Walt disney
Walter Elias Disney (5 de diciembre de 1901 - 15 de diciembre de 1966) fue un animador, productor de cine y empresario estadounidense. Pionero de la industria de la animación estadounidense, introdujo varios desarrollos en la producción de dibujos animados. Como productor de cine, tiene el récord de más premios de la Academia ganados y nominaciones por un individuo, habiendo ganado 22 premios Oscar de 59 nominaciones. Recibió dos premios Golden Globe Special Achievement Awards y un premio Emmy, entre otros honores. Varias de sus películas están incluidas en el Registro Nacional de Películas de la Biblioteca del Congreso y también han sido nombradas como algunas de las mejores películas de la historia por el American Film Institute. Disney fue la primera persona en ser nominada a los Premios de la Academia en seis categorías diferentes.
Nacido en Chicago en 1901, Disney desarrolló un interés temprano por el dibujo. Tomó clases de arte cuando era niño y consiguió un trabajo como ilustrador comercial a la edad de 18 años. Se mudó a California a principios de la década de 1920 y estableció Disney Brothers Studio con su hermano Roy. Con Ub Iwerks, desarrolló el personaje de Mickey Mouse en 1928, su primer éxito de gran popularidad; también proporcionó la voz para su creación en los primeros años. A medida que el estudio creció, se volvió más aventurero, introduciendo sonido sincronizado, Technicolor de tres tiras a todo color, dibujos animados de largometraje y desarrollos técnicos en cámaras. Los resultados, vistos en películas como Blancanieves y los siete enanitos (1937), Pinocho, Fantasía (ambas de 1940), Dumbo (1941) y Bambi (1942) impulsaron el desarrollo del cine de animación. Después de la Segunda Guerra Mundial, siguieron nuevas películas animadas y de acción real, incluidas Cinderella (1950), Sleeping Beauty (1959) y Mary Poppins, que tuvieron un gran éxito de crítica. > (1964), la última de las cuales recibió cinco Premios de la Academia.
En la década de 1950, Disney se expandió a la industria de los parques de diversiones y, en julio de 1955, abrió Disneyland en Anaheim, California. Para financiar el proyecto, se diversificó en programas de televisión, como Walt Disney's Disneyland y The Mickey Mouse Club. También participó en la planificación de la Feria de Moscú de 1959, los Juegos Olímpicos de Invierno de 1960 y la Feria Mundial de Nueva York de 1964. En 1965, comenzó el desarrollo de otro parque temático, Disney World, cuyo corazón iba a ser un nuevo tipo de ciudad, la "Comunidad Experimental Prototipo del Mañana" (EPCOT). Disney fumó mucho durante toda su vida y murió de cáncer de pulmón en diciembre de 1966 antes de que se completara el parque o el proyecto EPCOT.
Disney era un hombre tímido, autocrítico e inseguro en privado, pero adoptó una personalidad pública cálida y extrovertida. Tenía altos estándares y altas expectativas de aquellos con quienes trabajaba. Aunque ha habido acusaciones de que era racista o antisemita, muchos de los que lo conocieron las han contradicho. La historiografía de Disney ha tomado una variedad de perspectivas, que van desde puntos de vista de él como proveedor de valores patrióticos hogareños hasta ser un representante del imperialismo estadounidense. Sigue siendo una figura importante en la historia de la animación y en la historia cultural de los Estados Unidos, donde es considerado un ícono cultural nacional. Su trabajo cinematográfico continúa mostrándose y adaptándose, y los parques temáticos de Disney han crecido en tamaño y número para atraer visitantes en varios países.
Primeros años
Disney nació el 5 de diciembre de 1901 en 1249 Tripp Avenue, en el barrio Hermosa de Chicago. Fue el cuarto hijo de Elias Disney—nacido en la provincia de Canadá, de padres irlandeses—y Flora (née Call), estadounidense de ascendencia alemana e inglesa. Aparte de Walt, los hijos de Elias y Flora eran Herbert, Raymond y Roy; y la pareja tuvo un quinto hijo, Ruth, en diciembre de 1903. En 1906, cuando Disney tenía cuatro años, la familia se mudó a una granja en Marceline, Missouri, donde su tío Robert acababa de comprar un terreno. En Marceline, Disney desarrolló su interés por el dibujo cuando le pagaron para dibujar el caballo de un médico jubilado del barrio. Elias era suscriptor del periódico Appeal to Reason, y Disney practicaba el dibujo copiando las caricaturas de primera plana de Ryan Walker. También comenzó a desarrollar la habilidad de trabajar con acuarelas y crayones. Vivía cerca de la línea ferroviaria Atchison, Topeka y Santa Fe y se enamoró de los trenes. Él y su hermana menor, Ruth, comenzaron la escuela al mismo tiempo en Park School en Marceline a fines de 1909. La familia Disney era miembro activo de una iglesia congregacional.
En 1911, los Disney se mudaron a Kansas City, Missouri. Allí, Disney asistió a la Benton Grammar School, donde conoció a su compañero de estudios Walter Pfeiffer, que provenía de una familia de fanáticos del teatro y lo introdujo en el mundo del vodevil y las películas. En poco tiempo, Disney pasaba más tiempo en el Pfeiffers'; casa que en casa. Elias había comprado una ruta de entrega de periódicos para The Kansas City Star y Kansas City Times. Disney y su hermano Roy se levantaban a las 4:30 todas las mañanas para entregar el Times antes de la escuela y repetían la ronda para el Star vespertino después de la escuela. El horario era agotador y, a menudo, Disney recibía malas calificaciones después de quedarse dormido en clase, pero continuó con su ruta de periódicos durante más de seis años. Asistió a cursos de los sábados en el Instituto de Arte de Kansas City y también tomó un curso por correspondencia de dibujos animados.
