Arte occidental

El Arte occidental o Arte occidental europeo, es un término que engloba la historia de las artes visuales en la Europa occidental. El término busca describir las características comunes de las manifestaciones artísticas europeas. Estas manifestaciones se han desarrollado en las áreas de influencia cultural de la Europa mediterránea y atlántica, en especial la de influencia greco-romana y posteriormente, romano-germana.

El Arte occidental tiene sus raíces en las manifestaciones visuales prehistóricas del arte rupestre y móvil del Paleolítico superior, así como en los petroglifos característicos del período que se extiende desde el Paleolítico hasta la Edad del Hierro.

Las crónicas escritas sobre el arte europeo suelen iniciar con las expresiones artísticas de las civilizaciones del Egeo, que se remontan al tercer milenio a. C. Paralelamente, en toda Europa, donde había presencia humana, surgieron distintas formas de arte en forma de tallas, artefactos ornamentados y monumentales piedras erguidas.

No obstante, es con el arte de la Antigua Grecia cuando se observa un patrón coherente de desarrollo artístico en Europa. Este arte fue posteriormente adoptado y modificado por Roma, y con la expansión del Imperio Romano, se difundió por gran parte de Europa, África del Norte y Asia Occidental.

Sin embargo, solo con el arte de la Antigua Grecia se vuelve claro un patrón consistente de desarrollo artístico dentro de Europa, que luego sería adoptado y transformado por Roma y llevado, con el Imperio Romano, a toda Europa, África del Norte y Asia Occidental.

La influencia del arte del período clásico creció y disminuyó a lo largo de los siguientes dos mil años. Si bien parecía desvanecerse en ciertas etapas del período medieval, resurgió con fuerza durante el Renacimiento. Siendo exagerado durante la época barroca (aunque algunos historiadores del arte lo percibieron como una "decadencia"), este arte clásico se redefinió en el neoclasicismo y tuvo un segundo renacimiento en el posmodernismo.

Antes del siglo XIX (1800), la iglesia cristiana ejerció una profunda influencia en el arte europeo. Las comisiones eclesiásticas, ya fueran arquitectónicas, pictóricas o escultóricas, proporcionaron la principal fuente de trabajo para los artistas. Durante este período, la historia de la Iglesia se vio intrínsecamente reflejada en la historia del arte.

Paralelamente, emergería un renovado interés en héroes y heroínas, relatos de dioses y diosas mitológicos, grandes guerras y criaturas extraordinarias del pasado greco-romano.

Gran parte del arte de los últimos 200 años se ha desarrollado al margen de la religión y, en muchas ocasiones, sin una ideología específica, aunque no puede negarse que ha estado influenciado por cuestiones políticas, que reflejen las preocupaciones tanto de los mecenas como de los propios artistas.

El arte occidental se estructura en diversos períodos estilísticos que, a lo largo de la historia, se superponen entre sí. De manera general, estos períodos del arte occidental son: clásico, bizantino, medieval, gótico, renacentista, barroco, rococó, neoclásico, moderno y posmoderno.

Periodos del arte occidental

• Clásico
• Bizantino
• Medieval
• Gótico
• Renacentista
• Barroco
• Rococó
• Neoclásico
• Moderno
• Posmoderno

Las crónicas del arte europeo a menudo comienzan con las expresiones artísticas de las civilizaciones del Egeo del tercer milenio a. C., aunque fue con el arte de la Antigua Grecia cuando se estableció un patrón claro de desarrollo artístico en Europa. Este legado griego fue adoptado y transformado por Roma, y con la expansión del Imperio Romano, se extendió a gran parte de Europa, África del Norte y Asia Occidental. La influencia del arte clásico fluctuó a lo largo de los milenios, resurgiendo en el Renacimiento y redefiniéndose en periodos como el barroco y el neoclasicismo.

Antes del siglo XIX, la iglesia cristiana desempeñó un papel fundamental en el arte europeo, siendo la principal fuente de trabajo para los artistas y reflejando la historia eclesiástica en la historia del arte. Sin embargo, tras el siglo XX, surgió un renovado interés en temas greco-romanos, y en los últimos 200 años, el arte ha evolucionado más allá de la religión, influenciado por cuestiones políticas y reflejando las preocupaciones tanto de las nuevas clases urbanas como el burgués, el capitalista, el intelectual o los propios artistas.

Características del arte occidental

Paleolítico (c. 40,000 - 10,000 a.C.)

1. Pinturas rupestres: representaciones de animales, humanos y símbolos abstractos.
2. Arte portátil: figurillas talladas, cuentas y herramientas.
3. Representación naturalista de animales.

Neolítico (c. 10,000 - 2,000 a.C.)

1. Arquitectura megalítica (por ejemplo, Stonehenge).
2. Cerámica con diseños geométricos.
3. Introducción de comunidades asentadas y agricultura.

Civilizaciones Antiguas (c. 3,000 - 500 a.C.)

1. Antiguo Egipto: Proporciones jerárquicas en el arte, pinturas murales, arquitectura monumental (pirámides, templos).
2. Antigua Grecia: Desarrollo de ideales clásicos, énfasis en la proporción y la forma humana, introducción de la postura contrapposto.
3. Antigua Roma: Retrato realista, arquitectura monumental, mosaicos.

Medieval (c. 500 - 1400 d.C.)

1. Cristiano primitivo y Bizantino: Iconografía, fondos dorados, figuras estilizadas.
2. Románico: Arcos redondeados, arquitectura de piedra pesada, manuscritos iluminados.
3. Gótico: Arcos apuntados, bóvedas acanaladas, contrafuertes volantes, vitrales.

Renacimiento (c. 1400 - 1600)

1. Regreso a los ideales clásicos de la antigua Grecia y Roma.
2. Perspectiva lineal, claroscuro.
3. Humanismo: énfasis en el potencial individual y la figura humana.

Barroco (c. 1600 - 1750)

1. Uso dramático de luz y sombra, composiciones dinámicas.
2. Intensidad emocional, teatralidad.
3. Detalles ricos y ornamentación.

Rococó (c. 1730 - 1780)

1. Estilo juguetón, decorativo y ornamentado.
2. Colores pastel, diseños asimétricos.
3. Temas ligeros y caprichosos.

Neoclasicismo (c. 1760 - 1830)

1. Regreso a los temas y simplicidad clásicos.
2. Énfasis en la razón, el orden y la armonía.
3. Sujetos históricos y moralistas.

Romanticismo (c. 1800 - 1870)

1. Énfasis en la emoción, la naturaleza y el individualismo.
2. Escenas dramáticas, a menudo con paisajes turbulentos.
3. Reacción contra la racionalidad de la Ilustración.

Realismo (c. 1840 - 1900)

1. Representación de la vida cotidiana, a menudo de la clase trabajadora.
2. Rechazo de sujetos idealizados.
3. Representación detallada y precisa.

Impresionismo (c. 1870 - 1890)

1. Captura de momentos fugaces y efectos de luz.
2. Pinceladas visibles, colores brillantes y no mezclados.
3. Escenas cotidianas y paisajes.

Postimpresionismo (c. 1880 - 1905)

1. Estilos variados, desde estructurados (Cézanne) hasta simbólicos (Van Gogh) hasta puntillistas (Seurat).
2. Énfasis en la expresión personal y el significado simbólico.

