Teatro musical

The Black Crook fue un éxito musical en Broadway en 1866.

El teatro musical es una forma de representación teatral que combina canciones, diálogo hablado, actuación y danza. La historia y el contenido emocional de un musical (humor, patetismo, amor, ira) se comunican a través de palabras, música, movimiento y aspectos técnicos del entretenimiento como un todo integrado. Aunque el teatro musical se superpone con otras formas teatrales como la ópera y la danza, puede distinguirse por la igual importancia que se le da a la música en comparación con el diálogo, el movimiento y otros elementos. Desde principios del siglo XX, las obras escénicas del teatro musical se denominan generalmente, simplemente, musicales.

Aunque la música ha sido parte de presentaciones dramáticas desde la antigüedad, el teatro musical occidental moderno surgió durante el siglo XIX, con muchos elementos estructurales establecidos por las obras de Gilbert y Sullivan en Gran Bretaña y las de Harrigan y Hart en Estados Unidos. A estos les siguieron las numerosas comedias musicales eduardianas y las obras de teatro musical de creadores estadounidenses como George M. Cohan a principios del siglo XX. Los musicales del Princess Theatre (1915-1918) fueron avances artísticos más allá de las revistas y otros entretenimientos espumosos de principios del siglo XX y dieron lugar a obras tan innovadoras como Show Boat (1927), Of Thee I Sing (1931) y Oklahoma! (1943). Algunos de los musicales más famosos de las décadas siguientes incluyen My Fair Lady (1956), The Fantasticks (1960), Hair (1967), A Chorus Line (1975), Los miserables (1985), El fantasma de la ópera (1986), Rent (1996), Los productores (2001), Wicked (2003) y Hamilton (2015).

Los musicales se representan en todo el mundo. Pueden presentarse en lugares grandes, como producciones de gran presupuesto de Broadway o West End en la ciudad de Nueva York o Londres. Alternativamente, los musicales pueden presentarse en lugares más pequeños, como teatro marginal, fuera de Broadway, fuera de Broadway, teatro regional o producciones de teatro comunitario, o en gira. Los musicales a menudo son presentados por grupos escolares y de aficionados en iglesias, escuelas y otros espacios de actuación. Además de los Estados Unidos y Gran Bretaña, hay vibrantes escenas de teatro musical en Europa continental, Asia, Australasia, Canadá y América Latina.

Definiciones y alcance

Libros musicales

Una chica gay (1893) fue uno de los primeros musicales de éxito

Desde el siglo XX, el "libro musical" se ha definido como una obra de teatro musical donde las canciones y los bailes se integran plenamente en una historia bien construida con objetivos dramáticos serios y que es capaz de evocar emociones genuinas distintas a la risa. Los tres componentes principales de un libro musical son su música, letra y libro. El libro o guión de un musical se refiere a la historia, el desarrollo de los personajes y la estructura dramática, incluidos los diálogos hablados y las direcciones escénicas, pero también puede referirse al diálogo y la letra juntos, que a veces se denominan libreto (italiano para "pequeño libro"). La música y la letra juntas forman la partitura de un musical e incluyen canciones, música incidental y escenas musicales, que son "secuencias teatrales puestas en música, a menudo combinando canciones con diálogos hablados. " La interpretación de un musical está a cargo de su equipo creativo, que incluye un director, un director musical, generalmente un coreógrafo y, en ocasiones, un orquestador. La producción de un musical también se caracteriza creativamente por los aspectos técnicos, como la escenografía, el vestuario, las propiedades escénicas (accesorios), la iluminación y el sonido. El equipo creativo, los diseños y las interpretaciones generalmente cambian de la producción original a las producciones posteriores. Sin embargo, algunos elementos de producción pueden conservarse de la producción original, por ejemplo, la coreografía de Bob Fosse en Chicago.

No hay una duración fija para un musical. Si bien puede abarcar desde un entretenimiento breve de un acto hasta varios actos y varias horas de duración (o incluso una presentación de varias noches), la mayoría de los musicales varían de una hora y media a tres horas. Los musicales suelen presentarse en dos actos, con un breve intermedio, y el primer acto suele ser más largo que el segundo. El primer acto generalmente presenta a casi todos los personajes y la mayor parte de la música y, a menudo, termina con la introducción de un conflicto dramático o una complicación de la trama, mientras que el segundo acto puede presentar algunas canciones nuevas, pero generalmente contiene repeticiones de temas musicales importantes y resuelve el conflicto. o complicación. Un libro musical generalmente se construye alrededor de cuatro a seis melodías temáticas principales que se repiten más adelante en el espectáculo, aunque a veces consiste en una serie de canciones que no están directamente relacionadas musicalmente. El diálogo hablado generalmente se intercala entre números musicales, aunque el "diálogo cantado" o recitativo puede usarse, especialmente en los llamados "cantados" musicales como Jesus Christ Superstar, Falsettos, Les Misérables, Evita y Hamilton. Se han presentado en un acto varios musicales más cortos en Broadway y en el West End en el siglo XXI.

Los momentos de mayor intensidad dramática en un libro musical a menudo se interpretan en forma de canción. Proverbialmente, "cuando la emoción se vuelve demasiado fuerte para hablar, cantas; cuando se vuelve demasiado fuerte para cantar, bailas." En un libro musical, una canción se elabora idealmente para adaptarse al personaje (o personajes) y su situación dentro de la historia; aunque ha habido momentos en la historia del musical (por ejemplo, desde la década de 1890 hasta la de 1920) en los que esta integración entre la música y la historia ha sido tenue. Como el crítico de The New York Times Ben Brantley describió el ideal de la canción en el teatro al revisar la reposición de Gypsy en 2008: "No hay separación alguna entre la canción y carácter, que es lo que sucede en esos momentos poco comunes en los que los musicales se elevan para lograr sus ideales razones de ser." Por lo general, se cantan muchas menos palabras en una canción de cinco minutos que las que se hablan en un bloque de diálogo de cinco minutos. Por lo tanto, hay menos tiempo para desarrollar el drama en un musical que en una obra de teatro de duración equivalente, ya que un musical suele dedicar más tiempo a la música que al diálogo. Dentro de la naturaleza comprimida de un musical, los escritores deben desarrollar los personajes y la trama.

El material presentado en un musical puede ser original, o puede estar adaptado de novelas (Wicked y Man of La Mancha), obras de teatro (Hello, Dolly! y Carousel), leyendas clásicas (Camelot), hechos históricos (Evita) o películas (The Producers y Billy Elliot). Por otro lado, muchas obras de teatro musical exitosas han sido adaptadas para películas musicales, como West Side Story, My Fair Lady, The Sound of Music, Oliver! y Chicago.

Comparaciones con la ópera

George Gershwin

El teatro musical está estrechamente relacionado con la forma teatral de la ópera, pero los dos generalmente se distinguen al sopesar una serie de factores. Primero, los musicales generalmente se enfocan más en el diálogo hablado. Sin embargo, algunos musicales están completamente acompañados y cantados, mientras que algunas óperas, como Die Zauberflöte, y la mayoría de las operetas, tienen algunos diálogos sin acompañamiento. En segundo lugar, los musicales suelen incluir más bailes como parte esencial de la narración, especialmente por parte de los artistas principales y del coro. En tercer lugar, los musicales a menudo utilizan varios géneros de música popular o, al menos, cantos populares y estilos musicales.

Por último, los musicales suelen evitar ciertas convenciones operísticas. En particular, un musical casi siempre se representa en el idioma de su audiencia. Los musicales producidos en Broadway o en el West End, por ejemplo, se cantan invariablemente en inglés, incluso si se escribieron originalmente en otro idioma. Mientras que un cantante de ópera es principalmente un cantante y solo un segundo actor (y rara vez necesita bailar), un artista de teatro musical es a menudo un actor primero, pero también debe ser cantante y bailarín. Alguien que es igualmente hábil en los tres se conoce como una "amenaza triple". Los compositores de música para musicales a menudo consideran las demandas vocales de los roles pensando en los artistas de teatro musical. Hoy en día, los grandes teatros que presentan musicales generalmente usan micrófonos y amplificación de los actores' cantando voces de una manera que generalmente sería desaprobada en un contexto operístico.

Algunas obras (p. ej., de George Gershwin, Leonard Bernstein y Stephen Sondheim) se han convertido tanto en "teatro musical" y "ópera" producciones De manera similar, algunas operetas u óperas ligeras más antiguas (como Los piratas de Penzance de Gilbert y Sullivan) se han producido en adaptaciones modernas que las tratan como musicales. Para algunas obras, los estilos de producción son casi tan importantes como el contenido musical o dramático de la obra para definir en qué forma de arte cae la pieza. Sondheim dijo: "Realmente creo que cuando algo se presenta en Broadway es un musical, y cuando se presenta en un teatro de ópera, es ópera". Eso es todo. Es el terreno, el paisaje, las expectativas de la audiencia lo que hace que sea una cosa u otra." Sigue existiendo una superposición en la forma entre las formas operísticas más ligeras y los musicales musicalmente más complejos o ambiciosos. En la práctica, a menudo es difícil distinguir entre los diversos tipos de teatro musical, que incluyen "obra musical", "comedia musical", "opereta" y "ópera ligera".