En 1917, Elias compró acciones en un productor de gelatina de Chicago, O-Zell Company, y regresó a la ciudad con su familia. Disney se matriculó en McKinley High School y se convirtió en el caricaturista del periódico escolar, haciendo dibujos patrióticos sobre la Primera Guerra Mundial; también tomó cursos nocturnos en la Academia de Bellas Artes de Chicago. A mediados de 1918, intentó unirse al ejército de los Estados Unidos para luchar contra los alemanes, pero fue rechazado por ser demasiado joven. Después de falsificar la fecha de nacimiento en su certificado de nacimiento, se unió a la Cruz Roja en septiembre de 1918 como conductor de ambulancia. Fue enviado a Francia pero llegó en noviembre, después del armisticio. Dibujó caricaturas en el costado de su ambulancia como decoración y publicó parte de su trabajo en el periódico militar Stars and Stripes. Regresó a Kansas City en octubre de 1919, donde trabajó como aprendiz de artista en Pesmen-Rubin Commercial Art Studio, donde dibujó ilustraciones comerciales para publicidad, programas de teatro y catálogos, y se hizo amigo del también artista Ub Iwerks.
Carrera
Carrera temprana: 1920-1928
En enero de 1920, cuando los ingresos de Pesmen-Rubin disminuyeron después de Navidad, Disney, de 18 años, e Iwerks fueron despedidos. Comenzaron su propio negocio, los artistas comerciales Iwerks-Disney de corta duración. Al no poder atraer a muchos clientes, Disney e Iwerks acordaron que Disney debería irse temporalmente para ganar dinero en Kansas City Film Ad Company, dirigida por AV Cauger; al mes siguiente, también se unió Iwerks, que no podía administrar su negocio solo. La empresa produjo comerciales utilizando la técnica de animación recortada. Disney se interesó por la animación, aunque prefería dibujos animados como Mutt and Jeff y Out of the Inkwell de Max Fleischer. Con la ayuda de un libro prestado sobre animación y una cámara, comenzó a experimentar en casa. Llegó a la conclusión de que la animación por celdas era más prometedora que el método de recorte. Incapaz de persuadir a Cauger para que probara la animación cel en la empresa, Disney abrió un nuevo negocio con un compañero de trabajo de Film Ad Co, Fred Harman. Su principal cliente era el Newman Theatre local, y los dibujos animados cortos que producían se vendían como "Newman's Laugh-O-Grams". Disney estudió las Fábulas de Esopo de Paul Terry como modelo, y los primeros seis "Laugh-O-Grams" eran cuentos de hadas modernizados.
En mayo de 1921, el éxito de "Laugh-O-Grams" condujo al establecimiento de Laugh-O-Gram Studio, para lo cual contrató a más animadores, incluidos Hugh, el hermano de Fred Harman, Rudolf Ising e Iwerks. Los dibujos animados de Laugh-O-Grams no generaron ingresos suficientes para mantener la solvencia de la empresa, por lo que Disney comenzó la producción de El país de las maravillas de Alicia, basada en Las aventuras de Alicia en Wonderland—que combinó acción en vivo con animación; eligió a Virginia Davis para el papel principal. El resultado, una película de un carrete de 12 minutos y medio, se completó demasiado tarde para salvar a Laugh-O-Gram Studio, que quebró en 1923.
Disney se mudó a Hollywood en julio de 1923 a los 21 años. Aunque Nueva York era el centro de la industria de los dibujos animados, se sintió atraído por Los Ángeles porque su hermano Roy estaba convaleciente de tuberculosis allí y esperaba convertirse en director de cine de acción real. Los esfuerzos de Disney por vender El país de las maravillas de Alicia fueron en vano hasta que escuchó de la distribuidora de películas de Nueva York Margaret J. Winkler. Estaba perdiendo los derechos de los dibujos animados Out of the Inkwell y Felix the Cat y necesitaba una nueva serie. En octubre, firmaron un contrato para seis comedias de Alicia, con opción a dos series más de seis episodios cada una. Disney y su hermano Roy formaron Disney Brothers Studio—que luego se convirtió en The Walt Disney Company—para producir las películas; persuadieron a Davis y su familia para que se mudaran a Hollywood para continuar con la producción, con Davis con un contrato de $ 100 al mes. En julio de 1924, Disney también contrató a Iwerks y lo convenció de mudarse a Hollywood desde Kansas City. En 1926, se estableció el primer Walt Disney Studio oficial en 2725 Hyperion Avenue, demolido en 1940.
Para 1926, el papel de Winkler en la distribución de la serie Alice había sido entregado a su esposo, el productor de cine Charles Mintz, aunque la relación entre él y Disney a veces era tensa.. La serie duró hasta julio de 1927, momento en el que Disney había comenzado a cansarse y quería alejarse del formato mixto a toda la animación. Después de que Mintz solicitó nuevo material para distribuirlo a través de Universal Pictures, Disney e Iwerks crearon a Oswald the Lucky Rabbit, un personaje que Disney quería que fuera "animado, alerta, descarado y aventurero, manteniéndolo también limpio y en forma".
En febrero de 1928, Disney esperaba negociar una tarifa mayor por producir la serie Oswald, pero descubrió que Mintz deseaba reducir los pagos. Mintz también había persuadido a muchos de los artistas involucrados para que trabajaran directamente para él, incluidos Harman, Ising, Carman Maxwell y Friz Freleng. Disney también descubrió que Universal poseía los derechos de propiedad intelectual de Oswald. Mintz amenazó con iniciar su propio estudio y producir la serie él mismo si Disney se negaba a aceptar las reducciones. Disney rechazó el ultimátum de Mintz y perdió a la mayor parte de su personal de animación, excepto a Iwerks, que optó por quedarse con él.
De la creación de Mickey Mouse a los primeros Premios de la Academia: 1928–1933
Para reemplazar a Oswald, Disney e Iwerks desarrollaron Mickey Mouse, posiblemente inspirado en un ratón mascota que Disney había adoptado mientras trabajaba en su estudio Laugh-O-Gram, aunque los orígenes del personaje no están claros. El nombre original de Disney fue Mortimer Mouse, pero su esposa Lillian pensó que era demasiado pomposo y sugirió Mickey en su lugar. Iwerks revisó los bocetos provisionales de Disney para facilitar la animación del personaje. Disney, que había comenzado a distanciarse del proceso de animación, proporcionó la voz de Mickey hasta 1947. En palabras de un empleado de Disney, 'Ub diseñó la apariencia física de Mickey, pero Walt le dio su alma."
