como pintor de historia a lo grande. Las dos composiciones de varias figuras de tamaño casi natural tienen dimensiones similares y pueden haber sido concebidas como colgantes: la escena bíblica que representa un engaño y la escena mitológica que representa la revelación de un engaño. Tal como lo había hecho en El triunfo de Baco, Velázquez presentaba a sus personajes como personas contemporáneas cuyos gestos y expresiones faciales eran los de la vida cotidiana. Siguiendo el ejemplo de pintores boloñeses como Guido Reni, Velázquez pintó Apolo en la Fragua de Vulcano sobre lienzo preparado con un fondo gris claro en lugar del fondo rojizo oscuro de todas sus obras anteriores. El cambio resultó en una mayor luminosidad que la que había logrado anteriormente, e hizo del uso de fondos de color gris claro su práctica habitual.
Regreso a Madrid (período medio)
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Velázquez regresó a Madrid en enero de 1631. Ese año completó el primero de sus muchos retratos del joven príncipe, comenzando con El príncipe Baltasar Carlos con un enano (Boston, Museo de Bellas Artes). En retratos como el Retrato ecuestre del príncipe Baltasar Carlos (1635), Velázquez representa al príncipe con aspecto digno y señorial, o con el traje de un mariscal de campo sobre su corcel encabritado. En una versión, la escena es en la escuela de equitación del palacio, el rey y la reina miran desde un balcón, mientras Olivares atiende como maestro de caballos al príncipe.
Para decorar el nuevo palacio del rey, el Palacio del Buen Retiro, Velázquez pintó retratos ecuestres de la familia real. En Felipe IV a caballo (1634-1635), el rey está representado de perfil en una imagen de majestuosidad imperturbable, demostrando una habilidad ecuestre ejecutando una levada sin esfuerzo. La gran La rendición de Breda (1634-1635), también pintada para el Palacio, es la única pintura existente de Velázquez que representa la historia contemporánea. Su tratamiento simbólico de una victoria militar española sobre los holandeses evita la retórica de conquista y superioridad que es típica en tales escenas, en las que un general a caballo mira desde arriba a su oponente vencido y arrodillado. En cambio, Velázquez muestra al general español de pie ante su homólogo holandés como un igual y extendiéndole una mano de consuelo.
El rostro impasible y saturnino del influyente ministro Olivares nos resulta familiar por los numerosos retratos pintados por Velázquez. Dos son notables: uno es de cuerpo entero, majestuoso y digno, en el que lleva la cruz verde de la orden de Alcántara y sostiene una varita, la insignia de su oficio como maestro de caballos; en el otro, El conde-duque de Olivares a caballo (c. 1635), se le representa halagadoramente como un mariscal de campo durante la acción. En estos retratos, Velázquez saldó bien la deuda de gratitud que tenía con el mecenas que primero lo había llamado la atención del rey.
El escultor Juan Martínez Montañés modeló una estatua sobre uno de los retratos ecuestres del rey de Velázquez (pintado en 1636; ahora perdido) que fue fundido en bronce por el escultor florentino Pietro Tacca y que ahora se encuentra en la Plaza de Oriente en Madrid. Velázquez estuvo muy cerca de Felipe y lo acompañó a Aragón en 1644, donde el artista pintó un retrato del monarca con el traje mientras pasaba revista a sus tropas en Fraga.
Las pinturas de Velázquez de Esopo y Menipo (ambos c. 1636–1638) retratan a escritores antiguos en forma de retratos de mendigos. Marte descansando (c. 1638) es a la vez una representación de una figura mitológica y un retrato de un hombre de mediana edad de aspecto cansado que se hace pasar por Marte. El modelo está pintado con atención a su individualidad, mientras que su bigote desaliñado y de gran tamaño es una incongruencia ligeramente cómica. La equívoca imagen ha sido interpretada de diversas maneras: Javier Portús la describe como una "reflexión sobre la realidad, la representación y la visión artística", mientras que Alfonso E. Pérez Sánchez dice que "también se ha visto como una melancólica meditación sobre las armas de una España en decadencia".