Modernismo (c. 1900 - 1970)

1. Ruptura con las formas y técnicas tradicionales.
2. Varios movimientos: Cubismo, Surrealismo, Expresionismo Abstracto, Pop Art, etc.
3. Exploración de nuevos materiales y técnicas.

Posmodernismo (c. 1970 - 2000)

1. Reacción contra los principios modernistas.
2. Adopción de pastiche, ironía y jugueteo.
3. Cuestionamiento de grandes narrativas y verdades.

Contemporáneo (2000 - Presente)

1. Amplia gama de estilos, técnicas y medios.
2. Globalización e influencias interculturales.
3. Exploración de identidad, política y cuestiones sociales.

HSD

Arte prehistórico

El arte prehistórico europeo es una parte importante del patrimonio cultural europeo. La historia del arte prehistórico se suele dividir en cuatro períodos principales: la Edad de Piedra, el Neolítico, la Edad del Bronce y la Edad del Hierro. La mayoría de los artefactos restantes de este período son pequeñas esculturas y pinturas rupestres.

Gran parte del arte prehistórico que sobrevive son pequeñas esculturas portátiles, con un pequeño grupo de figurillas de Venus femeninas, como la Venus de Willendorf (24.000–22.000 a. C.) encontrada en Europa central; la figurilla Löwenmensch de 30 cm de altura de alrededor del 30.000 a. C. apenas tiene piezas que puedan relacionarse con ella. El reno nadador de aproximadamente 11.000 a. C. es uno de los mejores de una serie de tallas magdalenienses en hueso o asta de animales en el arte del Paleolítico superior, aunque son superados en número por piezas grabadas, que a veces se clasifican como escultura. Con el inicio del Mesolítico en Europa la escultura figurativa se redujo considerablemente,y siguió siendo un elemento menos común en el arte que la decoración en relieve de objetos prácticos hasta el período romano, a pesar de algunas obras como el caldero de Gundestrup de la Edad del Hierro europea y el carro solar de Trundholm de la Edad del Bronce.

El arte rupestre europeo más antiguo data de 40.800 y se puede encontrar en la cueva El Castillo en España. Otros sitios de pintura rupestre incluyen Lascaux, Cueva de Altamira, Grotte de Cussac, Pech Merle, Cueva de Niaux, Cueva Chauvet, Font-de-Gaume, Creswell Crags, Nottinghamshire, Inglaterra (grabados rupestres y bajorrelieves descubiertos en 2003), Cueva Coliboaia de Rumania (considerada la pintura rupestre más antigua de Europa central) y Magura, Belogradchik, Bulgaria. También se realizó pintura rupestre en las paredes de los acantilados, pero han sobrevivido menos debido a la erosión. Un ejemplo bien conocido son las pinturas rupestres de Astuvansalmi en el área de Saimaa en Finlandia. Cuando Marcelino Sanz de Sautuola se encontró por primera vez con las pinturas magdalenienses de la cueva de Altamira, Cantabria, España en 1879, los académicos de la época las consideraron un engaño. Recientes reevaluaciones y numerosos descubrimientos adicionales desde entonces han demostrado su autenticidad, mientras que al mismo tiempo han estimulado el interés en el arte de los pueblos del Paleolítico Superior. Las pinturas rupestres, realizadas solo con las herramientas más rudimentarias, también pueden proporcionar información valiosa sobre la cultura y las creencias de esa época.

El arte rupestre de la cuenca mediterránea ibérica representa un estilo muy diferente, con la figura humana como protagonista principal, a menudo vista en grandes grupos, con batallas, danzas y caza representadas, además de otras actividades y detalles como la vestimenta. Las figuras generalmente se representan de forma bastante esquemática con pintura delgada, con las relaciones entre los grupos de humanos y animales representadas con más cuidado que las figuras individuales. Otros grupos de arte rupestre menos numerosos, muchos grabados más que pintados, muestran características similares. Se cree que los ejemplos ibéricos datan de un largo período que quizás cubre el Paleolítico superior, el Mesolítico y el Neolítico temprano.

El arte celta prehistórico proviene de gran parte de la Europa de la Edad del Hierro y sobrevive principalmente en forma de trabajos en metal de alto estatus hábilmente decorados con diseños complejos, elegantes y en su mayoría abstractos, a menudo utilizando formas curvas y en espiral. Hay cabezas humanas y algunos animales completamente representados, pero las figuras humanas de cuerpo entero de cualquier tamaño son tan raras que su ausencia puede representar un tabú religioso. A medida que los romanos conquistaron los territorios celtas, desapareció casi por completo, pero el estilo continuó en uso limitado en las Islas Británicas, y con la llegada del cristianismo revivió allí en el estilo insular de la Alta Edad Media.

• Pinturas rupestres de las cuevas de Lascaux (Montignac, Dordoña, Francia)
• Picadura de bisonte lamiendo insectos; 15.000–13.000 a. C.; cuerno; Museo Nacional de Prehistoria (Les Eyzies-de-Tayac-Sireuil, Francia)
• el pensador; por la cultura Hamangia de Rumania; C. 5000 aC; terracota; altura: 11,5 cm (4 ¹ ⁄ ₂ pulg.); Museo Nacional de Historia Rumana (Bucarest)
• figura femenina; por la cultura Vinča de Serbia; 4500-3500 aC; arcilla cocida con pintura; total: 16,1 cm; Museo de Arte de Cleveland (Ohio, EE. UU.)

Arte Antiguo

Arte Minoico

La civilización minoica de Creta es considerada como la civilización más antigua de Europa. El arte minoico está marcado por imágenes imaginativas y mano de obra excepcional. Sinclair Hood describió una "cualidad esencial del mejor arte minoico, la capacidad de crear una atmósfera de movimiento y vida aunque siguiendo un conjunto de convenciones muy formales". Forma parte de la agrupación más amplia del arte del Egeo, y en períodos posteriores llegó a tener una influencia dominante sobre el arte de las Cícladas. La madera y los textiles se han descompuesto, por lo que la mayoría de los ejemplos sobrevivientes del arte minoico son cerámica, sellos minoicos tallados de manera intrincada, frescos de palacio que incluyen paisajes), pequeñas esculturas en varios materiales, joyas y trabajos en metal.

Se ha discutido mucho la relación del arte minoico con el de otras culturas contemporáneas y el posterior arte griego antiguo. Claramente dominó el arte micénico y el arte cicládico de los mismos períodos, incluso después de que Creta fuera ocupada por los micénicos, pero solo algunos aspectos de la tradición sobrevivieron a la Edad Media griega después del colapso de la Grecia micénica.

El arte minoico tiene una variedad de temas, muchos de los cuales aparecen en diferentes medios, aunque solo algunos estilos de cerámica incluyen escenas figurativas. El salto del toro aparece en la pintura y en varios tipos de escultura, y se cree que tuvo un significado religioso; las cabezas de toro también son un tema popular en terracota y otros materiales escultóricos. No hay figuras que parezcan ser retratos de individuos, o que sean claramente reales, y la identidad de las figuras religiosas a menudo es tentativa, y los eruditos no saben si son deidades, clérigos o devotos. Del mismo modo, no está claro si las habitaciones pintadas eran "santuarios" o seculares; Se ha argumentado que una habitación en Akrotiri es un dormitorio, con restos de una cama o un santuario.