Al igual que la ópera, el canto en el teatro musical generalmente está acompañado por un conjunto instrumental llamado orquesta de foso, ubicado en un área rebajada frente al escenario. Mientras que la ópera normalmente usa una orquesta sinfónica convencional, los musicales generalmente se orquestan para conjuntos que van desde 27 jugadores hasta solo unos pocos jugadores. Los musicales de rock generalmente emplean un pequeño grupo de instrumentos de rock en su mayoría, y algunos musicales pueden requerir solo un piano o dos instrumentos. La música en los musicales utiliza una variedad de "estilos e influencias que incluyen opereta, técnicas clásicas, música folclórica, jazz [y] estilos locales o históricos [que] son apropiados para el escenario". Los musicales pueden comenzar con una obertura interpretada por la orquesta que "entrelaza extractos de las famosas melodías de la partitura".

Tradiciones orientales y otras formas

Operadores chinos

Hay varias tradiciones teatrales orientales que incluyen música, como la ópera china, la ópera taiwanesa, el noh japonés y el teatro musical indio, incluido el drama sánscrito, la danza clásica india, el teatro parsi y el yakshagana. India, desde el siglo XX, ha producido numerosas películas musicales, conocidas como "Bollywood" musicales, y en Japón se ha desarrollado en las últimas décadas una serie de musicales 2.5D basados en cómics populares de anime y manga.

Más corto o simplificado "junior" Las versiones de muchos musicales están disponibles para escuelas y grupos juveniles, y las obras muy breves creadas o adaptadas para que los niños las interpreten a veces se denominan minimusicales.

Historia

Primeros antecedentes

Los antecedentes del teatro musical en Europa se remontan al teatro de la antigua Grecia, donde la música y la danza se incluyeron en comedias y tragedias teatrales durante el siglo V a. Sin embargo, la música de las formas antiguas se ha perdido y tuvieron poca influencia en el desarrollo posterior del teatro musical. En los siglos XII y XIII, los dramas religiosos enseñaban la liturgia. Grupos de actores usarían vagones de desfile al aire libre (escenarios sobre ruedas) para contar cada parte de la historia. Las formas poéticas alternaban a veces con los diálogos en prosa, y los cantos litúrgicos dejaban paso a nuevas melodías.

Una vista de Rodas por John Webb, para ser pintado en un backshutter para la primera actuación de El sitio de Rodas (1656)

El Renacimiento europeo vio formas más antiguas evolucionar hacia dos antecedentes del teatro musical: la commedia dell'arte, donde los payasos estridentes improvisaban historias familiares y, más tarde, la ópera buffa. En Inglaterra, las obras isabelinas y jacobeas incluían con frecuencia música, y comenzaron a incluirse breves obras musicales en las veladas. entretenimientos dramáticos. Las mascaradas de la corte se desarrollaron durante el período Tudor que involucraban música, baile, canto y actuación, a menudo con disfraces costosos y un diseño de escenario complejo. Estos se convirtieron en obras cantadas que son reconocibles como óperas inglesas, la primera generalmente se considera El asedio de Rodas (1656). Mientras tanto, en Francia, Molière convirtió varias de sus comedias ridículas en espectáculos musicales con canciones (música proporcionada por Jean-Baptiste Lully) y danza a finales del siglo XVII. Estos influyeron en un breve período de la ópera inglesa de compositores como John Blow y Henry Purcell.

Desde el siglo XVIII, las formas más populares de teatro musical en Gran Bretaña fueron las óperas de baladas, como The Beggar's Opera de John Gay, que incluía letras escritas con las melodías. de canciones populares de la época (a menudo parodia de la ópera), y más tarde la pantomima, que se desarrolló a partir de la commedia dell'arte, y la ópera cómica con tramas en su mayoría románticas, como The Bohemian Girl (1845). Mientras tanto, en el continente surgían el singspiel, la comédie en vaudeville, la opéra comique, la zarzuela y otras formas de entretenimiento musical ligero. The Beggar's Opera fue la primera obra de teatro de larga duración registrada de cualquier tipo, con 62 representaciones sucesivas en 1728. Pasaría casi un siglo después de que cualquier obra superara las 100 representaciones, pero el El récord pronto llegó a 150 a fines de la década de 1820. Otras formas de teatro musical se desarrollaron en Inglaterra en el siglo XIX, como el music hall, el melodrama y la burletta, que se popularizaron en parte porque la mayoría de los teatros de Londres tenían licencia solo como music hall y no se les permitía presentar obras sin música.

La América colonial no tuvo una presencia teatral significativa hasta 1752, cuando el empresario londinense William Hallam envió una compañía de actores a las colonias administradas por su hermano Lewis. En Nueva York, en el verano de 1753, interpretaron baladas-óperas, como The Beggar's Opera, y baladas-farsas. En la década de 1840, P. T. Barnum operaba un complejo de entretenimiento en el bajo Manhattan. Otro teatro musical temprano en Estados Unidos consistía en formas británicas, como la burletta y la pantomima, pero el nombre de una pieza no necesariamente definía lo que era. El gran espectáculo de Broadway de 1852 The Magic Deer se anunciaba a sí mismo como "A Serio Comico Tragico Operatical Historical Extravaganzical Burletical Tale of Enchantment". El teatro en Nueva York se trasladó gradualmente del centro de la ciudad al centro de la ciudad alrededor de 1850, y no llegó al área de Times Square hasta las décadas de 1920 y 1930. Las carreras de Nueva York quedaron muy por detrás de las de Londres, pero la 'burletta musical' de Laura Keene's Seven Sisters (1860) rompió el récord anterior de teatro musical de Nueva York, con una serie de 253 funciones.

1850 a 1880

Poster, c. 1879

Alrededor de 1850, el compositor francés Hervé estaba experimentando con una forma de teatro musical cómico que llamó opereta. Los compositores de opereta más conocidos fueron Jacques Offenbach desde la década de 1850 hasta la de 1870 y Johann Strauss II en las décadas de 1870 y 1880. Las fértiles melodías de Offenbach, combinadas con las de sus libretistas sátira ingeniosa, formó un modelo para el teatro musical que siguió. Las adaptaciones de las operetas francesas (tocadas en su mayoría con traducciones malas y atrevidas), burlesques musicales, music hall, pantomima y burletta dominaron el escenario musical de Londres hasta la década de 1870.

En Estados Unidos, los espectáculos de teatro musical de mediados del siglo XIX incluían toscas revistas de variedades, que finalmente se convirtieron en vodevil, espectáculos de juglares, que pronto cruzaron el Atlántico hasta Gran Bretaña, y burlesque victoriano, popularizado por primera vez en Estados Unidos por compañías británicas. Un musical de gran éxito que se estrenó en Nueva York en 1866, The Black Crook, fue una obra de teatro musical original que se ajustaba a muchas de las definiciones modernas de un musical, incluida la danza y la música original que ayudó a contar la historia. La espectacular producción, famosa por sus diminutos disfraces, tuvo un récord de 474 funciones. El mismo año, The Black Domino/Between You, Me and the Post fue el primer programa que se autodenominó "comedia musical". Los comediantes Edward Harrigan y Tony Hart produjeron y protagonizaron musicales en Broadway entre 1878 (The Mulligan Guard Picnic) y 1885. Estas comedias musicales presentaban personajes y situaciones tomadas de la vida cotidiana de los habitantes de Nueva York. clases bajas y representó un importante paso adelante hacia una forma teatral más legítima. Protagonizaron cantantes de gran calidad (Lillian Russell, Vivienne Segal y Fay Templeton) en lugar de las damas de dudosa reputación que habían protagonizado formas musicales anteriores.

A medida que mejoró el transporte, disminuyó la pobreza en Londres y Nueva York y el alumbrado público hizo que los viajes nocturnos fueran más seguros, el número de clientes del creciente número de teatros aumentó enormemente. Las obras duraron más, lo que generó mayores ganancias y mejores valores de producción, y los hombres comenzaron a traer a sus familias al teatro. La primera obra de teatro musical que superó las 500 funciones consecutivas fue la opereta francesa The Chimes of Normandy en 1878. La ópera cómica inglesa adoptó muchas de las ideas exitosas de la opereta europea, ninguna con más éxito que la serie de más de una docena de óperas cómicas de larga duración de Gilbert and Sullivan, incluyendo H.M.S. Delantal (1878) y El Mikado (1885). Estas fueron sensaciones a ambos lados del Atlántico y en Australia y ayudaron a elevar el estándar de lo que se consideró un espectáculo exitoso. Estos espectáculos fueron diseñados para audiencias familiares, un marcado contraste con los burlescos subidos de tono, los espectáculos de music hall obscenos y las operetas francesas que a veces atraían a una multitud que buscaba un entretenimiento menos saludable. Solo unas pocas piezas musicales del siglo XIX superaron la racha de El Mikado, como Dorothy, que se inauguró en 1886 y estableció un nuevo récord con una racha de 931 representaciones. La influencia de Gilbert y Sullivan en el teatro musical posterior fue profunda, creando ejemplos de cómo "integrar" musicales para que la letra y el diálogo avanzaran una historia coherente. Sus obras fueron admiradas y copiadas por los primeros autores y compositores de musicales en Gran Bretaña y Estados Unidos.