De no haber sido por su nombramiento real, que permitió a Velázquez escapar de la censura de la Inquisición, no habría podido estrenar su La Venus del espejo (c. 1644-1648, Inglés: Venus at her Mirror), también conocida como The Rokeby Venus. Es el primer desnudo femenino conocido pintado por un artista español y el único desnudo femenino superviviente de Velázquez.
Retrato
Además de los muchos retratos de Felipe realizados por Velázquez (treinta y cuatro por un cargo), pintó retratos de otros miembros de la familia real: la primera esposa de Felipe, Isabel de Borbón, y sus hijos, especialmente su hijo mayor., Don Baltasar Carlos, a quien Velázquez retrató por primera vez alrededor de los dos años de edad. Caballeros, soldados, eclesiásticos y el poeta Francisco de Quevedo (ahora en Apsley House), posaron para Velázquez.
Velázquez también pintó varios bufones y enanos de la corte de Felipe, a los que retrató con simpatía y respeto a su individualidad, como en El bufón don Diego de Acedo (1644), cuya inteligente el rostro y un enorme folio con tintero y pluma a su lado lo muestran como un hombre sabio y bien educado. A este período medio pertenecen Pablo de Valladolid (1635), un bufón evidentemente actuando, y El bufón de Coria (1639).
Como pintor de la corte, Velázquez recibió menos encargos de obras religiosas que cualquiera de sus contemporáneos. Cristo Crucificado (1632), pintado para el Convento de San Plácido de Madrid, representa a Cristo inmediatamente después de la muerte. La cabeza del Salvador cuelga sobre su pecho y una masa de cabello oscuro y enredado oculta parte del rostro, reforzando visualmente la idea de la muerte. La figura se presenta sola ante un fondo oscuro.
El yerno de Velázquez, Juan Bautista Martínez del Mazo, lo había sucedido como ujier en 1634, y el propio Mazo había recibido una promoción constante en la casa real. Mazo recibió una pensión de 500 ducados en 1640, aumentada a 700 en 1648, por retratos pintados y por pintar, y fue nombrado inspector de obras de palacio en 1647.
Felipe ahora le encomendó a Velázquez la misión de adquirir pinturas y esculturas para la colección real. Rica en cuadros, España era débil en estatuas, y Velázquez recibió el encargo una vez más de dirigirse a Italia para realizar compras.
Segunda visita a Italia
Cuando partió en 1649, lo acompañó su ayudante Juan de Pareja, que en ese momento era un esclavo y había sido entrenado en pintura por Velázquez. Velázquez zarpó de Málaga, desembarcó en Génova y se dirigió de Milán a Venecia, comprando cuadros de Tiziano, Tintoretto y Veronés por el camino. En Módena fue recibido con mucho favor por el duque, y aquí pintó el retrato del duque en la galería de Módena y dos retratos que ahora adornan la galería de Dresde, pues estas pinturas procedían de la subasta de Módena de 1746.
Esas obras presagian el advenimiento de la tercera y última manera del pintor, un noble ejemplo de lo cual es el gran retrato del Papa Inocencio X en la Galería Doria Pamphilj en Roma, donde ahora procedía Velázquez. Allí fue recibido con marcado favor por el Papa, quien le entregó una medalla y una cadena de oro. Velázquez se llevó una copia del retrato, que Sir Joshua Reynolds pensó que era el mejor cuadro de Roma, con él a España. Existen varias copias en diferentes galerías, algunas de ellas posiblemente estudios para el original o réplicas pintadas para Felipe. Velázquez, en esta obra, había llegado ahora a la manera abreviada, un término acuñado por los españoles contemporáneos para este estilo más audaz y agudo. El retrato muestra tal crueldad en la expresión de Inocencio que algunos en el Vaticano temieron que el Papa lo viera desfavorablemente; de hecho, Inocencio quedó satisfecho con la obra y la colgó en la sala de espera de sus visitantes oficiales.
