Yvonne Rainer

Yvonne Rainer (nacida el 24 de noviembre de 1934) es una bailarina, coreógrafa y cineasta estadounidense, cuyo trabajo en estas disciplinas se considera desafiante y experimental. Su trabajo a veces se clasifica como arte minimalista. Rainer vive y trabaja actualmente en Nueva York.

Vida temprana

Yvonne Rainer nació el 24 de noviembre de 1934 en San Francisco, California. Sus padres, Joseph y Jeanette, se consideraban radicales. Su madre, taquígrafa, nació en Brooklyn de inmigrantes judíos de Varsovia, y su padre, cantero y pintor de casas, nació en Vallanzengo, al norte de Italia, y emigró a los Estados Unidos a la edad de 21 años.

Rainer creció, junto con un hermano mayor, en el Distrito Sunset de San Francisco, que ha descrito como "un barrio de familias de clase obrera protestante blanca". A partir de los doce años, fue "expuesta a la concurrencia de poetas, pintores, escritores y anarquistas italianos".

Durante su infancia, su padre la llevaba a ver películas extranjeras en el Palacio de la Legión de Honor, mientras que su madre la llevaba al ballet y a la ópera. Asistió a Lowell High School y, después de graduarse, se matriculó en San Francisco Junior College y abandonó después de un año.

Al final de su adolescencia, mientras se ganaba la vida como mecanógrafa en una compañía de seguros, Rainer se encontró frecuentando el Cellar, un club de jazz en North Beach en San Francisco, donde escuchaba poetas acompañadas de músicos en vivo. músicos de jazz geniales. Fue aquí donde conoció a Al Held, un pintor. Le presentó a varios artistas nativos de Nueva York. En agosto de 1956, a la edad de 21 años, siguió a Held a Nueva York y vivió con él durante los siguientes tres años.

Doris Casella, música y amiga íntima, introdujo a Rainer alrededor de 1957 en las clases de danza de Edith Stephen, una bailarina moderna. En su primera clase, Stephen le dijo que no estaba muy "estudiada". Rainer admite: "Lo que ella no dijo fue algo que gradualmente reconocería en los años siguientes: que mi falta de ejercicio y agilidad, junto con una espalda larga y piernas cortas, reducirían mis posibilidades". de actuar con cualquier compañía de danza establecida." A partir de 1959, estudió durante un año en la Escuela Martha Graham, donde Graham le dijo notoriamente: "Cuando te aceptes como mujer, obtendrás resultados"; Posteriormente tomó clases de ballet con Mia Slavenska seguidas de clases con James Waring, en cuya compañía bailó brevemente, y durante ocho años estudió con Merce Cunningham.

En el año en que Rainer estudió en la Escuela Graham – 1959-60 – Rainer conoció a Simone Forti y Nancy Meehan, quienes habían trabajado con Anna Halprin y Welland Lathrop en San Francisco.

A mediados de 1960, los tres alquilaron un estudio en Nueva York y trabajaron en improvisaciones de movimientos. En agosto de 1960, viajó con Forti al condado de Marin, California, para asistir al taller de verano de Halprin, que fue muy importante, además de la influencia de Forti, para los primeros trabajos de danza solista de Rainer. A finales de 1960, tanto Forti como Rainer asistieron al taller de coreografía que el músico y compositor Robert Dunn comenzó a dirigir en el estudio de Cunningham basándose en las teorías de John Cage. Aquí Rainer creó e interpretó sus primeros bailes.

Danza y trabajo coreográfico

En 1962, Rainer, Steve Paxton y Ruth Emerson se acercaron al reverendo Al Carmines en la Judson Memorial Church para preguntarle si podían comenzar a actuar allí. La Iglesia ya era conocida por las obras de los Poetas Judson. Theatre y Judson Art Gallery, que había estado mostrando el trabajo de Claes Oldenburg, Allan Kaprow, Robert Whitman, Jim Dine y Tom Wesselmann. Ahora se convirtió en un punto focal para la actividad de danza de vanguardia y los conciertos de danza.

Rainer se caracteriza por un enfoque de la danza que trata "el cuerpo más como la fuente de una variedad infinita de movimientos". que como proveedor de trama o drama. Muchos de los elementos que empleó, como la repetición, las tareas y la indeterminación, se convirtieron más tarde en características estándar de la danza contemporánea. En 1965, mientras escribía sobre un baile reciente, Partes de algunos sextetos, para Tulane Drama Review, terminó el ensayo con lo que se convirtió en su famoso No Manifesto, que ella y #34;reconsiderado" en 2008. En 1969, su trabajo fue publicado en la revista 0 a 9, una publicación de vanguardia que experimentó con el lenguaje y la creación de significado.