Mickey Mouse apareció por primera vez en mayo de 1928 como proyección de prueba única del cortometraje Plane Crazy, pero tanto él como el segundo largometraje, The Gallopin' Gaucho, no logró encontrar un distribuidor. Siguiendo la sensación de 1927 The Jazz Singer, Disney usó sonido sincronizado en el tercer cortometraje, Steamboat Willie, para crear la primera caricatura sonora posproducida. Después de que se completó la animación, Disney firmó un contrato con el ex ejecutivo de Universal Pictures, Pat Powers, para usar el 'Powers Cinephone'. sistema de grabación; Cinephone se convirtió en el nuevo distribuidor de los primeros dibujos animados sonoros de Disney, que pronto se hicieron populares.
Para mejorar la calidad de la música, Disney contrató al compositor y arreglista profesional Carl Stalling, por cuya sugerencia se desarrolló la serie Silly Symphony, que brinda historias a través del uso de la música; el primero de la serie, The Skeleton Dance (1929), fue dibujado y animado en su totalidad por Iwerks. También se contrataron en este momento varios artistas locales, algunos de los cuales se quedaron en la empresa como animadores principales; el grupo más tarde se hizo conocido como los Nueve Viejos. Tanto la serie de Mickey Mouse como la de Silly Symphonies tuvieron éxito, pero Disney y su hermano sintieron que no estaban recibiendo la parte que les correspondía de las ganancias de Powers. En 1930, Disney trató de reducir los costos del proceso instando a Iwerks a abandonar la práctica de animar cada celda por separado en favor de la técnica más eficiente de dibujar poses clave y dejar que los asistentes peor pagados dibujen las poses intermedias. Disney le pidió a Powers un aumento en los pagos por los dibujos animados. Powers se negó y contrató a Iwerks para que trabajara para él; Stalling renunció poco después, pensando que sin Iwerks, Disney Studio cerraría. Disney tuvo una crisis nerviosa en octubre de 1931—que atribuyó a las maquinaciones de Powers y su propio exceso de trabajo—así que él y Lillian se fueron de vacaciones a Cuba y un crucero a Panamá para recuperarse.
Con la pérdida de Powers como distribuidor, los estudios Disney firmaron un contrato con Columbia Pictures para distribuir los dibujos animados de Mickey Mouse, que se hicieron cada vez más populares, incluso a nivel internacional. Disney y su equipo también presentarían nuevas estrellas de dibujos animados como Pluto en 1930, Goofy en 1932 y Donald Duck en 1934. Siempre dispuesto a adoptar nuevas tecnologías y alentado por su nuevo contrato con United Artists, Disney filmó Flowers and Trees (1932) en Technicolor de tres tiras a todo color; también pudo negociar un trato que le otorgaba el derecho exclusivo de utilizar el proceso de tres tiras hasta el 31 de agosto de 1935. Todas las caricaturas posteriores de Silly Symphony estaban en color. Flores y árboles fue popular entre el público y ganó el Premio de la Academia inaugural al mejor cortometraje (dibujos animados) en la ceremonia de 1932. Disney había sido nominado por otra película en esa categoría, Mickey's Orphans, y recibió un Premio Honorífico "por la creación de Mickey Mouse".
En 1933, Disney produjo Los tres cerditos, una película descrita por el historiador de los medios Adrian Danks como "el cortometraje de animación más exitoso de todos los tiempos". La película le valió a Disney otro Premio de la Academia en la categoría de Tema corto (dibujos animados). El éxito de la película condujo a un nuevo aumento en el personal del estudio, que ascendía a casi 200 personas a finales de año. Disney se dio cuenta de la importancia de contar historias emocionalmente apasionantes que pudieran interesar a la audiencia, e invirtió en un "departamento de historias" separados de los animadores, con artistas de guiones gráficos que detallarían las tramas de las películas de Disney.
Edad de oro de la animación: 1934-1941
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Para 1934, Disney se sentía insatisfecho con la producción de cortos de dibujos animados formulados y creía que un largometraje de dibujos animados sería más rentable. El estudio comenzó la producción de cuatro años de Blancanieves y los siete enanitos, basada en el cuento de hadas. Cuando se filtró la noticia sobre el proyecto, muchos en la industria cinematográfica predijeron que llevaría a la empresa a la bancarrota; Los expertos de la industria lo apodaron 'Disney's Folly'. La película, que fue el primer largometraje animado realizado a todo color y con sonido, costó 1,5 millones de dólares para producir—tres veces más del presupuesto. Para asegurarse de que la animación fuera lo más realista posible, Disney envió a sus animadores a cursos en el Instituto de Arte Chouinard; trajo animales al estudio y contrató actores para que los animadores pudieran estudiar el movimiento realista. Para retratar la perspectiva cambiante del fondo cuando una cámara se movía a través de una escena, los animadores de Disney desarrollaron una cámara multiplano que permitía colocar dibujos en piezas de vidrio a varias distancias de la cámara, creando una ilusión de profundidad. El vidrio se podía mover para crear la impresión de una cámara pasando por la escena. El primer trabajo creado en la cámara—una Silly Symphony llamada The Old Mill (1937)—ganó el Premio de la Academia al Cortometraje de Animación debido a su impresionante poder visual. Aunque Blancanieves se había terminado en gran parte cuando se completó la cámara multiplano, Disney ordenó que se volvieran a dibujar algunas escenas para usar los nuevos efectos.
