Instrumento musical electronico

Robert Moog, inventor del sintetizador Moog

Un instrumento musical electrónico o electrófono es un instrumento musical que produce sonido utilizando circuitos electrónicos. Tal instrumento suena emitiendo una señal de audio eléctrica, electrónica o digital que finalmente se conecta a un amplificador de potencia que acciona un altavoz, creando el sonido que escuchan el intérprete y el oyente.

Un instrumento electrónico puede incluir una interfaz de usuario para controlar su sonido, a menudo ajustando el tono, la frecuencia o la duración de cada nota. Una interfaz de usuario común es el teclado musical, que funciona de manera similar al teclado de un piano acústico, excepto que con un teclado electrónico, el teclado en sí no emite ningún sonido. Un teclado electrónico envía una señal a un módulo de sintetizador, computadora u otro generador de sonido electrónico o digital, que luego crea un sonido. Sin embargo, es cada vez más común separar la interfaz de usuario y las funciones de generación de sonido en un controlador de música (dispositivo de entrada) y un sintetizador de música, respectivamente, con los dos dispositivos comunicándose a través de un lenguaje de descripción de interpretación musical como MIDI o Open Sound Control.

Todos los instrumentos musicales electrónicos pueden verse como un subconjunto de aplicaciones de procesamiento de señales de audio. Los instrumentos musicales electrónicos simples a veces se denominan efectos de sonido; la frontera entre los efectos de sonido y los instrumentos musicales reales a menudo no está clara.

En el siglo XXI, los instrumentos musicales electrónicos ahora se usan ampliamente en la mayoría de los estilos de música. En los estilos de música popular, como la música dance electrónica, casi todos los sonidos de instrumentos utilizados en las grabaciones son instrumentos electrónicos (por ejemplo, sintetizador de bajo, sintetizador, caja de ritmos). El desarrollo de nuevos instrumentos musicales electrónicos, controladores y sintetizadores sigue siendo un campo de investigación muy activo e interdisciplinario. Se han organizado conferencias especializadas, en particular la Conferencia Internacional sobre Nuevas Interfaces para la Expresión Musical, para informar sobre trabajos de vanguardia, así como para proporcionar un escaparate para artistas que interpretan o crean música con nuevos instrumentos, controladores y sintetizadores de música electrónica.

Clasificación

En musicología, los instrumentos musicales electrónicos se conocen como electrófonos. Los electrófonos son la quinta categoría de instrumentos musicales bajo el sistema Hornbostel-Sachs. Los musicólogos normalmente solo clasifican la música como electrófonos si el sonido se produce inicialmente con electricidad, excluyendo los instrumentos acústicos controlados electrónicamente, como los órganos de tubos, y los instrumentos amplificados, como las guitarras eléctricas.

La categoría fue añadida al sistema de clasificación de instrumentos musicales de Hornbostel-Sachs por Sachs en 1940, en su libro de 1940 La historia de los instrumentos musicales; la versión original de 1914 del sistema no lo incluía. Sachs dividió los electrófonos en tres subcategorías:

• 51=Instrumentos acústicos accionados electrónicamente (por ejemplo, órgano de tuberías con acción de rastreador electrónico)
• 52=Instrumentos amplificados electrónicamente (por ejemplo, guitarra acústica con recogida)
• 53=instrumentos que hacen sonido principalmente por medio de osciladores eléctricos

La última categoría incluía instrumentos como los theremines o los sintetizadores, a los que llamó instrumentos radioeléctricos.

Francis William Galpin proporcionó un grupo de este tipo en su propio sistema de clasificación, que está más cerca de Mahillon que de Sachs-Hornbostel. Por ejemplo, en el libro de Galpin de 1937 Un libro de texto de instrumentos musicales europeos, enumera los electrófonos con tres divisiones de segundo nivel para la generación de sonido ("por oscilación," & #34;electromagnético" y "electroestático"), así como categorías de tercer y cuarto nivel basadas en el método de control.

Los etnomusicólogos actuales, como Margaret Kartomi y Terry Ellingson, sugieren que, de acuerdo con el espíritu del esquema de clasificación original de Hornbostel Sachs, si uno categoriza los instrumentos por lo que primero produce el sonido inicial en el instrumento, esa única subcategoría 53 debe permanecer en la categoría de electrófonos. Así, más recientemente se ha propuesto, por ejemplo, que el órgano de tubos (incluso si utiliza la acción de teclas eléctricas para controlar las válvulas solenoides) permanezca en la categoría de aerófonos, y que la guitarra eléctrica permanezca en la categoría de cordófonos, y así sucesivamente.

