1795-1820 en la moda occidental

La moda en el período 1795-1820 en los países europeos y de influencia europea vio el triunfo final de la desnudez o los estilos informales sobre los brocados, los encajes, las pelucas y los polvos de principios del siglo XVIII. Después de la Revolución Francesa, nadie quería parecer miembro de la aristocracia francesa, y la gente comenzó a usar la ropa más como una forma de expresión individual del verdadero yo que como una indicación pura de estatus social. Como resultado, los cambios que ocurrieron en la moda a principios del siglo XIX brindaron la oportunidad de presentar nuevas identidades públicas que también proporcionaron información sobre su personalidad privada. Katherine Aaslestad indica cómo "la moda, que encarna nuevos valores sociales, surgió como un lugar clave de confrontación entre la tradición y el cambio".

Para la vestimenta de las mujeres, el atuendo cotidiano del estilo de falda y chaqueta era práctico y discreto, recordando a la mujer de clase trabajadora. La moda femenina siguió los ideales clásicos, y las corsés rígidos se abandonaron en favor de corsés más suaves y menos deshuesados. Esta figura natural se enfatizaba al poder ver el cuerpo debajo de la ropa. Los senos visibles formaban parte de este look clásico, y algunos caracterizaron los senos de moda como únicamente estéticos y sexuales.

Esta era de la historia británica se conoce como el período de Regencia, marcada por la regencia entre los reinados de Jorge III y Jorge IV. Pero la definición más amplia del período, caracterizado por las tendencias en la moda, la arquitectura, la cultura y la política, comienza con la Revolución Francesa de 1789 y termina con el ascenso al trono de la reina Victoria en 1837. Los nombres de personajes populares que vivieron en esta época siguen siendo famosos: Napoleón y Josefina, Juliette Récamier, Jane Austen, Percy Bysshe Shelley, Lord Byron, Beau Brummell, Lady Emma Hamilton, la reina Luisa de Prusia y su marido y muchos más. Beau Brummell introdujo los pantalones, la sastrería perfecta y el lino inmaculado y sin adornos como los ideales de la moda masculina.

En Alemania, las ciudades-estado republicanas renunciaron a sus prendas tradicionales, modestas y prácticas y comenzaron a adoptar las tendencias de la moda francesa e inglesa de vestidos camiseros de manga corta y chaquetas Spencer. Las tendencias de la moda estadounidense emularon la vestimenta francesa, pero de una manera atenuada, con chales y túnicas para hacer frente a la transparencia de la camisa. Los majos españoles, sin embargo, se rebelaron contra los ideales vanidosos de la Ilustración francesa al reclamar y desarrollar la vestimenta tradicional española.

A fines del siglo XVIII, se estaba produciendo un cambio importante en la moda que se extendía más allá de los cambios de mero estilo hacia cambios en los ideales filosóficos y sociales. Con anterioridad a esta época, el estilo y las tradiciones del Antiguo Régimen impedían la conceptualización del "yo". En cambio, la identidad de uno se consideraba maleable; sujeto a cambios dependiendo de la ropa que uno lleve puesto. Sin embargo, en la década de 1780, el nuevo estilo "natural" permitió que el yo interior trascendiera la ropa.

Durante la década de 1790, hubo un nuevo concepto del yo interno y externo. Antes de este tiempo, solo había un yo, que se expresaba a través de la ropa. Cuando iban a un baile de máscaras, las personas usaban ropa específica, por lo que no podían mostrar su individualidad a través de su ropa.Incorporado en este nuevo estilo "natural" estaba la importancia de la facilidad y la comodidad del vestido. No solo hubo un nuevo énfasis en la higiene, sino que también la ropa se volvió mucho más liviana y más fácil de cambiar y lavar con frecuencia. Incluso las mujeres de clase alta comenzaron a usar vestidos cortos en lugar de vestidos con largas colas o aros que les impedían salir de casa. El posterior casi estancamiento de la silueta inspiró volúmenes de nuevos adornos y detalles en faldas muy recortadas que volvieron a estar de moda. En los años de la Regencia, los complicados elementos históricos y orientalistas proporcionaron lujosas exhibiciones estilísticas, ya que tales detalles eran un vehículo vigoroso para el consumo conspicuo dadas sus fabricaciones que requerían mucha mano de obra y, por lo tanto, un poderoso indicador de jerarquía para las clases altas que usaban los estilos.

La moda femenina también estuvo influenciada por la moda masculina, como chalecos y chaquetas a medida para enfatizar la movilidad de las mujeres. Este nuevo movimiento hacia la practicidad de la vestimenta mostró que la vestimenta dejó de ser una forma de categorizar únicamente entre clases o géneros; el vestido estaba destinado a adaptarse a la rutina diaria personal. También fue durante este período de tiempo que la industria de las revistas y los diarios de moda comenzó a despegar. En la mayoría de los casos, eran publicaciones periódicas mensuales (a menudo competidoras) que permitían a hombres y mujeres mantenerse al día con los estilos en constante cambio.

Influencia de la Revolución Industrial

A finales del siglo XVIII, la ropa la vendían principalmente comerciantes individuales, que a menudo eran los artesanos que fabricaban los productos. Los clientes generalmente vivían en el mismo vecindario que las tiendas y las tiendas ganarían popularidad por la recomendación de boca en boca de sus clientes, con la excepción de los almacenes (es decir, cualquier venta al por menor al por mayor), donde los productos que se venden no necesariamente se fabrican en la tienda. Sin embargo, las cosas empezaron a cambiar durante la transición al siglo XIX. La gente buscaba eficiencia y variedad; Bajo la influencia de la Revolución Industrial, la mejora del transporte y la introducción de máquinas en la fabricación permitieron que la moda se desarrollara a un ritmo aún más rápido.

La primera máquina de coser surgió en 1790 y, más tarde, Josef Madersperger comenzó a desarrollar su primera máquina de coser en 1807 y presentó su primera máquina funcional en 1814. La introducción de la máquina de coser aceleró la producción de prendas.Sin embargo, no tuvo un impacto social generalizado hasta la década de 1840, y la ropa se hizo completamente a mano en el período hasta 1820. Mientras tanto, las técnicas avanzadas de hilado, tejido y estampado de algodón desarrolladas en el siglo XVIII ya habían traído telas lavables más baratas y ampliamente disponibles.. Estas telas duraderas y asequibles se hicieron populares entre la población en general. Estas técnicas se desarrollaron aún más con la introducción de máquinas. Antes, los accesorios como el bordado y el encaje eran fabricados en pequeña y limitada escala por hábiles artesanos y vendidos en sus propias tiendas; en 1804, John Duncan construyó una máquina para bordar, y la gente comenzó a producir estos accesorios esenciales en las fábricas y a enviar los productos a las tiendas de todo el país. Estos desarrollos técnicos en la producción de ropa permitieron una mayor variedad de estilos; También se hicieron posibles cambios rápidos en la moda.