De 1890 al nuevo siglo

Cubierta del Vocal Score de Sidney Jones ' La Geisha

A Trip to Chinatown (1891) fue el campeón de larga duración de Broadway (hasta Irene en 1919), con 657 representaciones, pero en Nueva York siguió siendo relativamente corto, con algunas excepciones, en comparación con las carreras de Londres, hasta la década de 1920. Gilbert y Sullivan fueron ampliamente pirateados y también fueron imitados en Nueva York por producciones como Robin Hood (1891) de Reginald De Koven y El Capitán (1896). A Trip to Coontown (1898) fue la primera comedia musical producida e interpretada íntegramente por afroamericanos en Broadway (inspirada en gran medida en las rutinas de los espectáculos de juglares), seguida de espectáculos con tintes de ragtime. Cientos de comedias musicales se representaron en Broadway en la década de 1890 y principios del siglo XX, compuestas de canciones escritas en el Tin Pan Alley de Nueva York, incluidas las de George M. Cohan, quien trabajó para crear un estilo estadounidense distinto del Gilbert. y obras de Sullivan. Los espectáculos más exitosos de Nueva York a menudo fueron seguidos por extensas giras nacionales.

Mientras tanto, los musicales se apoderaron del escenario londinense en los noventa gay, encabezados por el productor George Edwardes, quien percibió que el público quería una nueva alternativa a las óperas cómicas al estilo de Saboya y su sátira intelectual, política y absurda. Experimentó con un estilo de teatro musical familiar y de vestimenta moderna, con canciones populares y alegres, bromas románticas y ágiles, y un espectáculo elegante en el Gaiety y sus otros teatros. Estos se basaron en las tradiciones de la ópera cómica y utilizaron elementos burlescos y de las piezas de Harrigan y Hart. Reemplazó a las obscenas mujeres del burlesque con su "respetable" cuerpo de Gaiety Girls para completar la diversión musical y visual. El éxito de la primera de ellas, In Town (1892) y A Gaiety Girl (1893), marcó el estilo de las siguientes tres décadas. Las tramas eran generalmente ligeras, románticas "la pobre doncella ama al aristócrata y lo gana contra viento y marea" espectáculos, con música de Ivan Caryll, Sidney Jones y Lionel Monckton. Estos espectáculos fueron inmediatamente copiados ampliamente en Estados Unidos, y la comedia musical eduardiana barrió con las formas musicales anteriores de ópera cómica y opereta. La geisha (1896) fue una de las más exitosas de la década de 1890, estuvo en funcionamiento durante más de dos años y logró un gran éxito internacional.

La Bella de Nueva York (1898) se convirtió en el primer musical estadounidense en presentarse durante más de un año en Londres. La comedia musical británica Florodora (1899) fue un éxito popular en ambos lados del Atlántico, al igual que A Chinese Honeymoon (1901), que alcanzó un récord de 1.074 actuaciones en Londres y 376 en Nueva York. Después del comienzo del siglo XX, Seymour Hicks unió fuerzas con Edwardes y el productor estadounidense Charles Frohman para crear otra década de programas populares. Otros éxitos perdurables de la comedia musical eduardiana incluyeron The Arcadians (1909) y The Quaker Girl (1910).

Principios del siglo XX

Victor Herbert

Prácticamente eliminadas del escenario de habla inglesa por la competencia de las omnipresentes comedias musicales eduardianas, las operetas regresaron a Londres y Broadway en 1907 con The Merry Widow, y las adaptaciones de operetas continentales se convirtieron en competidores directos de los musicales.. Franz Lehár y Oscar Straus compusieron nuevas operetas que fueron populares en inglés hasta la Primera Guerra Mundial. En Estados Unidos, Victor Herbert produjo una serie de operetas duraderas que incluyen The Fortune Teller (1898), Babes in Toyland (1903), Señorita. Modiste (1905), El molino rojo (1906) y La traviesa Marietta (1910).

En la década de 1910, el equipo de P. G. Wodehouse, Guy Bolton y Jerome Kern, siguiendo los pasos de Gilbert y Sullivan, crearon los "espectáculos de Princess Theatre" y allanó el camino para el trabajo posterior de Kern al mostrar que un musical podía combinar entretenimiento popular ligero con continuidad entre su historia y sus canciones. El historiador Gerald Bordman escribió:

Estos espectáculos construyeron y pulieron el molde desde el cual casi todas las comedias musicales más tarde... Los personajes y situaciones eran, dentro de las limitaciones de la licencia de comedia musical, creíble y el humor provenía de situaciones o de la naturaleza de los personajes. Las melodías exquisitamente fluidas de Kern fueron empleadas para promover la acción o desarrollar la caracterización.... [Edwardian] comedia musical fue a menudo culpable de insertar canciones de una manera acertada o perdida. Los musicales del Teatro Princess trajeron un cambio de enfoque. P. G. Wodehouse, el más observante, literario y lírico ingenioso de su día, y el equipo de Bolton, Wodehouse y Kern tuvo una influencia sentida hasta hoy.

El público que iba al teatro necesitaba entretenimiento escapista durante los tiempos oscuros de la Primera Guerra Mundial, y acudió en masa al teatro. El exitoso musical de 1919 Irene tuvo 670 representaciones, un récord de Broadway que se mantuvo hasta 1938. El público del teatro británico apoyó representaciones mucho más largas como la de La doncella de las montañas (1352 actuaciones) y especialmente Chu Chin Chow. Su serie de 2.238 actuaciones fue más del doble que cualquier musical anterior, estableciendo un récord que se mantuvo durante casi cuarenta años. Revistas como The Bing Boys Are Here en Gran Bretaña, y las de Florenz Ziegfeld y sus imitadores en Estados Unidos, también fueron extraordinariamente populares.

Música de hoja de hoja Sally, 1920

Los musicales de los locos años veinte, inspirados en el vodevil, el music hall y otros entretenimientos ligeros, tendían a enfatizar grandes rutinas de baile y canciones populares a expensas de la trama. Típico de la década fueron producciones alegres como Sally; Señora, sea buena; No, No, Nanette; ¡Oh, Kay!; y Cara divertida. A pesar de las historias olvidables, estos musicales contaron con estrellas como Marilyn Miller y Fred Astaire y produjeron docenas de canciones populares perdurables de Kern, George e Ira Gershwin, Irving Berlin, Cole Porter y Rodgers and Hart. La música popular estuvo dominada por los estándares del teatro musical, como "Fascinating Rhythm", "Tea for Two" y 'Alguien que me cuide'. Muchos espectáculos eran revistas, series de sketches y canciones con poca o ninguna conexión entre ellos. Las más conocidas fueron las Ziegfeld Follies anuales, espectaculares revistas de canto y baile en Broadway con escenarios extravagantes, elaborados disfraces y hermosas coristas. Estos espectáculos también elevaron los valores de producción y, en general, montar un musical se volvió más costoso. Shuffle Along (1921), un espectáculo totalmente afroamericano fue un éxito en Broadway. En la década de 1920 también surgió una nueva generación de compositores de operetas, como Rudolf Friml y Sigmund Romberg, para crear una serie de éxitos populares de Broadway.

En Londres, escritores-estrellas como Ivor Novello y Noël Coward se hicieron populares, pero la primacía del teatro musical británico desde el siglo XIX hasta 1920 fue reemplazada gradualmente por la innovación estadounidense, especialmente después de la Primera Guerra Mundial, como Kern y otros Tin Los compositores de Pan Alley comenzaron a traer nuevos estilos musicales como el ragtime y el jazz a los teatros, y los hermanos Shubert tomaron el control de los teatros de Broadway. El escritor de teatro musical Andrew Lamb señala: “Los estilos operísticos y teatrales de las estructuras sociales del siglo XIX fueron reemplazados por un estilo musical más adecuado para la sociedad del siglo XX y su lenguaje vernáculo. Fue en Estados Unidos de donde surgió el estilo más directo, y en Estados Unidos donde pudo florecer en una sociedad en desarrollo menos atada a la tradición del siglo XIX." En Francia, la comédie musicale se escribió entre las primeras décadas del siglo para estrellas como Yvonne Printemps.

Show Boat y la Gran Depresión

Progresando mucho más allá de los musicales comparativamente frívolos y las operetas sentimentales de la década, Show Boat (1927) de Broadway representó una integración aún más completa de libro y partitura que los musicales de Princess Theatre., con temas dramáticos contados a través de la música, el diálogo, la ambientación y el movimiento. Esto se logró combinando el lirismo de la música de Kern con el hábil libreto de Oscar Hammerstein II. Un historiador escribió: 'Aquí llegamos a un género completamente nuevo: la obra musical a diferencia de la comedia musical. Ahora... todo lo demás estaba subordinado a esa obra. Ahora... llegó la integración completa de la canción, el humor y los números de producción en una entidad artística única e inextricable."