A menudo se representan animales, incluida una variedad inusual de fauna marina; el "Estilo marino" es un tipo de cerámica de palacio pintada de MM III y LM IA que pinta criaturas marinas, incluidos pulpos que se extienden por todo el recipiente, y probablemente se originó a partir de escenas pintadas al fresco similares; a veces estos aparecen en otros medios. Las escenas de caza y guerra, y los caballos y los jinetes, se encuentran principalmente en períodos posteriores, en obras quizás hechas por cretenses para un mercado micénico, o señores supremos micénicos de Creta.

Si bien las figuras minoicas, ya sean humanas o animales, tienen un gran sentido de la vida y el movimiento, a menudo no son muy precisas y, a veces, es imposible identificar la especie; en comparación con el arte del Antiguo Egipto, a menudo son más vívidos, pero menos naturalistas. En comparación con el arte de otras culturas antiguas, hay una alta proporción de figuras femeninas, aunque ahora se descarta la idea de que los minoicos tenían solo diosas y ningún dios. La mayoría de las figuras humanas están de perfil o en una versión de la convención egipcia con la cabeza y las piernas de perfil y el torso visto de frente; pero las figuras minoicas exageran rasgos como cinturas masculinas delgadas y pechos femeninos grandes.

• Jarra con pico de cerámica de Kamares; 1850-1675 aC; cerámico; altura: 27 cm; de Phaistos (Creta, Grecia); Museo Arqueológico de Heraklion (Grecia)
• El Colgante Malia; 1800-1700 aC; oro; alto: 4,6 cm, ancho: 4,9 cm; Museo Arqueológico de Heraclión
• El fresco llamado Fresco del salto del toro; 1675-1460 aC; yeso de cal; alto: 0,8 m, ancho: 1 m; del palacio de Knossos (Creta); Museo Arqueológico de Heraclión
• estatuilla de la "Diosa Serpiente"; 1460-1410 a. C. (del Período neopalacial minoico); loza; altura: 29,5 cm; del depósito del templo en Knossos; Museo Arqueológico de Heraclión

Arte Griego clásico y helenístico

La antigua Grecia tuvo grandes pintores, grandes escultores y grandes arquitectos. El Partenón es un ejemplo de su arquitectura que ha perdurado hasta los días modernos. La escultura de mármol griega a menudo se describe como la forma más alta de arte clásico. La pintura sobre la cerámica de la Antigua Grecia y la cerámica ofrece una visión particularmente informativa de la forma en que funcionaba la sociedad en la Antigua Grecia. La pintura de jarrones de figuras negras y la pintura de jarrones de figuras rojas brindan muchos ejemplos sobrevivientes de lo que era la pintura griega. Algunos pintores griegos famosos en paneles de madera que se mencionan en los textos son Apeles, Zeuxis y Parrhasius, sin embargo, no sobreviven ejemplos de pintura en paneles de la Grecia antigua, solo descripciones escritas por sus contemporáneos o por romanos posteriores. Zeuxis vivió entre el 5 y el 6 a. C. y se dice que fue el primero en usar sfumato. Según Plinio el Viejo, el realismo de sus pinturas era tal que los pájaros intentaban comerse las uvas pintadas. Apelles se describe como el pintor más grande de la Antigüedad por su técnica perfecta en el dibujo, el color brillante y el modelado.

• El ánfora del premio Euphiletos Painter Panathenaic; 530 aC; terracota pintada; altura: 62,2 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• El Artemision Bronce; 460-450 aC; bronce; altura: 2,1 m; Museo Arqueológico Nacional (Atenas)
• El Partenón en la Acrópolis ateniense, el templo griego dórico más emblemático construido en mármol y piedra caliza entre el 460 y el 406 a. C., dedicado a la diosa Atenea
• Espejo con soporte en forma de mujer drapeada; mediados del siglo V a. C.; bronce; altura: 40,41 cm; Museo Metropolitano de Arte
• cráter de cáliz; 400-375 aC; cerámico; altura: 27,9 cm, diámetro: 28,6 cm; de Tebas (Grecia); Lumbrera
• El relieve de la tumba de Thraseas y Euandria; 375-350 aC; mármol pentélico; alto: 160 cm, ancho: 91 cm; Museo de Pérgamo (Berlín)
• crátera de voluta; 320-310 aC; cerámico; altura: 1,1 m; Museo de Arte Walters (Baltimore, EE. UU.)
• Estatuilla de una mujer vestida; siglo II aC; terracota; altura: 29,2 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Venus de Milo; 130-100 a. C.; mármol; altura: 203 cm (80 pulgadas); Lumbrera
• Laocoonte y sus hijos; principios del siglo I a. C.; mármol; altura: 2,4 m; Museos Vaticanos (Ciudad del Vaticano)
• Mosaico que representa la Epifanía de Dionisos; siglo II d.C.; de la Villa de Dionisos (Dion, Grecia); Museo Arqueológico de Dion
• Ilustraciones de ejemplos de adornos y patrones griegos antiguos, dibujados en 1874

Arte Romano

El arte romano fue influenciado por Grecia y en parte puede ser tomado como un descendiente de la pintura y escultura griega antigua, pero también fue fuertemente influenciado por el arte etrusco más local de Italia. La escultura romana es principalmente retratos derivados de las clases altas de la sociedad, así como representaciones de los dioses. Sin embargo, la pintura romana tiene importantes características únicas. Entre las pinturas romanas sobrevivientes se encuentran pinturas murales, muchas de villas en Campania, en el sur de Italia, especialmente en Pompeya y Herculano. Dicha pintura se puede agrupar en cuatro "estilos" o períodos principales y puede contener los primeros ejemplos de trompe-l'œil, pseudo-perspectiva y paisaje puro.

Casi todos los retratos pintados sobrevivientes del mundo antiguo son una gran cantidad de retratos de ataúd en forma de busto encontrados en el cementerio de la Antigüedad tardía de Al-Fayum. Dan una idea de la calidad que debió tener la mejor obra antigua. También sobrevive un número muy pequeño de miniaturas de libros ilustrados de la Antigüedad tardía, y un número bastante mayor de copias de ellos del período medieval temprano. El arte cristiano primitivo surgió del arte popular romano, y luego imperial, y adaptó su iconografía de estas fuentes.

• Estatuilla de bronce de un filósofo sobre un candelero; finales del siglo I a. C.; bronce; total: 27,3 cm; peso: 2,9 kg; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Augusto de Prima Porta; alrededor del 20 a. C.; mármol blanco; altura: 2,06 m; Museos Vaticanos (Ciudad del Vaticano)
• Restauración de un fresco de un dormitorio de una villa antigua; 50-40 aC; dimensiones de la habitación: 265,4 x 334 x 583,9 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Altar con festones; alrededor del 50 d.C.; mármol; alto: 99,5 cm, ancho: 61,5 cm, profundidad: 47 cm; Lumbrera
• Crátera de cáliz con relieves de doncellas y ménades danzantes; siglo I d.C.; mármol pentélico; altura: 80,7 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Vista panorámica del Panteón (Roma), construido entre 113 y 125
• Cabeza de una diosa con diadema; siglo I-II; mármol; altura: 23 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Sofá y reposapiés; siglo I-II d. C.; madera, hueso y vidrio; sofá: 105,4 × 76,2 × 214,6 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Sarcófago con Apolo, Minerva y las Musas; alrededor del 200 d.C.; de Vía Apia; Antikensammlung Berlín (Berlín)
• Sarcófago con festones; 200–225; mármol; 134,6 x 223,5 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Triunfo de Neptuno de pie sobre un carro tirado por dos caballitos de mar; mediados del siglo III; Museo Arqueológico de Sousse (Túnez)
• El mosaico de Teseo; 300-400 dC; guijarros de mármol y piedra caliza; 4,1 x 4,2 m; Kunsthistorisches Museum (Viena, Austria)

Arte Medieval

La mayor parte del arte sobreviviente del período medieval tenía un enfoque religioso, a menudo financiado por la Iglesia, poderosos individuos eclesiásticos como obispos, grupos comunales como abadías o patrocinadores seculares adinerados. Muchos tenían funciones litúrgicas específicas, cruces procesionales y retablos, por ejemplo.