La Revolución Industrial unió Europa y América en lo que respecta a los viajes. Cuando Louis Simond llegó por primera vez a Estados Unidos, quedó impresionado por la movilidad de la población y la frecuencia de las personas que viajaban a la capital, escribiendo "no te encuentras en ninguna parte con aquellas personas que nunca estuvieron fuera de su lugar de origen, y cuyos hábitos son totalmente locales". — nadie por encima de la pobreza que no haya visitado Londres una vez en su vida, y la mayoría de los que pueden, visitan Londres una vez al año. Los nuevos canales y ferrocarriles no sólo transportaron personas, sino que crearon mercados nacionales e incluso más amplios mediante el transporte de bienes fabricados en fábricas a grandes distancias. El auge de la industria en todo el mundo occidental incrementó la producción de prendas de vestir y se animó a la gente a viajar más y comprar más bienes de los que necesitaban. nunca antes

La comunicación también se mejoró en esta era. Las nuevas ideas sobre la moda fueron transmitidas por muñequitos vestidos a la última moda, periódicos y revistas ilustradas; por ejemplo, La Belle Assemblée, fundada por John Bell, fue una revista británica para mujeres publicada entre 1806 y 1837. Era conocida por sus ilustraciones de moda contemporánea, que mostraban formas en que las mujeres se vestían y creaban conjuntos.

Cambios en la moda

1790:

• Mujeres: "edad de desnudez"; vistiéndose como estatuas que cobran vida; La moda griega comenzó a inspirar la moda actual, y los peinados clásicos griegos de filete y la ropa de cintura alta con un dobladillo más triangular comenzaron a encontrar su camino; telas en colores pastel; maquillaje natural; brazos desnudos; pelucas rubias; complementado con: sombreros, turbantes, guantes, joyas, bolsos pequeños - bolsos de mano, chales, pañuelos; sombrillas; aficionados; Maja: falda a capas
• Hombres: pantalones w. sastrería perfecta; lino; abrigos recortados en la parte delantera w. colas largas; capas; sombreros; el dandi; Majo: chaqueta corta

1800:

• Mujeres: pelo corto; sombreros blancos; adornos, plumas, encajes; influencias egipcias y orientales en joyería y ropa; chales; abrigos con capucha; cabello: masas de rizos, a veces recogidos en un moño
• Hombres: camisas de lino w. cuellos altos; sombreros de copa; cabello: corto y sin peluca, a la Titus o Bedford Crop, pero a menudo con algunos mechones largos que caen

1810:

• Mujeres: cortinas clásicas suaves, sutiles y transparentes; cintura trasera levantada de vestidos de talle alto; chaquetas cortas de botonadura sencilla; vestido de mañana; vestido para caminar; vestido de noche; hábitos de conducción; senos y brazos desnudos; cabello: raya en el centro, rizos apretados sobre las orejas
• Hombres: frac entallados de botonadura sencilla; corbatas envueltas hasta la barbilla; patillas y cabello natural "estilo Brutus"; calzones ajustados; medias de seda; complementado con: relojes de oro, bastón, sombreros en el exterior.

1820:

• Mujeres: las cinturas de los vestidos comenzaron a caer; elaborada decoración de dobladillo y escote; faldas en forma de cono; mangas apretadas
• Hombres: abrigos/abrigos w. cuellos de piel o terciopelo; el abrigo Garrick; Botas Wellington; botas de jockey

Moda femenina

Visión general

En este período, los estilos de ropa de mujer de moda se basaban en una cintura alta, debajo del busto, solo llamada silueta Empire en el siglo XX: los vestidos estaban ajustados al torso justo debajo del busto, cayendo holgadamente debajo. En diferentes contextos, estos estilos ahora se denominan comúnmente "estilo Directorio" (en referencia al gobierno del Directorio de Francia durante la segunda mitad de la década de 1790), "estilo Imperio" (en referencia al imperio de Napoleón de 1804-1814/1815 y, a menudo, también a su "consulado" de 1800-1804), o "Regencia" (vagamente utilizado para referirse a varios períodos entre el siglo XVIII y el victoriano). La silueta Empire y el estilo Directorio no se usaron en el momento en que se usaron estos estilos.

Estas modas de 1795 a 1820 eran bastante diferentes de los estilos que prevalecían durante la mayor parte del siglo XVIII y el resto del siglo XIX, cuando la ropa de las mujeres generalmente era ceñida al torso desde la cintura natural hacia arriba y con faldas muy completas debajo (a menudo infladas por medio de faldas de aro, miriñaques, alforjas, polisones, etc.). La moda femenina de esta época comenzó a seguir los ideales clásicos, inspirada en el antiguo estilo griego y romano con sus elegantes vestidos sueltos que se fruncían o simplemente se acentuaban sobre la cintura natural debajo del busto. Para las mujeres, las estancias muy deshuesadas dieron paso a una celebración de la forma natural.Los corpiños eran cortos con cinturas que caían justo debajo del busto. Las telas de moda como la muselina de algodón eran ligeras hasta el punto de ser transparentes, sin embargo, los algodones, lanas y otros textiles estampados más pesados ​​​​también eran populares.

Vestidos

Inspirado en los gustos neoclásicos, el 'desnudo' era el estilo del día, casual e informal. Era el tipo de vestido que una mujer usaba desde la mañana hasta el mediodía o más tarde dependiendo de sus compromisos sociales del día. Los vestidos de cintura corta lucían faldas suaves y holgadas y, a menudo, estaban hechos de muselina blanca, casi transparente, que se lavaba fácilmente y se dejaba holgadamente como las prendas de las estatuas griegas y romanas. Dado que la tela se pegaba al cuerpo, revelando lo que había debajo, hizo de la desnudez a la grecque una pieza central del espectáculo público. El satén a veces se usaba para la noche.Se piensa en 'Half Dress' como la forma en que uno se vestiría para salir durante el día o reunirse con invitados.' Full Dress' era lo que una dama usaba para eventos formales, de día o de noche. 'Vestido de noche' solo era apropiado para eventos nocturnos. Por lo tanto, durante el período de 1795 a 1820, a menudo era posible que las mujeres de clase media y alta usaran ropa que no fuera muy ajustada o engorrosa, y aun así se las considerara vestidas decentemente y a la moda.

Entre las mujeres de clase media y alta había una distinción básica entre el vestido de mañana (que se usaba en casa tanto por la tarde como por la mañana) y el atuendo de noche; por lo general, tanto hombres como mujeres se cambiaban de ropa para prepararse para la cena y los posibles entretenimientos. seguir. También hubo otras gradaciones, como vestido de tarde, vestido de paseo, hábitos de equitación, vestido de viaje, vestido de cena, etc.

En el Espejo de las Gracias; o el English Lady's Costume, publicado en Londres en 1811, el autor ("una dama distinguida") aconsejó:

Por la mañana, los brazos y el pecho deben estar completamente cubiertos hasta la garganta y las muñecas. Desde la hora de la cena hasta el final del día, los brazos, hasta una graciosa altura sobre el codo, pueden estar desnudos; y el cuello y los hombros descubiertos hasta donde la delicadeza lo permita.

• Los vestidos de luto se usaban para mostrar el luto de un ser querido. Eran de cuello alto y manga larga, que cubrían la garganta y las muñecas, generalmente lisos y negros, y sin decoración.
• Los vestidos de noche a menudo estaban extravagantemente adornados y decorados con encajes, cintas y redes. Tenían un corte bajo y lucían mangas cortas, dejando al descubierto los senos. Los brazos desnudos estaban cubiertos por largos guantes blancos. Nuestra Señora de la Distinción, sin embargo, advierte a las mujeres jóvenes que no muestren sus senos más allá de los límites de la decencia, diciendo: "El seno y los hombros de una muchacha muy joven y hermosa pueden exhibirse sin provocar mucho disgusto o repugnancia".

A Lady of Distinction también aconsejó a las jóvenes que usen tonos de color más suaves, como rosas, azul bígaro o lilas. La matrona madura podría usar colores más completos, como púrpura, negro, carmesí, azul profundo o amarillo.