Blancanieves se estrenó en diciembre de 1937 con grandes elogios de crítica y público. La película se convirtió en la película de mayor éxito de 1938 y en mayo de 1939 su total bruto de 6,5 millones de dólares la convirtió en la película sonora de mayor éxito realizada hasta esa fecha. Disney ganó otro Premio de la Academia Honorario, que consistió en una estatuilla de Oscar de tamaño completo y siete en miniatura. El éxito de Blancanieves anunció una de las eras más productivas para el estudio; el Museo de la Familia Walt Disney llama a los años siguientes "la 'Edad de Oro de la Animación' ". Con el trabajo en Blancanieves terminado, el estudio comenzó a producir Pinocchio a principios de 1938 y Fantasia en noviembre del mismo año. Ambas películas se estrenaron en 1940 y ninguna tuvo un buen desempeño en la taquilla—en parte porque los ingresos de Europa se redujeron después del comienzo de la Segunda Guerra Mundial en 1939. El estudio tuvo pérdidas en ambas películas y estaba profundamente endeudado al final de febrero de 1941.
En respuesta a la crisis financiera, Disney y su hermano Roy iniciaron la primera oferta pública de acciones de la compañía en 1940 e implementaron fuertes recortes salariales. La última medida, y la manera a veces arbitraria e insensible de Disney de tratar con el personal, condujo a una serie de animadores de 1941; huelga que duró cinco semanas. Mientras un mediador federal de la Junta Nacional de Relaciones Laborales negociaba con las dos partes, Disney aceptó una oferta de la Oficina del Coordinador de Asuntos Interamericanos para hacer un viaje de buena voluntad a Sudamérica, asegurándose de estar ausente durante una resolución que sabía que ser desfavorable para el estudio. Como resultado de la huelga—y el estado financiero de la empresa—varios animadores abandonaron el estudio y, como resultado, la relación de Disney con otros miembros del personal se tensó permanentemente. La huelga interrumpió temporalmente la siguiente producción del estudio, Dumbo (1941), que Disney produjo de forma sencilla y económica; la película recibió una reacción positiva tanto del público como de la crítica.
Segunda Guerra Mundial y más allá: 1941-1950
Poco después del lanzamiento de Dumbo en octubre de 1941, Estados Unidos entró en la Segunda Guerra Mundial. Disney formó la Unidad de películas de entrenamiento de Walt Disney dentro de la empresa para producir películas de instrucción para militares, como Cuatro métodos de remachado al ras y Métodos de producción de aeronaves. Disney también se reunió con Henry Morgenthau Jr., el Secretario del Tesoro, y acordó producir dibujos animados cortos del Pato Donald para promover los bonos de guerra. Disney también produjo varias producciones de propaganda, incluidos cortos como Der Fuehrer's Face—que ganó un Premio de la Academia—y la película de 1943 Victory Through Air Power.
Las películas militares generaron solo ingresos suficientes para cubrir los costos, y el largometraje Bambi—que había estado en producción desde 1937—tuvo un desempeño inferior en su estreno en abril de 1942 y perdió $200,000 en la taquilla. oficina. Además de las bajas ganancias de Pinocchio y Fantasia, la empresa tenía deudas de $4 millones con el Bank of America en 1944. En una reunión con ejecutivos de Bank of America para discutir el futuro de la compañía, el presidente y fundador del banco, Amadeo Giannini, les dijo a sus ejecutivos: 'He estado viendo las películas de Disney'. fotos muy de cerca porque sabía que les estábamos prestando dinero muy por encima del riesgo financiero.... Son buenos este año, son buenos el año que viene y son buenos el año siguiente.... Hay que relajarse y darles tiempo para que comercialicen su producto." La producción de cortometrajes de Disney disminuyó a fines de la década de 1940, coincidiendo con la creciente competencia en el mercado de la animación de Warner Bros. y Metro-Goldwyn-Mayer. Roy Disney, por razones financieras, sugirió más producciones combinadas de animación y acción en vivo. En 1948, Disney inició una serie de populares películas de acción en vivo sobre la naturaleza, tituladas True-Life Adventures, con Seal Island como la primera; la película ganó el Premio de la Academia en la categoría de Mejor Cortometraje (Dos Carrete).
Parques temáticos, televisión y otros intereses: 1950-1966
A principios de 1950, Disney produjo Cenicienta, la primera película animada de su estudio en ocho años. Fue popular entre la crítica y el público teatral. Con un costo de producción de 2,2 millones de dólares, ganó casi 8 millones de dólares en su primer año. Disney se involucró menos de lo que había estado con películas anteriores debido a su participación en su primer largometraje completamente de acción real, Treasure Island (1950), que se filmó en Gran Bretaña, al igual que The Story de Robin Hood y sus alegres hombres (1952). Siguieron otras características de acción en vivo, muchas de las cuales tenían temas patrióticos. Continuó produciendo películas animadas de larga duración, incluidas Alicia en el país de las maravillas (1951) y Peter Pan (1953). Desde principios hasta mediados de la década de 1950, Disney comenzó a prestar menos atención al departamento de animación, confiando la mayor parte de sus operaciones a sus animadores clave, los Nueve Viejos, aunque siempre estuvo presente en las reuniones de la historia. En cambio, comenzó a concentrarse en otras empresas. Casi al mismo tiempo, Disney establecería su propia cadena de distribución de películas Buena Vista, reemplazando a su distribuidor más reciente, RKO Pictures.