La repetición y el sonido se emplearon en su primera pieza coreografiada, Three Satie Spoons (1961), un solo en tres partes interpretado por Rainer con el acompañamiento de Trois de Eric Satie. Gimnopedias. La última sección contenía un repetido "bip bip bip en un chirrido de falsete" y la línea hablada: "La hierba es más verde cuando el sol es más amarillo." Con el tiempo, su trabajo cambió para incluir palabras habladas más narrativas y coherentes. Ordinary Dance (1962) era una combinación de movimiento y narrativa, y presentaba la repetición de movimientos simples mientras Rainer recitaba un monólogo autobiográfico que contenía los nombres de las calles en las que había vivido mientras estaba en San Francisco. Una característica de las primeras coreografías de Rainer fue su fascinación por utilizar intérpretes sin formación. We Shall Run (1963) tenía doce artistas, tanto bailarines como no bailarines, que, vestidos con ropa de calle, corrían por el escenario en varios patrones de suelo durante doce minutos hasta el "Tuba Mirum". 34; del Réquiem de Berlioz. Su primera coreografía nocturna, para seis bailarines, llamada Terrain, se presentó en la Iglesia Judson en 1963.

Una de las piezas más famosas de Rainer, Trio A (1966), fue inicialmente la primera sección de una obra de una tarde titulada La mente es un músculo. Su decisión en el Trio A de ejecutar movimientos con una distribución uniforme de energía reflejó un desafío a las actitudes tradicionales hacia el "fraseo" que se puede definir como la forma en que se distribuye la energía en la ejecución de un movimiento o serie de movimientos. La innovación del Trio A radica en su intento de borrar las diferencias de inversión energética tanto dentro de una frase determinada como en la transición de una a otra, dando como resultado una ausencia de la clásica apariencia de "ataque". #34; al principio de una frase y recuperación al final con energía detenida en algún punto intermedio, como en un grand jeté. Otra característica de este baile de cinco minutos es que el intérprete nunca hace contacto visual con los espectadores, y en el caso en que el movimiento requiere que el bailarín mire al público, los ojos están cerrados o la cabeza está involucrada en el movimiento. Aunque Rainer utilizó la repetición en trabajos anteriores como un recurso para hacer que el movimiento fuera más fácil de leer, decidió no repetir ningún movimiento en la pieza. Trio A a menudo se conoce como una actuación orientada a tareas debido a este estilo de distribución de energía, también por su énfasis en un enfoque neutral o sin carácter en la ejecución del movimiento y la falta de interacción con el público. . La primera vez que se interpretó la pieza se tituló La mente es un músculo, parte 1 y fue interpretada simultáneamente, pero no al unísono, por Rainer, Steve Paxton y David Gordon. El Trío A ha sido ampliamente enseñado e interpretado por otros bailarines.

Rainer ha coreografiado más de 40 obras de concierto.

Seleccionar coreografía

• Tres paisajes marinos (1961) un solo en tres partes, con cada sección explorando un tipo diferente de relación entre movimiento y sonido. En la primera sección, usando un abrigo negro, Rainer trots alrededor del perímetro del escenario hasta los últimos tres minutos del Piano Concerto de Rachmaninoff No. 2, a veces acostado en una posición desmontada en su lado. En el segundo segmento, se mueve lentamente a través del espacio, moviendo su cuerpo en espasmos ondulantes. En la primera actuación en el gimnasio de la Iglesia Judson, La Monte Young y cohortes realizaron su "Poema de tablas, sillas y bancos" raspando estos objetos sobre una planta de hormigón en el pasillo fuera del gimnasio. El final, que se consideraba radical, contó con Rainer gritando salvajemente y dando vueltas con un abrigo negro y veinte metros de tul blanco.
• Terrain (1962) fue el primer trabajo nocturno de Rainer. Tenía varias secciones, incluyendo dos "Talking Solos", con historias de Spencer Holst recitadas a una serie de movimientos no relacionados y simultáneos.
• Proyecto continuo diario alterado (1970) se realizó en el Museo Whitney, que finalmente se transformó en la improvisada Gran Unión, de la que Rainer fue miembro durante dos años.
• Guerra (1970), un baile antiguerra realizado por treinta personas en Douglass College protestando por la guerra de Vietnam.
• Street Action (1970), una acción en protesta por la invasión de Camboya por las fuerzas estadounidenses en 1970. Consistió en tres columnas de personas que llevaban brazaletes negros y se balanceaba de lado a lado con cabezas inclinadas mientras pasaban por las calles del Bajo Manhattan.
• Esta es la historia de una mujer que... (1973), un drama de danza usando textos narrativos proyectados, una aspiradora y objetos invertidos con significados fuertes como un colchón, una pistola y una maleta.