Una de las preguntas centrales sobre el arte medieval se refiere a su falta de realismo. Gran parte del conocimiento de la perspectiva en el arte y la comprensión de la figura humana se perdió con la caída de Roma. Pero el realismo no fue la principal preocupación de los artistas medievales. Simplemente estaban tratando de enviar un mensaje religioso, una tarea que exige imágenes icónicas claras en lugar de reproducidas con precisión.

Período de tiempo: del siglo VI al siglo XV

Arte medieval temprano

El arte del período de migración es un término general para el arte de los pueblos "bárbaros" que se trasladaron a territorios anteriormente romanos. El arte celta de los siglos VII y VIII vio una fusión con las tradiciones germánicas a través del contacto con los anglosajones creando lo que se denomina estilo hiberno-sajón o arte insular, que tendría una gran influencia en el resto de la Edad Media. El arte merovingio describe el arte de los francos antes del año 800, cuando el arte carolingio combinó influencias insulares con un renacimiento clásico consciente de sí mismo, convirtiéndose en arte otoniano. El arte anglosajón es el arte de Inglaterra después del período insular. Los manuscritos iluminados contienen casi toda la pintura sobreviviente de la época, pero la arquitectura, la metalurgia y el pequeño trabajo tallado en madera o marfil también fueron medios importantes.

• Hebilla de Sutton Hoo; 580–620; oro y niel; longitud: 13,1 cm; Museo Británico (Londres)
• El casco de Sutton Hoo; principios del siglo VII dC; aleación de cobre, hierro, oro y granate; altura: 31,8 cm; Museo Británico
• Broches de hombro de Sutton Hoo; principios del siglo VII; oro, vidrio y granate; longitud: 12,7 cm; Museo Británico
• El Incipit a Mateo del Libro de Lindisfarne; finales del siglo VII; tinta y pigmentos sobre vitela; 34 x 25 cm; Biblioteca Británica (Londres)

Arte Bizantino

El arte bizantino se superpone o se fusiona con lo que llamamos arte paleocristiano hasta el período iconoclasta de 730-843, cuando se destruyó la gran mayoría de las obras de arte con figuras; queda tan poco que hoy cualquier descubrimiento arroja nueva comprensión. A partir del 843 hasta 1453 existe una clara tradición artística bizantina. A menudo es el mejor arte de la Edad Media en términos de calidad de materiales y mano de obra, con la producción centrada en Constantinopla. El mayor logro del arte bizantino fueron los frescos y mosaicos monumentales dentro de las iglesias abovedadas, la mayoría de los cuales no han sobrevivido debido a los desastres naturales y la apropiación de las iglesias para las mezquitas.

• Losa con un relieve que representa la Natividad de Jesús; siglo IV-principios del siglo V; mármol; Museo Bizantino y Cristiano (Atenas)
• Ábside de la iglesia de Santa Maria Maggiore en Roma, decorado en el siglo V con este glamuroso mosaico
• Mosaicos en un techo y algunas paredes de la Basílica de San Vitale en Rávena (Italia), hacia el año 547 d.C.
• La Pequeña Metrópolis de Atenas, construida en fechas desconocidas, entre el siglo IX y el siglo XIII.
• Camafeo; siglos X-XI; jaspe, almandino, esmeralda y crisoprasa; de Constantinopol; Museos del Kremlin de Moscú (Rusia)
• leccionario del evangelio; alrededor de 1100; témpera, oro y tinta sobre pergamino y encuadernación en piel; total: 36,8 x 29,6 x 12,4 cm, folio: 35 x 26,2 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Icono de la Trinidad del Nuevo Testamento; alrededor de 1450; témpera y oro sobre panel de madera (álamo); Museo de Arte de Cleveland (Cleveland, Ohio, EE. UU.)
• Página de un manuscrito iluminado armenio; 1637–1638; témperas de colores, pintura dorada y pan de oro sobre pergamino; altura: 25,2 cm; Centro Getty (Los Ángeles)

Arte Románico

El arte románico se refiere al período que va desde aproximadamente el año 1000 hasta el surgimiento del arte gótico en el siglo XII. Este fue un período de creciente prosperidad, y el primero en ver un estilo coherente utilizado en toda Europa, desde Escandinavia hasta Sicilia. El arte románico es vigoroso y directo, originalmente tenía colores brillantes y, a menudo, es muy sofisticado. Las vidrieras y el esmalte sobre metal se convirtieron en medios importantes y se desarrollaron esculturas redondas más grandes, aunque el alto relieve fue la técnica principal. Su arquitectura está dominada por gruesos muros y ventanas y arcos de cabeza redonda, con mucha decoración tallada.

• Abadía de Maria Laach (cerca de Andernach, Alemania), una de las iglesias románicas más emblemáticas
• Bajorrelieve de piedra de Jesús, de la Abadía de Vézelay (Borgoña, Francia)
• Miniatura de San Juan Evangelista; antes de 1147; iluminación sobre pergamino; 35,5cm; Avesnes-sur-Helpe (Francia)
• La lapidación de San Esteban; 1160s; fresco; altura: 1,3 m; Abadía de San Juan (Val Müstair, Cantón de los Grisones, Suiza)

Arte Gótico

El arte gótico es un término variable según el oficio, el lugar y la época. El término se originó con la arquitectura gótica en 1140, pero la pintura gótica no apareció hasta alrededor de 1200 (esta fecha tiene muchas calificaciones), cuando se separó del estilo románico. La escultura gótica nació en Francia en 1144 con la renovación de la iglesia abacial de S. Denis y se extendió por toda Europa, en el siglo XIII se había convertido en el estilo internacional, reemplazando al románico. International Gothic describe el arte gótico desde aproximadamente 1360 hasta 1430, después de lo cual el arte gótico se fusiona con el arte renacentista en diferentes momentos y en diferentes lugares. Durante este período, formas como la pintura, al fresco y sobre tabla, adquieren una nueva importancia, y el final del período incluye nuevos medios, como los grabados.