Muchas mujeres de esta época comentaron que estar completamente vestida significaba que el pecho y los hombros estaban desnudos y, sin embargo, estar poco vestida significaba que el escote llegaba hasta la barbilla.

Silueta

Debido a la importancia de mostrar el estatus social, la industria de la moda estuvo muy influenciada por la sociedad durante la época de la Regencia. La posición de uno estaba determinada por la riqueza, la etiqueta, el estado familiar, la inteligencia y la belleza de la persona. Las mujeres dependían económica y socialmente de sus maridos. Las únicas actividades socialmente aceptables en las que las mujeres podían participar se centraban en las reuniones sociales y la moda, cuyo componente más importante era asistir a fiestas nocturnas. Estas fiestas ayudaron a construir relaciones y conexiones con los demás. Como la etiqueta dictaba diferentes estándares de vestimenta para diferentes eventos, el vestido de tarde, el vestido de noche, el vestido de gala de noche, el vestido de baile y diferentes tipos de vestidos eran populares.

La moda femenina en la época de la Regencia comenzó a cambiar drásticamente. Popularizó la silueta imperio, que presentaba un corpiño ajustado y cintura alta. Este "nuevo estilo natural" enfatizaba la belleza de las líneas naturales del cuerpo. La ropa se volvió más liviana y más fácil de cuidar que en el pasado. Las mujeres a menudo usaban varias capas de ropa, generalmente ropa interior, batas y ropa exterior. La camisola, la prenda interior estándar de la época, impedía que los vestidos delgados y diáfanos fueran completamente transparentes. Las prendas de vestir exteriores, como el spencer y la pelisse, eran populares.

La silueta del imperio se creó a finales del siglo XVIII hasta principios del siglo XIX y se refería al período del Primer Imperio Francés. Esta adopción se había relacionado con el gusto neoclásico de Francia por los principios griegos. De hecho, sin embargo, su genealogía es mucho más compleja. Lo usó por primera vez la reina francesa, cuya referencia era caribeña, no griega.El estilo a menudo se usaba en blanco para denotar un alto estatus social. Josephine Bonaparte fue uno de los mascarones de proa de la cintura imperio, con sus elaborados y decorados vestidos de línea imperio. Las mujeres de la Regencia siguieron el estilo Imperio junto con la misma tendencia de cinturas elevadas que los estilos franceses, incluso cuando sus países estaban en guerra. A partir de la década de 1780 y principios de la de 1790, la silueta de las mujeres se volvió más delgada y las cinturas se ensancharon. Después de 1795, las cinturas aumentaron drásticamente y la circunferencia de la falda se redujo aún más. Unos años más tarde, Inglaterra y Francia comenzaron a mostrar el enfoque del estilo de cintura alta y esto condujo a la creación del estilo Imperio.

El estilo comenzó como parte de la moda neoclásica, reviviendo estilos del arte grecorromano que mostraban a las mujeres vistiendo túnicas rectangulares holgadas conocidas como peplos que se ceñían debajo del busto, brindando apoyo a las mujeres y un atuendo fresco y cómodo, especialmente en un clima cálido.. La silueta imperio se definía por la cintura, que se colocaba directamente debajo del busto. La silueta Empire fue el estilo clave en la ropa de mujer durante la época de la Regencia. Los vestidos eran generalmente ligeros, largos y holgados, generalmente eran de color blanco y, a menudo, transparentes desde el tobillo hasta justo debajo del corpiño, que enfatizaba fuertemente el dobladillo delgado y se ataba alrededor del cuerpo. Un chal o abrigo rectangular largo, muy a menudo de color rojo liso pero con un borde decorado en los retratos, ayudó en climas más fríos y aparentemente estaba acostado alrededor del estómago cuando estaba sentado, para lo cual se favorecían las posturas semi-recostadas. Los vestidos tenían un corpiño ajustado y daban una apariencia de cintura alta.

El estilo había tenido altibajos en la moda durante cientos de años. La forma de los vestidos también ayudó a alargar la apariencia del cuerpo. La ropa también se puede cubrir para maximizar el busto. Las telas livianas se usaban típicamente para crear un efecto fluido. Además, se utilizaron cintas, fajas y otros elementos decorativos para resaltar la cintura. Los vestidos del imperio a menudo tenían un escote bajo y mangas cortas y las mujeres generalmente los usaban como vestidos de noche. Por otro lado, los vestidos de día tenían un escote más alto y mangas largas. La camisola era un elemento básico para las damas de moda. Aunque hubo diferencias entre los vestidos de día y los vestidos de noche, la cintura alta no cambió.

Peinados y tocados

Durante este período, la influencia clásica se extendió a los peinados. A menudo, se usaban masas de rizos sobre la frente y las orejas, con el cabello más largo hacia atrás recogido en moños sueltos o nudos de psique influenciados por los estilos griego y romano. A fines de la década de 1810, el cabello de la parte delantera se dividía en el centro y se usaba en tirabuzones apretados sobre las orejas. Las mujeres aventureras como Lady Caroline Lamb usaban peinados cortos "a la Titus", el Journal de Paris informó en 1802 que "más de la mitad de las mujeres elegantes usaban su cabello o peluca a la Titus ", un corte en capas generalmente con algunos mechones colgando abajo.

En el Espejo de Gracias, una Dama de Distinción escribe,

Ahora, las trenzas fáciles, la trenza reluciente, el tirabuzón suelto confinado por la peineta antigua, o el punzón, dan muestras graciosas del gusto sencillo de la belleza moderna. Nada puede corresponder más elegantemente con las cortinas sin trabas de nuestra vestimenta clásica recién adoptada que este peinado natural sin adornos.

Las mujeres casadas conservadoras continuaron usando gorras de la mafia de lino, que ahora tenían alas más anchas a los lados para cubrir las orejas. Las mujeres de moda usaban gorras similares para la mañana (desnudarse en casa).

Por primera vez en siglos, mujeres respetables pero atrevidamente a la moda salían de casa sin sombrero ni cofia, algo que anteriormente se asociaba a menudo con las prostitutas. Sin embargo, la mayoría de las mujeres continuaron usando algo en la cabeza al aire libre, aunque comenzaron a dejar de hacerlo en el interior durante el día (así como para la noche). El tocado antiguo, o la cofia de la reina María, el sombrero chino, el turbante de inspiración oriental y el casco de las Highlands eran populares. En cuanto a los bonetes, sus coronas y alas estaban adornadas con ornamentaciones cada vez más elaboradas, como plumas y cintas. De hecho, las damas del día adornaban sus sombreros con frecuencia, reemplazando las decoraciones antiguas con adornos o plumas nuevos.

• Dos niñas inglesas practican tiro con arco, 1799
• La artista Rolinda Sharples usa su cabello en una masa de rizos; su madre usa una gorra transparente para interiores, c. 1820.
• Mme Seriziat lleva un sombrero de paja adornado con una cinta verde sobre una gorra de encaje de la mafia, 1795 (pintura de Jacques-Louis David)
• Gorro de moda, París, 1818

Ropa interior

Las mujeres de moda de la época de la Regencia usaban varias capas de ropa interior. El primero fue el chemise, o camisola, una prenda delgada con mangas cortas y ajustadas (y un escote bajo si se usa debajo de la ropa de noche), hecha de algodón blanco y terminada con un dobladillo liso que era más corto que el vestido. Estos cambios estaban destinados a proteger la ropa exterior de la transpiración y se lavaban con más frecuencia que la ropa exterior. De hecho, las lavanderas de la época fregaban con jabón grueso estas prendas y luego las sumergían en agua hirviendo, de ahí la ausencia de color, encajes u otros adornos, que habrían desteñido o dañado la tela con un trato tan rudo. Camisolas y camisolas también impedían que los vestidos de muselina o seda transparente fueran demasiado reveladores.