En 1650 en Roma Velázquez también pintó un retrato de Juan de Pareja, ahora en el Museo Metropolitano de Arte en la ciudad de Nueva York, EE.UU. Este retrato procuró su elección en la Accademia di San Luca. Supuestamente, Velázquez creó este retrato como un calentamiento de sus habilidades antes de su retrato del Papa. Capta con gran detalle el semblante de Pareja y su ropa algo gastada y remendada con un uso económico de la pincelada. En noviembre de 1650, Juan de Pareja fue liberado por Velázquez.
A esta época pertenecen también dos pequeños paisajes, ambos titulados Vista del Jardín de la Villa Medici. Como paisajes aparentemente pintados directamente de la naturaleza, fueron excepcionales para su época y revelan el estudio detallado de Velázquez de la luz en diferentes momentos del día.
Como parte de su misión de procurar decoraciones para la Sala de los Espejos en el Real Alcázar de Madrid, Velázquez encargó a Matteo Bonuccelli la fundición de doce copias en bronce de los leones de los Medici. Las copias se encuentran ahora en el Palacio Real de Madrid y el Museo del Prado.
Durante su tiempo en Roma, Velázquez tuvo un hijo natural, Antonio, a quien no se sabe que haya visto nunca.
Regreso a España y carrera posterior
Desde febrero de 1650, Felipe buscó repetidamente el regreso de Velázquez a España. Así, tras visitar Nápoles —donde vio a su viejo amigo José Ribera— y Venecia, Velázquez regresó a España vía Barcelona en 1651, llevándose numerosos cuadros y 300 piezas de estatuaria, que luego fueron ordenadas y catalogadas para el rey.
Elisabeth de Francia había muerto en 1644, y el rey se había casado con Mariana de Austria, a quien Velázquez ahora pintaba en muchas actitudes. En 1652 fue elegido especialmente por el rey para ocupar el alto cargo de aposentador mayor, lo que le impuso el deber de cuidar los aposentos ocupados por la corte, función responsable que no era sinecura y una que interfería en el ejercicio de su art. Sin embargo, lejos de indicar cualquier declive, sus obras de este período se encuentran entre los más altos ejemplos de su estilo.
Las Meninas
Una de las infantas, Margaret Theresa, la hija mayor de la nueva reina, parece ser el tema de Las Meninas (1656, inglés: The Damas de honor), la obra magna de Velázquez. Creado cuatro años antes de su muerte, sirve como un ejemplo destacado del arte barroco europeo. Luca Giordano, pintor italiano contemporáneo, se refirió a ella como la "teología de la pintura", y en el siglo XVIII el inglés Thomas Lawrence la citó como la "filosofía del arte". Sin embargo, no está claro quién o qué es el verdadero sujeto de la imagen. ¿Es la hija real, o quizás el propio pintor? El rey y la reina se ven reflejados en un espejo en la pared del fondo, pero la fuente del reflejo es un misterio: ¿es la pareja real de pie en el espacio del espectador, o el espejo refleja la pintura en la que está Velázquez? ¿laboral? Dale Brown dice que Velázquez pudo haber concebido la imagen descolorida del rey y la reina en la pared del fondo como un presagio de la caída del Imperio español que cobraría impulso tras la muerte de Felipe.
En el libro de 1966 Les Mots et Les Choses (El orden de las cosas), el filósofo Michel Foucault dedica el primer capítulo a un análisis detallado de Las Meninas . Describe las formas en que la pintura problematiza los problemas de representación a través del uso de espejos, pantallas y las oscilaciones posteriores que ocurren entre el interior, la superficie y el exterior de la imagen.