• Parte del Portal Real; 1145-1155; caliza; Catedral de Chartres (Chartres, Francia)
• Ventanas del crucero norte; alrededor de 1230-1235; Vitral; diámetro (rosetón): 10,2 m; Catedral de Chartres
• Escenas de la Leyenda de San Vicente de Zaragoza; 1245–1247; vidrio, pintura vítrea y plomo; total: 373,4 x 110,5 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• díptico francés con la coronación de la Virgen y el Juicio Final; 1260-1270; marfil de elefante con monturas de metal; total: 12,7 x 13 x 1,9 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Virgen y niño entronizados; 1260–1280; marfil de elefante con restos de pintura y dorado; total: 18,4 x 7,6 x 7,3 cm; Museo Metropolitano de Arte
• bifolium con las decretales de graciano; alrededor de 1290; témpera y oro sobre pergamino, tinta parda y encuadernación moderna en piel; total: 48,3 x 29,2 x 1,3 cm, abierto: 47,2 cm; Museo Metropolitano de Arte
• díptico alemán con escenas religiosas; 1300-1325; plata dorada con esmaltes translúcidos y opacos; total (abierto): 6,1 x 8,6 x 0,8 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Página de Très Riches Heures du Duc de Berry que representan el funeral de Raymond Diocrès; 1411-1416 y 1485-1486; témpera sobre vitela; alto: 29 cm, ancho: 21 cm; Museo Condé (Chantilly, Francia)
• La Dama y el Unicornio, título que recibe una serie de seis tapices tejidos en Flandes, este último llamado À Mon Seul Désir; finales del siglo XV; lana y seda; 377 x 473 cm; Museo de Cluny (París)
• Estatua austriaca de la Virgen entronizada; 1490-1500; piedra caliza con yeso, pintada y dorada; 80,3 x 59,1 x 23,5 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Entrada en Jerusalén; alrededor de 1500; cuadro; Museo de Bellas Artes de Lyon (Lyon, Francia)
• Crucetas góticas flamígeras del Hôtel de Sens (París)

Renacimiento

El Renacimiento se caracteriza por un enfoque en las artes de la Antigua Grecia y Roma, lo que condujo a muchos cambios tanto en los aspectos técnicos de la pintura y la escultura, como en su temática. Comenzó en Italia, un país rico en herencia romana y en prosperidad material para financiar a los artistas. Durante el Renacimiento, los pintores comenzaron a realzar el realismo de su trabajo utilizando nuevas técnicas en perspectiva, representando así las tres dimensiones con mayor autenticidad. Los artistas también comenzaron a utilizar nuevas técnicas en la manipulación de la luz y la oscuridad, como el contraste de tonos evidente en muchos de los retratos de Tiziano y el desarrollo del sfumato y el claroscuro de Leonardo da Vinci. Los escultores también comenzaron a redescubrir muchas técnicas antiguas como el contrapposto. Siguiendo con el espíritu humanista de la época, el arte se volvió más secular en el tema, representando la mitología antigua además de temas cristianos. Este género de arte a menudo se conoce como clasicismo renacentista. En el norte, la innovación renacentista más importante fue la generalización del uso de pinturas al óleo, que permitían mayor colorido e intensidad.

Del gótico al renacimiento

Durante finales del siglo XIII y principios del siglo XIV, gran parte de la pintura en Italia era de carácter bizantino, en particular la de Duccio de Siena y Cimabue de Florencia, mientras que Pietro Cavallini en Roma tenía un estilo más gótico. Durante el siglo XIII, los escultores italianos comenzaron a inspirarse no solo en prototipos medievales, sino también en obras antiguas.

En 1290, Giotto comenzó a pintar de una manera menos tradicional y más basada en la observación de la naturaleza. Su famoso ciclo en la Capilla Scrovegni, Padua, se considera el comienzo de un estilo renacentista.

Otros pintores del siglo XIV llevaron el estilo gótico a gran elaboración y detalle. Entre estos pintores destacan Simone Martini y Gentile da Fabriano.

En los Países Bajos, la técnica de pintar al óleo en lugar de al temple, condujo a una forma de elaboración que no dependía de la aplicación de pan de oro y repujado, sino de la representación minuciosa del mundo natural. El arte de pintar texturas con gran realismo evolucionó en esta época. Pintores holandeses como Jan van Eyck y Hugo van der Goes iban a tener una gran influencia en la pintura del gótico tardío y del renacimiento temprano.

Renacimiento temprano

Las ideas del Renacimiento surgieron por primera vez en la ciudad-estado de Florencia, Italia. El escultor Donatello volvió a técnicas clásicas como el contrapposto y temas clásicos como el desnudo sin soporte: su segunda escultura de David fue el primer desnudo de bronce independiente creado en Europa desde el Imperio Romano. El escultor y arquitecto Brunelleschi estudió las ideas arquitectónicas de los antiguos edificios romanos en busca de inspiración. Masaccio perfeccionó elementos como la composición, la expresión individual y la forma humana para pintar frescos, especialmente los de la Capilla Brancacci, de sorprendente elegancia, dramatismo y emoción.

Un número notable de estos grandes artistas trabajaron en diferentes partes de la Catedral de Florencia. La cúpula de Brunelleschi para la catedral fue una de las primeras innovaciones arquitectónicas verdaderamente revolucionarias desde el arbotante volador gótico. Donatello creó muchas de sus esculturas. Giotto y Lorenzo Ghiberti también contribuyeron a la catedral.

• Púlpito; de Nicola Pisano; 1265-1268; mármol; altura: 4,6 m; Baptisterio de Pisa (Italia)
• Crucifijo; por Cimabue; alrededor de 1285; temple sobre tabla; 4,29 x 3,83 m; San Domenico (Arezzo, Italia)
• Crucifijo; giotto; alrededor de 1300; temple sobre tabla; 5,78 x 4,06 m; Santa María Novella (Florencia, Italia)
• El Retablo de la Maestà; por Duccio; 1308-1311; temple sobre tabla; 2,46 x 4,67 m; Museo dell'Opera del Duomo (Siena, Italia)

Alto Renacimiento

Los artistas del Alto Renacimiento incluyen figuras como Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti y Raffaello Sanzio.

Los desarrollos artísticos del siglo XV en Italia (por ejemplo, el interés en los sistemas de perspectiva, en la representación de la anatomía y en las culturas clásicas) maduraron durante el siglo XVI, lo que explica las designaciones de "Renacimiento temprano" para el siglo XV y "Alto Renacimiento". para el siglo XVI. Aunque ningún estilo singular caracteriza al Alto Renacimiento, el arte de los más estrechamente asociados con este período (Leonardo da Vinci, Rafael, Miguel Ángel y Tiziano) exhibe un dominio asombroso, tanto técnico como estético. Los artistas del Alto Renacimiento crearon obras de tal autoridad que generaciones de artistas posteriores confiaron en estas obras de arte para su instrucción. Estas creaciones artísticas ejemplares elevaron aún más el prestigio de los artistas. Los artistas podrían reclamar inspiración divina, elevando así el arte visual a un estatus que anteriormente solo se otorgaba a la poesía. Así, los pintores, escultores y arquitectos se destacaron y reclamaron con éxito para su trabajo una alta posición entre las bellas artes. En cierto sentido, los maestros del siglo XVI crearon una nueva profesión con sus propios derechos de expresión y su propio carácter venerable.

• El Tempietto (hacia 1502-1510) en un patio estrecho de San Pietro in Montorio de Roma
• david; de Miguel Ángel; 1501-1504; mármol; 517 cm × 199 cm; Galleria dell'Accademia (Florencia)
• Mona Lisa; de Leonardo da Vinci; C. 1503-1506, quizás continuando hasta c. 1517; óleo sobre panel de álamo; 77 cm × 53 cm; Lumbrera
• La Escuela de Atenas; por Rafael; 1509-1510; fresco; 5,8 x 8,2 m; Palacio Apostólico (Ciudad del Vaticano)

Arte del norte hasta el Renacimiento

La pintura holandesa temprana desarrolló (pero no inventó estrictamente) la técnica de la pintura al óleo para permitir un mayor control en la pintura de detalles minuciosos con realismo: Jan van Eyck (1366–1441) fue una figura en el movimiento de manuscritos iluminados a pinturas sobre paneles.