La siguiente capa fue un par de tirantes o corsé (más ligeramente deshuesado). Si bien la moda clásica de talle alto no requería corsé para la figura delgada, la mayoría de las mujeres comunes todavía usaban algún tipo de soporte para el busto, aunque el objetivo era parecer que no lo era. La desaparición del corsé o tirantes ha sido muy exagerada por los escritores del período de la Regencia. Hubo algunos experimentos para producir prendas que sirvieran para las mismas funciones que un sostén moderno. (En el Espejo de Gracias, se describía un "divorcio" como una prenda interior que servía para separar los senos de una mujer. Fabricado en acero o hierro que estaba cubierto por una especie de acolchado, y con forma de triángulo, este dispositivo se colocaba en el centro del pecho.) Los "corsés cortos" (corsés que se extienden solo una distancia corta por debajo de los senos) a menudo se usaban sobre el camisón o la camisola (no directamente sobre la piel), y los "corsés largos" (corsés que se extendían hacia la cintura natural) eran usados ​​por mujeres que intentaban parecer más delgadas de lo que eran o que necesitaban más apoyo. Los ingleses los usaban más que los franceses, pero incluso los corsés tan largos no estaban destinados principalmente a apretar la cintura, a la manera de los corsés victorianos.

La capa final era la enagua, que era el nombre de cualquier falda que se usaba debajo del vestido y podía ser una falda con un corpiño, una falda unida al torso con cintas o una falda separada. Estas enaguas a menudo se usaban entre la ropa interior y el vestido exterior y se consideraban parte de la ropa exterior, no de la ropa interior. El borde inferior de la enagua estaba destinado a ser visto, ya que las mujeres a menudo levantaban sus vestidos exteriores para evitar el barro o la humedad del material relativamente delicado del vestido exterior (exponiendo así solo el tejido más grueso y barato de la enagua). A menudo expuestas a la vista, las enaguas estaban decoradas en el dobladillo con hileras de alforzas, encajes o volantes.

Los "cajones" (pantalones cortos grandes y fluidos con botones en la entrepierna) solo se usaban ocasionalmente en este momento. Las mujeres no tenían ropa interior debajo de sus vestidos.

Las medias (medias), hechas de seda o algodón tejido, se sostenían con ligas debajo de la rodilla hasta que se introdujeron los tirantes a fines del siglo XIX y, a menudo, eran de un color carne blanco o pálido.

Ropa de abrigo y zapatos

Durante este período, la ropa de las mujeres era mucho más delgada que en el siglo XVIII, por lo que la ropa de abrigo más abrigada se volvió importante en la moda, especialmente en climas más fríos. Las prendas similares a abrigos, como pellizas y redingotes, eran populares, al igual que chales, mantos, mantos, capas y mantos. El mantelete era una capa corta que eventualmente se alargaba y se convertía en un chal. El redingote, otro ejemplo popular, era una prenda de vestir de cuerpo entero que se asemejaba a un abrigo de montar de hombre (de ahí el nombre) en estilo, que podía estar hecho de diferentes telas y patrones. A lo largo del período, el chal indio fue el abrigo favorito,ya que las casas y la típica casa de campo inglesa generalmente tenían corrientes de aire, y los vestidos de muselina transparente y seda ligera populares durante este tiempo brindaban menos protección. Los chales estaban hechos de cachemira suave o seda o incluso muselina para el verano. Los patrones de Paisley eran extremadamente populares en ese momento.

Las chaquetas cortas (de cintura alta) llamadas spencers se usaban al aire libre, junto con capas largas con capucha, abrigos turcos, mantos, capas, túnicas romanas, camisolas y abrigos llamados pelisses (que a menudo no tenían mangas y llegaban hasta los tobillos). Estas prendas exteriores a menudo estaban hechas de sarsnet doble, tela merina fina o terciopelos, y estaban adornadas con pieles, como plumón de cisne, zorro, chinchilla o sable. El 6 de mayo de 1801, Jane Austen le escribió a su hermana Cassandra: "Las capas de gasa negra se usan tanto como cualquier otra cosa".

Generalmente se usaban pantuflas de tela fina y plana (seda o terciopelo) o de cuero (a diferencia de los zapatos de tacón alto de gran parte del siglo XVIII).

Los zapatos se sujetaban con correas de metal para protegerlos de la lluvia o el barro, levantando los pies aproximadamente una pulgada del suelo.

Accesorios

Las mujeres siempre usaban guantes fuera de la casa. Cuando se usaban en el interior, como cuando se hacía una visita social, o en ocasiones formales, como un baile, se quitaban para cenar. Sobre la longitud del guante, A Lady of Distinction escribe:

Si la moda predominante es rechazar la manga larga y mostrar parcialmente el brazo, dejar que el guante avance considerablemente por encima del codo y sujetarlo con un cordón o brazalete. Pero este solo debería ser el caso cuando el brazo es musculoso, tosco o flaco. Cuando es claro, liso y redondo, admitirá que el guante se empuje hacia abajo un poco por encima de las muñecas.

Los guantes más largos se usaban bastante sueltos durante este período, arrugados debajo del codo. Como se describe en el pasaje anterior, las "ligas" podrían sujetar guantes más largos.

Las retículas contenían artículos personales, como vinagretas. Los vestidos o levitas ajustados del día no tenían bolsillos, por lo que estos pequeños bolsos de mano con cordón eran esenciales. Estos bolsos a menudo se llamaban buskins o balantines. Eran de forma rectangular y se usaban suspendidas por una banda tejida de un cinturón colocado alrededor de la figura por encima de la cintura.

Las sombrillas (como se muestra en la ilustración) protegían la piel de una dama del sol y se consideraban un importante accesorio de moda. Delgados y livianos, venían en una variedad de formas, colores y tamaños.

Las damas (y los caballeros) de moda usaban ventiladores para refrescarse y realzar los gestos y el lenguaje corporal. Realizados en papel o seda sobre varillas de marfil y madera, e impresos con motivos orientales o escenas populares de la época, estos omnipresentes complementos presentaban una variedad de formas y estilos, como plisados ​​o rígidos. Una hoja informativa del Museo de Cheltenham describe los abanicos y su uso en el lenguaje corporal y la comunicación (haga clic y desplácese a la página 4).

Directorio (1795-1799)

A mediados de la década de 1790, la ropa neoclásica se había puesto de moda en Francia. Varias influencias se habían combinado para provocar esta simplificación en la ropa de mujer: aspectos de la ropa campestre práctica de las mujeres inglesas se filtraron en la alta moda francesa, y hubo una reacción en la Francia revolucionaria contra los corsés rígidos, los satenes de colores brillantes y otras telas pesadas que estaban de moda en el Antiguo Régimen (ver 1750-1795 en la moda). Pero en última instancia, se adoptó el neoclasicismo por su asociación con las ideas republicanas clásicas [con referencia a Grecia, en lugar de la Roma republicana, que ahora se consideraba políticamente peligrosa].Esta renovada fascinación por el pasado clásico fue alentada por los recientes descubrimientos de Pompeya y Herculano, y probablemente no hubiera sido posible fuera de un entorno geográfico e histórico tan específico que permitió que la idea del pasado hecho presente se volviera primordial.