Se dice que el rey pintó en el pecho del pintor la Cruz de Santiago honorífica de la Orden de Santiago tal y como aparece hoy en el lienzo. Sin embargo, Velázquez no recibió este honor de caballería hasta tres años después de la ejecución de este cuadro. Ni siquiera el rey de España podía hacer de su pintor de corte favorito un caballero ceñido sin el consentimiento de la comisión establecida para investigar la pureza de su linaje. El objetivo de estas indagatorias sería impedir el nombramiento para cargos de cualquier persona que tenga incluso una mancha de herejía en su linaje, es decir, un rastro de sangre judía o mora o contaminación por comercio o comercio en cualquier lado de la familia para muchas generaciones Las actas de esta comisión se han encontrado entre los archivos de la Orden de Santiago. Velázquez recibió el honor en 1659. Su ocupación como plebeyo y comerciante estaba justificada porque, como pintor del rey, evidentemente no estaba involucrado en la práctica de "vender" fotos.
Últimos años
Básicamente, solo había dos patrocinadores del arte en España: la iglesia y el rey y la corte amantes del arte. Bartolomé Esteban Murillo, quien se afanó por una iglesia rica y poderosa, dejó pocos medios para pagar su entierro, mientras que Velázquez vivió y murió en el goce de un buen salario y pensión.
Una de sus últimas obras fue Las hilanderas, pintada hacia 1657, una representación de la Fábula de Aracne de Ovidio. El tapiz del fondo está basado en El rapto de Europa de Tiziano, o, más probablemente, en la copia que pintó Rubens en Madrid. Está lleno de luz, aire y movimiento, con colores vibrantes y un manejo cuidadoso. Anton Raphael Mengs dijo que esta obra parecía no haber sido pintada a mano sino por pura fuerza de voluntad. Muestra una concentración de todo el arte-saber que Velázquez había acumulado durante su dilatada carrera artística de más de cuarenta años. El esquema es simple: una confluencia de rojo, verde azulado, gris y negro variados y mezclados.
Los últimos retratos de Velázquez de los niños reales se encuentran entre sus mejores obras y en la Infanta Margarita Teresa con vestido azul el estilo personal del pintor alcanzó su punto culminante: las manchas brillantes de color en amplias superficies de pintura producen un efecto casi impresionista: el espectador debe permanecer a una distancia adecuada para obtener la impresión de una espacialidad tridimensional completa.
Su único retrato sobreviviente del delicado y enfermizo príncipe Felipe Próspero es notable por su combinación de las dulces facciones del niño príncipe y su perro con una sutil sensación de tristeza. La esperanza que entonces se depositaba en el único heredero de la corona española queda reflejada en la representación: frescos rojos y blancos contrastan con los colores morbosos del otoño tardío. Un pequeño perro con los ojos muy abiertos mira al espectador como interrogante, y el fondo en gran parte pálido insinúa un destino sombrío: el principito tenía apenas cuatro años cuando murió. Como en todas las últimas pinturas del artista, el manejo de los colores es extraordinariamente fluido y vibrante.
En 1660 se consumó un tratado de paz entre Francia y España por el matrimonio de María Teresa con Luis XIV, y la ceremonia tuvo lugar en la Isla de los Faisanes, una pequeña isla pantanosa del Bidasoa. Velázquez se encargó de la decoración del pabellón español y de todo el despliegue escénico. Llamó mucho la atención por la nobleza de su porte y el esplendor de su traje. El 26 de junio volvió a Madrid, y el 31 de julio enfermó de fiebre. Sintiendo que se acercaba su fin, firmó su testamento, nombrando como únicos albaceas a su mujer y a su firme amigo de nombre Fuensalida, custodio de los registros reales. Murió el 6 de agosto de 1660. Fue enterrado en el panteón de Fuensalida de la iglesia de San Juan Bautista, ya los ocho días fue enterrada junto a él su mujer Juana. Esta iglesia fue destruida por los franceses alrededor de 1809, por lo que ahora se desconoce su lugar de enterramiento.
Hubo mucha dificultad para ajustar las enredadas cuentas pendientes entre Velázquez y el erario, y no fue hasta 1666, tras la muerte del rey Felipe, que finalmente se saldaron.
Estilo y técnica
Es canónico dividir la carrera de Velázquez por sus dos visitas a Italia. Rara vez firmó sus cuadros, y los archivos reales dan las fechas solo de sus obras más importantes. La evidencia interna y la historia perteneciente a sus retratos suplen el resto hasta cierto punto.