Rodgers y Hart

Cuando comenzó la Gran Depresión durante la gira nacional posterior a Broadway de Show Boat, el público volvió al entretenimiento de canto y baile, principalmente ligero y escapista. Las audiencias de ambos lados del Atlántico tenían poco dinero para gastar en entretenimiento, y solo unos pocos espectáculos en cualquier lugar superaron las 500 representaciones durante la década. La revista The Band Wagon (1931) protagonizó a las parejas de baile Fred Astaire y su hermana Adele, mientras que Anything Goes (1934) de Porter confirmó la de Ethel Merman. posición como Primera Dama del teatro musical, título que mantuvo durante muchos años. Coward y Novello continuaron presentando musicales sentimentales a la antigua, como The Dancing Years, mientras que Rodgers y Hart regresaron de Hollywood para crear una serie de exitosos espectáculos de Broadway, incluido On Your Toes. i> (1936, con Ray Bolger, el primer musical de Broadway en hacer un uso dramático de la danza clásica), Babes in Arms (1937) y The Boys from Syracuse (1938). Porter agregó Du Barry era una dama (1939). La obra de teatro musical de más larga duración de la década de 1930 fue Hellzapoppin (1938), una revista con participación del público, que tuvo 1.404 funciones, estableciendo un nuevo récord de Broadway.

Aún así, algunos equipos creativos comenzaron a desarrollar Show Boat's innovaciones Of Thee I Sing (1931), una sátira política de los Gershwin, fue el primer musical en recibir el Premio Pulitzer. As Thousands Cheer (1933), una revista de Irving Berlin y Moss Hart en la que cada canción o boceto se basaba en un titular de periódico, marcó el primer espectáculo de Broadway en el que una afroamericana, Ethel Waters, protagonizó junto a actores blancos. Aguas' los números incluían 'La hora de la cena', el lamento de una mujer por su marido que ha sido linchado. Los Gershwin' Porgy and Bess (1935) contó con un elenco totalmente afroamericano y modismos combinados de ópera, folk y jazz. The Cradle Will Rock (1937), dirigida por Orson Welles, fue una obra pro-sindical altamente política que, a pesar de la controversia que la rodeó, tuvo 108 representaciones. Yo preferiría tener razón (1937) de Rodgers y Hart era una sátira política con George M. Cohan como presidente Franklin D. Roosevelt, y de Kurt Weill >Knickerbocker Holiday representó la historia temprana de la ciudad de Nueva York mientras satirizaba amablemente las buenas intenciones de Roosevelt.

La película representó un desafío para el escenario. Las películas mudas habían presentado solo una competencia limitada, pero a fines de la década de 1920, películas como The Jazz Singer podían presentarse con sonido sincronizado. "Talkie" las películas a precios bajos acabaron con el vodevil a principios de la década de 1930. A pesar de los problemas económicos de la década de 1930 y la competencia del cine, el musical sobrevivió. De hecho, siguió evolucionando temáticamente más allá de los gags y los musicales de coristas de los Gay Nineties y Roaring Twenties y el romance sentimental de la opereta, agregando experiencia técnica y el ritmo rápido. puesta en escena y estilo de diálogo naturalista dirigida por el director George Abbott.

La Edad de Oro (décadas de 1940 a 1960)

Rodgers y Hammerstein (izquierda y derecha) e Irving Berlin (centro) en el St. James Theatre en 1948

Década de 1940

La década de 1940 comenzaría con más éxitos de Porter, Irving Berlin, Rodgers y Hart, Weill y Gershwin, algunos con más de 500 actuaciones a medida que la economía se recuperaba, pero el cambio artístico estaba en el aire.

Oklahoma! (1943) de Rodgers y Hammerstein completó la revolución iniciada por Show Boat, al integrar estrechamente todos los aspectos del teatro musical, con un trama, canciones que fomentaban la acción de la historia y presentaban ballets de ensueño y otros bailes que hacían avanzar la trama y desarrollaban a los personajes, en lugar de utilizar la danza como excusa para hacer desfilar a mujeres con poca ropa por el escenario. Rodgers y Hammerstein contrataron a la coreógrafa de ballet Agnes de Mille, quien usó movimientos cotidianos para ayudar a los personajes a expresar sus ideas. Desafió las convenciones musicales levantando el telón del primer acto no sobre un grupo de coristas, sino sobre una mujer batiendo mantequilla, con una voz fuera del escenario cantando las primeras líneas de Oh, What a Beautiful Mornin' sin acompañante. Atrajo críticas muy favorables, desató un frenesí de taquilla y recibió un premio Pulitzer. Brooks Atkinson escribió en The New York Times que el número de apertura del espectáculo cambió la historia del teatro musical: "Después de un verso como ese, cantado con una melodía alegre, las banalidades de el viejo escenario musical se volvió intolerable." Fue el primer "blockbuster" Espectáculo de Broadway, con un total de 2.212 funciones, y se convirtió en una película de éxito. Sigue siendo uno de los proyectos producidos con más frecuencia del equipo. William A. Everett y Paul R. Laird escribieron que se trataba de un "espectáculo que, como Show Boat, se convirtió en un hito, de modo que los historiadores posteriores escribieron sobre momentos importantes del teatro del siglo XX. comenzaría a identificar eras según su relación con Oklahoma!".

Mary Martin protagonizó varios éxitos de Broadway de esta era

"Después de Oklahoma!, Rodgers y Hammerstein fueron los contribuyentes más importantes a la forma de obra musical... Los ejemplos que establecieron en la creación de obras vitales, a menudo ricas en pensamiento social, brindó el estímulo necesario para que otros escritores dotados crearan sus propias obras musicales". Los dos colaboradores crearon una colección extraordinaria de algunos de los clásicos más queridos y duraderos del teatro musical, incluidos Carousel (1945), South Pacific (1949), El rey y yo (1951) y Sonrisas y lágrimas (1959). Algunos de estos musicales tratan temas más serios que la mayoría de los espectáculos anteriores: el villano de Oklahoma! es un presunto asesino y psicópata al que le gustan las postales lascivas; Carousel se ocupa del abuso conyugal, el robo, el suicidio y el más allá; South Pacific explora el mestizaje incluso más a fondo que Show Boat; y el héroe de El rey y yo muere en el escenario.

La creatividad del programa estimuló a los contemporáneos de Rodgers y Hammerstein y marcó el comienzo de la "Edad de Oro" del teatro musical estadounidense. Americana se exhibió en Broadway durante la 'Edad de Oro', cuando comenzó a llegar el ciclo de espectáculos de la época de la guerra. Un ejemplo de esto es On the Town (1944), escrito por Betty Comden y Adolph Green, compuesto por Leonard Bernstein y coreografiado por Jerome Robbins. La historia se desarrolla durante la guerra y trata de tres marineros que se encuentran en un permiso de 24 horas en tierra en la ciudad de Nueva York, durante el cual cada uno se enamora. El espectáculo también da la impresión de un país con un futuro incierto, como también lo tienen los marineros y sus mujeres. Irving Berlin utilizó la carrera de la francotiradora Annie Oakley como base para su Annie Get Your Gun (1946, 1.147 representaciones); Burton Lane, E. Y. Harburg y Fred Saidy combinaron la sátira política con la extravagancia irlandesa en su fantasía Finian's Rainbow (1947, 725 representaciones); y Cole Porter se inspiraron en The Taming of the Shrew de William Shakespeare para Kiss Me, Kate (1948, 1077 representaciones). Los musicales estadounidenses abrumaron a los espectáculos británicos al estilo Coward/Novello, uno de cuyos últimos grandes éxitos fue Perchance to Dream de Novello (1945, 1.021 representaciones). La fórmula de los musicales de la Edad de Oro reflejaba una o más de las cuatro percepciones más extendidas del "sueño americano": que la estabilidad y el valor se derivan de una relación amorosa sancionada y restringida por los ideales protestantes del matrimonio; que una pareja casada debe formar un hogar moral con hijos fuera de la ciudad en un suburbio o pueblo pequeño; que la función de la mujer era ama de casa y madre; y que los americanos incorporen un espíritu independiente y pionero o que su éxito sea obra de sí mismos.

Década de 1950

Julie Andrews con Richard Burton Camelot (1960)

La década de 1950 fue crucial para el desarrollo del musical estadounidense. Los eclécticos personajes de Damon Runyon estaban en el centro de Frank Loesser y Abe Burrows. Guys and Dolls, (1950, 1.200 representaciones); y la fiebre del oro fue el escenario de Paint Your Wagon (1951) de Alan Jay Lerner y Frederick Loewe. La duración relativamente breve de siete meses de ese espectáculo no desanimó a Lerner y Loewe a colaborar de nuevo, esta vez en My Fair Lady (1956), una adaptación de George Bernard Shaw's Pygmalion, protagonizada por Rex Harrison y Julie Andrews, que con 2717 representaciones ostentó el récord a largo plazo durante muchos años. De todos estos musicales se hicieron películas populares de Hollywood. Dos éxitos de creadores británicos en esta década fueron The Boy Friend (1954), que tuvo 2.078 representaciones en Londres y marcó a Andrews' Debut americano, y Salad Days (1954), con una racha de 2.283 representaciones.

