Violonchelo
El violonchelo (CHEL-oh; plural celli o violonchelos) o violonchelo (VY-ə- lən-CHEL-oh; Pronunciación italiana: [vjolonˈtʃɛllo]) es un instrumento de cuerda con arco (a veces punteado y ocasionalmente golpeado) de la familia del violín. Sus cuatro cuerdas suelen estar afinadas en quintas perfectas: de menor a mayor, C2, G2, D3 y A3. Las cuatro cuerdas de la viola son cada una una octava más alta. La música para violonchelo generalmente se escribe en clave de fa, con clave de tenor y clave de sol para pasajes de rango más alto.
Interpretada por un violonchelista o violonchelista, goza de un amplio repertorio solista con y sin acompañamiento, así como de numerosos conciertos. Como instrumento solista, el violonchelo utiliza toda su gama, desde el bajo hasta el soprano, y en la música de cámara, como los cuartetos de cuerda y la sección de cuerdas de la orquesta, a menudo toca la parte del bajo, donde puede reforzarse una octava más baja. por los contrabajos. El bajo figurado de la era barroca generalmente asume un violonchelo, una viola da gamba o un fagot como parte del grupo de bajo continuo junto con instrumentos de cuerdas como el órgano, el clavicémbalo, el laúd o la tiorba. Los violonchelos se encuentran en muchos otros conjuntos, desde orquestas chinas modernas hasta bandas de violonchelo rock.
Etimología
El nombre violonchelo se deriva de la terminación del italiano violoncello, que significa "pequeño violone". Violone ("gran viola") era un miembro de gran tamaño de la familia de la viola (viola da gamba) o de la familia del violín (viola da braccio). El término "violone" hoy suele referirse al instrumento más grave de las violas, una familia de instrumentos de cuerda que pasó de moda a finales del siglo XVII en la mayoría de los países excepto en Inglaterra y, especialmente, en Francia, donde sobrevivieron otro medio siglo antes de la La familia de violines más ruidosos también ganó mayor favor en ese país. En las orquestas sinfónicas modernas, es el segundo instrumento de cuerda más grande (el contrabajo es el más grande). Por lo tanto, el nombre "violonchelo" contenía tanto el aumentativo "-uno" ("grande") y el diminutivo "-cello" ("pequeño"). A principios del siglo XX, se había vuelto común acortar el nombre a 'violonchelo', con el apóstrofe indicando la raíz faltante. Ahora es costumbre usar "violonchelo" sin apóstrofe como la designación completa. Viol se deriva de la raíz viola, que se derivó del latín medieval vitula, que significa instrumento de cuerda.
Descripción general
Afinación
Jugar(help·info)
Los violonchelos se afinan en quintas, comenzando con C2 (dos octavas por debajo del C central), seguido de G2, D3 y luego A3. Está afinada exactamente en los mismos intervalos y cuerdas que la viola, pero una octava más baja. Al igual que el contrabajo, el violonchelo tiene un extremo que se apoya en el suelo para soportar el peso del instrumento. El violonchelo está más estrechamente asociado con la música clásica europea. El instrumento forma parte de la orquesta estándar, como parte de la sección de cuerdas, y es la voz de bajo del cuarteto de cuerdas (aunque muchos compositores también le dan un papel melódico), además de formar parte de muchos otros grupos de cámara.
Obras
Entre las obras barrocas para violonchelo más conocidas se encuentran las seis suites sin acompañamiento de Johann Sebastian Bach. Otras obras significativas incluyen Sonatas y Conciertos de Antonio Vivaldi, y sonatas para solo de Francesco Geminiani y Giovanni Bononcini. Domenico Gabrielli fue uno de los primeros compositores en tratar el violonchelo como un instrumento solista. Como instrumento de bajo continuo, el violonchelo puede haber sido utilizado en obras de Francesca Caccini (1587–1641), Barbara Strozzi (1619–1677) con piezas como Il primo libro di madrigali, per 2–5 voci e bajo continuo, op. 1 y Elisabeth Jacquet de La Guerre (1665–1729), quien escribió seis sonatas para violín y bajo continuo. El manual más antiguo conocido para aprender a tocar el violonchelo, Principij da imparare a suonare il violoncello e con 12 Toccate a solo de Francesco Supriani (antes de 1753), data de esta época. Como sugiere el título de la obra, contiene 12 tocatas para violonchelo solo, que junto con las Suites para violonchelo de Johann Sebastian Bach, son algunas de las primeras obras de ese tipo.
De la época clásica destacan los dos conciertos de Joseph Haydn en do mayor y re mayor, así como las cinco sonatas para violonchelo y piano de Ludwig van Beethoven, que abarcan los tres importantes períodos de su evolución compositiva. Otros ejemplos destacados incluyen los tres Concerti de Carl Philipp Emanuel Bach, Capricci de dall'Abaco y Sonatas de Flackton, Boismortier y Luigi Boccherini. Un Divertimento para piano, clarinete, viola y violonchelo es una de las obras supervivientes de la duquesa Anna Amalia de Brunswick-Wolfenbüttel (1739–1807). Wolfgang Amadeus Mozart supuestamente escribió un Concierto para violonchelo en fa mayor, K. 206a en 1775, pero desde entonces se ha perdido. Su Sinfonía Concertante en La mayor, K. 320e incluye una parte solista para violonchelo, junto con el violín y la viola, aunque esta obra está incompleta y solo existe en fragmentos, por lo que se le asigna un número de Anhang (Anh. 104).
Obras conocidas de la era romántica incluyen el Concierto de Robert Schumann, el Concierto de Antonín Dvořák, el primer Concierto de Camille Saint-Saëns, así como las dos sonatas y el Concierto doble de Johannes Brahms. Una revisión de las composiciones para violonchelo en la era romántica debe incluir a la compositora alemana Fanny Mendelssohn (1805–1847), quien escribió Fantasía en sol menor para violonchelo y piano y un Capriccio en la bemol para violonchelo.
Las composiciones de finales del siglo XIX y principios del XX incluyen tres sonatas para violonchelo (incluida la Sonata para violonchelo en do menor escrita en 1880) de Dame Ethel Smyth (1858–1944), el Concierto para violonchelo en mi menor de Edward Elgar, la Sonata para violonchelo y piano de Claude Debussy y las sonatas para violonchelo sin acompañamiento de Zoltán Kodály y Paul Hindemith. Las piezas que incluyen violonchelo fueron escritas por la fundadora del American Music Center, Marion Bauer (1882-1955) (dos sonatas en trío para flauta, violonchelo y piano) y Ruth Crawford Seeger (1901-1953) (Suite diafónica n. ° 2 para fagot y violonchelo).