Hieronymus Bosch (1450?–1516), un pintor holandés, es otra figura importante en el Renacimiento del Norte. En sus pinturas, usó temas religiosos, pero los combinó con fantasías grotescas, imágenes coloridas y leyendas populares campesinas. Sus pinturas reflejan a menudo la confusión y la angustia asociadas con el final de la Edad Media.

Albrecht Dürer introdujo el estilo renacentista italiano en Alemania a fines del siglo XV y dominó el arte renacentista alemán.

Período de tiempo:

• Renacimiento italiano: finales del siglo XIV a principios del siglo XVI
• Renacimiento del norte: siglo XVI

• El Retablo de Gante; por Jan y Hubert van Eyck; 1432; óleo sobre madera de roble; 3,4 m × 4,6 m (abierto como en esta imagen); Catedral de San Bavón (Gante, Bélgica)
• El retrato de Arnolfini; de Jan van Eyck; 1434; óleo sobre tabla; 82,2 x 60 cm; Galería Nacional (Londres)
• El Descendimiento de la Cruz; de Rogier van der Weyden; alrededor de 1442; óleo sobre panel de roble; 220 × 262 cm; Museo del Prado (Madrid, España)
• El Jardín de las Delicias; de Jerónimo El Bosco; C. 1504; óleo sobre tabla; 2,2 × 1,95 m – el panel central; Museo del Prado
• el rinoceronte; de Alberto Durero; 1515; xilografía; 23,5 cm × 29,8 cm; Galería Nacional de Arte (Washington, DC)
• los embajadores; de Hans Holbein el Joven; 1533; óleo sobre tabla; 2,07 × 2,09; Galería Nacional (Londres)
• La armadura de desfile de Enrique II de Francia; de Étienne Delaune; alrededor de 1555; acero cincelado; altura: 187,96 cm, peso: 24,2 kg; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• La Torre de Babel; de Pieter Brueghel el Viejo; 1563; óleo sobre tabla: 1,14 × 1,55 cm; Kunsthistorisches Museum (Viena, Austria)

Manierismo, barroco y rococó

En el arte europeo, el clasicismo renacentista generó dos movimientos diferentes: el manierismo y el barroco. El manierismo, una reacción contra la perfección idealista del clasicismo, empleó la distorsión de la luz y los marcos espaciales para enfatizar el contenido emocional de una pintura y las emociones del pintor. La obra de El Greco es un ejemplo especialmente claro del manierismo en la pintura de finales del siglo XVI y principios del XVII. El manierismo del norte tardó más en desarrollarse y fue en gran parte un movimiento de la última mitad del siglo XVI. El arte barroco llevó el representacionalismo del Renacimiento a nuevas alturas, enfatizando los detalles, el movimiento, la iluminación y el dramatismo en su búsqueda de la belleza. Quizás los pintores barrocos más conocidos sean Caravaggio, Rembrandt, Peter Paul Rubens y Diego Velázquez.

Un arte bastante diferente se desarrolló a partir de las tradiciones realistas del norte en la pintura de la Edad de Oro holandesa del siglo XVII, que tenía muy poco arte religioso y poca pintura de historia, y en cambio jugó un papel crucial en el desarrollo de géneros seculares como la naturaleza muerta, pinturas de género de escenas cotidianas. y pintura de paisaje. Si bien la naturaleza barroca del arte de Rembrandt es clara, la etiqueta es menos útil para Vermeer y muchos otros artistas holandeses. La pintura barroca flamenca participó en esta tendencia, sin dejar de producir las categorías tradicionales.

El arte barroco a menudo se ve como parte de la Contrarreforma, el elemento artístico del renacimiento de la vida espiritual en la Iglesia Católica Romana. Además, el énfasis que el arte barroco puso en la grandeza se considera de naturaleza absolutista. Los temas religiosos y políticos fueron ampliamente explorados dentro del contexto artístico barroco, y tanto las pinturas como las esculturas se caracterizaron por un fuerte elemento de drama, emoción y teatralidad. Famosos artistas barrocos incluyen a Caravaggio o Rubens.Artemisia Gentileschi fue otra artista notable, que se inspiró en el estilo de Caravaggio. El arte barroco era particularmente ornamentado y elaborado por naturaleza, a menudo usando colores ricos y cálidos con matices oscuros. La pompa y la grandeza fueron elementos importantes del movimiento artístico barroco en general, como se puede ver cuando Luis XIV dijo: "Soy la grandeza encarnada"; muchos artistas barrocos sirvieron a los reyes que intentaron realizar este objetivo. El arte barroco en muchos aspectos era similar al arte renacentista; de hecho, el término se usó inicialmente de manera despectiva para describir el arte y la arquitectura posrenacentistas que eran demasiado elaborados. El arte barroco puede verse como una readaptación más elaborada y dramática del arte del Renacimiento tardío.

Sin embargo, en el siglo XVIII, el arte barroco estaba pasando de moda porque muchos lo consideraban demasiado melodramático y también sombrío, y se convirtió en el rococó, que surgió en Francia. El arte rococó era incluso más elaborado que el barroco, pero menos serio y más lúdico. Mientras que el Barroco usó colores ricos y fuertes, el Rococó usó tonos pálidos y cremosos. El movimiento artístico ya no puso énfasis en la política y la religión, sino que se centró en temas más ligeros como el romance, la celebración y la apreciación de la naturaleza. El arte rococó también contrastó con el barroco, ya que a menudo rechazaba la simetría en favor de diseños asimétricos. Además, buscó inspiración en las formas artísticas y la ornamentación del Lejano Oriente asiático, lo que resultó en un auge a favor de las figurillas de porcelana y chinoiserie en general.El estilo del siglo XVIII floreció por un corto tiempo; sin embargo, el estilo rococó pronto cayó en desgracia, siendo visto por muchos como un movimiento llamativo y superficial que enfatizaba la estética sobre el significado. El neoclasicismo se desarrolló en muchos sentidos como un movimiento contrario al rococó, siendo el ímpetu una sensación de repugnancia dirigida hacia las floridas cualidades de este último.

Manierismo (siglo XVI)

• sepultura; de Jacopo da Pontormo; 1525-1528; óleo sobre tabla; 3,12 x 1,9 m; Santa Felicita (Florencia, Italia)
• Madonna con el cuello largo; de Parmigianino; 1534-1540; óleo sobre tabla; 2,19 x 1,32 m; Galería Uffizi (Florencia)
• Venus, Cupido, Locura y Tiempo; por Bronzino; mediados de la década de 1540; óleo sobre tabla; 1,46 x 1,16 m; Galería Nacional (Londres)
• Verano; de Giuseppe Arcimboldo; 1563; óleo sobre tabla; 67 x 50,8 cm; Kunsthistorisches Museum (Viena, Austria)

Barroco (principios del siglo XVII a mediados del siglo XVIII)