Durante varios años, Disney había estado considerando la posibilidad de construir un parque temático. Cuando visitó Griffith Park en Los Ángeles con sus hijas, quería estar en un parque limpio y virgen, donde tanto los niños como sus padres pudieran divertirse. Visitó los Jardines de Tivoli en Copenhague, Dinamarca, y estuvo muy influenciado por la limpieza y el diseño del parque. En marzo de 1952 recibió permiso de zonificación para construir un parque temático en Burbank, cerca de los estudios Disney. Este sitio resultó demasiado pequeño y se compró una parcela más grande en Anaheim, a 56 km (35 millas) al sur del estudio. Para distanciar el proyecto del estudio—lo que podría atraer la crítica de los accionistas—Disney formó WED Enterprises (ahora Walt Disney Imagineering) y usó su propio dinero para financiar un grupo de diseñadores y animadores para trabajar en los planes; los involucrados se conocieron como "Imagineers". Después de obtener fondos bancarios, invitó a otros accionistas, American Broadcasting-Paramount Theatres—parte de American Broadcasting Company (ABC)—y Western Printing and Lithographing Company. A mediados de 1954, Disney envió a sus Imagineers a todos los parques de diversiones de los EE. UU. para analizar qué funcionaba y qué trampas o problemas había en los distintos lugares e incorporó sus hallazgos en su diseño. El trabajo de construcción comenzó en julio de 1954 y Disneyland abrió en julio de 1955; la ceremonia de apertura fue transmitida por ABC, que llegó a 70 millones de espectadores. El parque fue diseñado como una serie de tierras temáticas, unidas por la céntrica Main Street, U.S.A.—una réplica de la calle principal en su ciudad natal de Marceline. Las áreas temáticas conectadas fueron Adventureland, Frontierland, Fantasyland y Tomorrowland. El parque también contenía el Disneyland Railroad de vía estrecha que unía las tierras; alrededor del exterior del parque había una berma alta para separar el parque del mundo exterior. Un editorial de The New York Times consideró que Disney había "combinado con buen gusto algunas de las cosas agradables de ayer con la fantasía y los sueños del mañana". Aunque al principio hubo problemas menores con el parque, fue un éxito y, después de un mes de funcionamiento, Disneylandia recibía más de 20 000 visitantes al día; al final de su primer año, atrajo a 3,6 millones de invitados.
El dinero de ABC dependía de los programas de televisión de Disney. El estudio había participado en un exitoso especial de televisión el día de Navidad de 1950 sobre la realización de Alicia en el país de las maravillas. Roy creía que el programa añadía millones a la recaudación de taquilla. En una carta de marzo de 1951 a los accionistas, escribió que "la televisión puede ser una ayuda de ventas muy poderosa para nosotros, así como una fuente de ingresos". Probablemente será bajo esta premisa que entremos en televisión cuando lo hagamos". En 1954, después de que se acordó la financiación de Disneyland, ABC transmitió Walt Disney's Disneyland, una antología que consiste en dibujos animados, películas de acción en vivo y otro material de la biblioteca del estudio.. El programa fue exitoso en términos de audiencia y ganancias, ganando una participación de audiencia de más del 50%. En abril de 1955, Newsweek llamó a la serie una "institución estadounidense". ABC estuvo complacido con las calificaciones, lo que llevó al primer programa de televisión diario de Disney, The Mickey Mouse Club, un programa de variedades dirigido específicamente a niños. El programa estuvo acompañado de merchandising a través de varias empresas (Western Printing, por ejemplo, había estado produciendo libros para colorear y cómics durante más de 20 años, y produjo varios artículos relacionados con el programa). Uno de los segmentos de Disneyland consistió en la miniserie de cinco partes Davy Crockett que, según Gabler, "se convirtió en una sensación de la noche a la mañana". El tema principal del programa, 'The Ballad of Davy Crockett', se hizo popular internacionalmente y se vendieron diez millones de discos. Como resultado, Disney formó su propia entidad de producción y distribución de discos, Disneyland Records.
Además de la construcción de Disneylandia, Disney trabajó en otros proyectos fuera del estudio. Fue consultor de la Exposición Nacional Estadounidense de 1959 en Moscú; Estudios Disney' La contribución fue America the Beautiful, una película de 19 minutos en el teatro Circarama de 360 grados que fue una de las atracciones más populares. Al año siguiente, actuó como presidente del Comité de Desfile de los Juegos Olímpicos de Invierno de 1960 en Squaw Valley, California, donde diseñó las ceremonias de apertura, clausura y entrega de medallas. Fue uno de los doce inversionistas en el Celebrity Sports Center, que abrió sus puertas en 1960 en Glendale, Colorado; él y Roy compraron las demás en 1962, convirtiendo a la empresa Disney en la única propietaria.
A pesar de las demandas provocadas por los proyectos que no son de estudio, Disney continuó trabajando en proyectos de cine y televisión. En 1955, participó en 'Man in Space', un episodio de la serie Disneyland, realizado en colaboración con el diseñador de cohetes de la NASA Wernher von Braun. Disney también supervisó aspectos de los largometrajes La dama y el vagabundo (la primera película animada en CinemaScope) en 1955, La bella durmiente (la primera película animada en Technirama 70 mm película) en 1959, Cien uno dálmatas (el primer largometraje de animación en usar celdas Xerox) en 1961, y La espada en la piedra en 1963.
En 1964, Disney produjo Mary Poppins, basada en la serie de libros de P. L. Travers; había estado tratando de adquirir los derechos de la historia desde la década de 1940. Se convirtió en la película de Disney más exitosa de la década de 1960, aunque a Travers no le gustó mucho la película y lamentó haber vendido los derechos. El mismo año también se involucró en los planes para expandir el Instituto de las Artes de California (coloquialmente llamado CalArts), e hizo que un arquitecto dibujara los planos para un nuevo edificio.
Disney proporcionó cuatro exhibiciones para la Feria Mundial de Nueva York de 1964, para la cual obtuvo fondos de patrocinadores corporativos seleccionados. Para PepsiCo, que planeó un tributo a UNICEF, Disney desarrolló It's a Small World, un paseo en bote con muñecos audio-animatrónicos que representan a niños del mundo; Great Moments with Mr. Lincoln contenía un animatrónico Abraham Lincoln dando extractos de sus discursos; Carrusel del Progreso promovió la importancia de la electricidad; y Magic Skyway de Ford retrató el progreso de la humanidad. Elementos de las cuatro exhibiciones—principalmente conceptos y tecnología—fueron reinstalados en Disneyland, aunque It's a Small World es la atracción que más se parece a la original.