La versatilidad del violonchelo lo hizo popular entre muchos compositores de esta época, como Sergei Prokofiev, Dmitri Shostakovich, Benjamin Britten, György Ligeti, Witold Lutoslawski y Henri Dutilleux. La compositora polaca Grażyna Bacewicz (1909–1969) estaba escribiendo para violonchelo a mediados del siglo XX con el Concierto n.° 1 para violonchelo y orquesta (1951), el Concierto n.° 2 para violonchelo y orquesta (1963) y en 1964 compuso su Cuarteto para cuatro violonchelos
En la década de 2010, el instrumento se encuentra en la música popular, pero se usaba más comúnmente en la música pop y disco de la década de 1970. Hoy en día, a veces aparece en grabaciones de pop y rock, cuyos ejemplos se mencionan más adelante en este artículo. El violonchelo también ha aparecido en importantes temas de hip-hop y R & Actuaciones B, como la actuación de las cantantes Rihanna y Ne-Yo en 2007 en los American Music Awards. El instrumento también ha sido modificado para la música clásica india por Nancy Lesh y Saskia Rao-de Haas.[5]
Historia
La familia del violín, incluidos los instrumentos del tamaño de un violonchelo, surgió c. 1500 como una familia de instrumentos distinta de la familia de la viola da gamba. Las primeras representaciones de la familia del violín, del norte de Italia c. 1530, muestran tres tamaños de instrumentos, que corresponden aproximadamente a lo que ahora llamamos violines, violas y violonchelos. Contrariamente a un concepto erróneo popular, el violonchelo no evolucionó de la viola da gamba, sino que existió junto a ella durante unos dos siglos y medio. La familia del violín también se conoce como la familia de la viola da braccio (que significa viola para el brazo), una referencia a la forma principal en que se sostienen los miembros de la familia. Esto es para distinguirlo de la familia de la viola da gamba (que significa viola para la pierna), en la que todos los miembros se sostienen con las piernas. Los probables predecesores de la familia del violín incluyen la lira da braccio y el rabel. Los primeros violonchelos supervivientes están hechos por Andrea Amati, el primer miembro conocido de la célebre familia de luthiers Amati.
El antepasado directo del violoncello fue el violín bajo. Monteverdi se refirió al instrumento como "basso de viola da braccio" en Orfeo (1607). Aunque el primer violín bajo, posiblemente inventado ya en 1538, probablemente se inspiró en la viola, fue creado para usarse junto con el violín. En realidad, el violín bajo a menudo se denominaba "violone", o "viola grande", al igual que las violas del mismo período. Instrumentos que comparten características tanto con el violín bajo como con la viola da gamba aparecen en el arte italiano de principios del siglo XVI.
La invención de las cuerdas bobinadas (alambre fino alrededor de un núcleo de tripa delgado), alrededor de 1660 en Bolonia, permitió un sonido de bajo más fino que el que era posible con cuerdas puramente de tripa en un cuerpo tan corto. Los fabricantes boloñeses explotaron esta nueva tecnología para crear el violonchelo, un instrumento algo más pequeño adecuado para el repertorio solista debido tanto al timbre del instrumento como al hecho de que el tamaño más pequeño facilitaba la ejecución de pasajes virtuosos. Sin embargo, este instrumento también tenía desventajas. El sonido ligero del violonchelo no era tan adecuado para tocar en la iglesia y en un conjunto, por lo que tuvo que ser doblado por órgano, tiorba o violón.
Alrededor de 1700, los intérpretes italianos popularizaron el violonchelo en el norte de Europa, aunque el violín bajo (basse de violon) siguió utilizándose durante otras dos décadas en Francia. Muchos violines bajos existentes fueron literalmente recortados en tamaño para convertirlos en violonchelos de acuerdo con el patrón más pequeño desarrollado por Stradivarius, quien también fabricó una serie de violonchelos grandes de patrón antiguo (el "Servais"). Los tamaños, nombres y afinaciones del violonchelo variaron ampliamente según la geografía y el tiempo. El tamaño no se estandarizó hasta alrededor de 1750.
A pesar de las similitudes con la viola da gamba, el violonchelo es en realidad parte de la familia viola da braccio, que significa "viol del brazo", que incluye, entre otros, el violín y la viola. Aunque pinturas como 'La boda rústica' de Bruegel y Jambe de Fer en su Epítome musical sugieren que el violín bajo tenía posiciones alternas para tocar, estas fueron efímeras y la posición más práctica y ergonómica a gamba eventualmente los reemplazó por completo.
Los violonchelos de la época barroca diferían del instrumento moderno en varios aspectos. El mástil tiene una forma y ángulo diferente, que coincide con la barra de bajo barroca y las cuerdas. Además, el diapasón suele ser más corto que el del violonchelo moderno, ya que en la música barroca no se requieren las notas más altas. Los violonchelos modernos tienen un pasador en la parte inferior para sostener el instrumento (y transmitir parte del sonido a través del piso), mientras que los violonchelos barrocos están sostenidos solo por las pantorrillas del ejecutante. Los arcos modernos se curvan y se sostienen en la rana; Los arcos barrocos se curvan y se mantienen más cerca del punto de equilibrio del arco. Las cuerdas modernas normalmente tienen un núcleo de metal, aunque algunas usan un núcleo sintético; Las cuerdas barrocas están hechas de tripa, con las cuerdas G y C enrolladas con alambre. Los violonchelos modernos a menudo tienen afinadores finos que conectan las cuerdas al cordal, lo que hace que sea mucho más fácil afinar el instrumento, pero tales clavijas se vuelven ineficaces debido a la flexibilidad de las cuerdas de tripa que se usan en los violonchelos barrocos. En general, el instrumento moderno tiene una tensión de cuerdas mucho más alta que el violonchelo barroco, lo que da como resultado un tono más fuerte y con más proyección, con menos armónicos.
Pocas obras educativas específicamente dedicadas al violonchelo existían antes del siglo XVIII y las que existen contienen poco valor para el intérprete más allá de simples explicaciones de la técnica instrumental. Uno de los primeros manuales de violonchelo es el Méthode, thèorique et pratique pour apprendre en peu de temps le violoncelle dans saperfect de Michel Corrette (París, 1741).
Uso moderno
Orquestal
Los violonchelos son parte de la orquesta sinfónica estándar, que generalmente incluye de ocho a doce violonchelistas. La sección de violonchelos, en asientos orquestales estándar, está ubicada a la izquierda del escenario (a la derecha del público) en el frente, frente a la sección de primeros violines. Sin embargo, algunas orquestas y directores prefieren cambiar la posición de las secciones de viola y violonchelo. El violonchelista principal es el líder de la sección, determina las inclinaciones para la sección junto con otros principales de cuerda, toca solos y dirige las entradas (cuando la sección comienza a desempeñar su parte). Los actores principales siempre se sientan más cerca de la audiencia.
Los violonchelos son una parte fundamental de la música orquestal; todas las obras sinfónicas involucran la sección de violonchelo, y muchas piezas requieren violonchelo solo o solos. La mayor parte del tiempo, los violonchelos proporcionan parte de la armonía de registro bajo para la orquesta. A menudo, la sección de violonchelos toca la melodía durante un breve período, antes de volver a la función de armonía. También hay conciertos para violonchelo, que son piezas orquestales que presentan a un violonchelista solista acompañado por una orquesta completa.