• Los Cuatro Continentes; de Peter Paul Rubens; alrededor de 1615; óleo sobre lienzo; 209 x 284 cm; Kunsthistorisches Museum (Viena, Austria)
• vestuario holandés; 1625-1650; roble con chapas de ébano y palisandro; total: 244,5 x 224,3 x 85,2 cm; Museo de Arte de Cleveland (Cleveland, Ohio, EE. UU.)
• la ronda de noche; por Rembrandt; 1642; óleo sobre lienzo; 363 × 437 cm; Rijksmuseum (Ámsterdam, Países Bajos)
• El Éxtasis de Santa Teresa; de Gian Lorenzo Bernini; 1647-1652; mármol; altura: 3,5 m; Santa María della Vittoria (Roma)
• Las Meninas; de Diego Velázquez; 1656-1657; óleo sobre lienzo; 318 cm × 276 cm; Museo del Prado (Madrid, España)
• La entrada del Palacio de Versalles (Versalles, Francia), el edificio barroco más emblemático
• El busto de Luis XIV; de Gian Lorenzo Bernini; 1665; mármol; 105 × 99 × 46 cm; Palacio de Versalles
• el arte de pintar; de Johannes Vermeer; 1666–1668; óleo sobre lienzo; 1,3 x 1,1 m; Museo Kunsthistorisches
• Alfombra con fama y fortaleza; 1668–1685; pelo de lana anudado y cortado, tejido con unos 90 nudos por pulgada cuadrada; 909,3 x 459,7 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Cúpula de la Iglesia del Gesù (Roma), realizada en 1674 por Giovanni Battista Gaulli
• El Retrato de Luis XIV; de Hyacinthe Rigaud; 1701; óleo sobre lienzo; 277 × 194 cm; Lumbrera
• La Karlskirche de Viena (Austria), construida entre 1716 y 1737

Rococó (principios a mediados del siglo XVIII)

• The Chinese House, un pabellón de jardín chinoiserie en el parque Sanssouci, de Potsdam (Alemania)
• El asombroso interior de la Abadía de Wilhering (Wilhering, Austria). Este interior tiene un trampantojo en su techo, rodeado de estucos muy decorados.
• Boiserie del Hôtel de Varengeville; alrededor de 1736-1752; varios materiales, incluyendo roble tallado, pintado y dorado; alto: 5,58 m, ancho: 7,07 m, largo: 12,36 m; en el Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Impresión de título; de Juste Meissonnier; 1738-1749; aguafuerte sobre papel; 51,6 x 34,9 cm; Museo Rijks
• Pareja de candelabros; siglo 18; porcelana de pasta blanda; alturas (la izquierda): 26,8 cm, (la derecha): 26,4 cm; por la fábrica de porcelana de Chelsea; Museo Metropolitano de Arte
• Sr. y Sra. Andrews; por Thomas Gainsborough; alrededor de 1750; óleo sobre lienzo; 69,8 x 119,4 cm; Galería Nacional (Londres)
• Madame de Pompadour; de François Boucher; 1756; óleo sobre lienzo; 2,01 x 1,57 m; Alte Pinakothek (Múnich, Alemania)
• el columpio; de Jean-Honoré Fragonard; 1767–1768; óleo sobre lienzo; alto: 81 cm, ancho: 64 cm; Colección Wallace (Londres)

Neoclasicismo, romanticismo, academicismo y realismo

A lo largo del siglo XVIII, surgió en diferentes partes de Europa un movimiento contrario al Rococó, comúnmente conocido como Neoclasicismo. Despreciaba la superficialidad y la frivolidad percibidas del arte rococó y deseaba volver a la simplicidad, el orden y el "purismo" de la antigüedad clásica, especialmente de la Grecia y Roma antiguas. El movimiento también estuvo en parte influenciado por el Renacimiento, que a su vez estuvo fuertemente influenciado por el arte clásico. El neoclasicismo fue el componente artístico del movimiento intelectual conocido como la Ilustración; la Ilustración fue idealista, y puso su énfasis en la objetividad, la razón y la verdad empírica. El neoclasicismo se había generalizado en Europa a lo largo del siglo XVIII, especialmente en el Reino Unido, que vio surgir durante este período grandes obras de la arquitectura neoclásica; La fascinación del neoclasicismo con la antigüedad clásica se puede ver en la popularidad del Grand Tour durante esta década, donde los aristócratas ricos viajaban a las antiguas ruinas de Italia y Grecia. Sin embargo, un momento decisivo para el neoclasicismo se produjo durante la Revolución Francesa a fines del siglo XVIII; en Francia, el arte rococó fue reemplazado por el arte neoclásico preferido, que se consideraba más serio que el movimiento anterior. En muchos sentidos, el neoclasicismo puede verse como un movimiento político, artístico y cultural. El arte rococó fue reemplazado por el arte neoclásico preferido, que se consideraba más serio que el movimiento anterior. En muchos sentidos, el neoclasicismo puede verse como un movimiento político, artístico y cultural. El arte rococó fue reemplazado por el arte neoclásico preferido, que se consideraba más serio que el movimiento anterior. En muchos sentidos, el neoclasicismo puede verse como un movimiento político, artístico y cultural.El arte neoclásico pone énfasis en el orden, la simetría y la simplicidad clásica; Los temas comunes en el arte neoclásico incluyen el coraje y la guerra, como se exploraron comúnmente en el arte griego y romano antiguo. Ingres, Canova y Jacques-Louis David se encuentran entre los neoclásicos más conocidos.

Así como el manierismo rechazó el clasicismo, el romanticismo rechazó las ideas de la Ilustración y la estética de los neoclásicos. El romanticismo rechazó la naturaleza altamente objetiva y ordenada del neoclasicismo y optó por un enfoque más individual y emocional de las artes. El romanticismo puso énfasis en la naturaleza, especialmente cuando pretendía retratar el poder y la belleza del mundo natural y las emociones, y buscó un enfoque muy personal del arte. El arte romántico se trataba de sentimientos individuales, no de temas comunes, como en el neoclasicismo; así, el arte romántico a menudo utilizaba los colores para expresar sentimientos y emociones.De manera similar al neoclasicismo, el arte romántico se inspiró en gran medida en el arte y la mitología de la antigua Grecia y Roma, pero, a diferencia del neoclásico, esta inspiración se utilizó principalmente como una forma de crear simbolismo e imágenes. El arte romántico también toma gran parte de sus cualidades estéticas del medievalismo y el goticismo, así como de la mitología y el folclore. Entre los más grandes artistas románticos estaban Eugène Delacroix, Francisco Goya, JMW Turner, John Constable, Caspar David Friedrich, Thomas Cole y William Blake.

La mayoría de los artistas intentaron adoptar un enfoque centrista que adoptó diferentes características de los estilos neoclásico y romántico para sintetizarlos. Los diferentes intentos tuvieron lugar dentro de la Academia Francesa, y en conjunto se denominan arte académico. Adolphe William Bouguereau se considera un ejemplo principal de esta corriente de arte.

Sin embargo, a principios del siglo XIX, la faz de Europa se vio radicalmente alterada por la industrialización. La pobreza, la miseria y la desesperación iban a ser el destino de la nueva clase obrera creada por la "revolución". En respuesta a estos cambios en la sociedad, surgió el movimiento del Realismo. El realismo buscó retratar con precisión las condiciones y penurias de los pobres con la esperanza de cambiar la sociedad. En contraste con el romanticismo, que era esencialmente optimista sobre la humanidad, el realismo ofrecía una visión descarnada de la pobreza y la desesperación. De manera similar, mientras el romanticismo glorificaba la naturaleza, el realismo retrataba la vida en las profundidades de un páramo urbano. Al igual que el romanticismo, el realismo fue un movimiento tanto literario como artístico. Los grandes pintores realistas incluyen a Jean-Baptiste-Siméon Chardin, Gustave Courbet, Jean-François Millet, Camille Corot,

La respuesta de la arquitectura a la industrialización, en marcado contraste con las otras artes, fue virar hacia el historicismo. Aunque las estaciones de ferrocarril construidas durante este período a menudo se consideran los reflejos más fieles de su espíritu (a veces se les llama "las catedrales de la época"), los principales movimientos en la arquitectura durante la Era Industrial fueron revivals de estilos de un pasado lejano, como el renacimiento gótico. Movimientos relacionados fueron la Hermandad Prerrafaelita, que intentó devolver el arte a su estado de "pureza" anterior a Rafael, y el Movimiento de Artes y Oficios, que reaccionó contra la impersonalidad de los bienes producidos en masa y abogó por el regreso a la artesanía medieval.