Otro récord lo estableció The Threepenny Opera, que tuvo 2.707 representaciones, convirtiéndose en el musical fuera de Broadway de más larga duración hasta The Fantasticks. La producción también abrió camino al mostrar que los musicales podrían ser rentables fuera de Broadway en un formato de pequeña orquesta a pequeña escala. Esto se confirmó en 1959 cuando una reposición de Leave It to Jane de Jerome Kern y P. G. Wodehouse duró más de dos años. La temporada fuera de Broadway de 1959-1960 incluyó una docena de musicales y revistas, incluidos Little Mary Sunshine, The Fantasticks y Ernest in Love, una adaptación musical del éxito de 1895 de Oscar Wilde La importancia de llamarse Ernesto.

Leonard Bernstein, 1971

West Side Story (1957) transportó a Romeo y Julieta a la ciudad de Nueva York moderna y convirtió a las enemistadas familias Montague y Capuleto en pandillas étnicas opuestas, los Jets y los tiburones El libro fue adaptado por Arthur Laurents, con música de Leonard Bernstein y letra del recién llegado Stephen Sondheim. Fue acogido por los críticos, pero no logró ser una opción popular para las "damas matinales de pelo azul", que preferían la pequeña ciudad de River City, Iowa, de The Music de Meredith Willson. Man (1957) a los callejones del Upper West Side de Manhattan. Aparentemente, los votantes del Premio Tony tenían una opinión similar, ya que favorecían a los primeros sobre los segundos. West Side Story tuvo una racha respetable de 732 funciones (1040 en el West End), mientras que The Music Man se presentó casi el doble, con 1375 funciones. Sin embargo, la película de 1961 de West Side Story fue un gran éxito. Laurents y Sondheim se unieron nuevamente para Gypsy (1959, 702 funciones), con Jule Styne proporcionando la música para una historia entre bastidores sobre la madre de escenario más motivada de todos los tiempos, la stripper Gypsy Rose Lee' La madre de Rosa. La producción original tuvo 702 funciones y recibió cuatro reposiciones posteriores, con Angela Lansbury, Tyne Daly, Bernadette Peters y Patti LuPone más tarde abordando el papel que Ethel Merman hizo famoso.

Aunque los directores y coreógrafos han tenido una gran influencia en el estilo del teatro musical desde al menos el siglo XIX, George Abbott y sus colaboradores y sucesores desempeñaron un papel central en la integración total del movimiento y la danza en las producciones de teatro musical en la Edad de Oro. Abbott introdujo el ballet como recurso narrativo en On Your Toes en 1936, al que siguió el ballet y la coreografía de Agnes de Mille en Oklahoma!. Después de que Abbott colaborara con Jerome Robbins en On the Town y otros espectáculos, Robbins combinó los roles de director y coreógrafo, enfatizando el poder narrativo de la danza en West Side Story, Sucedió algo gracioso de camino al foro (1962) y El violinista en el tejado (1964). Bob Fosse coreografió para Abbott en The Pajama Game (1956) y Damn Yankees (1957), inyectando una sexualidad juguetona en esos éxitos. Posteriormente fue director-coreógrafo de Sweet Charity (1968), Pippin (1972) y Chicago (1975). Otros directores y coreógrafos notables incluyen a Gower Champion, Tommy Tune, Michael Bennett, Gillian Lynne y Susan Stroman. Los directores prominentes han incluido a Hal Prince, quien también comenzó con Abbott, y Trevor Nunn.

Durante la Edad de Oro, las empresas automotrices y otras grandes corporaciones comenzaron a contratar talentos de Broadway para escribir musicales corporativos, espectáculos privados que solo veían sus empleados o clientes. La década de 1950 terminó con el último éxito de Rodgers y Hammerstein, The Sound of Music, que también se convirtió en otro éxito de Mary Martin. Tuvo 1.443 funciones y compartió el premio Tony al mejor musical. Junto con su extremadamente exitosa versión cinematográfica de 1965, se ha convertido en uno de los musicales más populares de la historia.

Década de 1960

En 1960, The Fantasticks se produjo por primera vez fuera de Broadway. Este espectáculo alegórico íntimo se presentaría en silencio durante más de 40 años en el Sullivan Street Theatre en Greenwich Village, convirtiéndose, con mucho, en el musical de mayor duración en la historia. Sus autores produjeron otras obras innovadoras en la década de 1960, como Celebration y I Do! I Do!, el primer musical de Broadway de dos personajes. La década de 1960 vería una serie de éxitos de taquilla, como Fiddler on the Roof (1964; 3242 funciones), Hello, Dolly! (1964; 2844 funciones), Funny Niña (1964; 1.348 representaciones) y Hombre de La Mancha (1965; 2.328 representaciones), y algunas piezas más subidas de tono como Cabaret, antes de terminar con la aparición del musical de rock. Dos hombres tuvieron un impacto considerable en la historia del teatro musical a partir de esta década: Stephen Sondheim y Jerry Herman.

Bernadette Peters (muestra en 2008) ha protagonizado cinco musicales de Sondheim

El primer proyecto para el que Sondheim escribió música y letra fue A Funny Thing Happened on the Way to the Forum (1962, 964 funciones), con un libro basado en las obras de Plautus de Burt. Shevelove y Larry Gelbart, protagonizada por Zero Mostel. Sondheim llevó el musical más allá de su concentración en las tramas románticas típicas de épocas anteriores; su trabajo tendía a ser más oscuro, explorando los lados más arenosos de la vida tanto presente como pasada. Otros trabajos tempranos de Sondheim incluyen Anyone Can Whistle (1964, que tuvo solo nueve funciones, a pesar de tener a las estrellas Lee Remick y Angela Lansbury), y la exitosa Company (1970), Follies (1971) y A Little Night Music (1973). Más tarde, Sondheim encontró inspiración en fuentes poco probables: la apertura de Japón al comercio occidental para Pacific Overtures (1976), un legendario peluquero asesino que buscaba venganza en la era industrial de Londres para Sweeney Todd (1979), las pinturas de Georges Seurat para Sunday in the Park with George (1984), los cuentos de hadas para Into the Woods (1987) y una colección de asesinos presidenciales en Assassins (1990).

Mientras que algunos críticos han argumentado que algunos de los musicales de Sondheim carecen de atractivo comercial, otros han elogiado su sofisticación lírica y complejidad musical, así como la interacción de letras y música en sus espectáculos. Algunas de las innovaciones notables de Sondheim incluyen un espectáculo presentado al revés (Merrily We Roll Along) y el mencionado Anyone Can Whistle, en el que termina el primer acto. con el elenco informando a la audiencia que están enojados.

Jerry Herman desempeñó un papel importante en el teatro musical estadounidense, comenzando con su primera producción de Broadway, Milk and Honey (1961, 563 representaciones), sobre la fundación del estado de Israel, y continuando con los éxitos de taquilla Hello, Dolly! (1964, 2844 funciones), Mame (1966, 1508 funciones) y La Cage aux Folles (1983, 1.761 representaciones). Incluso sus programas menos exitosos como Dear World (1969) y Mack and Mabel (1974) han tenido partituras memorables (Mack and Mabel fue reelaborado más tarde en un éxito de Londres). Escribiendo tanto letra como música, muchas de las melodías de programas de Herman se han convertido en estándares populares, como '¡Hola, Dolly!', 'Necesitamos un poco de Navidad', ' 'Soy lo que soy', 'Mame', 'El mejor de los tiempos', 'Antes de que pase el desfile', 'Póngase Your Sunday Clothes", "It Only Takes a Moment", "Bosom Buddies" y 'I Won't Send Roses', grabado por artistas como Louis Armstrong, Eydie Gormé, Barbra Streisand, Petula Clark y Bernadette Peters. El cancionero de Herman ha sido objeto de dos populares revistas musicales, Jerry's Girls (Broadway, 1985) y Showtune (off-Broadway, 2003)..

El musical comenzó a alejarse de los límites relativamente estrechos de la década de 1950. La música rock se usaría en varios musicales de Broadway, comenzando con Hair, que presentaba no solo música rock, sino también desnudez y opiniones controvertidas sobre la guerra de Vietnam, las relaciones raciales y otros temas sociales.