Ejemplos tempranos

Diagrama de la clavecina électrique

En el siglo XVIII, músicos y compositores adaptaron una serie de instrumentos acústicos para explotar la novedad de la electricidad. Así, en el sentido más amplio, el primer instrumento musical electrificado fue el teclado Denis d'or, que data de 1753, seguido poco después por la clavecin électrique del francés Jean-Baptiste de Laborde en 1761. El Denis d'or consistía en un instrumento de teclado de más de 700 cuerdas, electrificado temporalmente para mejorar las cualidades sonoras. El clavecin électrique era un instrumento de teclado con púa (púas) activado eléctricamente. Sin embargo, ninguno de los instrumentos usaba electricidad como fuente de sonido.

El primer sintetizador eléctrico fue inventado en 1876 por Elisha Gray. El "Telégrafo Musical" fue un subproducto casual de su tecnología telefónica cuando Gray descubrió que podía controlar el sonido de un circuito electromagnético autovibrante y así inventó un oscilador básico. El Telégrafo Musical utilizaba cañas de acero que oscilaban mediante electroimanes y se transmitían a través de una línea telefónica. Gray también construyó un dispositivo de altavoz simple en modelos posteriores, que consistía en un diafragma que vibraba en un campo magnético.

Un invento significativo, que más tarde tuvo un profundo efecto en la música electrónica, fue el audión en 1906. Esta fue la primera válvula termoiónica o tubo de vacío y que condujo a la generación y amplificación de señales eléctricas, radiodifusión y electrónica. cómputo, entre otras cosas. Otros sintetizadores tempranos incluyeron Telharmonium (1897), Theremin (1919), Spharophon de Jörg Mager (1924) y Partiturophone, Electronde similar de Taubmann (1933), ondes Martenot de Maurice Martenot (& #34;Ondas de Martenot", 1928), Trautonium de Trautwein (1930). El Mellertion (1933) usaba una escala no estándar, el Dynaphone de Bertrand podía producir octavas y quintas perfectas, mientras que el Emicon era un instrumento estadounidense controlado por teclado construido en 1930 y el Hellertion alemán combinaba cuatro instrumentos para producir acordes. También aparecieron tres instrumentos rusos, la Croix Sonore de Oubouhof (1934), el microtonal 'Electronic Keyboard Oboe' de Ivor Darreg; (1937) y el sintetizador ANS, construido por el científico ruso Evgeny Murzin de 1937 a 1958. Solo se construyeron dos modelos de este último y el único ejemplo sobreviviente se encuentra actualmente almacenado en la Universidad Lomonosov de Moscú. Se ha utilizado en muchas películas rusas, como Solaris, para producir imágenes "cósmicas" sonidos

Hugh Le Caine, John Hanert, Raymond Scott, el compositor Percy Grainger (con Burnett Cross) y otros construyeron una variedad de controladores de música electrónica automatizados a finales de los años cuarenta y cincuenta. En 1959, Daphne Oram produjo un nuevo método de síntesis, su "Oramics" técnica, impulsada por dibujos en una tira de película de 35 mm; se utilizó durante varios años en el Taller Radiofónico de la BBC. Este taller también fue responsable del tema de la serie de televisión Doctor Who, una pieza, en gran parte creada por Delia Derbyshire, que más que ninguna otra aseguró la popularidad de la música electrónica en el Reino Unido.

Telarmonio

Consola de Telharmonium
por Thaddeus Cahill 1897

En 1897, Thaddeus Cahill patentó un instrumento llamado Telharmonium (o Teleharmonium, también conocido como Dynamaphone). Utilizando ruedas fónicas para generar sonidos musicales como señales eléctricas mediante síntesis aditiva, era capaz de producir cualquier combinación de notas y sobretonos, en cualquier nivel dinámico. Esta tecnología se utilizó más tarde para diseñar el órgano Hammond. Entre 1901 y 1910, Cahill hizo fabricar tres versiones progresivamente más grandes y complejas, la primera con un peso de siete toneladas y la última con más de 200 toneladas. La portabilidad se gestionaba únicamente por ferrocarril y con el uso de treinta vagones. Para 1912, el interés público había disminuido y la empresa de Cahill quebró.