Solo
Hay numerosos conciertos para violonchelo, en los que un violonchelo solista está acompañado por una orquesta, en particular, 25 de Vivaldi, 12 de Boccherini, al menos tres de Haydn, tres de C. P. E. Bach, dos de Saint-Saëns, dos de Dvořák y uno de Robert Schumann, Lalo y Elgar. También hubo algunos compositores que, aunque no eran violonchelistas, escribieron un repertorio específico para violonchelo, como Nikolaus Kraft, que escribió seis conciertos para violonchelo. El Triple Concierto para violonchelo, violín y piano de Beethoven y el de Brahms. El Concierto doble para violonchelo y violín también forman parte del repertorio concertante aunque en ambos casos el violonchelo comparte funciones solistas con al menos otro instrumento. Además, varios compositores escribieron piezas a gran escala para violonchelo y orquesta, que son conciertos en todo menos en el nombre. Algunos "conciertos" familiares son Richard Strauss' poema sinfónico Don Quijote, Variaciones sobre un tema rococó de Tchaikovsky, Schelomo de Bloch y de Bruch i>Kol Nidrei.
En el siglo XX, el repertorio de violonchelos creció enormemente. Esto se debió en parte a la influencia del virtuoso violonchelista Mstislav Rostropovich, quien inspiró, encargó y estrenó decenas de obras nuevas. Entre estos, el Concierto-Sinfonía de Prokofiev, la Sinfonía para violonchelo de Britten, los conciertos de Shostakovich y Lutosławski, así como el Tout un monde lointain... ya forman parte del repertorio estándar. Otros compositores importantes que escribieron obras concertantes para él incluyen Messiaen, Jolivet, Berio y Penderecki. Además, Arnold, Barber, Glass, Hindemith, Honegger, Ligeti, Myaskovsky, Penderecki, Rodrigo, Villa-Lobos y Walton también escribieron importantes conciertos para otros violonchelistas, en particular para Gaspar Cassadó, Aldo Parisot, Gregor Piatigorsky, Siegfried Palm y Julian Lloyd. Webber.
También hay muchas sonatas para violonchelo y piano. Los escritos por Beethoven, Mendelssohn, Chopin, Brahms, Grieg, Rachmaninoff, Debussy, Fauré, Shostakovich, Prokofiev, Poulenc, Carter y Britten son particularmente conocidos.
Otras piezas importantes para violonchelo y piano incluyen las cinco Stücke im Volkston de Schumann y transcripciones como la Arpeggione Sonata de Schubert (originalmente para arpegione y piano).), la Sonata para violonchelo de César Franck (originalmente una sonata para violín, transcrita por Jules Delsart con la aprobación del compositor), la Suite italienne de Stravinsky (transcrita por el compositor – con Gregor Piatigorsky – de su ballet Pulcinella) y la primera rapsodia de Bartók (también transcrita por el compositor, originalmente para violín y piano).
Hay piezas para violonchelo solo, las seis Suites para violonchelo de Johann Sebastian Bach (que se encuentran entre las piezas para violonchelo solo más conocidas), la Sonata para violonchelo solo de Kodály y las tres Suites para violonchelo de Britten. Suites para violonchelo. Otros ejemplos notables incluyen las sonatas para violonchelo solo de Hindemith e Ysaÿe, Trois Strophes sur le Nom de Sacher de Dutilleux, Les Mots de Berio Sont Allés, la Suite para violonchelo solo de Cassadó, la Sonata solo de Ligeti, las dos Figment de Carter y la de Xenakis. Nomos Alpha y Kottos.
También hay piezas solistas modernas escritas para violonchelo. Como Julie-O de Mark Summer.
Cuartetos y otros conjuntos
El violonchelo es miembro del cuarteto de cuerda tradicional, así como de quintetos de cuerda, sextetos o tríos y otros conjuntos mixtos. También hay piezas escritas para dos, tres, cuatro o más violonchelos; este tipo de conjunto también se denomina "coro de violonchelos" y su sonido es familiar por la introducción a la Obertura de Guillermo Tell de Rossini, así como por la escena de oración de Zaccharia en Nabucco de Verdi. La Obertura de 1812 de Tchaikovsky también comienza con un conjunto de violonchelos, con cuatro violonchelos tocando las líneas superiores y dos violas tocando las líneas de bajo. Como conjunto autosuficiente, su repertorio más famoso es Heitor Villa-Lobos' primera de sus Bachianas Brasileiras para conjunto de violonchelos (la quinta es para soprano y 8 violonchelos). Otros ejemplos son los dúos, cuartetos y sextetos de violonchelos de Offenbach, Fratres de Pärt para ocho violonchelos y Boulez's. Messagesquisse para siete violonchelos, o incluso Villa-Lobos' rara vez interpretó Fantasia Concertante (1958) para 32 violonchelos. Los 12 violonchelistas de la Orquesta Filarmónica de Berlín (o "los Doce" como se les ha llamado desde entonces) se especializan en este repertorio y han encargado muchas obras, incluidos arreglos de conocidas canciones populares.
Música popular, jazz, músicas del mundo y neoclásico
El violonchelo es menos común en la música popular que en la música clásica. Varias bandas cuentan con un violonchelo en su formación estándar, incluidos Hoppy Jones de Ink Spots y Joe Kwon de Avett Brothers. El uso más común en el pop y el rock es traer el instrumento para una canción en particular. En la década de 1960, artistas como los Beatles y Cher utilizaron el violonchelo en la música popular, en canciones como The Beatles' 'Ayer', 'Eleanor Rigby' y 'Strawberry Fields Forever', y 'Bang Bang (My Baby Shot Me Down)' de Cher. "Buenas vibraciones" de los Beach Boys incluye el violonchelo en su conjunto instrumental, que incluye una serie de instrumentos inusuales para este tipo de música. El bajista Jack Bruce, que originalmente había estudiado música con una beca de actuación para violonchelo, interpretó un papel prominente de violonchelo en "As You Said" en el álbum de estudio Wheels of Fire de Cream (1968).
En la década de 1970, la Electric Light Orchestra disfrutó de un gran éxito comercial inspirándose en los llamados "Beatlesque" arreglos, agregando el violonchelo (y el violín) a la formación combinada de rock estándar y en 1978 la banda de rock con sede en el Reino Unido, Colosseum II, colaboró con el violonchelista Julian Lloyd Webber en la grabación Variations. En particular, Pink Floyd incluyó un solo de violonchelo en su épica instrumental de 1970 'Atom Heart Mother'. El bajista Mike Rutherford de Genesis era originalmente violonchelista e incluyó algunas partes de violonchelo en su álbum Foxtrot.