Desde principios hasta mediados de la década de 1960, Disney desarrolló planes para una estación de esquí en Mineral King, un valle glaciar en la Sierra Nevada de California. Contrató a expertos como el renombrado entrenador de esquí olímpico y diseñador de áreas de esquí Willy Schaeffler. Dado que los ingresos de Disneyland representan una proporción cada vez mayor de los ingresos del estudio, Disney continuó buscando lugares para otras atracciones. En 1963 presentó un proyecto para crear un parque temático en el centro de St. Louis, Missouri; inicialmente llegó a un acuerdo con la Corporación de Reurbanización del Centro Cívico, que controlaba la tierra, pero el trato luego fracasó por la financiación. A fines de 1965, anunció planes para desarrollar otro parque temático que se llamaría "Disney World" (ahora Walt Disney World), a unas pocas millas al suroeste de Orlando, Florida. Disney World iba a incluir el "Magic Kingdom"—una versión más grande y más elaborada de Disneyland—más campos de golf y hoteles resort. El corazón de Disney World iba a ser la "Comunidad de prototipos experimentales del mañana" (EPCOT), que describió como:
una comunidad experimental de prototipos de mañana que tomará su señal de las nuevas ideas y nuevas tecnologías que ahora están surgiendo de los centros creativos de la industria americana. Será una comunidad de mañana que nunca será completada, pero siempre será la introducción y prueba y la demostración de nuevos materiales y sistemas. Y EPCOT siempre será un escaparate para el mundo por la ingeniosidad e imaginación de la libre empresa americana.
Durante 1966, Disney cultivó empresas dispuestas a patrocinar EPCOT. Recibió un crédito de historia en la película de 1966 Lt. Robin Crusoe, U.S.N. como Retlaw Yensid, su nombre escrito al revés. Aumentó su participación en las películas del estudio y estuvo muy involucrado en el desarrollo de la historia de El libro de la selva, la película musical de acción en vivo El millonario más feliz (ambos de 1967) y el corto animado Winnie the Pooh and the Blustery Day (1968).
Enfermedad, muerte y secuelas
Disney era un fumador empedernido desde la Primera Guerra Mundial. No usaba cigarrillos con filtro y había fumado en pipa cuando era joven. A principios de noviembre de 1966, le diagnosticaron cáncer de pulmón y fue tratado con terapia de cobalto. El 30 de noviembre se sintió mal y fue trasladado en ambulancia desde su domicilio al Hospital St. Joseph donde, el 15 de diciembre de 1966, a los 65 años, falleció por un colapso circulatorio provocado por el cáncer. Sus restos fueron incinerados dos días después y sus cenizas enterradas en el Forest Lawn Memorial Park en Glendale, California.
El estreno de El libro de la selva y El millonario más feliz en 1967 elevó el número total de largometrajes en los que Disney había estado involucrado a 81. Cuando Winnie the Pooh and the Blustery Day se estrenó en 1968, le valió a Disney un premio de la Academia en la categoría de tema corto (dibujos animados), otorgado póstumamente. Después de la muerte de Disney, sus estudios continuaron produciendo películas de acción en vivo prolíficamente, pero abandonaron en gran medida la animación hasta finales de la década de 1980, después de lo cual The New York Times describe como el " Renacimiento de Disney" que comenzó con La Sirenita (1989). Las compañías de Disney continúan produciendo películas, televisión y espectáculos teatrales exitosos.
Los planes de Disney para la ciudad futurista de EPCOT no se concretaron. Tras la muerte de Disney, su hermano Roy aplazó su retiro para tomar el control total de las empresas Disney. Cambió el enfoque del proyecto de una ciudad a una atracción. En la inauguración en 1971, Roy dedicó Walt Disney World a su hermano. Walt Disney World se expandió con la apertura de Epcot Center en 1982; La visión de Walt Disney de una ciudad funcional fue reemplazada por un parque más parecido a una feria mundial permanente. En 2009, el Museo de la Familia Walt Disney, diseñado por la hija de Disney, Diane, y su hijo, Walter E. D. Miller, se inauguró en el Presidio de San Francisco. Se exhiben miles de artefactos de la vida y la carrera de Disney, incluidos numerosos premios que recibió. En 2014, los parques temáticos de Disney de todo el mundo recibieron aproximadamente 134 millones de visitantes.
Vida personal y carácter
A principios de 1925, Disney contrató a una artista de tinta, Lillian Bounds. Se casaron en julio de ese año, en la casa de su hermano en su ciudad natal de Lewiston, Idaho. El matrimonio fue generalmente feliz, según Lillian, aunque según el biógrafo de Disney, Neal Gabler, ella no "aceptó las decisiones de Walt con mansedumbre ni su estatus incuestionablemente, y admitió que él siempre le decía a la gente 'qué dominado es'." Lillian tenía poco interés en las películas o en la escena social de Hollywood y, en palabras del historiador Steven Watts, estaba "contenta con la administración del hogar y brindando apoyo a su esposo". Su matrimonio produjo dos hijas, Diane (nacida en diciembre de 1933) y Sharon (adoptada en diciembre de 1936, nacida seis semanas antes). Dentro de la familia, ni Disney ni su esposa ocultaron el hecho de que Sharon había sido adoptada, aunque se molestaron si personas ajenas a la familia plantearon el punto. Los Disney tuvieron cuidado de mantener a sus hijas fuera de la vista del público tanto como fuera posible, particularmente a la luz del secuestro de Lindbergh; Disney tomó medidas para asegurarse de que sus hijas no fueran fotografiadas por la prensa.
En 1949, Disney y su familia se mudaron a un nuevo hogar en el distrito Holmby Hills de Los Ángeles. Con la ayuda de sus amigos Ward y Betty Kimball, que ya tenían su propio ferrocarril en el patio trasero, Disney desarrolló planos e inmediatamente se puso a trabajar en la creación de un tren de vapor vivo en miniatura para su patio trasero. El nombre del ferrocarril, Carolwood Pacific Railroad, proviene de la ubicación de su casa en Carolwood Drive. La locomotora de vapor en funcionamiento en miniatura fue construida por el ingeniero de Disney Studios, Roger E. Broggie, y Disney la llamó Lilly Belle en honor a su esposa; después de tres años, Disney ordenó su almacenamiento debido a una serie de accidentes que involucraron a sus invitados.