Teremín

Theremin (1924)

Fingerboard Theremin

Otro acontecimiento, que despertó el interés de muchos compositores, ocurrió entre 1919 y 1920. En Leningrado, Leon Theremin construyó y demostró su Etherophone, que más tarde pasó a llamarse Theremin. Esto condujo a las primeras composiciones para instrumentos electrónicos, a diferencia de los matracas y las máquinas reutilizadas. El Theremin se destacó por ser el primer instrumento musical tocado sin tocarlo. En 1929, Joseph Schillinger compuso la Primera Suite Airfónica para Theremin y Orquesta, estrenada con la Orquesta de Cleveland con Leon Theremin como solista. Al año siguiente, Henry Cowell encargó a Theremin que creara la primera caja de ritmos electrónica, llamada Rhythmicon. Cowell escribió algunas composiciones para él, que él y Schillinger estrenaron en 1932.

Ondas Martenot

Ondes Martenot (ca.1974,
Modelo de séptima generación)

La década de 1920 ha sido llamada el ápice de la Era Mecánica y el amanecer de la Era Eléctrica. En 1922, en París, Darius Milhaud comenzó a experimentar con la "transformación vocal mediante el cambio de velocidad del fonógrafo". Estos continuaron hasta 1927. Esta década trajo una gran cantidad de instrumentos electrónicos tempranos; junto con el Theremin, está la presentación del Ondes Martenot, que fue diseñado para reproducir los sonidos microtonales que se encuentran en la música hindú, y el Trautonium. Maurice Martenot inventó las Ondes Martenot en 1928 y pronto las demostró en París. Los compositores que utilizan el instrumento en última instancia incluyen a Boulez, Honegger, Jolivet, Koechlin, Messiaen, Milhaud, Tremblay y Varèse. El guitarrista y multiinstrumentista de Radiohead Jonny Greenwood también lo usa en sus composiciones y en una plétora de canciones de Radiohead. En 1937, Messiaen escribió Fête des belles eaux para 6 ondes Martenot, y escribió partes solistas para él en Trois petites Liturgies de la Présence Divine (1943-1944) y el Turangalîla-Symphonie (1946–48/90).

Trautonio

Volks Trautonium (1933, Telefunken Ela T 42)

El Trautonium se inventó en 1928. Se basaba en la escala subarmónica y los sonidos resultantes se usaban a menudo para emular sonidos de campana o gong, como en las producciones de Bayreuth de la década de 1950 de Parsifal. En 1942, Richard Strauss lo utilizó para la parte de campana y gong en el estreno en Dresde de su Festival de Música Japonés. Esta nueva clase de instrumentos, de naturaleza microtonal, fue adoptada lentamente por los compositores al principio, pero a principios de la década de 1930 hubo una explosión de nuevas obras que incorporaban estos y otros instrumentos electrónicos.

Órgano Hammond y Novachord

Hammond Novachord (1939)

En 1929 Laurens Hammond estableció su empresa para la fabricación de instrumentos electrónicos. Continuó produciendo el órgano Hammond, que se basaba en los principios del Telharmonium, junto con otros desarrollos, incluidas las primeras unidades de reverberación. El órgano Hammond es un instrumento electromecánico, ya que utilizaba tanto elementos mecánicos como partes electrónicas. Un órgano Hammond usaba ruedas giratorias de metal para producir diferentes sonidos. Se utiliza una pastilla magnética de diseño similar a las pastillas de una guitarra eléctrica para transmitir los tonos de las ruedas fónicas a un amplificador y una caja de altavoz. Si bien el órgano Hammond fue diseñado para ser una alternativa de menor costo a un órgano de tubos para la música de la iglesia, los músicos pronto descubrieron que el Hammond era un excelente instrumento para el blues y el jazz; de hecho, se desarrolló todo un género de música en torno a este instrumento, conocido como trío de órganos (típicamente órgano Hammond, batería y un tercer instrumento, ya sea saxofón o guitarra).

El primer sintetizador fabricado comercialmente fue el Novachord, construido por Hammond Organ Company entre 1938 y 1942, que ofrecía polifonía de 72 notas usando 12 osciladores que impulsaban circuitos de división monoestable, control de envolvente básico y filtros resonantes de paso bajo.. El instrumento presentaba 163 tubos de vacío y pesaba 500 libras. El uso del control de envolvente del instrumento es significativo, ya que esta es quizás la distinción más significativa entre el sintetizador moderno y otros instrumentos electrónicos.