Junto con las influencias de las excavaciones de Pompeya y Herculano, varios otros factores se unieron para popularizar la vestimenta neoclásica. A principios de la década de 1790, Emma Hamilton comenzó sus representaciones de actitudes, algo que los contemporáneos consideraban completamente nuevo. Estas actitudes se basaban libremente en la antigua práctica de la pantomima, aunque las actuaciones de Emma carecían de máscaras y acompañamiento musical. Sus actuaciones crearon una fusión entre el arte y la naturaleza; el arte cobró vida y su cuerpo se convirtió en un tipo de arte.Como ayuda para sus representaciones de figuras mitológicas e históricas trágicas, Emma usó la ropa á la grecque que se volvería popular en la corriente principal de Francia en los próximos años. Se usó una camisa simple de color claro hecha de un material delgado y fluido y se recogió con una cinta estrecha debajo de los senos. Sencillos chales de cachemir se usaban como tocados o para dar más volumen a los ropajes de la camisola. También ayudaron a evitar las líneas rotas en la actuación para que los brazos extendidos estuvieran siempre conectados con el cuerpo, intensificando el efecto del movimiento fluido y, a menudo, se usaba una capa o una capa para enfatizar las líneas del cuerpo en ciertas poses. Esto destacó la continuidad de la superficie de la línea y la forma en el cuerpo del intérprete para enfatizar la unidad, la simplicidad, y movimiento que fluye continuamente de una parte del cuerpo a la siguiente. El cabello se usó de una manera natural, suelta y fluida. Todas estas propiedades se combinaron para permitir un amplio juego de luces y sombras para revelar y acentuar ciertas partes del cuerpo durante la actuación mientras se cubren otras.Emma era muy capaz en sus actitudes, y la influencia de su forma de vestir se extendió desde Nápoles hasta París cuando los parisinos adinerados realizaban el Grand Tour.

También hay alguna evidencia de que el vestido recto de muselina blanca se hizo popular después de Thermidor a través de la influencia del vestido de prisión. Mujeres revolucionarias como Madame Tallien se retrataron de esta manera porque era la única ropa que poseían durante su tiempo en prisión. La chemise á la grecque también representó la lucha por la representación del yo y el despojo de los valores culturales pasados. Además, una simplificación del atuendo que usaban las niñas preadolescentes en la década de 1780 (a quienes ya no se les exigía que usaran versiones en miniatura de tirantes y alforjas para adultos) probablemente allanó el camino para la simplificación del atuendo que usaban las adolescentes y las mujeres adultas en la década de 1790.. Las cinturas se volvieron algo altas en 1795, pero las faldas todavía eran bastante amplias y las influencias neoclásicas aún no eran dominantes.

Fue durante la segunda mitad de la década de 1790 que las mujeres de moda en Francia comenzaron a adoptar un estilo clásico completo, basado en una versión idealizada de la vestimenta griega y romana antigua (o lo que se pensaba en ese momento que era la vestimenta griega y romana antigua). con estrechas faldas ceñidas. Algunas de las versiones parisinas extremas del estilo neoclásico (como los tirantes estrechos que dejaban al descubierto los hombros y los vestidos diáfanos sin tirantes suficientes, enaguas o camisas debajo) no se adoptaron ampliamente en otros lugares, pero muchas características del estilo neoclásico de finales de la década de 1790 fueron ampliamente influyentes, sobreviviendo en formas sucesivamente modificadas en las modas europeas durante las próximas dos décadas.

Con este estilo clásico vino la voluntad de exponer el pecho. Con la nueva iconografía de la Revolución, así como un cambio en el énfasis en la lactancia materna, el vestido camisero se convirtió en un signo de la nueva sociedad igualitaria. El estilo era simple y apropiado para la comodidad de una mujer embarazada o lactante ya que se enfatizaron los senos y se realzó su disponibilidad. La maternidad se puso de moda y no era raro que las mujeres anduvieran con los senos al aire. Algunas mujeres llevaron la "maternidad de moda" un paso más allá y usaron un "toallita de seis meses" debajo de su vestido para parecer embarazadas.

El blanco se consideraba el color más adecuado para la ropa neoclásica (los accesorios a menudo eran de colores contrastantes). Las colas cortas que se arrastraban detrás eran comunes en los vestidos de finales de la década de 1790.

Galería del directorio

• 1-1795
• 2-1795
• 3-1796
• 4 – do.  1798
• 5-1798
• 6-1799
• 7-1798
• 8-1799
• 9-1799

1. Este retrato de las hermanas Frankland de John Hoppner da una idea de los estilos de 1795.
2. "Rut suplicando a Noemí y Orfa que regresen a la tierra de Moab" de William Blake. Blake no es un neoclásico típico, pero esto muestra una idealización algo similar de la antigüedad (además de predecir la alta moda futura de finales de la década de 1790). La imagen en particular fue compuesta en 1795 y actualmente se encuentra en el Museo Fitzwilliam.
3. Placa de moda de Leipzig que muestra a una mujer y una niña con estilos de cintura alta elegantemente simples, que sin embargo no son muy neoclásicos.
4. Retrato de Gabrielle Josephine du Pont.
5. Imagen de 1798, que muestra a una dama que no parece demasiado abrigada para un viaje en globo con su vestido Directoire de corte bajo y aspecto delgado.
6. Placa de moda de vestido Directorio blanco usado con chal rojo contrastante con un borde de llave griega.
7. Un boceto de 1798 de un traje de día con chaqueta corta "spencer" (menos neoclásico, aunque aún siguiendo la silueta del imperio).
8. Gertrud Hage lleva un vestido blanco transparente sobre una enagua blanca.
9. Hábitos de montar de 1799. El hábito de la derecha presenta una chaqueta corta con colas. El hábito verde de la izquierda puede ser un redingote en lugar de una chaqueta y una enagua.

Caricaturas

• 1-1796
• 2-1796
• 3-1796
• 4-1799
• 5-1798
• 6 – 1799.jpg

1. "DEMASIADO y DEMASIADO POCO, o ropa de verano de 1556 y 1796", una caricatura del 8 de febrero de 1796 grabada por Isaac Cruikshank (padre de George) según un dibujo de George M. Woodward. (En 1796, los estilos fuertemente influenciados por el neoclásico todavía eran muy nuevos en Inglaterra). Observe la única pluma vertical que brota del cabello de la mujer de 1796.
2. "Tippies of 1796", una parodia muy estilizada que caricaturiza los tocados de plumas de las mujeres y los pantalones ajustados de los dandies, entre otras cosas.
3. "La galería de la moda" satiriza las primeras modas de influencia neoclásica.
4. "Damas parisinas con su vestido completo de invierno", una caricatura exagerada de Isaac Cruikshank de estilos supuestamente excesivamente diáfanos usados ​​​​a fines de la década de 1790 en París.
5. "Una invasión francesa en el vestido de moda de 1798", caricatura británica, que también muestra pantalones ajustados, pelucas y escote cuadrado.
6. "Monstruosidades de 1799".

Imperio (1800-1815)

Durante las dos primeras décadas del siglo XIX, la moda continuó siguiendo la silueta imperio básica de talle alto, pero en otros aspectos, las influencias neoclásicas se diluyeron progresivamente. Los vestidos seguían siendo estrechos en la parte delantera, pero la amplitud en la cintura trasera levantada dejaba espacio para caminar. Se pusieron de moda otros colores distintos del blanco, se desvaneció la moda de los tejidos exteriores diáfanos (excepto en determinados contextos formales) y se retomaron algunos elementos de ornamentación evidentemente visible en el diseño del vestido (frente a la elegante sencillez o el sutil blanco). -bordado sobre blanco del vestido de hacia 1800).