Los grupos de violonchelos no tradicionales establecidos incluyen Apocalyptica, un grupo de violonchelistas finlandeses más conocidos por sus versiones de canciones de Metallica, Rasputina, un grupo de violonchelistas comprometidos con un intrincado estilo de violonchelo entremezclado con música gótica, Massive Violins, un conjunto de siete violonchelistas cantantes conocidos por sus arreglos de rock, pop y éxitos clásicos, Von Cello, un poderoso trío de rock con frente de violonchelo, Break of Reality que mezcla elementos de la música clásica con el género más moderno de rock y metal, Cello Fury, una banda de violonchelo rock que interpreta música original mezclada entre rock y música clásica, y Jelloslave, un dúo de violonchelos de Minneapolis con dos percusionistas. Estos grupos son ejemplos de un estilo que se conoce como cello rock. El enlace del cuarteto de cuerdas cruzado también incluye un violonchelista. Silenzium y Cellissimo Quartet son grupos rusos (Novosibirsk) que tocan rock y metal y tienen cada vez más popularidad en Siberia. Cold Fairyland de Shanghái, China, está utilizando un violonchelo junto con una pipa como el principal instrumento solista para crear el rock progresivo (folclórico) oriental y occidental.
Las bandas más recientes que utilizan el violonchelo son Clean Bandit, Aerosmith, The Auteurs, Nirvana, Oasis, Ra Ra Riot, Smashing Pumpkins, James, Talk Talk, Phillip Phillips, OneRepublic, Electric Light Orchestra y la banda de rock barroco Arcade Fire. Un trío con sede en Atlanta, King Richard's Sunday Best, también utiliza un violonchelista en su formación. El llamado "pop de cámara" artistas como Kronos Quartet, The Vitamin String Quartet y Margot and the Nuclear So and So's también han hecho que el violonchelo sea común en el rock alternativo moderno. La banda de heavy metal System of a Down también ha hecho uso del rico sonido del violonchelo. La banda de indie rock The Stiletto Formal es conocida por usar un violonchelo como un elemento básico importante de su sonido; de manera similar, la banda de indie rock Canada emplea a dos violonchelistas en su formación. El grupo de orch-rock, The Polyphonic Spree, que ha sido pionero en el uso de instrumentos de cuerda y sinfónicos, emplea el violonchelo de formas muy creativas para muchos de sus temas "psicodélicos" melodías La primera banda de screamo de la ola I Would Set Myself On Fire For You presentaba un violonchelo y una viola para crear un sonido más orientado al folk. La banda Panic! at the Disco usa un violonchelo en su canción, "Build God, Then We'll Talk". El vocalista principal de la banda, Brendon Urie, también realizó la grabación del solo de violonchelo. Los Lumineers agregaron a la violonchelista Nela Pekarek a la banda en 2010. Ella toca el violonchelo, canta armonías y hace duetos.
En el jazz, los bajistas Oscar Pettiford y Harry Babasin fueron de los primeros en utilizar el violonchelo como instrumento solista; ambos afinaron sus instrumentos en cuartas, una octava por encima del contrabajo. Fred Katz (que no era bajista) fue uno de los primeros violonchelistas de jazz destacados en utilizar la afinación estándar y la técnica del arco del instrumento. Los violonchelistas de jazz contemporáneos incluyen a Abdul Wadud, Diedre Murray, Ron Carter, Dave Holland, David Darling, Lucio Amanti, Akua Dixon, Ernst Reijseger, Fred Lonberg-Holm, Tom Cora y Erik Friedlander. Las obras de teatro musical modernas como The Last Five Years de Jason Robert Brown, Spring Awakening de Duncan Sheik, Floyd Collins de Adam Guettel y My Life with Albertine de Ricky Ian Gordon usan cuerdas pequeñas. conjuntos (incluidos violonchelos solistas) en un grado destacado.
En la música clásica india, Saskia Rao-de Haas es una solista bien establecida, además de tocar a dúo con su marido, el sitarista Pt. Shubhendra Rao. Otros violonchelistas que interpretan música clásica india son Nancy Lesh (Dhrupad) y Anup Biswas. Tanto Rao como Lesh tocan el violonchelo sentados en el suelo con las piernas cruzadas.
El violonchelo también se puede usar en bluegrass y música folclórica, con músicos destacados como Ben Sollee del Sparrow Quartet y el "violonchelista cajún" Sean Grissom, así como Vyvienne Long que, además de sus propios proyectos, ha tocado para los de Damien Rice. Violonchelistas como Natalie Haas, Abby Newton y Liz Davis Maxfield han contribuido significativamente al uso del violonchelo en la música folclórica celta, a menudo con el violonchelo como instrumento melódico principal y empleando las habilidades y técnicas del violín tradicional. Lindsay Mac se está haciendo famosa por tocar el violonchelo como una guitarra, con su versión de The Beatles' 'Mirlo'.
Construcción
El violonchelo suele estar hecho de madera tallada, aunque se pueden utilizar otros materiales como fibra de carbono o aluminio. Un violonchelo tradicional tiene una tapa de abeto, con arce para la parte posterior, los lados y el mástil. A veces se utilizan otras maderas, como el álamo o el sauce, para el fondo y los aros. Los violonchelos menos costosos suelen tener tapas y fondos de madera laminada. Los violonchelos laminados se usan ampliamente en orquestas de escuelas primarias y secundarias y en orquestas juveniles, porque son mucho más duraderos que los violonchelos de madera tallada (es decir, es menos probable que se agrieten si se golpean o se caen) y son mucho menos costosos.
La tapa y el fondo se tallan tradicionalmente a mano, aunque los violonchelos menos costosos a menudo se fabrican a máquina. Los lados, o costillas, se hacen calentando la madera y doblándola alrededor de las formas. El cuerpo del violonchelo tiene un arco superior ancho, un medio estrecho formado por dos arcos C y un arco inferior ancho, con el puente y los agujeros F justo debajo del medio. La parte superior y posterior del violonchelo tienen una incrustación de borde decorativo conocida como fileteado. Si bien el fileteado es atractivo, también es funcional: si se golpea el instrumento, el fileteado puede evitar que se agriete la madera. Se puede formar una grieta en el borde del instrumento, pero no se extiende más. Sin filetear, las grietas pueden extenderse hacia arriba o hacia abajo en la parte superior o posterior. Tocar, viajar y el clima afectan al violonchelo y pueden aumentar el agrietamiento si no se colocan los filetes. Los instrumentos menos costosos suelen tener filetes pintados.
El diapasón y las clavijas de un violonchelo generalmente están hechos de ébano, ya que es fuerte y no se desgasta fácilmente.
Materiales alternativos
A fines de la década de 1920 y principios de la de 1930, la Aluminium Company of America (Alcoa), así como el luthier alemán G.A. Pfretzschner produjo un número desconocido de violonchelos de aluminio (además de contrabajos y violines de aluminio). El fabricante de violonchelos Luis & Clark construye violonchelos de fibra de carbono. Los instrumentos de fibra de carbono son particularmente adecuados para tocar al aire libre debido a la fuerza del material y su resistencia a la humedad y las fluctuaciones de temperatura. Luis &erio; Clark ha producido más de 1000 violonchelos, algunos de los cuales pertenecen a violonchelistas como Yo-Yo Ma y Josephine van Lier.