Síntesis analógica 1950–1980

Siemens Synthesizer en Siemens Studio For Electronic Music (ca.1959)

The RCA Mark II (ca.1957)

Los instrumentos electrónicos más utilizados son los sintetizadores, llamados así porque generan sonido artificialmente mediante diversas técnicas. Todas las primeras síntesis basadas en circuitos implicaban el uso de circuitos analógicos, en particular amplificadores, osciladores y filtros controlados por voltaje. Un desarrollo tecnológico importante fue la invención del sintetizador Clavivox en 1956 por Raymond Scott con subensamblaje de Robert Moog. El compositor e ingeniero francés Edgard Varèse creó una variedad de composiciones utilizando trompetas, silbatos y cintas electrónicas. En particular, escribió Poème électronique para el pabellón Phillips en la Exposición Universal de Bruselas en 1958.

Sintetizadores modulares

RCA produjo dispositivos experimentales para sintetizar voz y música en la década de 1950. El sintetizador de música Mark II, ubicado en el Centro de música electrónica de Columbia-Princeton en la ciudad de Nueva York. Diseñado por Herbert Belar y Harry Olson en RCA, con contribuciones de Vladimir Ussachevsky y Peter Mauzey, se instaló en la Universidad de Columbia en 1957. Constaba de una matriz del tamaño de una habitación de componentes de síntesis de sonido interconectados, solo era capaz de producir música programando, utilizando un secuenciador de cinta de papel perforado con agujeros para controlar las fuentes y los filtros de tono, similar a una pianola mecánica pero capaz de generar una amplia variedad de sonidos. El sistema de tubos de vacío tuvo que ser parcheado para crear timbres.

Robert Moog

En la década de 1960, los sintetizadores todavía estaban confinados a los estudios debido a su tamaño. Por lo general, tenían un diseño modular, sus fuentes de señal independientes y procesadores conectados con cables de conexión o por otros medios y controlados por un dispositivo de control común. Harald Bode, Don Buchla, Hugh Le Caine, Raymond Scott y Paul Ketoff fueron de los primeros en construir este tipo de instrumentos, a finales de la década de 1950 y principios de la de 1960. Buchla más tarde produjo un sintetizador modular comercial, el Buchla Music Easel. Robert Moog, que había sido alumno de Peter Mauzey y uno de los ingenieros de RCA Mark II, creó un sintetizador que los músicos podían utilizar razonablemente y diseñó los circuitos mientras estaba en Columbia-Princeton. El sintetizador Moog se exhibió por primera vez en la convención de la Audio Engineering Society en 1964. Requería experiencia para configurar los sonidos, pero era más pequeño e intuitivo que los anteriores, menos como una máquina y más como un instrumento musical. Moog estableció estándares para la interfaz de control, utilizando un logarítmico de 1 voltio por octava para el control de tono y una señal de activación separada. Esta estandarización permitió que los sintetizadores de diferentes fabricantes funcionaran simultáneamente. El control de tono generalmente se realizaba con un teclado estilo órgano o un secuenciador de música que producía una serie cronometrada de voltajes de control. A fines de la década de 1960, cientos de grabaciones populares utilizaron sintetizadores Moog. Otros de los primeros fabricantes de sintetizadores comerciales incluyeron a ARP, que también comenzó con sintetizadores modulares antes de producir instrumentos todo en uno, y la firma británica EMS.

Minimoog (1970, R.A.Moog)

Sintetizadores integrados

En 1970, Moog diseñó el Minimoog, un sintetizador no modular con un teclado integrado. Los circuitos analógicos se interconectaron con interruptores en un arreglo simplificado llamado "normalización". Aunque menos flexible que un diseño modular, la normalización hizo que el instrumento fuera más portátil y fácil de usar. El Minimoog vendió 12.000 unidades. Estandarizó aún más el diseño de los sintetizadores posteriores con su teclado integrado, ruedas de tono y modulación y flujo de señal VCO->VCF->VCA. Se ha hecho célebre por su "grasa" sonido—y sus problemas de afinación. Los componentes miniaturizados de estado sólido permitieron que los sintetizadores se convirtieran en instrumentos portátiles autónomos que pronto aparecieron en presentaciones en vivo y rápidamente se usaron ampliamente en la música popular y la música artística electrónica.