Disney se volvió más políticamente conservador a medida que envejecía. Partidario del Partido Demócrata hasta las elecciones presidenciales de 1940, cuando cambió su lealtad al Partido Republicano, se convirtió en un generoso donante de la candidatura presidencial de Thomas E. Dewey en 1944. En 1946, fue miembro fundador de Motion Picture Alliance for the Preservation of American Ideals, una organización que declaró que "cre[ían] en el estilo de vida estadounidense y les gustaba... nos encontramos en rebelión aguda contra una ola creciente de comunismo, fascismo y creencias afines, que buscan por medios subversivos socavar y cambiar esta forma de vida". En 1947, durante el Segundo Susto Rojo, Disney testificó ante el Comité de Actividades Antiamericanas de la Cámara (HUAC), donde calificó a Herbert Sorrell, David Hilberman y William Pomerance, ex animadores y organizadores sindicales, como agitadores comunistas; Disney declaró que la huelga de 1941 dirigida por ellos fue parte de un esfuerzo comunista organizado para ganar influencia en Hollywood. The New York Times alegó en 1993 que Disney había pasado información secreta al FBI desde 1940 hasta su muerte en 1966. A cambio de esta información, J. Edgar Hoover permitió a Disney filmar en Sede del FBI en Washington. Disney se convirtió en un "agente especial completo en contacto a cargo" en 1954.
La personalidad pública de Disney era muy diferente de su personalidad real. El dramaturgo Robert E. Sherwood lo describió como "casi dolorosamente tímido... tímido" y autocrítico. Según su biógrafo Richard Schickel, Disney escondió su personalidad tímida e insegura detrás de su identidad pública. Kimball argumenta que Disney "desempeñó el papel de un magnate tímido que se avergonzaba en público" y sabía que lo estaba haciendo. Disney reconoció la fachada y le dijo a un amigo que "yo no soy Walt Disney". Hago muchas cosas que Walt Disney no haría. Walt Disney no fuma. Yo fumo. Walt Disney no bebe. Yo bebo." El crítico Otis Ferguson, en The New Republic, llamó al Disney privado: "común y cotidiano, no inaccesible, no en un idioma extranjero, no suprimido o patrocinado ni nada. Solo Disney." Muchas de las personas con las que trabajó Disney comentaron que animaba poco a su personal debido a sus expectativas excepcionalmente altas. Norman recuerda que cuando Disney dijo 'Eso funcionará', fue una señal de gran elogio. En lugar de una aprobación directa, Disney otorgaba bonificaciones financieras al personal de alto rendimiento o recomendaba a ciertas personas a otras, esperando que sus elogios se transmitieran.
Reputación
Las opiniones sobre Disney y su trabajo han cambiado a lo largo de las décadas y ha habido opiniones polarizadas. Mark Langer, en el American Dictionary of National Biography, escribe que "Evaluaciones anteriores de Disney lo aclamaron como un patriota, artista popular y divulgador de la cultura. Más recientemente, Disney ha sido considerado un paradigma del imperialismo y la intolerancia estadounidenses, así como un degradador de la cultura." Steven Watts escribió que algunos denuncian a Disney 'como un cínico manipulador de fórmulas culturales y comerciales', mientras que PBS registra que los críticos han censurado su trabajo debido a su 'fachada suave de sentimentalismo y obstinado optimismo, su sentimiento -Buena reescritura de la historia estadounidense.
Disney ha sido acusado de antisemitismo por haberle dado a la propagandista nazi Leni Riefenstahl un recorrido por su estudio un mes después de la Kristallnacht , algo que rechazó tres meses después alegando que no sabía quién era ella cuando le enviaron la invitación. Ninguno de los empleados de Disney, incluido el animador Art Babbitt, a quien Disney le desagradaba intensamente, lo acusó jamás de hacer insultos o burlas antisemitas. El Museo de la Familia Walt Disney reconoce que los estereotipos étnicos comunes a las películas de la década de 1930 se incluyeron en algunas de las primeras caricaturas, pero también señala que Disney donó regularmente a organizaciones benéficas judías, fue nombrado "1955 Hombre del Año" por el capítulo B'nai B'rith en Beverly Hills, y su estudio empleó a varios judíos, algunos de los cuales ocupaban posiciones influyentes. Gabler, el primer escritor en obtener acceso sin restricciones a los archivos de Disney, concluye que la evidencia disponible no respalda las acusaciones de antisemitismo y que Disney "no era [antisemita] en el sentido convencional en que pensamos en alguien". como antisemita". Gabler concluye que “aunque el propio Walt, en mi opinión, no era antisemita, sin embargo, se alió voluntariamente con personas que eran antisemitas [es decir, algunos miembros de la MPAPAI], y esa reputación se mantuvo. Nunca fue realmente capaz de eliminarlo a lo largo de su vida. Disney se distanció de Motion Picture Alliance en la década de 1950. Según la hija de Disney, Diane Disney-Miller, su hermana Sharon salió con un novio judío durante un período de tiempo, a lo que su padre no puso objeciones e incluso dijo: "Sharon, creo que es maravilloso cómo estas familias judías te han aceptado."
Disney también ha sido acusado de otras formas de racismo porque algunas de sus producciones lanzadas entre las décadas de 1930 y 1950 contienen material racialmente insensible. El largometraje Song of the South fue criticado por críticos de cine contemporáneos, la Asociación Nacional para el Avance de la Gente de Color y otros por perpetuar los estereotipos negros, pero Disney más tarde hizo una campaña exitosa para obtener un Premio de la Academia Honorario. para su estrella, James Baskett, el primer actor negro tan honrado. Gabler argumenta que "Walt Disney no era racista". Nunca, ni en público ni en privado, hizo comentarios despectivos sobre los negros ni afirmó la superioridad de los blancos. Sin embargo, como la mayoría de los estadounidenses blancos de su generación, era racialmente insensible." Floyd Norman, el primer animador negro del estudio que trabajó en estrecha colaboración con Disney durante las décadas de 1950 y 1960, dijo: "Ni una sola vez observé un indicio del comportamiento racista del que se acusaba a Walt Disney después de su muerte". Su trato a las personas—y con esto me refiero a todas las personas—solo puede llamarse ejemplar."