Mástil, diapasón, clavijero y pergamino
Sobre el cuerpo principal se encuentra el cuello tallado. El mástil tiene una sección transversal curva en la parte inferior, que es donde el pulgar del jugador pasa a lo largo del mástil mientras toca. El mástil conduce a un clavijero y al pergamino, que normalmente están tallados en una sola pieza de madera, generalmente de arce. El diapasón está pegado al mástil y se extiende sobre el cuerpo del instrumento. El diapasón tiene una forma curva, a juego con la curva del puente. Tanto el diapasón como el puente deben estar curvados para que el intérprete pueda tocar cuerdas individuales. Si el violonchelo tuviera un diapasón y un puente planos, como con una guitarra típica, el intérprete solo podría inclinar las dos cuerdas más a la izquierda y más a la derecha o inclinar todas las cuerdas. El intérprete no podría tocar las dos cuerdas internas solo.
La cejilla es una pieza de madera elevada, colocada donde el diapasón se une con el clavijero, en la que las cuerdas descansan en ranuras o ranuras poco profundas para mantenerlas separadas a la distancia correcta. El clavijero alberga cuatro clavijas de afinación cónicas, una para cada cuerda. Las clavijas se utilizan para afinar el violonchelo apretando o aflojando la cuerda. Las clavijas se denominan "clavijas de fricción", porque mantienen su posición por fricción. El pergamino es una parte ornamental tradicional del violonchelo y una característica de todos los demás miembros de la familia del violín. El ébano se usa generalmente para las clavijas de afinación, el diapasón y la cejilla, pero se pueden usar otras maderas duras, como el boj o el palo de rosa. Los accesorios negros de los instrumentos de bajo costo a menudo están hechos de madera económica que ha sido ennegrecida o "ebonizada" parecerse al ébano, que es mucho más duro y caro. Las piezas ebonizadas, como las clavijas de afinación, pueden agrietarse o partirse, y la superficie negra del diapasón eventualmente se desgastará para revelar la madera más clara que se encuentra debajo.
Cuerdas
Históricamente, las cuerdas de violonchelo tenían núcleos hechos de catgut, que, a pesar de su nombre, está hecho de intestinos de oveja o cabra. La mayoría de las cuerdas modernas utilizadas en la década de 2010 están enrolladas con materiales metálicos como aluminio, titanio y cromo. Los violonchelistas pueden mezclar diferentes tipos de cuerdas en sus instrumentos. Los tonos de las cuerdas al aire son C, G, D y A (cabezas de notas negras en el rango de reproducción de la figura anterior), a menos que el compositor especifique una afinación alternativa (scordatura). Algunos compositores (p. ej., Ottorino Respighi en el movimiento final de "Los pinos de Roma") piden que el Do bajo se afine a un Si bemol para que el intérprete pueda tocar una nota baja diferente en la cuerda al aire más baja.
Cola y pasador
El cordal y la pica se encuentran en la parte inferior del violonchelo. El cordal es la parte del violonchelo en la que termina la "bola" de las cuerdas se unen pasándolas a través de agujeros. El cordal está unido a la parte inferior del violonchelo. El cordal tradicionalmente está hecho de ébano u otra madera dura, pero también puede estar hecho de plástico o acero en instrumentos de menor costo. Une las cuerdas al extremo inferior del violonchelo y puede tener uno o más afinadores finos. Los afinadores finos se utilizan para realizar pequeños ajustes en el tono de la cuerda. Los afinadores finos pueden aumentar la tensión de cada cuerda (elevar el tono) o disminuir la tensión de la cuerda (bajar el tono). Cuando el ejecutante está poniendo una cuerda nueva, el afinador fino de esa cuerda normalmente se reinicia a una posición media, y luego se gira la clavija para llevar la cuerda al tono. Los torneros finos se utilizan para ajustes menores y sutiles del tono, como afinar un violonchelo con la nota A de 440 Hz del oboe o afinar el violonchelo con un piano.
La clavija o punta está hecha de madera, metal o fibra de carbono rígida y sostiene el violonchelo en la posición de ejecución. El pasador se puede retraer en el cuerpo hueco del instrumento cuando el violonchelo se transporta en su estuche. Esto hace que el violonchelo sea más fácil de mover. Cuando el ejecutante desea tocar el violonchelo, se saca el pasador para alargarlo. El pasador se bloquea en la longitud preferida del jugador con un mecanismo de tornillo. La naturaleza ajustable de los endpins permite a los artistas de diferentes edades y tamaños corporales ajustar la longitud del endpin para que se adapte a ellos. En el período barroco, el violonchelo se sostenía entre las pantorrillas, ya que en ese momento no había pasador. El endpin fue "introducido por Adrien Servais c. 1845 para dar mayor estabilidad al instrumento". Los pasadores modernos son retráctiles y ajustables; los más antiguos se quitaron cuando no estaban en uso. (La palabra "endpin" a veces también se refiere al botón de madera ubicado en este lugar en todos los instrumentos de la familia del violín, pero generalmente se le llama "tailpin"). La punta afilada de el extremo del violonchelo a veces está cubierto con una punta de goma que evita que la punta se desafile y evita que el violonchelo se deslice por el suelo. Muchos violonchelistas usan una almohadilla de goma con una copa de metal para evitar que la punta se deslice por el suelo. Existe una serie de accesorios para evitar que el pasador se deslice; estos incluyen cuerdas que se unen a la pata de la silla y otros dispositivos.
Puente y f-agujeros
El puente sostiene las cuerdas sobre el violonchelo y transfiere sus vibraciones a la parte superior del instrumento y al poste de sonido en el interior (ver más abajo). El puente no está pegado sino sostenido por la tensión de las cuerdas. El puente generalmente se coloca en el punto de cruce del "agujero f" (es decir, donde se encuentra la línea horizontal en la "f"). Los agujeros F, llamados así por su forma, están ubicados a ambos lados del puente y permiten que el aire entre y salga del instrumento como parte del proceso de producción de sonido. Probablemente en realidad representan una S medial de estilo antiguo, para palabras relacionadas con el sonido. Los agujeros f también actúan como puntos de acceso al interior del violonchelo para reparaciones o mantenimiento. A veces, se inserta un pequeño tramo de manguera de goma que contiene una esponja empapada en agua, llamada Dampit, a través de los orificios en F y sirve como humidificador. Esto evita que los componentes de madera del violonchelo se sequen.
Características internas
Internamente, el violonchelo tiene dos características importantes: una barra de bajo, que está pegada a la parte inferior de la parte superior del instrumento, y un poste de sonido redondo de madera, un cilindro de madera maciza que se encaja entre las placas superior e inferior. La barra de bajo, que se encuentra debajo del pie de bajo del puente, sirve para sostener la parte superior del violonchelo y distribuir las vibraciones de las cuerdas al cuerpo del instrumento. El poste de sonido, que se encuentra debajo del lado de los agudos del puente, conecta la parte posterior y frontal del violonchelo. Al igual que el puente, la barra de sonido no está pegada sino que se mantiene en su lugar gracias a las tensiones del puente y las cuerdas. Juntos, la barra de bajos y el poste de sonido transfieren las cuerdas. vibraciones en la parte superior (frontal) del instrumento (y en menor medida en la parte posterior), actuando como un diafragma para producir el sonido del instrumento.