Temas sociales

Después de Show Boat y Porgy and Bess, y como la lucha en Estados Unidos y en otros lugares por las minorías' los derechos civiles progresaron, Hammerstein, Harold Arlen, Yip Harburg y otros se animaron a escribir más musicales y óperas que apuntaran a normalizar la tolerancia social de las minorías e instaran a la armonía racial. Los primeros trabajos de la Edad de Oro que se centraron en la tolerancia racial incluyeron Finian's Rainbow y South Pacific. Hacia el final de la Edad de Oro, varios programas abordaron temas y problemas judíos, como Fiddler on the Roof, Milk and Honey, Blitz! y más tarde Rags. El concepto original que se convirtió en West Side Story estaba ambientado en el Lower East Side durante las celebraciones de Easter-Passover; las bandas rivales serían judías y católicas italianas. El equipo creativo luego decidió que el conflicto polaco (blanco) vs. puertorriqueño era más fresco.

La tolerancia como tema importante en los musicales ha continuado en las últimas décadas. La expresión final de West Side Story dejó un mensaje de tolerancia racial. A fines de la década de 1960, los musicales se integraron racialmente, con miembros del elenco blancos y negros que incluso cubrieron los roles de los demás, como lo hicieron en Hair. La homosexualidad también ha sido explorada en musicales, comenzando con Hair, e incluso más abiertamente en La Cage aux Folles, Falsettos, Rent, Hedwig and the Angry Inch y otros espectáculos de las últimas décadas. Parade es una exploración sensible tanto del antisemitismo como del racismo estadounidense histórico, y Ragtime explora de manera similar la experiencia de los inmigrantes y las minorías en Estados Unidos.

1970 al presente

Década de 1970

Después del éxito de Hair, los musicales de rock florecieron en la década de 1970, con Jesus Christ Superstar, Godspell, The Rocky Horror Espectáculo, Evita y Dos hidalgos de Verona. Algunos de ellos comenzaron como "álbumes conceptuales" que luego fueron adaptados al escenario, entre los que destacan Jesus Christ Superstar y Evita. Otros no tenían diálogo o recordaban la ópera, con temas dramáticos y emotivos; estos a veces comenzaron como álbumes conceptuales y se denominaron óperas rock. Espectáculos como Raisin, Dreamgirls, Purlie y The Wiz trajeron una importante influencia afroamericana a Broadway. Se incorporaron géneros y estilos musicales más variados en musicales tanto dentro como fuera de Broadway. Al mismo tiempo, Stephen Sondheim encontró el éxito con algunos de sus musicales, como se mencionó anteriormente.

A Chorus Line fue una de 55 producciones que el Teatro Público de Joseph Papp ha traído a Broadway

En 1975, el musical de baile A Chorus Line surgió de sesiones grabadas al estilo de terapia de grupo que Michael Bennett dirigió con "gitanos" – los que cantan y bailan en apoyo de los principales actores – de la comunidad de Broadway. A partir de cientos de horas de cintas, James Kirkwood Jr. y Nick Dante crearon un libro sobre una audición para un musical, incorporando muchas historias de la vida real de las sesiones; algunos de los que asistieron a las sesiones finalmente tocaron variaciones de ellos mismos o de otros en el espectáculo. Con música de Marvin Hamlisch y letras de Edward Kleban, A Chorus Line se estrenó por primera vez en el Teatro Público de Joseph Papp en el bajo Manhattan. Lo que inicialmente se había planeado como un compromiso limitado finalmente se trasladó al Teatro Shubert en Broadway para una serie de 6137 funciones, convirtiéndose en la producción de mayor duración en la historia de Broadway hasta ese momento. El programa arrasó con los Premios Tony y ganó el Premio Pulitzer, y su exitosa canción, What I Did for Love, se convirtió en un estándar.

El público de Broadway dio la bienvenida a los musicales que variaban del estilo y la sustancia de la época dorada. John Kander y Fred Ebb exploraron el surgimiento del nazismo en Alemania en Cabaret, y el asesinato y los medios de comunicación en Chicago de la era de la Prohibición, que se basaba en antiguas técnicas de vodevil. Pippin, de Stephen Schwartz, está ambientado en la época de Carlomagno. La película autobiográfica 8½ de Federico Fellini se convirtió en Nine de Maury Yeston. A finales de la década, Evita y Sweeney Todd fueron precursores de los musicales más oscuros y de gran presupuesto de la década de 1980 que dependían de historias dramáticas, partituras arrolladoras y efectos espectaculares. Al mismo tiempo, los valores anticuados todavía se adoptaban en éxitos como Annie, 42nd Street, My One and Only y revivals populares. de No, No, Nanette e Irene. Aunque se hicieron muchas versiones cinematográficas de musicales en la década de 1970, pocas fueron éxitos de crítica o de taquilla, con las notables excepciones de Fiddler on the Roof, Cabaret y Grease. .

Década de 1980

Cameron Mackintosh

La década de 1980 vio la influencia de los "megamusicales" en Broadway, en el West End y en otros lugares. Por lo general, presentan una partitura influenciada por el pop, grandes elencos y escenarios y efectos especiales espectaculares: una lámpara de araña que cae (en El fantasma de la ópera); un helicóptero aterrizando en el escenario (en Miss Saigon) y grandes presupuestos. Algunos estaban basados en novelas u otras obras literarias. El equipo británico del compositor Andrew Lloyd Webber y el productor Cameron Mackintosh iniciaron el fenómeno megamusical con su musical de 1981 Cats, basado en los poemas de T. S. Eliot, que superó a A Chorus Line para convertirse en el espectáculo de Broadway de mayor duración. Lloyd Webber siguió con Starlight Express (1984), interpretada sobre patines; El fantasma de la ópera (1986; también con Mackintosh), derivado de la novela del mismo nombre; y Sunset Boulevard (1993), de la película de 1950 del mismo nombre. Phantom superaría a Cats para convertirse en el espectáculo de mayor duración en la historia de Broadway, un récord que aún mantiene. El equipo francés de Claude-Michel Schönberg y Alain Boublil escribió Los Miserables, basado en la novela del mismo nombre, cuya producción londinense de 1985 fue producida por Mackintosh y se convirtió, y sigue siendo, musical en la historia del West End y Broadway. El equipo produjo otro éxito con Miss Saigon (1989), que se inspiró en la ópera de Puccini Madama Butterfly.

Los megamusicales' enormes presupuestos redefinieron las expectativas de éxito financiero en Broadway y en el West End. En años anteriores, era posible que un espectáculo se considerara un éxito después de varios cientos de funciones, pero con costos de producción multimillonarios, un espectáculo debe funcionar durante años simplemente para obtener ganancias. Los megamusicales también se reprodujeron en producciones de todo el mundo, multiplicando su potencial de ganancias y ampliando la audiencia global para el teatro musical.

Década de 1990

Audra McDonald

En la década de 1990, surgió una nueva generación de compositores teatrales, incluidos Jason Robert Brown y Michael John LaChiusa, que comenzaron con producciones fuera de Broadway. El éxito más conspicuo de estos artistas fue el espectáculo de Jonathan Larson Rent (1996), un musical de rock (basado en la ópera La bohème) sobre una comunidad en apuros de artistas en Manhattan. Si bien el costo de las entradas para los musicales de Broadway y West End estaba aumentando más allá del presupuesto de muchos espectadores, Rent se comercializó para aumentar la popularidad de los musicales entre una audiencia más joven. Contó con un elenco joven y una partitura fuertemente influenciada por el rock; el musical se convirtió en un éxito. Sus jóvenes fanáticos, muchos de ellos estudiantes, que se hacían llamar RENTheads], acamparon en el Teatro Nederlander con la esperanza de ganar la lotería por boletos de primera fila de $ 20, y algunos vieron el espectáculo docenas de veces. Otros espectáculos en Broadway siguieron el ejemplo de Rent' al ofrecer boletos para el día de la presentación o para la sala de pie con grandes descuentos, aunque a menudo los descuentos se ofrecen solo a los estudiantes.

La década de 1990 también vio la influencia de las grandes corporaciones en la producción de musicales. La más importante ha sido Disney Theatrical Productions, que comenzó adaptando algunas de las películas musicales animadas de Disney para el teatro, comenzando con La Bella y la Bestia (1994), El Rey León (1997) y Aida (2000), estos dos últimos con música de Elton John. El Rey León es el musical más taquillero en la historia de Broadway. The Who's Tommy (1993), una adaptación teatral de la ópera rock Tommy, logró una buena racha de 899 funciones, pero fue criticada por desinfectar la historia y & #34;teatro musicalizado" la musica rockera

A pesar del creciente número de musicales a gran escala en las décadas de 1980 y 1990, varios musicales de menor escala y bajo presupuesto lograron encontrar el éxito crítico y financiero, como Falsettoland y La pequeña tienda de los horrores, Bat Boy: El musical y Blood Brothers. Los temas de estas piezas varían ampliamente y la música va desde el rock hasta el pop, pero a menudo se producen fuera de Broadway o para teatros más pequeños de Londres, y algunas de estas puestas en escena se han considerado imaginativas e innovadoras.