Obra cinematográfica

Rainer incluía a veces secuencias filmadas en sus bailes y en 1972 comenzó a dedicarse a la dirección de largometrajes. El tono feminista de sus películas, caracterizado por un interés en cómo los directores masculinos veían u objetivaban el cuerpo femenino, resonaba con la teoría cinematográfica feminista que surgía en ese momento en textos fundamentales como Visual Pleasure and Narrative Cinema de Laura Mulvey. . Sus primeras películas no siguen convenciones narrativas; en cambio, las películas de Rainer combinan autobiografía y ficción, sonido e intertítulos, para abordar cuestiones sociales y políticas. Rainer dirigió varias películas experimentales sobre danza y performance, incluidas Lives of Performers (1972), Film About a Woman Who (1974) y Kristina Talking Pictures (1976). Sus películas posteriores incluyen Viajes desde Berlín/1971 (1980), El hombre que envidiaba a las mujeres (1985), Privilege (1990) y ASESINATO y asesinato (1996). ASESINATO y asesinato, más convencional en su estructura narrativa, es una historia de amor lésbico que trata sobre la propia experiencia de Rainer con el cáncer de mama. En 2017, Lives of Performers se incluyó en la selección anual de 25 películas agregadas al Registro Nacional de Películas de la Biblioteca del Congreso y se consideraron "cultural, histórica o estéticamente significativas" y recomendado para su conservación.

Filmografía

• Película de mano (1966)
• Voleibol (1967)
• Trio Film (1968)
• Rhode Island Red (1968)
• Línea (1969)
• Cinco piezas fáciles (1966–69)
• Vidas de los intérpretes (1972)
• Película sobre una mujer que... (1974)
• Kristina Talking Pictures (1976)
• Viajes de Berlín/1971 (1980)
• El hombre que envidia a las mujeres (1985)
• Privilege (1990)
• Asesinato y asesinato (1996)
• Después de muchos un verano se desvanece el cisne: híbrido (2002)

Volver a bailar

En 2000, Rainer volvió a la danza y la coreografía para crear After Many a Summer Dies the Swan, para el White Oak Dance Project de Mikhail Baryshnikov. En 2006, Rainer coreografió una obra titulada AG Indexical, with a Little Help from H.M., que era una reinterpretación de Agon de George Balanchine. Rainer continuó coreografiando obras basadas en piezas clásicas, incluida RoS Indexical (2007), inspirada en La consagración de la primavera de Vaslav Nijinsky. Esta obra fue un encargo para la bienal Performa 07 organizada por la organización de artes escénicas Performa, que dirige a Rainer desde entonces.

Los trabajos posteriores incluyen Spiraling Down (2010), Vida asistida: buenos deportes 2 (2010) y Vida asistida: ¿Tienes dinero? (2013), dos piezas en las que Rainer explora el motivo teatral e histórico del tableau vivants entre lecturas políticas, filosóficas y económicas.

Una exposición en la Raven Row Gallery de Londres fue la primera en presentar presentaciones en vivo de sus bailes de los años 60 durante una exhibición de fotografías y partituras de toda su carrera, además de proyecciones de películas.

En 2015, coreografió y presentó El concepto de polvo, o ¿cómo te ves cuando no queda nada que mover? (2015), encargado por Performa y el Getty Research Institute. , una actuación que contiene trabajos coreografiados intercalados con una amplia gama de textos políticos, históricos y periodísticos leídos intermitentemente por los bailarines y la propia Rainer. Este trabajo se presentó en el Museo de Arte Moderno y luego realizó una gira por lugares europeos, incluidos La Fondazione Antonio Ratti en Como, Italia, Marseille Objectif Danse en Francia y el Louvre. Una última versión de este mismo baile, llamada The Concept of Dust: Continuous Project-Altered Annually se realizó en 2016 en The Kitchen de Nueva York y en Marsella, Oporto y Barcelona en 2017.

Feminismo

La lectura de escritos y teorías feministas le permitió a Rainer examinar su propia experiencia como mujer y pudo considerarse una participante de la cultura y la sociedad. Rainer no se dio cuenta de que su coreografía anterior era un desafío directo al estilo "tradicional" danza y en última instancia de naturaleza feminista. Durante la década de 1980, Rainer se mantuvo célibe y estaba decidida a "no volver a embarcarse en más aventuras heterosexuales desafortunadas...".

Comenzó a asistir a los desfiles del Orgullo Gay y se consideraba una "lesbiana política". Rainer participó en una manifestación en Nueva York y Washington D.C. para protestar por las impugnaciones de Roe v. Wade durante este mismo período. A la edad de 56 años, superó sus miedos a identificarse como lesbiana al intimar con Martha Gever. Todavía están juntos hoy.

La famosa declaración de la feminista Audre Lorde planteó: "No se puede desmantelar la casa del amo usando las herramientas del amo". Rainer refutó su teoría afirmando: "Se puede, si se exponen las herramientas".

Rainer fue entrevistado para la película feminista !Women Art Revolution.

Se hace referencia a Rainer en varios lugares como ejemplo de artista, feminista y lesbiana en la segunda edición de Feminism Art Theory editada por Hilary Robinson.

Reconocimiento

En 1990, Rainer recibió el premio MacArthur Fellows Program (o "Genius Grant") por sus contribuciones a la danza. En 2015 recibió el Premio Merce Cunningham de la Fundación de Arte Contemporáneo; en 2017 recibió una beca de EE. UU. También recibió dos becas Guggenheim (1969,1988).