Pegamento
Los violonchelos se construyen y reparan con pegamento de piel, que es fuerte pero reversible, lo que permite desmontarlos cuando sea necesario. Las tapas se pueden pegar con pegamento diluido ya que algunas reparaciones requieren que se quite la tapa. Teóricamente, el pegamento para pieles es más débil que la madera del cuerpo, por lo que cuando la parte superior o trasera se encoge de lado a lado, el pegamento que lo sostiene se suelta y la placa no se agrieta. Los violonchelistas que reparan grietas en su violonchelo no usan pegamento normal para madera, porque no se puede abrir con vapor cuando un luthier tiene que hacer una reparación.
Arco
Tradicionalmente, los arcos se fabrican con pernambuco o palo brasil. Ambos provienen de la misma especie de árbol (Caesalpinia echinata), pero Pernambuco, utilizado para arcos de mayor calidad, es el duramen del árbol y es de color más oscuro que el palo Brasil (que a veces se tiñe para compensar). Pernambuco es una madera pesada, resinosa y con gran elasticidad, lo que la convierte en una madera ideal para arcos de instrumentos. La crin de caballo se estira entre los dos extremos del arco. La crin de caballo tensa se pasa sobre las cuerdas, mientras se mantiene más o menos paralela al puente y perpendicular a las cuerdas, para producir sonido. Se gira una pequeña perilla para aumentar o disminuir la tensión de la crin. La tensión del arco se libera cuando no se utiliza el instrumento. La cantidad de tensión que un violonchelista pone en el arco depende de las preferencias del ejecutante, el estilo de música que se toca y, para los estudiantes, las preferencias de su maestro.
Los arcos también están hechos de otros materiales, como la fibra de carbono (más fuerte que la madera) y la fibra de vidrio (a menudo se usa para hacer arcos de estudiante económicos y de menor calidad). Un arco de violonchelo promedio mide 73 cm (29 pulg.) de largo (más corto que un arco de violín o viola), 3 cm (1,2 pulg.) de alto (desde la ranilla hasta el palo) y 1,5 cm (0,59 pulg.) de ancho. La rana de un arco de violonchelo generalmente tiene una esquina redondeada como la de un arco de viola, pero es más ancha. Un arco de violonchelo es aproximadamente 10 g (0,35 oz) más pesado que un arco de viola, que a su vez es aproximadamente 10 g (0,35 oz) más pesado que un arco de violín.
El pelo de lazo es tradicionalmente crin de caballo, aunque también se utiliza pelo sintético, en varios colores. Antes de tocar, el músico aprieta el arco girando un tornillo para tirar de la rana (la parte del arco debajo de la mano) hacia atrás y aumentar la tensión del cabello. El jugador aplica colofonia para hacer que el cabello quede pegajoso. Los lazos deben volver a peinarse periódicamente. Los arcos de violonchelo de estilo barroco (1600-1750) eran mucho más gruesos y se formaron con un arco exterior más grande en comparación con los arcos de violonchelo modernos. El arco interior de un arco de violonchelo moderno produce una mayor tensión, que a su vez emite un sonido más fuerte.
El arco de violonchelo también se ha utilizado para tocar guitarras eléctricas. Jimmy Page fue pionero en su aplicación en pistas como 'Dazed and Confused'. El cantante principal de la banda islandesa de post-rock Sigur Rós suele tocar la guitarra con un arco de violonchelo.
En 1989, el violonchelista alemán Michael Bach comenzó a desarrollar un arco curvo, animado por John Cage, Dieter Schnebel, Mstislav Rostropovich y Luigi Colani: y desde entonces se han compuesto muchas piezas especialmente para él. Este arco curvo (BACH.Bow) es un arco curvo convexo que, a diferencia del arco ordinario, permite tocar polifónicamente en las distintas cuerdas del instrumento. El repertorio solista para violín y violonchelo de J. S. Bach el BACH.Bow es especialmente adecuado para ello: y fue desarrollado con esto en mente, siendo necesaria una interpretación polifónica además de monofónica.
Física
Aspectos físicos
Cuando una cuerda se arquea o se puntea, vibra y mueve el aire a su alrededor, produciendo ondas de sonido. Debido a que la cuerda es bastante delgada, la cuerda en sí misma no mueve mucho aire y, en consecuencia, si la cuerda no estuviera montada en un cuerpo hueco, el sonido sería débil. En instrumentos acústicos de cuerda como el violonchelo, esta falta de volumen se soluciona montando la cuerda vibrante sobre un cuerpo hueco de madera más grande. Las vibraciones se transmiten al cuerpo más grande, que puede mover más aire y producir un sonido más fuerte. Los diferentes diseños del instrumento producen variaciones en los patrones vibratorios del instrumento y, por lo tanto, cambian el carácter del sonido producido. El tono fundamental de una cuerda se puede ajustar cambiando su rigidez, que depende de la tensión y la longitud. Apretar una cuerda la endurece al aumentar tanto las fuerzas externas a lo largo de su longitud como las fuerzas netas que experimenta durante una distorsión. Un violonchelo se puede afinar ajustando la tensión de sus cuerdas, girando las clavijas de afinación montadas en su clavijero y los ajustadores de tensión (afinadores finos) en el cordal.
La longitud de una cuerda también afecta su tono fundamental. Acortar una cuerda la endurece al aumentar su curvatura durante una distorsión y someterla a fuerzas netas más grandes. Acortar la cuerda también reduce su masa, pero no altera la masa por unidad de longitud, y es esta última relación más que la masa total la que gobierna la frecuencia. La cuerda vibra en una onda estacionaria cuya velocidad de propagación viene dada por √T/m, donde T es la tensión y m es la masa por unidad de longitud; hay un nodo en cada extremo de la longitud de vibración y, por lo tanto, la longitud de vibración l es la mitad de una longitud de onda. Dado que la frecuencia de cualquier onda es igual a la velocidad dividida por la longitud de onda, tenemos frecuencia = 1/2l × √T/m . (Algunos escritores, incluido Muncaster (citado a continuación) usan la letra griega μ en lugar de m). Por lo tanto, acortar una cuerda aumenta la frecuencia y, por lo tanto, el tono. Debido a este efecto, puede elevar y cambiar el tono de una cuerda presionándola contra el diapasón en el cuello del violonchelo y acortándola de manera efectiva. Del mismo modo, las cuerdas con menos masa por unidad de longitud, si están bajo la misma tensión, tendrán una frecuencia más alta y, por lo tanto, un tono más alto que las cuerdas más masivas. Esta es una de las principales razones por las que las diferentes cuerdas de todos los instrumentos de cuerda tienen diferentes tonos fundamentales, siendo las cuerdas más ligeras las que tienen los tonos más altos.
