Teatro en los Estados Unidos

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El teatro en los Estados Unidos es parte de la antigua tradición teatral europea y ha sido fuertemente influenciado por el teatro británico. El eje central de la escena teatral estadounidense es Manhattan, con sus divisiones de Broadway, Off-Broadway y Off-Off-Broadway. Muchas estrellas de cine y televisión han tenido su gran oportunidad trabajando en producciones de Nueva York. Fuera de Nueva York, muchas ciudades tienen compañías de teatro regionales o residentes profesionales que producen sus propias temporadas, y algunas obras se producen regionalmente con la esperanza de mudarse eventualmente a Nueva York. El teatro de EE. UU. también tiene una cultura activa de teatro comunitario, que se basa principalmente en voluntarios locales que pueden no estar siguiendo activamente una carrera teatral.

Historia temprana

Antes de que se estableciera la primera colonia inglesa en 1607, había dramas españoles y tribus nativas americanas que representaban eventos teatrales. Las representaciones continuaron realizándose en territorios controlados por españoles en lo que luego se convirtió en los Estados Unidos. Por ejemplo, en el Presidio de Los Adaes en Nueva Filipinas (ahora en Luisiana), se presentaron varias obras el 12 de octubre de 1721.

Aunque se construyó un teatro en Williamsburg, Virginia en 1716, y el Dock Street Theatre original se inauguró en Charleston, Carolina del Sur en 1736, el nacimiento del teatro profesional en las colonias inglesas pudo haber comenzado cuando Lewis Hallam llegó con su compañía teatral a Williamsburg en 1752. Lewis y su hermano William, que llegaron en 1754, fueron los primeros en organizar una compañía completa de actores en Europa y traerlos a las colonias. Trajeron un repertorio de obras populares en Londres en ese momento, incluyendo Hamlet, Othello, The Recruiting Officer y Richard III. El Mercader de Venecia fue su primera actuación, mostrada inicialmente el 15 de septiembre de 1752.Al encontrarse con la oposición de las organizaciones religiosas, Hallam y su compañía partieron hacia Jamaica en 1754 o 1755. Poco después, Lewis Hallam, Jr., fundó la American Company, abrió un teatro en Nueva York y presentó la primera obra estadounidense montada profesionalmente : El Príncipe. de Partia, por Thomas Godfrey—en 1767.

En el siglo XVIII, se aprobaron leyes que prohibían la representación de obras de teatro en Massachusetts en 1750, en Pensilvania en 1759 y en Rhode Island en 1761, y las obras de teatro se prohibieron en la mayoría de los estados durante la Guerra Revolucionaria Estadounidense a instancias del Congreso Continental. En 1794, el presidente del Yale College, Timothy Dwight IV, en su "Ensayo sobre el escenario", declaró que "satisfacer el gusto por el teatro significa nada más ni nada menos que la pérdida del tesoro más valioso: el alma inmortal".

A pesar de tales leyes, algunos escritores probaron suerte con la dramaturgia. Lo más probable es que las primeras obras escritas en Estados Unidos fueran de autores nacidos en Europa (sabemos de obras originales escritas por españoles, franceses e ingleses que se remontan a 1567), aunque no se imprimieron obras en Estados Unidos hasta Androboros de Robert Hunter en 1714. Aún así, en los primeros años, la mayoría de las obras producidas procedían de Europa; sólo con El príncipe de Partia de Godfrey en 1767 tenemos una obra de teatro producida profesionalmente y escrita por un estadounidense, aunque fue un sustituto de última hora de la ópera cómica La decepción de Thomas Forrest; o, The Force of Credulity, y aunque la primera obra que trató seriamente temas americanos, Ponteach; o, los salvajes de Américapor Robert Rogers, había sido publicado en Londres un año antes. 'Cato', una obra de teatro sobre la revolución, se representó para George Washington y sus tropas en Valley Forge en el invierno de 1777-1778.

El período revolucionario supuso un impulso para los dramaturgos, para quienes los debates políticos eran un terreno fértil tanto para la sátira, como se ve en las obras de Mercy Otis Warren y el coronel Robert Munford, como para las obras sobre el heroísmo, como en las obras de Hugh Henry Brackenridge. El período de posguerra vio el nacimiento de la comedia social estadounidense en The Contrast de Royall Tyler, que estableció una versión muy imitada del personaje "Yankee", aquí llamado "Jonathan". Pero no hubo dramaturgos profesionales hasta William Dunlap, cuyo trabajo como dramaturgo, traductor, director e historiador del teatro le ha valido el título de "Padre del drama estadounidense"; Además de traducir las obras de teatro de August von Kotzebue y los melodramas franceses, Dunlap escribió obras en una variedad de estilos,El padre; o American Shandyism son sus mejores.

El siglo 19

Teatro de antes de la guerra

En 825 Walnut Street en Filadelfia, Pensilvania, se encuentra el Walnut Street Theatre, o "The Walnut". Fundado en 1809 por el Circo de Pepin y Breschard, "La Nuez" es el teatro más antiguo de América. La primera producción teatral de The Walnut, The Rivals, se representó en 1812. Asistieron el presidente Thomas Jefferson y el marqués de Lafayette.

Los teatros provinciales con frecuencia carecían de calefacción y de propiedad teatral ("accesorios") y escenografía mínimas. A la par de la expansión del país hacia el oeste, algunos empresarios operaban teatros flotantes en barcazas o barcos fluviales que viajaban de pueblo en pueblo. Una ciudad grande podía permitirse una "carrera" larga, o un período de tiempo durante el cual una compañía de gira realizaría múltiples representaciones consecutivas de una producción, y en 1841, se mostró una sola obra en la ciudad de Nueva York durante tres semanas sin precedentes.