Del 2000 al presente

Tendencias

En el nuevo siglo, la familiaridad ha sido adoptada por productores e inversores ansiosos por garantizar que recuperarán sus considerables inversiones. Algunos se arriesgaron (generalmente con un presupuesto modesto) en material nuevo y creativo, como Urinetown (2001), Avenue Q (2003), The Light in the Piazza (2005), Despertar de primavera (2006), En las alturas (2008), Al lado de lo normal (2009), American Idiot (2010) y El Libro de Mormón (2011). Hamilton (2015), transformó la "historia estadounidense subdramatizada" en un inusual golpe con inflexiones de hip-hop. En 2011, Sondheim argumentó que, de todas las formas de "música pop contemporánea", el rap era "la más cercana al teatro musical tradicional". y fue "un camino hacia el futuro".

Sin embargo, la mayoría de las producciones del siglo XXI del mercado principal han tomado una ruta segura, con resurgimientos de la tarifa familiar, como Fiddler on the Roof, A Chorus Line, South Pacific, Gypsy, Hair, West Side Story y Grease, o con adaptaciones de otro material probado, como la literatura (The Scarlet Pimpernel, Wicked y Fun Home), con la esperanza de que los espectáculos tuvieran un en la audiencia como resultado. Esta tendencia es especialmente persistente con las adaptaciones cinematográficas, incluidas (The Producers, Spamalot, Hairspray, Legally Blonde, El color púrpura, Xanadu, Billy Elliot, Shrek, Camarera y Día de la Marmota). Algunos críticos han argumentado que la reutilización de tramas cinematográficas, especialmente las de Disney (como Mary Poppins y La Sirenita), equiparan el musical de Broadway y el West End a un espectáculo turístico. atracción, en lugar de una salida creativa.

El yeso de Hamilton se reúne con el presidente Obama en 2015

Hoy en día, es menos probable que un único productor, como David Merrick o Cameron Mackintosh, respalde una producción. Los patrocinadores corporativos dominan Broadway y, a menudo, se forman alianzas para montar musicales, que requieren una inversión de 10 millones de dólares o más. En 2002, los créditos de Thoroughly Modern Millie incluían diez productores, y entre esos nombres había entidades compuestas por varios individuos. Por lo general, los teatros regionales y fuera de Broadway tienden a producir musicales más pequeños y, por lo tanto, menos costosos, y el desarrollo de nuevos musicales se ha llevado a cabo cada vez más fuera de Nueva York y Londres o en lugares más pequeños. Por ejemplo, Spring Awakening, Fun Home y Hamilton se desarrollaron fuera de Broadway antes de lanzarse en Broadway.

Varios musicales regresaron al formato de espectáculo que tuvo tanto éxito en la década de 1980, recordando las extravagancias que se han presentado en ocasiones, a lo largo de la historia del teatro, desde que los antiguos romanos escenificaron simulacros de batallas navales. Los ejemplos incluyen las adaptaciones musicales de El señor de los anillos (2007), Lo que el viento se llevó (2008) y Spider-Man: Turn Off the Dark (2011). Estos musicales involucraron a compositores con poca experiencia teatral y las costosas producciones generalmente perdieron dinero. Por el contrario, The Drowsy Chaperone, Avenue Q, The 25th Annual Putnam County Spelling Bee, Xanadu y Fun Home, entre otros, se han presentado en producciones de menor escala, en su mayoría sin interrupciones, con tiempos de ejecución cortos y han disfrutado de un éxito financiero. En 2013, la revista Time informó que una tendencia fuera de Broadway ha sido "inmersiva" teatro, citando espectáculos como Natasha, Pierre & El gran cometa de 1812 (2012) y Here Lies Love (2013) en los que la puesta en escena se desarrolla alrededor y dentro del público. Los espectáculos establecieron un récord conjunto, cada uno recibió 11 nominaciones para los Premios Lucille Lortel y presentan partituras contemporáneas.

En 2013, Cyndi Lauper fue la "primera compositora en ganar el [Tony a la] mejor partitura sin un colaborador masculino" por escribir la música y la letra de Kinky Boots. En 2015, por primera vez, un equipo de guionistas formado exclusivamente por mujeres, Lisa Kron y Jeanine Tesori, ganó el premio Tony a la mejor banda sonora original (y al mejor libro para Kron) por Fun Home, aunque el trabajo de los compositores masculinos continúan produciéndose con más frecuencia.

Jukebox musicales

Otra tendencia ha sido la de crear una trama mínima para adaptarse a una colección de canciones que ya han sido éxitos. Tras el éxito anterior de Buddy: The Buddy Holly Story, estos han incluido Movin' Out (2002, basado en las melodías de Billy Joel), Jersey Boys (2006, The Four Seasons), Rock of Ages (2009, con rock clásico de la década de 1980) y muchos otros. Este estilo a menudo se conoce como el "musical jukebox". Se han construido musicales similares pero más basados en la trama en torno al canon de un grupo de pop en particular, incluido Mamma Mia! (1999, basado en las canciones de ABBA), Our House (2002, basada en las canciones de Madness) y We Will Rock You (2002, basada en las canciones de Queen).

Musicales de cine y televisión

Zac Efron y Zendaya (foto), junto con Hugh Jackman, trajeron el poder estrella a El mejor showman

Las películas musicales de acción en vivo estaban casi muertas en la década de 1980 y principios de la de 1990, con las excepciones de Victor/Victoria, Little Shop of Horrors y la película de 1996 de Evita. En el nuevo siglo, Baz Luhrmann inició un renacimiento de la película musical con Moulin Rouge! (2001). Le siguieron Chicago (2002); El fantasma de la ópera (2004); Alquiler (2005); Chicas de ensueño (2006); Hairspray, Enchanted y Sweeney Todd (todas en 2007); ¡Madre mía! (2008); Nueve (2009); Les Misérables y Pitch Perfect (ambos en 2012), Into The Woods, The Last Five Years (2014), La La Land (2016), El gran showman (2017), Ha nacido una estrella y El regreso de Mary Poppins (ambos de 2018), Rocketman (2019) e In the Heights y la versión de Steven Spielberg de West Side Story (ambos en 2021), entre otros. ¡Cómo el Grinch robó la Navidad! (2000) y El gato en el sombrero (2003) de Dr. Seuss, convirtieron los libros infantiles en musicales de películas de acción. Después del inmenso éxito de Disney y otras casas con películas musicales animadas que comenzaron con The Little Mermaid en 1989 y se desarrollaron a lo largo de la década de 1990 (incluidas algunas películas más con temas para adultos, como South Park: Bigger, Longer & Uncut (1999)), se estrenaron menos películas musicales animadas en la primera década del siglo XXI. El género hizo una reaparición a partir de 2010 con Tangled (2010), Rio (2011) y Frozen (2013). En Asia, la India sigue produciendo numerosos "Bollywood" películas musicales y Japón produce "Anime" y "Manga" musicales de cine.

Las películas musicales hechas para televisión fueron populares en la década de 1990, como Gypsy (1993), Cinderella (1997) y Annie (1999).). Varios musicales realizados para televisión en la primera década del siglo XXI fueron adaptaciones de la versión teatral, como South Pacific (2001), The Music Man (2003) y Once Upon a Mattress (2005), y una versión televisada del musical teatral Legally Blonde en 2007. Además, varios musicales fueron filmados en el escenario y transmitidos por la Televisión Pública, por ejemplo Contact en 2002 y Kiss Me, Kate y Oklahoma! en 2003. El musical para televisión High School Musical (2006), y sus varias secuelas, disfrutaron de un éxito particular y fueron adaptadas para musicales teatrales y otros medios.

Dove Cameron ha protagonizado musicales de televisión como Descendientes, Hairspray Live! y ¡Schmigadoon!

En 2013, NBC comenzó una serie de transmisiones televisivas en vivo de musicales con The Sound of Music Live! Aunque la producción recibió críticas mixtas, fue un éxito de audiencia. Otras transmisiones han incluido Peter Pan Live! (NBC 2014), The Wiz Live! (NBC 2015), una transmisión del Reino Unido, The Sound of Music Live (ITV 2015) Grease: Live (Fox 2016), Hairspray Live! (NBC, 2016), A Christmas Story Live! (Fox, 2017) y Rent: Live (Fox 2019).

Algunos programas de televisión han ambientado episodios como un musical. Los ejemplos incluyen episodios de Ally McBeal, Xena: la princesa guerrera ("The Bitter Suite" y "Lyre, Lyre, Heart's On Fire"), Psych ("Psych: The Musical"), Buffy the Vampire Slayer ("Once More, with Feeling& #34;), Así es Raven, Daria, El laboratorio de Dexter, Las Chicas Superpoderosas, The Flash, Once Upon a Time, Oz, Scrubs (un episodio fue escrito por el creadores de Avenue Q), Batman: The Brave and the Bold ("Mayhem of the Music Meister") y That ' Programa de los 70 (el episodio número 100, "Ese '70s Musical"). Otros han incluido escenas en las que los personajes de repente comienzan a cantar y bailar al estilo de un teatro musical durante un episodio, como en varios episodios de Los Simpson, 30 Rock, Hannah Montana, South Park, Bob's Burgers y Family Guy. Las series de televisión que han utilizado ampliamente el formato musical incluyen Cop Rock, Flight of the Conchords, Glee, Smash y Ex novia loca.