Galería imperio

• 1-1804
• 2 - 1804
• 3-1804
• 4 – do.  1805
• 5 – do.  1806
• 6-1809
• 7-1809
• 8-1810
• 9-1810
• 10-1810
• 11 - 1810
• 12-1813

1. Dolley Madison lleva un vestido rosa claro de manga corta con cintura alta. Ella también usa un collar de cadena delgada, un chal de color dorado y su cabello recogido en un moño con ondas sueltas; la sencillez, pero elegancia, de su atuendo, es típica de la época.
2. 1804 Pintura francesa de Marguerite Gérard que muestra dos vestidos diferentes, uno más elaborado que el otro. Nótese el escote bajo entonces de moda.
3. Moda de París de 1804. Nótese el escote aún más generoso.
4. Moda conservadora: gorro de la mafia de c. 1805 está plisado en la parte delantera y tiene un borde con volantes estrecho que se ensancha para cubrir las orejas. America.
5. Chaqué: Chaqué de algodón c. 1806.
6. La Sra. Harrison Gray Otis usa un vestido con una capa superior transparente sobre un forro parcial y un chal estampado. Lleva un brazalete de oro en el brazo izquierdo. Su cabello está peinado en ondas sueltas en las sienes y sobre las orejas. Massachusetts, 1809.
7. Vestido de noche de 1809 usado con guantes hasta el codo.
8. Vestido de noche de 1810, mostrado con guantes hasta el codo.
9. Boceto de 1810 de una mujer con gorro "Schute" y vestido de rayas azules con volantes.
10. Retrato de mujer de Henri Mulard, ca. 1810.
11. Placa de moda de un vestido de la corte inglesa con alforjas, 1810.
12. Marguerite-Charlotte David lleva un sencillo vestido de noche de raso blanco y el omnipresente chal. Su tocado está adornado con plumas de avestruz.

Caricaturas

• 1-1807
• 2-1810
• 3-1813

1. "Las modas del día, o tiempo pasado y presente", una caricatura que pretende mostrar el carácter provocador y revelador de las modas de 1807 en comparación con las del siglo XVIII (exagerando deliberadamente el contraste).
2. "Tres gracias en un fuerte viento", caricatura de 1810 de Gillray. Una sátira de vestidos ceñidos usados ​​con pocas capas de enaguas debajo.
3. "Longitud y latitud de Almack", caricatura de 1813 de George Cruikshank.

Galería Regencia (1815-1820)

Esta era marcó la pérdida de cualquier estilo pseudo-griego neoclásico persistente en la vestimenta de las mujeres. Este declive fue especialmente evidente en Francia debido a la supresión del comercio de las telas utilizadas en la vestimenta neoclásica por parte del emperador Napoleón.Si bien las cinturas aún eran altas, comenzaban a caer ligeramente. La decoración más grande y abundante, especialmente cerca del dobladillo y el escote, presagiaba una mayor extravagancia en los próximos años. Se usaban más enaguas y se hizo popular una falda más rígida y con forma de cono. La rigidez se puede complementar con capas de volantes y pliegues en un dobladillo, así como con enaguas con cordones o con volantes. Las mangas comenzaron a ser jaladas, atadas y pellizcadas en formas que estaban más influenciadas por estilos románticos y góticos que neoclásicos. Los sombreros y los peinados se volvieron más elaborados y recortados, subiendo más alto para equilibrar las faldas amplias.

• 1-1815
• 2-1815
• 3-1816
• 4-1816
• 5-1817
• 6-1817
• 7-1818
• 8-1818
• 9-1818
• 10-1819
• 11-1819

1. 1815 traje de caminar
2. 1816 vestidos de dia
3. La condesa Vilain y su hija llevan el pelo con raya en la parte delantera central con tirabuzones apretados sobre cada oreja; el cabello hacia atrás se peina hacia atrás en un moño. 1816.
4. La condesa Thekla Ludolf lleva un vestido rojo sobre una camisa blanca. 1816.
5. Ilustración de baile de 1817, que muestra el comienzo de la tendencia hacia una silueta cónica.
6. El traje de paseo de 1817 está muy recortado y con borlas.
7. vestido de noche de 1818
8. Mary Lodge viste la nueva moda de colores intensos. Su vestido de noche carmesí con volantes en el cuello y las mangas se usa con un chal de marfil con un borde ancho con estampado de cachemira, 1818.
9. vestido de noche de 1818
10. Vestido de noche de 1819, con adornos cerca del dobladillo.
11. "Vestido de mañana" (para permanecer dentro de la casa durante las mañanas y las primeras horas de la tarde), 1819.

Caricatura

• 1-1818
• 2 – Moda francesa 1818

1. "Monstrosities of 1818", una sátira de George Cruikshank sobre la tendencia femenina hacia la silueta cónica, las corbatas altas masculinas y el dandismo.
2. "Un vistazo a las monstruosidades francesas", una sátira de la moda francesa de George Cruikshank.

Moda rusa

• Rusia, 1796
• Rusia, 1797
• Rusia, 1797
• Rusia, 1798
• Rusia, 1799
• Rusia, 1799
• Rusia, 1806
• Rusia, 1809
• Rusia, 1810
• Rusia, 1819

Moda española

• España, 1800
• España, 1802
• España, 1804
• España, 1805
• España, 1805
• España, 1805
• España, 1806
• España, 1810
• España, 1816

Moda de hombres

Visión general

Este período vio el abandono final de encajes, bordados y otros adornos de la ropa de los hombres serios fuera de la vestimenta formal de la corte; no reaparecería excepto como una afectación de la vestimenta estética en la década de 1880 y su sucesor, el aspecto "joven eduardiano" de la 1960 En cambio, el corte y la confección se volvieron mucho más importantes como indicadores de calidad.Esta transformación se puede atribuir en parte a un mayor interés por la antigüedad derivado del descubrimiento de grabados clásicos, incluidos los Mármoles de Elgin. Las figuras representadas en el arte clásico se consideraban un ejemplo de la forma natural ideal y una encarnación de las ideas neoclásicas. El estilo en Londres para hombres se volvió cada vez más refinado y esto se debió a la influencia de dos cosas: el dandy y el movimiento romántico. Podría decirse que el dandy (un hombre que daba gran importancia a la estética y los pasatiempos personales, pero que quería parecer totalmente indiferente al respecto) surgió ya en la década de 1790. Los colores oscuros eran casi obligatorios. (Sin embargo, oscuro no significa necesariamente lúgubre; muchos artículos, en particular chalecos y abrigos, se cortaron con telas ricas y vívidas). Por todas partes había fracs azules con botones dorados. Las camisas de muselina blanca (a veces con volantes en el cuello o las mangas) eran muy populares. Los calzones estaban oficialmente a punto de desaparecer, y los pantalones / pantalones ocuparon su lugar. Las telas en general se estaban volviendo más prácticas, la seda y más lana, algodón y piel de ante.Por ello, en el siglo XVIII se simplificó el vestido y se puso mayor énfasis en la sastrería para realzar la forma natural del cuerpo.

Este fue también el período del auge de la cera para el cabello para peinar el cabello de los hombres, así como las chuletas de cordero como estilo de vello facial.