Período de tiempo:

• Neoclasicismo: mediados del siglo XVIII a principios del siglo XIX
• Romanticismo: finales del siglo XVIII a mediados del siglo XIX
• Realismo: siglo XIX

Arte Moderno

De la ética naturalista del realismo surgió un importante movimiento artístico, el impresionismo. Los impresionistas fueron pioneros en el uso de la luz en la pintura cuando intentaron capturar la luz tal como la ve el ojo humano. Edgar Degas, Édouard Manet, Claude Monet, Camille Pissarro y Pierre-Auguste Renoir, todos estuvieron involucrados en el movimiento impresionista. Como consecuencia directa del impresionismo vino el desarrollo del postimpresionismo. Paul Cézanne, Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat son los postimpresionistas más conocidos.

Después de los impresionistas y los posimpresionistas vino el fauvismo, a menudo considerado el primer género de arte "moderno". Así como los impresionistas revolucionaron la luz, los fauvistas repensaron el color, pintando sus lienzos en tonos brillantes y salvajes. Después de los fauvistas, el arte moderno comenzó a desarrollarse en todas sus formas, desde el expresionismo, preocupado por evocar emociones a través de obras de arte objetivas, hasta el cubismo, el arte de trasladar una realidad tetradimensional a un lienzo plano, hasta el arte abstracto. Estas nuevas formas de arte empujaron los límites de las nociones tradicionales de "arte" y correspondieron a los rápidos cambios similares que estaban teniendo lugar en la sociedad humana, la tecnología y el pensamiento.

El surrealismo a menudo se clasifica como una forma de arte moderno. Sin embargo, los propios surrealistas se han opuesto al estudio del surrealismo como una era en la historia del arte, afirmando que simplifica demasiado la complejidad del movimiento (que dicen que no es un movimiento artístico), tergiversa la relación del surrealismo con la estética y caracteriza falsamente el surrealismo en curso como una era terminada e históricamente encapsulada. Otras formas de arte moderno (algunas de las cuales limitan con el arte contemporáneo) incluyen:

• Expresionismo abstracto
• Arte deco
• Art Nouveau
• Bauhaus
• Pintura de campo de color
• Arte conceptual
• constructivismo
• Cubismo
• dadá
• Der Blaue Reiter
• De Stijl
• Die Brücke
• Arte Corporal
• Expresionismo
• fauvismo
• flujo
• futurismo
• Sucediendo
• Surrealismo
• Letrismo
• abstracción lírica
• Arte terrestre
• Minimalismo
• arte ingenuo
• Arte abstracto
• Arte de performance
• Fotorrealismo
• Arte pop
• Suprematismo
• Videoarte
• vorticismo

Período de tiempo:

• Impresionismo: finales del siglo XIX
• Otros: Primera mitad del siglo XX

Arte contemporáneo y arte posmoderno

El arte moderno presagiaba varias características de lo que luego se definiría como arte posmoderno; de hecho, varios movimientos de arte moderno a menudo se pueden clasificar como modernos y posmodernos, como el arte pop. El arte posmoderno, por ejemplo, pone un fuerte énfasis en la ironía, la parodia y el humor en general; el arte moderno comenzó a desarrollar un enfoque más irónico del arte que luego avanzaría en un contexto posmoderno. El arte posmoderno ve la confusión entre las artes superiores y las bellas artes con el arte comercial y de gama baja; el arte moderno comenzó a experimentar con este desenfoque. Los desarrollos recientes en el arte se han caracterizado por una expansión significativa de lo que ahora se considera arte, en términos de materiales, medios, actividad y concepto. El arte conceptual en particular ha tenido una amplia influencia. Esto comenzó literalmente como la sustitución del concepto por un objeto hecho, una de cuyas intenciones era refutar la mercantilización del arte. Sin embargo, ahora por lo general se refiere a una obra de arte donde hay un objeto, pero el reclamo principal del trabajo se hace por el proceso de pensamiento que lo ha informado. El aspecto comercial ha vuelto a la obra.

También ha habido un aumento en el arte que se refiere a movimientos y artistas anteriores, y gana vigencia a partir de esa referencia.

El posmodernismo en el arte, que ha crecido desde la década de 1960, se diferencia del modernismo en que los movimientos de arte moderno se centraron principalmente en sus propias actividades y valores, mientras que el posmodernismo utiliza toda la gama de movimientos anteriores como punto de referencia. Esto ha generado por definición una mirada relativista, acompañada de ironía y cierta incredulidad en los valores, ya que cada uno puede verse sustituido por otro. Otro resultado de esto ha sido el crecimiento del comercialismo y la celebridad. El arte posmoderno ha cuestionado las reglas y pautas comunes de lo que se considera "bellas artes", fusionando el arte bajo con las bellas artes hasta que ninguna es completamente distinguible.Antes del advenimiento del posmodernismo, las bellas artes se caracterizaban por una forma de calidad estética, elegancia, artesanía, delicadeza y estimulación intelectual que pretendía atraer a las clases altas o educadas; esto distinguía el arte elevado del arte inferior, que, a su vez, se consideraba de mal gusto, kitsch, fácil de hacer y carente de mucho o ningún estímulo intelectual, un arte que estaba destinado a atraer a las masas. El arte posmoderno desdibujó estas distinciones, trayendo un fuerte elemento de kitsch, comercialismo y campismo a las bellas artes contemporáneas; lo que hoy en día se ve como bellas artes puede haber sido visto como arte bajo antes de que el posmodernismo revolucionara el concepto de lo que realmente es el arte elevado o fino.Además, la naturaleza posmoderna del arte contemporáneo deja mucho espacio para el individualismo dentro de la escena artística; por ejemplo, el arte posmoderno a menudo se inspira en movimientos artísticos pasados, como el arte gótico o barroco, y yuxtapone y recicla estilos de estos períodos pasados ​​en un contexto diferente.

Algunos surrealistas, en particular Joan Miró, que llamó al "asesinato de la pintura" (En numerosas entrevistas que datan de la década de 1930 en adelante, Miró expresó su desprecio por los métodos de pintura convencionales y su deseo de "matar", "asesinar" o "violarlos"). a favor de medios de expresión más contemporáneos). han denunciado o intentado "suplantar" la pintura, y también ha habido otras corrientes antipinturas entre los movimientos artísticos, como el dadaísmo y el arte conceptual. La tendencia a alejarse de la pintura a fines del siglo XX ha sido contrarrestada por varios movimientos, por ejemplo, la continuación del arte minimalista, la abstracción lírica, el arte pop, el arte óptico, el nuevo realismo, el fotorrealismo, el neogeo, el neoexpresionismo, la nueva pintura europea, Stuckismo.