Yamaha GX-1 (ca.1973)

Sistema modular E-mu (ca.1973)

Circuitos secuenciales Profeta-5 (1977)

Polifonía

Muchos de los primeros sintetizadores analógicos eran monofónicos y producían solo un tono a la vez. Los sintetizadores monofónicos populares incluyen el Moog Minimoog. Algunos, como Moog Sonic Six, ARP Odyssey y EML 101, podían producir dos tonos diferentes al mismo tiempo cuando se presionaban dos teclas. La polifonía (múltiples tonos simultáneos, que permiten acordes) solo se podía obtener al principio con diseños de órganos electrónicos. Los teclados electrónicos populares que combinan circuitos de órgano con procesamiento de sintetizador incluyen ARP Omni y Moog's Polymoog y Opus 3.

En 1976 comenzaron a aparecer sintetizadores polifónicos asequibles, en particular el Yamaha CS-50, CS-60 y CS-80, el Sequential Circuits Prophet-5 y el Oberheim Four-Voice. Estos siguieron siendo complejos, pesados y relativamente costosos. La grabación de configuraciones en la memoria digital permitió el almacenamiento y recuperación de sonidos. El primer sintetizador polifónico práctico, y el primero en usar un microprocesador como controlador, fue el Sequential Circuits Prophet-5, presentado a fines de 1977. Por primera vez, los músicos tenían un sintetizador polifónico práctico que podía guardar todos los ajustes de las perillas en la memoria de la computadora y recuperarlos con solo tocar un botón. El paradigma de diseño del Prophet-5 se convirtió en un nuevo estándar, impulsando lentamente diseños modulares más complejos y recónditos.

Grabación en cinta

Phonogene (1953)
para musique concrète

Mellotron MkVI

En 1935, se realizó otro desarrollo significativo en Alemania. Allgemeine Elektricitäts Gesellschaft (AEG) demostró la primera grabadora de cinta magnética producida comercialmente, llamada Magnetophon. La cinta de audio, que tenía la ventaja de ser bastante liviana y de tener una buena fidelidad de audio, finalmente reemplazó a las grabadoras de cable más voluminosas.

El término "música electrónica" (que entró en uso por primera vez durante la década de 1930) llegó a incluir la grabadora como un elemento esencial: "sonidos producidos electrónicamente, grabados en cinta y arreglados por el compositor para formar una composición musical". También era indispensable para Musique concrète.

La cinta también dio lugar a los primeros teclados analógicos de reproducción de muestras, el Chamberlin y su sucesor más famoso, el Mellotron, un teclado polifónico electromecánico desarrollado y construido originalmente en Birmingham, Inglaterra, a principios de la década de 1960.

Secuenciador de sonido

Uno de los primeros secuenciadores digitales, EMS Synthi Sequencer 256 (1971)

Durante las décadas de 1940 y 1960, Raymond Scott, un compositor estadounidense de música electrónica, inventó varios tipos de secuenciadores de música para sus composiciones eléctricas. Los secuenciadores de pasos tocaban patrones rígidos de notas usando una cuadrícula de (generalmente) 16 botones o pasos, cada paso era 1/16 de un compás. Estos patrones de notas luego se encadenaron para formar composiciones más largas. Los secuenciadores de software se utilizaron continuamente desde la década de 1950 en el contexto de la música por computadora, incluida la música reproducida por computadora (secuenciador de software), la música compuesta por computadora (síntesis de música) y la música por computadora. generación de sonido (síntesis de sonido).

Era digital 1980–2000

Síntesis digital

Synclavier I (1977)

Synclavier PSMT (1984)

Yamaha GS-1 (1980)

Yamaha DX7 (1983) y Yamaha VL-1 (1994)