Los pantalones se hicieron más largos (pantalones de montar de cuero ajustados que llegaban casi hasta la parte superior de las botas) y fueron reemplazados por pantalones o pantalones para ropa de calle de moda. La Revolución Francesa es en gran parte responsable de alterar la vestimenta masculina estándar. Durante la revolución, la ropa simbolizaba la división entre las clases altas y los revolucionarios de la clase trabajadora. Los rebeldes franceses se ganaron el apodo de sans-culottes, o "la gente sin calzones", debido a los pantalones sueltos que popularizaron.

Los abrigos se cortaron al frente con faldas largas o colas detrás y tenían cuellos altos. Las solapas no eran tan grandes como en años anteriores y, a menudo, presentaban una muesca en forma de M exclusiva de la época.

Las camisas estaban hechas de lino, tenían cuellos adjuntos y se usaban con acciones o envueltas en una corbata atada de varias maneras. Los volantes plisados ​​en los puños y la abertura delantera pasaron de moda al final del período.

Los chalecos eran de cintura alta y cuadrados en la parte inferior, pero venían en una amplia variedad de estilos. A menudo tenían doble botonadura, solapas anchas y cuello alto. Alrededor de 1805, las grandes solapas que se superponían a las de la chaqueta comenzaron a pasar de moda, al igual que la tradición del siglo XVIII de llevar la chaqueta desabrochada, y los chalecos se hicieron menos visibles. Poco antes de esta época, los chalecos solían tener rayas verticales, pero en 1810 los chalecos blancos lisos estaban cada vez más de moda, al igual que los chalecos de rayas horizontales. Los chalecos de cuello alto estuvieron de moda hasta 1815, luego los cuellos se bajaron gradualmente a medida que se empezó a usar el cuello chal hacia el final de este período.

Los abrigos o capotes estaban de moda, a menudo con cuellos de piel o terciopelo contrastantes. El garrick, a veces llamado abrigo de cochero, era un estilo particularmente popular y tenía entre tres y cinco cápsulas cortas unidas al cuello.

Las botas, típicamente botas de arpillera con puntas en forma de corazón y borlas, eran un pilar en el calzado masculino. Después de que el duque de Wellington derrotara a Napoleón en Waterloo en 1815, las botas Wellington, como se las conocía, se pusieron de moda; las blusas llegaban a la altura de las rodillas en el frente y se cortaban más abajo en la espalda. La bota jockey, con un puño doblado hacia abajo de cuero de color más claro, había sido popular anteriormente, pero se seguía usando para montar. Los zapatos de salón con tacones elevados se hicieron populares con la introducción de los pantalones.

El ascenso del dandy

El dandy obsesionado con la ropa apareció por primera vez en la década de 1790, tanto en Londres como en París. En la jerga de la época, un dandy se diferenciaba de un petimetre en que la vestimenta del dandy era más refinada y sobria. El dandy se enorgullecía de la "excelencia natural" y la sastrería permitía exagerar la figura natural debajo de la ropa exterior de moda.

En High Society: A Social History of the Regency Period, 1788–1830, Venetia Murray escribe:

Otros admiradores del dandismo han considerado que se trata de un fenómeno sociológico, resultado de una sociedad en transición o revuelta. Barbey d'Aurevilly, una de las principales dandis francesas de finales del siglo XIX, explicaba:"Algunos han imaginado que el dandismo es ante todo una especialización en el arte de vestirse con atrevimiento y elegancia. Es eso, pero también mucho más. Es un estado de ánimo compuesto de muchos matices, un estado de ánimo producido en la antigüedad". y sociedades civilizadas donde la alegría se ha vuelto poco frecuente o donde las convenciones gobiernan al precio del aburrimiento de sus súbditos... es el resultado directo de la guerra interminable entre la respetabilidad y el aburrimiento".

En Regency London, el dandismo era una rebelión contra un tipo diferente de tradición, una expresión de disgusto por la extravagancia y la ostentación de la generación anterior, y de simpatía por el nuevo estado de ánimo de la democracia.

Beau Brummell marcó la moda del dandismo en la sociedad británica a partir de mediados de la década de 1790, que se caracterizaba por un aseo personal inmaculado, camisas de lino inmaculadas con cuellos altos, corbatas perfectamente anudadas y abrigos oscuros lisos exquisitamente confeccionados (que contrastaban en muchos aspectos con los "macarrones"). " de principios del siglo XVIII).

Brummell abandonó su peluca y se cortó el pelo al estilo romano llamado à la Brutus, haciéndose eco de la moda de todo lo clásico visto en la ropa femenina de este período. También lideró el paso de los calzones a pantalones ajustados o pantalones ajustados, a menudo de colores claros para el día y oscuros para la noche, basados ​​en la ropa de clase trabajadora adoptada por todas las clases en Francia a raíz de la Revolución. De hecho, la reputación de Brummel por su gusto y refinamiento era tal que, cincuenta años después de su muerte, Max Beerbohm escribió:

En ciertas congruencias de la tela oscura, en la rígida perfección de su lino, en la simetría de su guante con su mano, yacía el secreto de los milagros del señor Brummell.

Sin embargo, no todos los hombres que aspiraban a alcanzar el sentido de la elegancia y el estilo de Brummel lo lograron, y estos dandis fueron objeto de caricaturas y burlas. Venetia Murray cita un extracto de Diary of an Exquisite, de The Hermit in London, 1819:

Tardó cuatro horas en vestirse; y luego llovió; pedí el tilbury y mi paraguas, y conduje hasta el patio de cinco; junto a mis sastres; posponerlo después de dos años; no es un mal tipo que Weston... rompió tres cordones y una hebilla, rasgó la cuarta parte de un par de zapatos, tan delgados por O'Shaughnessy, en St. James's Street, que eran livianos como papel marrón; qué lástima que estuvieran forrados con raso rosa, y eran muy buenos; ponte un par de Hoby's; me excedí al perfumar mi pañuelo y tuve que recomenzar de novo; no pude complacerme en atarme la corbata; perdió tres cuartos de hora por eso, rasgó dos pares de guantes de cabritilla al ponérselos apresuradamente; se vio obligado a ir suavemente a trabajar con el tercero; perdí otro cuarto de hora por esto; se alejó furiosamente en mi carro, pero tuve que regresar por mi espléndida caja de rapé, porque sabía que con ella eclipsaría el círculo.

Transformación de la moda masculina a lo largo de la vida

• Marqués de Lafayette (1757–1834) con una peluca empolvada atada en una cola que era una pieza común en la vestimenta de los hombres de c. 1795.
• Marqués de Lafayette representado en los últimos años de su vida, vestido según la moda de la década de 1820.

Peinados y tocados

Durante este período, los hombres de moda más jóvenes comenzaron a usar el cabello en rizos cortos, a menudo con patillas largas. En 1795, el impuesto al polvo para el cabello de Pitt acabó con la moda de las pelucas y el polvo, y se pusieron de moda nuevos estilos como el Brutus ("à la Titus") y el Bedford Crop. Muchos hombres notables durante este período, especialmente los más jóvenes, siguieron esta nueva tendencia de la moda, por ejemplo, Napoleón Bonaparte, que inicialmente llevaba el pelo largo atado en una cola, cambió su peinado y se lo cortó mientras estaba en Egipto en 1798. Hombres mayores, oficiales militares, y aquellos en profesiones conservadoras como abogados, jueces, médicos y sirvientes conservaron sus pelucas y polvos. La vestimenta formal de la corte también requería peluca o cabello largo empolvado atado en una cola.