Aunque conocedor de todas las escuelas italianas y amigo de los pintores más destacados de su época, Velázquez fue lo suficientemente fuerte como para resistir influencias externas y trabajar por sí mismo en el desarrollo de su propia naturaleza y sus propios principios de arte. Rechazó la pompa que caracterizaba el retrato de otras cortes europeas y, en cambio, aportó una reserva aún mayor a la fórmula sobria del retrato de los Habsburgo instaurada por Tiziano, Antonio Mor y Alonso Sánchez Coello. Es conocido por usar una paleta bastante limitada, pero mezcló las pinturas disponibles con gran habilidad para lograr diferentes tonalidades. Sus pigmentos no diferían significativamente de los de sus contemporáneos y empleó principalmente azurita, esmalta, bermellón, laca roja, amarillo de plomo y estaño y ocres. Sus primeras obras fueron pintadas sobre lienzos preparados con una base marrón rojiza. Adoptó el uso de fondos de color gris claro durante su primer viaje a Italia y continuó usándolos por el resto de su vida. El cambio resultó en pinturas con mayor luminosidad y una gama de colores generalmente fría y plateada.
Pocos dibujos se atribuyen con seguridad a Velázquez. Aunque existen dibujos preparatorios para algunas de sus pinturas, su método consistía en pintar directamente del natural, y las radiografías de sus pinturas revelan que con frecuencia realizaba cambios en su composición a medida que avanzaba una pintura.
Legado
Velázquez no fue prolífico; se estima que produjo entre 110 y 120 lienzos conocidos. No realizó aguafuertes ni grabados, y solo se le atribuyen unos pocos dibujos.
Velázquez es la figura más influyente en la historia del retrato español. Aunque tuvo pocos seguidores inmediatos, pintores de la corte española como su yerno Juan Bautista Martínez del Mazo y Juan Carreño de Miranda se inspiraron en su obra. Mazo imitó de cerca su estilo y muchas pinturas y copias de Mazo se atribuyeron anteriormente a Velázquez. La reputación de Velázquez languideció en el siglo XVIII, cuando el retrato de la corte española estaba dominado por artistas de origen y formación extranjeros. Hacia fines de siglo, su importancia fue reconocida cada vez más por intelectuales cercanos a la corte española: un ensayo publicado en 1781 por Gaspar Melchor de Jovellanos decía de Velázquez que "cuando murió, la gloria de la pintura en España murió con él." En 1778, Goya realiza un conjunto de aguafuertes a partir de cuadros de Velázquez, como parte de un proyecto del Conde de Floridablanca para realizar estampas de cuadros de la Colección Real. Las copias gratuitas de Goya revelan un compromiso de búsqueda con la obra del maestro más antiguo, que siguió siendo un modelo para Goya durante el resto de su carrera.
La obra de Velázquez fue poco conocida fuera de España hasta el siglo XIX. Sus pinturas en su mayoría escaparon de ser robadas por los mariscales franceses durante la Guerra de la Independencia. En 1828, Sir David Wilkie escribe desde Madrid que se siente en presencia de un nuevo poder en el arte al contemplar las obras de Velázquez, y al mismo tiempo encuentra una maravillosa afinidad entre este artista y la escuela británica de retratistas., especialmente Henry Raeburn. Le llamó la atención la impresión moderna que impregnaba la obra de Velázquez, tanto en paisajes como en retratos.
A menudo se cita a Velázquez como una influencia clave en el arte de Édouard Manet, a quien se suele considerar el puente entre el realismo y el impresionismo. Llamando a Velázquez el "pintor de pintores", Manet admiró la inmediatez y la vívida pincelada del trabajo de Velázquez, y se basó en los motivos de Velázquez en su propio arte. A fines del siglo XIX, artistas como James McNeill Whistler y John Singer Sargent fueron fuertemente influenciados por Velázquez.