Los primeros sintetizadores digitales fueron experimentos académicos de síntesis de sonido utilizando computadoras digitales. La síntesis FM se desarrolló para este propósito; como una forma de generar sonidos complejos digitalmente con el menor número de operaciones computacionales por muestra de sonido. En 1983, Yamaha presentó el primer sintetizador digital independiente, el DX-7. Utilizaba síntesis de modulación de frecuencia (síntesis FM), desarrollada por primera vez por John Chowning en la Universidad de Stanford a finales de los años sesenta. Chowning obtuvo la licencia exclusiva de su patente de síntesis FM a Yamaha en 1975. Posteriormente, Yamaha lanzó sus primeros sintetizadores FM, el GS-1 y el GS-2, que eran costosos y pesados. Siguieron un par de versiones preestablecidas más pequeñas, los conjuntos combinados CE20 y CE25, dirigidos principalmente al mercado de órganos domésticos y con teclados de cuatro octavas. La tercera generación de sintetizadores digitales de Yamaha fue un éxito comercial; consistía en DX7 y DX9 (1983). Ambos modelos eran compactos, de precio razonable y dependían de circuitos integrados digitales personalizados para producir tonalidades de FM. El DX7 fue el primer sintetizador totalmente digital del mercado masivo. Se volvió indispensable para muchos artistas musicales de la década de 1980, y la demanda pronto superó la oferta. El DX7 vendió más de 200.000 unidades en tres años.

La serie DX no era fácil de programar, pero ofrecía un sonido de percusión detallado que provocó la desaparición del piano Rhodes electromecánico, que era más pesado y más grande que un sintetizador DX. Tras el éxito de la síntesis FM, Yamaha firmó un contrato con la Universidad de Stanford en 1989 para desarrollar la síntesis de guía de onda digital, lo que condujo al primer sintetizador de modelado físico comercial, el VL-1 de Yamaha, en 1994. El DX-7 era lo suficientemente asequible para aficionados y bandas jóvenes para comprar, a diferencia de los costosos sintetizadores de generaciones anteriores, que fueron utilizados principalmente por los mejores profesionales.

Muestreo

Un teclado de Fairlight CMI (1979)

Kurzweil K250 (1984)

El Fairlight CMI (instrumento musical informático), el primer sampler digital polifónico, fue el precursor de los sintetizadores basados en samples. Diseñado en 1978 por Peter Vogel y Kim Ryrie y basado en una computadora de doble microprocesador diseñada por Tony Furse en Sydney, Australia, Fairlight CMI les dio a los músicos la capacidad de modificar el volumen, atacar, decaer y usar efectos especiales como vibrato. Las formas de onda de muestra podrían mostrarse en la pantalla y modificarse con un lápiz óptico. El Synclavier de New England Digital era un sistema similar. Jon Appleton (con Jones y Alonso) inventó el sintetizador digital Dartmouth, que más tarde se convertiría en el Synclavier de New England Digital Corp. El Kurzweil K250, producido por primera vez en 1983, también fue un exitoso sintetizador de música digital polifónico, conocido por su capacidad para reproducir varios instrumentos sincrónicamente y por tener un teclado sensible a la velocidad.

Música por ordenador

Max Mathews (1970s) jugando un instrumento de software en tiempo real.

ISPW, sucesor de 4X, fue una plataforma DSP basada en i860 y NeXT, por IRCAM.

Un nuevo desarrollo importante fue la llegada de las computadoras con el propósito de componer música, en lugar de manipular o crear sonidos. Iannis Xenakis comenzó lo que se llama musique stochastique o música estocástica, que es un método de composición que emplea sistemas matemáticos de probabilidad. Se utilizaron diferentes algoritmos de probabilidad para crear una pieza bajo un conjunto de parámetros. Xenakis usó papel cuadriculado y una regla para ayudarse a calcular las trayectorias de velocidad del glissando para su composición orquestal Metastasis (1953–54), pero más tarde recurrió al uso de computadoras para componer piezas como ST /4 para cuarteto de cuerdas y ST/48 para orquesta (ambos de 1962).

El impacto de las computadoras continuó en 1956. Lejaren Hiller y Leonard Issacson compusieron Illiac Suite para cuarteto de cuerda, la primera obra completa de composición asistida por computadora utilizando composición algorítmica.

En 1957, Max Mathews en Bell Lab escribió la serie MUSIC-N, una primera familia de programas de computadora para generar formas de onda de audio digital mediante síntesis directa. Luego, Barry Vercoe escribió MUSIC 11 basado en MUSIC IV-BF, un programa de síntesis musical de última generación (que más tarde evolucionó a csound, que todavía se usa ampliamente).