Watts argumenta que muchas de las películas de Disney posteriores a la Segunda Guerra Mundial "legislaron una especie de Plan Marshall cultural". Alimentaron un genial imperialismo cultural que mágicamente invadió el resto del mundo con los valores, expectativas y bienes de una próspera clase media estadounidense." El historiador de cine Jay P. Telotte reconoce que muchos ven al estudio de Disney como un 'agente de manipulación y represión', aunque observa que 'se ha esforzado a lo largo de su historia por vincular su nombre con nociones de diversión, familia y fantasía". John Tomlinson, en su estudio Cultural Imperialism, examina la obra de Ariel Dorfman y Armand Mattelart, cuyo libro de 1971 Para leer al Pato Donald (trans: How to Read Donald Duck) identifica que hay valores "imperialistas... 'ocultos' detrás de la fachada inocente y sana del mundo de Walt Disney"; esto, argumentan, es una herramienta poderosa ya que "se presenta como una diversión inofensiva para el consumo de los niños". Tomlinson considera que su argumento es erróneo, ya que "simplemente asumen que leer cómics estadounidenses, ver anuncios, mirar imágenes del estilo de vida adinerado... ['Yankee'] ha un efecto pedagógico directo".
Disney ha sido retratado numerosas veces en obras de ficción. H. G. Wells hace referencia a Disney en su novela de 1938 The Holy Terror, en la que el dictador mundial Rud teme que el pato Donald esté destinado a satirizar al dictador. Disney fue interpretado por Len Cariou en la película para televisión de 1995 A Dream Is a Wish Your Heart Makes: The Annette Funicello Story, y por Tom Hanks en la película de 2013 Saving Mr. Bancos. En 2001, el autor alemán Peter Stephan Jungk publicó Der König von Amerika (trans: The King of América), una obra ficticia de los últimos años de Disney que lo vuelve a imaginar como un racista hambriento de poder. Posteriormente, el compositor Philip Glass adaptó el libro a la ópera The Perfect American (2013).
Varios comentaristas han descrito a Disney como un ícono cultural. Sobre la muerte de Disney, el profesor de periodismo Ralph S. Izard comenta que los valores de las películas de Disney son aquellos 'considerados valiosos en la sociedad cristiana estadounidense', que incluyen 'individualismo, decencia,... amor al prójimo, juego limpio y tolerancia". El obituario de Disney en The Times llama a las películas "saludables, afectivas y entretenidas... de un arte incomparable y de una belleza conmovedora". El periodista Bosley Crowther argumenta que el 'logro de Disney como creador de entretenimiento para un público casi ilimitado y como un comerciante altamente ingenioso de sus productos puede compararse correctamente con los industriales más exitosos de la historia'. El corresponsal Alistair Cooke llama a Disney un "héroe popular... el flautista de Hollywood", mientras que Gabler considera que Disney "remodeló la cultura y la conciencia estadounidense". En el American Dictionary of National Biography, Langer escribe:
Disney sigue siendo la figura central de la historia de la animación. Mediante innovaciones tecnológicas y alianzas con gobiernos y corporaciones, transformó un estudio menor en una forma marginal de comunicación en un gigante multinacional de la industria del ocio. A pesar de sus críticos, su visión de una utopía moderna y corporativa como una extensión de los valores americanos tradicionales posiblemente ha ganado mayor moneda en los años después de su muerte.
En diciembre de 2021, el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York inauguró una exhibición especial de tres meses en honor a Disney titulada "Inspirando a Walt Disney".
Premios y distinciones
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Disney recibió 59 nominaciones a los Premios de la Academia, incluidos 22 premios: ambos totales son récords. Fue nominado a tres Globos de Oro, pero no ganó, pero recibió dos Premios al Logro Especial—por Bambi (1942) y The Living Desert (1953) —y el Premio Cecil B. DeMille. También recibió cuatro nominaciones a los premios Emmy, ganando una vez, como Mejor Productor por la serie de televisión Disneyland. Varias de sus películas están incluidas en el Registro Nacional de Cine de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso como "cultural, histórica o estéticamente significativas": Steamboat Willie, The Three Little Cerdos, Blancanieves y los siete enanitos, Fantasía, Pinocho, Bambi, Dumbo y Mary Poppins. En 1998, el American Film Institute publicó una lista de las 100 mejores películas estadounidenses, según expertos de la industria; la lista incluía Blancanieves y los siete enanitos (en el puesto 49) y Fantasía (en el puesto 58).
En febrero de 1960, Disney fue incluido en el Paseo de la Fama de Hollywood con dos estrellas, una por películas y la otra por su trabajo en televisión; Mickey Mouse recibió su propia estrella para películas en 1978. Disney también fue incluido en el Salón de la Fama de la Televisión en 1986, el Salón de la Fama de California en diciembre de 2006, y fue el receptor inaugural de una estrella en el paseo de las estrellas de Anaheim en 2014.
El Museo de la Familia Walt Disney registra que él "junto con miembros de su personal, recibió más de 950 honores y menciones de todo el mundo". Fue nombrado Chevalier en el Légion d'honneur en 1935, y en 1952 recibió la más alta condecoración artística del país, la Oficial de la Academia. Otros premios nacionales incluyen la Orden de la Corona de Tailandia (1960); La Orden del Mérito de Alemania (1956), la Orden de la Cruz del Sur de Brasil (1941) y la Orden del Águila Azteca de México (1943). En los Estados Unidos, recibió la Medalla Presidencial de la Libertad el 14 de septiembre de 1964, y el 24 de mayo de 1968, recibió póstumamente la Medalla de Oro del Congreso. Recibió el premio Showman of the World de la Asociación Nacional de Propietarios de Teatros y, en 1955, la Sociedad Nacional Audubon otorgó a Disney su mayor honor, la Medalla Audubon, por promover la "apreciación y comprensión de la naturaleza" a través de sus películas sobre la naturaleza True-Life Adventures. Un planeta menor descubierto en 1980 por la astrónoma Lyudmila Karachkina, fue nombrado 4017 Disneya, y también recibió títulos honoríficos de Harvard, Yale, la Universidad del Sur de California y la Universidad de California, Los Ángeles.