También se han hecho musicales para Internet, incluidos Dr. Horrible's Sing-Along Blog, sobre un supervillano de bajo costo interpretado por Neil Patrick Harris. Fue escrito durante la huelga de escritores de la WGA. Desde 2006, los programas de telerrealidad se han utilizado para ayudar a comercializar reposiciones musicales mediante la celebración de un concurso de talentos para elegir protagonistas (generalmente mujeres). Ejemplos de estos son ¿Cómo resuelves un problema como el de María?, Grease: ¡Tú eres el que yo quiero! Cualquier sueño servirá, Legally Blonde: The Musical – The Search for Elle Woods, Haría cualquier cosa y Over the Rainbow. En 2021, Schmigadoon! fue una parodia y un homenaje a los musicales de la Edad de Oro de las décadas de 1940 y 1950.

2020-2021 cierre del teatro

Marquee of the In the Heart of the Beast Theatre in Minneapolis, Minnesota, during the COVID-19 pandemic

La pandemia de COVID-19 provocó el cierre de teatros y festivales de teatro en todo el mundo a principios de 2020, incluidos todos los teatros de Broadway y West End. Muchas instituciones de artes escénicas intentaron adaptarse, o reducir sus pérdidas, ofreciendo servicios digitales nuevos (o ampliados). En particular, esto dio como resultado la transmisión en línea de actuaciones previamente grabadas de muchas compañías, así como proyectos de crowdsourcing a medida. Por ejemplo, The Sydney Theatre Company encargó a los actores que se filmaran en casa discutiendo y luego interpretando un monólogo de uno de los personajes que habían interpretado anteriormente en el escenario. Los elencos de musicales, como Hamilton y Mamma Mia! se unieron en las llamadas de Zoom para entretener a las personas y al público. Algunas actuaciones se transmitieron en vivo, o se presentaron al aire libre o en otros lugares "socialmente distanciados" maneras, a veces permitiendo que los miembros de la audiencia interactúen con el elenco. Se retransmitían festivales de radioteatro. Se crearon musicales virtuales e incluso colaborativos, como Ratatouille the Musical. Las versiones filmadas de importantes musicales, como Hamilton, se lanzaron en plataformas de transmisión. Andrew Lloyd Webber lanzó grabaciones de sus musicales en YouTube.

Debido a los cierres y la pérdida de ventas de boletos, muchas compañías de teatro se vieron en peligro financiero. Algunos gobiernos ofrecieron ayuda de emergencia a las artes. Algunos mercados de teatros musicales comenzaron a reabrir de forma intermitente a principios de 2021, con los teatros del West End posponiendo su reapertura de junio a julio y Broadway a partir de septiembre. Sin embargo, a lo largo de 2021, los picos de la pandemia han provocado algunos cierres incluso después de la reapertura de los mercados.

Musicales internacionales

Estados Unidos y Gran Bretaña fueron las fuentes más activas de libros musicales desde el siglo XIX hasta gran parte del siglo XX (aunque Europa produjo varias formas de ópera ligera y opereta popular, por ejemplo, la zarzuela española, durante ese período e incluso antes).. Sin embargo, el escenario musical ligero en otros países se ha vuelto más activo en las últimas décadas.

Los musicales de otros países de habla inglesa (principalmente Australia y Canadá) a menudo funcionan bien a nivel local y ocasionalmente incluso llegan a Broadway o al West End (por ejemplo, The Boy from Oz y The Drowsy Chaperone ). Sudáfrica tiene una activa escena de teatro musical, con revistas como African Footprint y Umoja y libros musicales, como Kat and the Kings y Sarafina! de gira internacional. A nivel local, musicales como Vere, Love and Green Onions, Over the Rainbow: the all-new all-gay... extravaganza y Bangbroek Mountain e In Briefs – a queer little Musical se han producido con éxito.

Takarazuka, mujer de Japón Revue en un rendimiento de 1930 de "Parisette"

Los musicales exitosos de Europa continental incluyen espectáculos de (entre otros países) Alemania (Elixier y Ludwig II), Austria (Tanz der Vampire, Elisabeth, Mozart! y Rebecca), República Checa (Dracula), Francia (Starmania, Notre-Dame de Paris, Los Miserables, Roméo et Juliette y Mozart, l'opéra rock) y España (Hoy no me puedo levantar y El Musical Sancho Panza).

Japón ha visto recientemente el crecimiento de una forma autóctona de teatro musical, tanto animado como de acción en vivo, principalmente basado en Anime y Manga, como Kiki's Delivery Service y Tenimyu. La popular metaserie Sailor Moon ha tenido veintinueve musicales de Sailor Moon, a lo largo de trece años. A partir de 1914, Takarazuka Revue, compuesta únicamente por mujeres, ha realizado una serie de revistas populares, que actualmente cuenta con cinco grupos de actuación. En otras partes de Asia, el musical indio de Bollywood, principalmente en forma de películas, tiene un gran éxito.

A partir de una gira de 2002 de Los Miserables, se han importado varios musicales occidentales a China continental y se han presentado en inglés. Los intentos de localizar producciones occidentales en China comenzaron en 2008 cuando Fame se produjo en mandarín con un elenco chino completo en la Academia Central de Drama de Beijing. Desde entonces, otras producciones occidentales se han presentado en China en mandarín con un elenco chino. La primera producción china al estilo del teatro musical occidental fue The Gold Sand en 2005. Además, Li Dun, un conocido productor chino, produjo Butterflies, basada en una clásica tragedia de amor china, en 2007, así como Love U Teresa en 2011.

Producciones amateur y escolares

Adolescente de los jugadores de Nápoles Thoroughly Modern Millie, 2009

Los musicales suelen ser presentados por grupos escolares y de aficionados en iglesias, escuelas y otros espacios de actuación. Aunque el teatro de aficionados ha existido durante siglos, incluso en el Nuevo Mundo, François Cellier y Cunningham Bridgeman escribieron, en 1914, que antes de finales del siglo XIX, los profesionales trataban con desprecio a los actores aficionados. Después de la formación de las compañías de aficionados de Gilbert y Sullivan con licencia para interpretar las óperas de Saboya, los profesionales reconocieron que las sociedades de aficionados "apoyan la cultura de la música y el teatro". Ahora se aceptan como útiles escuelas de formación para el escenario legítimo, y de las filas de voluntarios han surgido muchos favoritos actuales." La Asociación Nacional de Ópera y Drama se fundó en el Reino Unido en 1899. Informó, en 1914, que casi 200 sociedades dramáticas de aficionados estaban produciendo obras de Gilbert y Sullivan en Gran Bretaña ese año. De manera similar, se fundaron más de 100 teatros comunitarios en los EE. UU. a principios del siglo XX. Este número ha crecido a un estimado de 18,000 en los EE. UU. La Asociación de Teatro Educativo de los EE. UU. tiene cerca de 5000 escuelas miembros.

Relevancia

El Rey León en Broadway

La Liga de Broadway anunció que en la temporada 2007-08 se compraron 12,27 millones de entradas para espectáculos de Broadway por un monto de venta bruto de casi mil millones de dólares. La Liga informó además que durante la temporada 2006-07, los turistas compraron aproximadamente el 65% de los boletos de Broadway y que los turistas extranjeros representaron el 16% de los asistentes. La Sociedad de Teatro de Londres informó que 2007 estableció un récord de asistencia en Londres. El total de asistentes a los principales teatros comerciales y subvencionados del centro de Londres fue de 13,6 millones, y los ingresos totales por entradas fueron de £469,7 millones. La escena musical internacional ha estado cada vez más activa en las últimas décadas. Sin embargo, Stephen Sondheim comentó en el año 2000:

Usted tiene dos tipos de espectáculos en Broadway – avivamientos y el mismo tipo de musicales una y otra vez, todos los espectáculos. Tienes tus entradas para El Rey León un año de anticipación, y esencialmente una familia... transmitir a sus hijos la idea de que eso es lo que es el teatro – un espectacular musical que ves una vez al año, una versión escénica de una película. No tiene nada que ver con el teatro. Tiene que ver con ver lo que es familiar... No creo que el teatro muera. per sePero nunca será lo que fue... Es una atracción turística".

Sin embargo, al señalar el éxito en las últimas décadas del material original y las reimaginaciones creativas de películas, obras de teatro y literatura, el historiador del teatro John Kenrick respondió:

¿Está muerto el Musical?... ¡Por supuesto que no! ¿Cambiando? ¡Siempre! El musical ha cambiado desde que Offenbach hizo su primera reescritura en los años 1850. Y el cambio es el signo más claro de que el musical sigue siendo un género vivo y creciente. ¿Volveremos a la llamada "edad de oro", con musicales en el centro de la cultura popular? Probablemente no. El gusto público ha sufrido cambios fundamentales, y las artes comerciales sólo pueden fluir donde el público que paga.

Notas y referencias