Una nota tocada de Mi o Fa sostenido tiene una frecuencia que a menudo es muy cercana a la frecuencia de resonancia natural del cuerpo del instrumento, y si no se soluciona el problema, esto puede hacer que el cuerpo casi resuene. Esto puede causar una desagradable amplificación repentina de este tono y, además, un fuerte sonido de latido resulta de la interferencia producida entre estas frecuencias cercanas; esto se conoce como el “tono de lobo” porque es un gruñido desagradable. La resonancia de la madera parece estar dividida en dos frecuencias por la fuerza impulsora de la cuerda que suena. Estas dos resonancias periódicas golpean entre sí. Este tono de lobo debe eliminarse o reducirse significativamente para que el violonchelo toque las notas cercanas con un tono agradable. Esto se puede lograr modificando la placa frontal del violonchelo, colocando un eliminador de lobos (un cilindro de metal o un cilindro de goma revestido de metal) o moviendo el poste de sonido.
Cuando se arquea o pulsa una cuerda para producir una nota, la nota fundamental se acompaña de sobretonos de frecuencia más alta. Cada sonido tiene una receta particular de frecuencias que se combinan para formar el sonido total.
Técnica de juego
Tocar el violonchelo se hace sentado con el instrumento sostenido en el suelo por el pasador. La mano derecha inclina (oa veces puntea) las cuerdas para hacer sonar las notas. Las yemas de los dedos de la mano izquierda detienen las cuerdas a lo largo de su longitud, determinando el tono de cada nota digitada. Detener la cuerda más cerca del puente da como resultado un sonido más agudo porque la longitud de la cuerda vibrante se ha acortado. Por el contrario, una cuerda parada más cerca de las clavijas de afinación produce un sonido más bajo. En las posiciones de mástil (que utilizan poco menos de la mitad del diapasón, más cerca de la parte superior del instrumento), el pulgar descansa en la parte posterior del mástil; en posición del pulgar (un nombre general para las notas en el resto del diapasón), el pulgar generalmente descansa junto a los dedos en la cuerda. Luego, el lado del pulgar se usa para tocar notas. Los dedos normalmente se mantienen curvos con cada nudillo doblado, con las yemas de los dedos en contacto con la cuerda. Si se requiere un dedo en dos (o más) cuerdas a la vez para tocar quintas perfectas (en paradas dobles o acordes), se usa bemol. El punto de contacto puede alejarse ligeramente de la uña a la yema del dedo en una interpretación más lenta o más expresiva, lo que permite un vibrato más pleno.
El vibrato es una pequeña oscilación en el tono de una nota, generalmente considerada una técnica expresiva. Cuanto más cerca del puente esté la nota, menor será la oscilación necesaria para crear el efecto. Los armónicos tocados en el violonchelo se dividen en dos clases; naturales y artificiales. Los armónicos naturales se producen tocando ligeramente (pero sin presionar) la cuerda en ciertos lugares y luego arqueando (o, en raras ocasiones, punteando) la cuerda. Por ejemplo, el punto medio de la cuerda producirá un armónico que está una octava por encima de la cuerda sin dedos (abierta). Los armónicos naturales solo producen notas que son parte de la serie armónica en una cuerda en particular. Los armónicos artificiales (también llamados armónicos falsos o armónicos detenidos), en los que el ejecutante presiona completamente la cuerda con un dedo mientras toca la misma cuerda ligeramente con otro dedo, pueden producir cualquier nota por encima del Do central. Glissando (en italiano, "deslizar") es un efecto que se logra deslizando el dedo hacia arriba o hacia abajo en el diapasón sin soltar la cuerda. Esto hace que el tono suba y baje suavemente, sin pasos separados y perceptibles.
Al tocar el violonchelo, el arco es muy parecido a la respiración de un instrumentista de viento. Podría decirse que es un factor importante en la expresividad de la interpretación. La mano derecha sostiene el arco y controla la duración y el carácter de las notas. En general, el arco se pasa por las cuerdas aproximadamente a la mitad entre el extremo del diapasón y el puente, en dirección perpendicular a las cuerdas; sin embargo, es posible que el jugador desee mover el punto de contacto del arco hacia arriba o hacia abajo según el sonido deseado. El arco se sostiene y manipula con los cinco dedos de la mano derecha, con el pulgar opuesto a los dedos y más cerca del cuerpo del violonchelista. La producción de tonos y el volumen del sonido dependen de una combinación de varios factores. Los cuatro más importantes son el peso aplicado a la cuerda, el ángulo del arco sobre la cuerda, la velocidad del arco y la punto de contacto del pelo del arco con la cuerda (a veces abreviado WASP).
Las paradas dobles implican tocar dos notas simultáneamente. Se tocan dos cuerdas a la vez y se estira el arco para hacer sonar ambas. A menudo, al tocar con pizzicato, la cuerda se puntea directamente con los dedos o el pulgar de la mano derecha. Sin embargo, las cuerdas se pueden tocar con un dedo de la mano izquierda en ciertas piezas avanzadas, ya sea para que el violonchelista pueda tocar notas con arco en otra cuerda junto con notas de pizzicato o porque la velocidad de la pieza no le daría al ejecutante tiempo suficiente para tocar. arrancar con la mano derecha. En notación musical, pizzicato a menudo se abrevia como "pizz." La posición de la mano en pizzicato suele estar ligeramente sobre el diapasón y alejada del puente.
Un jugador que utiliza la técnica col legno golpea o frota las cuerdas con la madera del arco en lugar de con el pelo. Al tocar el spiccato, el arco aún se mueve en un movimiento horizontal sobre la cuerda, pero se le permite rebotar, generando un sonido más ligero y algo más percusivo. En staccato, el ejecutante mueve el arco una pequeña distancia y lo detiene en la cuerda, emitiendo un sonido corto, el resto de la duración escrita lo ocupa el silencio. Legato es una técnica en la que las notas se conectan suavemente sin interrupciones. Se indica mediante una ligadura (línea curva) por encima o por debajo, según su posición en el pentagrama, de las notas del pasaje que se va a tocar en legato.
Sul ponticello ("en el puente") se refiere a inclinarse más cerca (o casi) del puente, mientras que sul tasto (&# 34;en el diapasón") pide inclinarse más cerca (o sobre) el extremo del diapasón. En su extremo, sul ponticello produce un sonido áspero y estridente con énfasis en sobretonos y armónicos altos. Por el contrario, sul tasto produce un sonido más parecido al de una flauta que enfatiza la frecuencia fundamental de la nota y produce armónicos suavizados. Los compositores han usado ambas técnicas, particularmente en un escenario orquestal, para sonidos y efectos especiales.