A mediados de los 80, Miller Puckette en IRCAM desarrolló un software de procesamiento de señales gráficas para 4X llamado Max (después de Max Mathews) y luego lo transfirió a Macintosh (con Dave Zicarelli extendiéndolo para Opcode) para el control MIDI en tiempo real, trayendo Disponibilidad de composición algorítmica para la mayoría de los compositores con experiencia modesta en programación informática.

MIDI

MIDI permite conexiones entre instrumentos musicales digitales

En 1980, un grupo de músicos y comerciantes de música se reunió para estandarizar una interfaz mediante la cual los nuevos instrumentos pudieran comunicar instrucciones de control con otros instrumentos y la microcomputadora prevaleciente. Este estándar se denominó MIDI (Interfaz digital de instrumentos musicales). Dave Smith de Sequential Circuits escribió un artículo y lo propuso a la Audio Engineering Society en 1981. Luego, en agosto de 1983, se finalizó la Especificación MIDI 1.0.

El advenimiento de la tecnología MIDI permite una sola pulsación de tecla, el movimiento de la rueda de control, el movimiento del pedal o el comando de una microcomputadora para activar todos los dispositivos en el estudio de forma remota y en sincronía, con cada dispositivo respondiendo de acuerdo con las condiciones predeterminadas por el compositor.

Los instrumentos y el software MIDI hicieron que el control poderoso de instrumentos sofisticados fuera fácilmente asequible para muchos estudios e individuos. Los sonidos acústicos se reintegraron en los estudios a través de muestreo e instrumentos basados en ROM muestreados.

Instrumentos musicales electrónicos modernos

Sintetizador de viento

SynthAxe

La potencia cada vez mayor y el costo decreciente de la electrónica de generación de sonido (y especialmente de la computadora personal), combinados con la estandarización de los lenguajes de descripción de interpretación musical MIDI y Open Sound Control, ha facilitado la separación de instrumentos musicales en controladores de música y sintetizadores musicales.

Con mucho, el controlador musical más común es el teclado musical. Otros controladores incluyen el radiodrum, los controladores de viento EWI de Akai y WX de Yamaha, el SynthAxe similar a una guitarra, el BodySynth, el Buchla Thunder, el Continuum Fingerboard, el Roland Octapad, varios teclados isomórficos, incluido el Thummer, y Kaossilator Pro, y kits como I-CubeX.

Reactibles

Reaccionable

La Reactable es una mesa redonda translúcida con una pantalla interactiva retroiluminada. Al colocar y manipular bloques llamados tangibles en la superficie de la mesa, mientras se interactúa con la pantalla mediante gestos con los dedos, se opera un sintetizador modular virtual que crea música o efectos de sonido.

Cubos de audio de percusión

Audiocubos

Los AudioCubes son cubos inalámbricos autónomos alimentados por un sistema informático interno y una batería recargable. Tienen iluminación RGB interna y son capaces de detectar la ubicación, la orientación y la distancia de cada uno. Los cubos también pueden detectar distancias a las manos y los dedos del usuario. A través de la interacción con los cubos, se puede operar una variedad de software de música y sonido. AudioCubes tiene aplicaciones en diseño de sonido, producción musical, DJing y presentaciones en vivo.

Caosilador

Korg Kaossilator

El Kaossilator y el Kaossilator Pro son instrumentos compactos en los que la posición de un dedo en el panel táctil controla dos notas características; por lo general, el tono se cambia con un movimiento de izquierda a derecha y la propiedad tonal, el filtro u otros parámetros cambian con un movimiento de arriba hacia abajo. El panel táctil se puede configurar en diferentes escalas musicales y teclas. El instrumento puede grabar un bucle repetitivo de longitud ajustable, ajustado a cualquier tempo, y se pueden superponer nuevos bucles de sonido sobre los existentes. Esto se presta a la música dance electrónica, pero está más limitado para secuencias controladas de notas, ya que el pad de un Kaossilator normal no tiene características.

Arpa propia

El Eigenharp es un instrumento grande parecido a un fagot, con el que se puede interactuar a través de botones grandes, un secuenciador de batería y una boquilla. El procesamiento de sonido se realiza en una computadora separada.

XTH Sentido

XTH Sense es un instrumento portátil que utiliza sonidos musculares del cuerpo humano (conocidos como mecanomiogramas) para crear música y efectos de sonido. A medida que un artista se mueve, el cuerpo produce sonidos musculares que son capturados por un micrófono con chip que se lleva en el brazo o en las piernas. Luego, los sonidos musculares se muestrean en vivo utilizando un programa de software dedicado y una biblioteca de efectos de audio modulares. El ejecutante controla los parámetros de muestreo en vivo pesando la fuerza, la velocidad y la articulación del movimiento.