Todavía se usaban sombreros tricornios y bicornios, pero el sombrero más de moda era alto y ligeramente cónico; sin embargo, pronto sería desplazado por el sombrero de copa y reinaría como el único sombrero para ocasiones formales durante el próximo siglo.

Galería de estilo 1795-1809

• 1 - do.  1800
• 2-1805
• 3-1805
• 4-1807
• 5 - 1808-09
• 6-1808
• 7-1809
• 8-1809
• 9 - 1800-1810
• 10 - 1808-09

1. Retrato del boxeador "Jem" Belcher con una corbata estampada y un abrigo marrón cruzado con un cuello oscuro (¿de piel o terciopelo?), c. 1800.
2. Acuarela de Beau Brummell de Richard Dighton.
3. En este autorretrato de 1805, Washington Allston viste una corbata color canela con su cuello alto blanco y su abrigo oscuro. Bostón.
4. Rubens Peale viste un chaleco blanco con un cuello alto con muescas en posición vertical sobre el cuello alto de la camisa y una corbata ancha. América, 1807.
5. Friedrich von Schiller viste un abrigo cruzado marrón con cuello en contraste y botones de latón. El volante plisado de la pechera de su camisa puede verse junto al nudo de su corbata blanca, Alemania, 1808-1809.
6. Chateaubriand tiene el cabello despeinado a la moda. Viste un largo redingote sobre su abrigo, chaleco color canela, camisa blanca y corbata oscura, 1808.
7. El cuello del conde Víctor Kochubey le llega hasta la barbilla, y su corbata se envuelve alrededor de su cuello y se ata con un pequeño lazo. Su cabello corto está vestido casualmente y cae sobre su frente, 1809.
8. El retrato de Gwyllym Lloyd Wardle lo representa con un abrigo oscuro sobre un chaleco marrón y cuello alto y corbata, 1809.
9. El bordado elaborado siguió siendo una característica de los trajes formales de la corte como este, que combina un abrigo de lana roja con un chaleco de tela plateada, ambos bordados con hilo plateado. Italia, c. 1800–1810. Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, M.80.60ab.
10. El retrato del aventurero danés Jørgen Jørgensen muestra cómo la sociedad escandinava ha visto la moda masculina en la Era de la Revolución.

Galería de estilo 1810-1820

• 1-1810
• 2-1810
• 3 - 1812-13
• 4-1813
• 5-1815
• 6-1816
• 7-1817
• 8-1819

1. Les Modernes Incroyables, una sátira de la moda francesa de 1810; calzones o pantalones largos y ajustados, abrigos cortos con colas y corbatas masivas.
2. Marcotte d'Argenteuil viste una camisa de cuello alto con una corbata oscura, un chaleco beige, un abrigo marrón cruzado con botones forrados y un abrigo gris oscuro con cuello contrastante (quizás piel de foca). 1810. Su sombrero bicornio yace sobre la mesa.
3. Daniel la Motte, un comerciante y terrateniente de Baltimore, Maryland, adopta una pose romántica que muestra detalles de su chaleco blanco, camisa con volantes y calzones con frente caído y botones cubiertos en la rodilla, 1812-13.
4. El médico alemán Johann Abraham Albers viste un chaleco a rayas debajo de un abrigo cruzado negro, 1813.
5. El artista estadounidense Samuel Lovett Waldo viste una camisa con volantes y una corbata blanca anudada.
6. Lord Grantham viste un abrigo cruzado que muestra un poco del chaleco debajo de la cintura, pantalones ceñidos metidos dentro de las botas y cuello alto y corbata, 1816.
7. Nicolas-Pierre Tiolier viste un frac azul intenso y pantalones marrones con parte delantera caída sobre un chaleco, una camisa y una corbata blancos. Su sombrero alto descansa sobre un pedestal antiguo, 1817.
8. El artista desconocido viste un frac cruzado con puños vueltos hacia atrás y un cuello alto a juego de terciopelo (o posiblemente piel). Tenga en cuenta que, si bien el obvio torso de avispa del hombre no se enfatiza demasiado de manera caricaturesca, como solía ser el caso en las ilustraciones de moda masculina de la época, hay un pellizco definido y deliberado en la cintura. Es muy probable que la modelo de este retrato llevara algún tipo de corsé ajustado o ropa interior similar. Las mangas de la chaqueta están abullonadas en el hombro. Viste chaleco, camisa y corbata blancos y pantalón claro, 1819.

Moda infantil

Tanto los niños como las niñas usaban vestidos hasta que tenían unos cuatro o cinco años, cuando los niños estaban "en calzones" o se ponían pantalones.

• Los hijos de Mozart, 1798
• Estados Unidos, 1798
• Niña, París, c. 1803
• Vestidos y gorros para niñas, 1804
• Traje de esqueleto, c. 1806
• Traje de esqueleto, 1808
• Inglaterra, 1812
• Estados Unidos, 1812
• Inglaterra, 1815
• Inglaterra, 1815

Renacimiento de la moda Directorio / Imperio / Regencia

Durante la primera mitad de la era victoriana, hubo una visión más o menos negativa de los estilos de las mujeres del período 1795-1820. Algunas personas se habrían sentido un poco incómodas al recordar que sus madres o abuelas alguna vez se pasearon con esos estilos (lo que podría considerarse indecente de acuerdo con las normas victorianas), y a muchos les habría resultado algo difícil sentir empatía (o tomarse en serio).) las luchas de una heroína del arte o la literatura si se les recordara constantemente que ella estaba usando esa ropa. Por tales razones, algunas pinturas de la historia victoriana de las guerras napoleónicas evitaron intencionalmente representar estilos femeninos precisos (ver ejemplo a continuación), las ilustraciones de Thackeray para su libro Vanity Fairrepresentaba a las mujeres de la década de 1810 vistiendo la moda de la década de 1840, y en la novela Shirley de Charlotte Brontë de 1849 (ambientada en 1811-1812) las modas neogriegas se trasladan anacrónicamente a una generación anterior.

Más adelante en el período victoriano, la Regencia pareció retirarse a una distancia histórica remota e inofensiva, y Kate Greenaway y el movimiento Artistic Dress revivieron selectivamente elementos de la moda de principios del siglo XIX. Durante los períodos victoriano tardío y eduardiano, muchas pinturas de género, tarjetas de San Valentín sentimentales, etc. contenían representaciones sueltas de estilos de 1795 a 1820 (entonces considerados reliquias pintorescas de una era pasada). A fines de la década de 1960 y principios de la de 1970, hubo un renacimiento limitado de la moda de la silueta Empire.

En los últimos años, las modas de 1795 a 1820 se asocian más fuertemente con los escritos de Jane Austen, debido a las diversas adaptaciones cinematográficas de sus novelas. También existen algunos mitos urbanos de la moda Regencia, como que las mujeres humedecían sus vestidos para que parecieran aún más diáfanos (algo que ciertamente no practicaban la gran mayoría de las mujeres de la época).

• 1 – 1857 caricatura
• 2 – 1868 negación
• 3 – nostalgia de 1882
• 4 – Kate Greenaway

1. Una caricatura de 1857 que se burla del disgusto contemporáneo por la ropa de principios del siglo XIX.
2. "Antes de Waterloo" de Henry Nelson O'Neil (1868), una pintura de mediados de la época victoriana que deliberadamente no muestra los estilos femeninos precisos de 1815.
3. "Two Strings to her Bow" de John Pettie (1882), una pintura de género victoriana posterior que utiliza el período Regency como valor de nostalgia.
4. Primero de Mayo de Kate Greenaway.