Modernas recreaciones de clásicos
El respeto con el que los pintores del siglo XX ven la obra de Velázquez da fe de su importancia continua. Pablo Picasso rindió homenaje a Velázquez en 1957 cuando recreó Las Meninas en 44 variaciones, en su característico estilo. Aunque a Picasso le preocupaba que sus reinterpretaciones de la pintura de Velázquez fueran vistas meramente como copias en lugar de representaciones únicas, las enormes obras, incluida la más grande que había producido desde Guernica en 1937, obtuvieron una posición de importancia en el canon del arte español.
Salvador Dalí, como con Picasso en previsión del tricentenario de la muerte de Velázquez, creó en 1958 una obra titulada Velázquez pintando a la infanta Margarita con las luces y sombras de su propia gloria. El esquema de color muestra el serio tributo de Dalí a Velázquez; la obra también funcionó, como en el caso de Picasso, como vehículo para la presentación de nuevas teorías en el arte y el pensamiento: el misticismo nuclear, en el caso de Dalí.
El pintor angloirlandés Francis Bacon consideró que el retrato del Papa Inocencio X de Velázquez era "uno de los mejores retratos de todos los tiempos". Creó varias variaciones expresionistas de esta pieza en la década de 1950; sin embargo, las pinturas de Bacon presentaban una imagen más espantosa de Inocencio. Una de esas variaciones famosas, titulada Figura con carne (1954), muestra al Papa entre dos mitades de una vaca dividida en dos.
Recientes redescubrimientos de originales de Velázquez
En 2009, el Retrato de un hombre de la colección del Museo Metropolitano de Arte, que durante mucho tiempo había estado asociado con los seguidores de Velázquez' estilo de pintura, se limpió y restauró. Se descubrió que era del propio Velázquez, y las características del hombre coinciden con las de una figura en la pintura 'La rendición de Breda'. Por lo tanto, el lienzo recién limpiado puede ser un estudio para esa pintura. Aunque la atribución a Velázquez se da por cierta, la identidad del retratado sigue abierta a dudas. Algunos historiadores del arte consideran este nuevo estudio como un autorretrato de Velázquez.
En 2010, se informó que una pintura dañada relegada durante mucho tiempo a un sótano de la Galería de Arte de la Universidad de Yale podría ser una de las primeras obras de Velázquez. Se cree que se le dio a Yale en 1925, la pintura se atribuyó previamente a la escuela española del siglo XVII. Algunos estudiosos están dispuestos a atribuir la pintura a Velázquez, aunque el Museo del Prado de Madrid se reserva su opinión. La obra, que representa a la Virgen María aprendiendo a leer, será restaurada por conservadores de Yale.
En octubre de 2011, el historiador de arte Dr. Peter Cherry del Trinity College de Dublín confirmó mediante un análisis de rayos X que un retrato encontrado en el Reino Unido en la antigua colección del pintor del siglo XIX Matthew Shepperson es una obra previamente desconocida. de Velázquez. El retrato es de un hombre no identificado de unos cincuenta o sesenta años, que posiblemente sea Juan Mateos, el maestro de caza del patrón de Velázquez, el rey Felipe IV de España. La pintura mide 47 x 39 cm y se vendió en una subasta el 7 de diciembre de 2011 por 3 000 000 £.
Descendientes
Velázquez, a través de su hija Francisca de Silva Velázquez y Pacheco (1619–1658), es antepasado de los marqueses de Monteleone, incluida Enriquetta (Henrietta) Casado de Monteleone (1725–1761), quien en 1746 se casó con Enrique VI, conde Reuss zu Köstritz (1707-1783). A través de ellos descienden varios miembros de la realeza europea, entre ellos el rey Felipe VI de España a través de su madre Sofía de Grecia y Dinamarca, el rey Willem-Alexander de los Países Bajos, el rey Carl XVI Gustaf de Suecia, el rey Alberto II de Bélgica, Hans-Adam II, Príncipe de Liechtenstein, y Enrique, Gran Duque de Luxemburgo.
Cultura popular
Velázquez ha sido interpretado por Julián Villagrán en una serie de televisión de fantasía española El ministerio del tiempo. Velázquez es un personaje recurrente en la serie.