Alfaesfera

El AlphaSphere es un instrumento esférico que consta de 48 almohadillas táctiles que responden tanto a la presión como al tacto. El software personalizado permite que los pads se programen indefinidamente de forma individual o por grupos en términos de función, nota y parámetro de presión, entre muchas otras configuraciones. El concepto principal de AlphaSphere es aumentar el nivel de expresión disponible para los músicos electrónicos, al permitir el estilo de ejecución de un instrumento musical.

Música de chips

Chiptune, chipmusic o música chip es música escrita en formatos de sonido en los que muchas de las texturas de sonido se sintetizan o secuencian en tiempo real mediante un chip de sonido de computadora o consola de videojuegos, que a veces incluye síntesis basada en muestras y reproducción de muestras de bits bajos.. Muchos dispositivos de música con chip presentaban sintetizadores en conjunto con reproducción de muestras de baja velocidad.

Cultura del bricolaje

A finales de la década de 1970 y principios de la de 1980, se publicaron diseños de bricolaje (hágalo usted mismo) en revistas de electrónica para aficionados (en particular, el sintetizador modular Formant, un clon de bricolaje del sistema Moog, publicado por Elektor) y empresas como como Paia en los EE. UU. y Maplin Electronics en el Reino Unido.

Circuito doblado

Probing para "buenas curvas" usando el destornillador y los clips de cocodrilo de un joyero.

En 1966, Reed Ghazala descubrió y comenzó a enseñar matemáticas "circuit bending": la aplicación del cortocircuito creativo, un proceso de cortocircuito aleatorio, la creación de instrumentos electrónicos experimentales, la exploración de elementos sonoros principalmente de timbre y con menos consideración por el tono o el ritmo, e influenciado por el concepto de música aleatoria de John Cage.

Gran parte de esta manipulación directa de circuitos, especialmente hasta el punto de destrucción, fue iniciada por Louis y Bebe Barron a principios de la década de 1950, como su trabajo con John Cage en Williams Mix y especialmente en la banda sonora de Forbidden Planet.

La flexión de circuitos moderna es la personalización creativa de los circuitos dentro de dispositivos electrónicos, como efectos de guitarra a batería de bajo voltaje, juguetes para niños y pequeños sintetizadores digitales para crear nuevos instrumentos musicales o visuales y generadores de sonido. Al enfatizar la espontaneidad y la aleatoriedad, las técnicas de flexión de circuitos se han asociado comúnmente con la música de ruido, aunque se sabe que muchos músicos y grupos musicales contemporáneos más convencionales experimentan con "bent" instrumentos La flexión del circuito generalmente implica desmantelar la máquina y agregar componentes como interruptores y potenciómetros que alteran el circuito. Con el renovado interés por la flexión de circuitos de sintetizadores analógicos, se convirtió en una solución barata para que muchos músicos experimentales crearan sus propios generadores de sonido analógicos individuales. Hoy en día se pueden encontrar muchos esquemas para construir generadores de ruido como el Atari Punk Console o el Dub Siren así como modificaciones sencillas para juguetes infantiles como el famoso Speak & Hechizos que a menudo son modificados por los manipuladores de circuitos.

Sintetizadores modulares

El sintetizador modular es un tipo de sintetizador que consiste en módulos intercambiables separados. Estos también están disponibles como kits para constructores de bricolaje aficionados. Muchos diseñadores aficionados también ponen a la venta placas PCB y paneles frontales desnudos para otros aficionados.

2010

tres grados de libertad en continuo

Seis grados de libertad del controlador Hidra Sixense/Razer

Según una publicación en el foro de diciembre de 2010, Sixense Entertainment está trabajando en el control musical con el controlador de movimiento Sixense TrueMotion. Los instrumentos musicales virtuales inmersivos o los instrumentos virtuales inmersivos para música y sonido tienen como objetivo representar eventos musicales y parámetros de sonido en una realidad virtual para que puedan percibirse no solo a través de retroalimentación auditiva sino también visualmente en 3D y posiblemente a través de retroalimentación táctil y háptica., permitiendo el desarrollo de nuevas metáforas de interacción más allá de la manipulación como la prehensión.