Tamaños
Los violonchelos de tamaño estándar se denominan "de tamaño completo" o "4⁄4& #34; pero también se fabrican en tamaños más pequeños (fraccionales), incluidos 7⁄8, 3⁄4, 1⁄2, 1⁄4, 1⁄8, 1⁄10 y 1⁄16. Las fracciones se refieren al volumen en lugar de la longitud, por lo que un violonchelo de tamaño 1/2 es mucho más largo que la mitad de la longitud de un tamaño completo. Los violonchelos más pequeños son idénticos a los violonchelos estándar en cuanto a construcción, rango y uso, pero simplemente se reducen para el beneficio de los niños y adultos más bajos.
Violonchelos en tamaños superiores a 4⁄4 existen, y los violonchelistas con manos inusualmente grandes pueden necesitar un instrumento no estándar. Los violonchelos hechos antes de aproximadamente 1700 tendían a ser considerablemente más grandes que los que se fabrican y se tocan comúnmente en la actualidad. Alrededor de 1680, los cambios en la tecnología de fabricación de cuerdas hicieron posible tocar notas más graves en cuerdas más cortas. Los violonchelos de Stradivari, por ejemplo, se pueden dividir claramente en dos modelos: el estilo realizado antes de 1702, caracterizado por instrumentos más grandes (de los cuales solo existen tres en su tamaño y configuración originales), y el estilo realizado durante y después de 1707, cuando Stradivari comenzó a hacer violonchelos más pequeños. Este último modelo es el diseño más utilizado por los luthiers modernos. La longitud de escala de un violonchelo 4⁄4 mide unos 70 cm (27+1⁄2 pulgadas). El nuevo tamaño ofrecía una proyección tonal más completa y un mayor rango de expresión. El instrumento en esta forma podía contribuir musicalmente a más piezas y ofrecía la posibilidad de una mayor destreza física para que el ejecutante desarrollara la técnica.
| Medidas aproximadas 4.4 tamaño cello | Tamaño medio |
|---|---|
| Ancho aproximado horizontalmente de puntas de peluca a C | 16.0 cm (6.3 in) |
| Longitud de la espalda, excluyendo media vuelta donde el cuello se une | 75,4 cm (29,7 pulgadas) |
| Puños superiores (shoulders) | 34,0 cm (13,4 in) |
| Bouts inferiores (hips) | 43.9 cm (17.3 in) |
| Altura del puente | 8,9 cm (3,5 pulgadas) |
| Profundidad de la costilla en los hombros incluyendo los bordes del frente y la espalda | 12,4 cm (4,9 pulgadas) |
| Profundidad en las caderas incluyendo bordes | 12,7 cm (5.0 en) |
| Distancia debajo de la tabla de dedos a la superficie de la barriga en el cuello | 2,3 cm (0,9 en) |
| Puente hacia atrás profundidad total | 26,7 cm (10,5 in) |
| Altura total excluyendo el perno final | 120,9 cm (47,6 pulgadas) |
| Unidad de pin final y pico | 5,6 cm (2,2 in) |
Accesorios
Hay muchos accesorios para el violonchelo.
- Los casos se utilizan para proteger el cello y el arco (o múltiples arcos).
- La rosina, hecha a partir de resinas cortadas de coníferos, se aplica al cabello del arco para aumentar la eficacia de la fricción, el agarre o la mordida, y permitir la producción de sonido adecuada. Rosin puede tener aditivos para modificar la fricción como cera, oro, plata o estaño. Comúnmente, los rosinos se clasifican como oscuros o ligeros, refiriéndose al color.
- Las paradas o correas de endpin (incluidos los nombres de la parada de Rock y Black Hole) evitan que el cello se deslice si el endpin no tiene una pieza de goma al final, o si un piso es especialmente resbaladizo.
- Los eliminadores de tono de Wolf se colocan en cadenas de violonchelo entre la pieza trasera y el puente para eliminar anomalías acústicas conocidas como tonos de lobo o "lobos".
- Los mutes se utilizan para cambiar el sonido del cello añadiendo masa y rigidez al puente. Modifican la estructura de sobretone, modificando el timbre y reduciendo el volumen general de sonido producido por el instrumento.
- Metronomes proporcionan un tempo constante sonando un cierto número de golpes por minuto. Esta herramienta se utiliza a menudo para inculcar un sentido del ritmo en un músico. Actúa como un espejo para la estabilidad rítmica, permitiendo al músico analizar dónde se precipitan o arrastran un tempo.
- Los afinadores finos, ubicados en la pieza trasera, permiten que el violonchelo se ajuste fácilmente y con mayor precisión.
Fabricantes de instrumentos
Los violonchelos están hechos por luthiers, especialistas en la construcción y reparación de instrumentos de cuerda, que van desde guitarras hasta violines. Los siguientes luthiers se destacan por los violonchelos que han producido:
- Nicolò Amati y otros en la familia Amati
- Nicolò Gagliano
- Matteo Goffriller
- Giovanni Battista Guadagnini
- Andrea Guarneri
- Pietro Guarneri
- Charles Mennégand
- Domenico Montagnana
- Giovanni Battista Rogeri
- Francesco Ruggieri
- Stefano Scarampella
- Antonio Stradivari
- David Tecchler
- Carlo Giuseppe Testore
- Jean Baptiste Vuillaume
Vilonchelistas
La persona que toca el violonchelo se llama violonchelista. Para obtener una lista de violonchelistas notables, consulte la lista de violonchelistas y Categoría: Violonchelistas.
Instrumentos famosos
Los instrumentos específicos son famosos (o se vuelven famosos) por una variedad de razones. La notoriedad de un instrumento puede deberse a su antigüedad, la fama de su fabricante, su apariencia física, sus propiedades acústicas y su uso por parte de destacados intérpretes. Los instrumentos más famosos son generalmente conocidos por todas estas cosas. Los instrumentos más preciados ahora son artículos de colección y tienen un precio fuera del alcance de la mayoría de los músicos. Estos instrumentos suelen ser propiedad de algún tipo de organización o grupo de inversión, que puede prestar el instrumento a un actor destacado. (Por ejemplo, el Davidov Stradivarius, que actualmente está en posesión de uno de los violonchelistas vivos más conocidos, Yo-Yo Ma, en realidad es propiedad de la Fundación Vuitton).
Algunos violonchelos notables:
- el "Rey", de Andrea Amati, es uno de los más antiguos celulares conocidos, construidos entre 1538 y 1560, está en la colección del Museo Nacional de Música en Dakota del Sur.
- Servais Stradivarius está en la colección de la Institución Smithsonian, Washington DC.
- Batta-Piatigorsky Stradivarius, interpretado por Gregor Piatigorsky.
- Davidov Stradivarius, interpretado por Jacqueline du Pré, interpretado actualmente por Yo-Yo Ma.
- Barjansky Stradivarius, interpretado por Julian Lloyd Webber.
- Bonjour Stradivarius, interpretado por Soo Bae.
- Paganini-Ladenburg Stradivarius, interpretado por Clive Greensmith del Cuarteto de Tokio String.
- Duport Stradivarius, interpretada anteriormente por Mstislav Rostropovich.
- Piatti Stradivarius, 1720, interpretado por Carlos Prieto
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