Las obras de William Shakespeare se representaban comúnmente. Las obras de teatro estadounidenses de la época eran en su mayoría melodramas, un ejemplo famoso de los cuales fue La cabaña del tío Tom, adaptada por George Aiken, de la novela del mismo nombre de Harriet Beecher Stowe.

En 1821, William Henry Brown estableció el African Grove Theatre en la ciudad de Nueva York. Fue el tercer intento de tener un teatro afroamericano, pero este fue el más exitoso de todos. La compañía no solo representó a Shakespeare, sino que también representó la primera obra escrita por un afroamericano, El drama del rey Shotaway. El teatro se cerró en 1823. El teatro afroamericano estaba relativamente inactivo, a excepción de la obra de 1858 The Escape; o, A Leap for Freedom de William Wells Brown, quien era un ex esclavo. Las obras afroamericanas no se volverían a considerar hasta el Renacimiento de Harlem de la década de 1920.

Una forma popular de teatro durante este tiempo fue el espectáculo de juglares, que presentaba actores blancos (y, a veces, especialmente después de la Guerra Civil, negros) vestidos con "cara negra (pintarse la cara, etc. con maquillaje oscuro para imitar la coloración de un africano o afroamericano)." Los actores entretuvieron a la audiencia con parodias cómicas, parodias de obras de teatro populares y musicales, y bufonadas en general y comedia de payasadas, todo ello con una fuerte utilización de estereotipos raciales y temas racistas.

A lo largo del siglo XIX, la cultura teatral estuvo asociada al hedonismo e incluso a la violencia; los actores (especialmente las mujeres) eran considerados poco mejores que las prostitutas. Jessie Bond escribió que a mediados del siglo XIX, "el escenario estaba en su punto más bajo, las glorias isabelinas y las artificiosidades georgianas se habían desvanecido en el pasado, la tragedia forzada y la farsa vulgar eran todo lo que el aspirante a espectador tenía para elegir. y el teatro se había convertido en un lugar de mala reputación". El 15 de abril de 1865, menos de una semana después del final de la Guerra Civil de los Estados Unidos, Abraham Lincoln, mientras veía una obra de teatro en el Teatro Ford en Washington, DC, fue asesinado por un actor de teatro nacionalmente popular de la época, John Wilkes. Puesto.

El burlesque victoriano, una forma de teatro cómico obsceno que se burla del arte y la cultura elevados, se importó de Inglaterra alrededor de 1860 y en Estados Unidos se convirtió en una forma de farsa en la que las mujeres en papeles masculinos se burlaban de la política y la cultura del momento. Criticada por su sexualidad y franqueza, esta forma de entretenimiento fue expulsada del "escenario legítimo" y se vio relegada a salones y bares. Las productoras, como Lydia Thompson, fueron reemplazadas por sus homólogos masculinos, que suavizaron la política y jugaron con la sexualidad, hasta que los espectáculos burlescos finalmente se convirtieron en poco más que chicas guapas con ropa diminuta cantando canciones, mientras que los comediantes masculinos contaban chistes obscenos.

El drama del período anterior a la guerra tendía a ser un derivado en la forma, imitando los melodramas europeos y las tragedias románticas, pero nativo en el contenido, apelando al nacionalismo popular al dramatizar los acontecimientos actuales y retratar el heroísmo estadounidense. Pero los dramaturgos estaban limitados por una serie de factores, incluida la necesidad de que las obras fueran rentables, los gustos de clase media de los asistentes al teatro estadounidenses y la falta de protección de derechos de autor y compensación para los dramaturgos. Durante este tiempo, la mejor estrategia para un dramaturgo era convertirse en actor y/o manager, siguiendo el modelo de John Howard Payne, Dion Boucicault y John Brougham. Este período vio la popularidad de ciertos tipos de personajes nativos, especialmente el "yanqui", el "negro" y el "indio", ejemplificados por los personajes de Jonathan, Sambo y Metamora. Mientras tanto, el aumento de la inmigración trajo una serie de obras de teatro sobre los irlandeses y los alemanes, que a menudo encajaban con las preocupaciones sobre la templanza y el catolicismo romano. Este período también vio obras sobre la expansión estadounidense hacia el oeste (incluidas obras sobre el mormonismo) y sobre los derechos de la mujer. Entre las mejores obras de teatro de la época se encuentran las de James Nelson Barker.Superstición; o, el padre fanático, la moda de Anna Cora Mowatt ; o, Life in New York, Putnam, the Iron Son of '76 de Nathaniel Bannister, The Octoroon de Dion Boucicault; o, Life in Louisiana, y Witchcraft de Cornelius Mathews; o, los Mártires de Salem. Al mismo tiempo, Estados Unidos había creado nuevas formas dramáticas en los Tom Shows, el showboat theater y el minstrel show.

Teatro de posguerra

Durante la posguerra del Norte, el teatro floreció a medida que el auge de la posguerra permitió producciones más largas y frecuentes. El advenimiento del transporte ferroviario estadounidense permitió que las compañías de producción, los actores y los escenarios grandes y elaborados viajaran fácilmente entre las ciudades, lo que hizo factibles los teatros permanentes en las ciudades pequeñas. La invención y la aplicación práctica de la iluminación eléctrica también condujeron a cambios y mejoras en los estilos de escenografía, así como a cambios en el diseño de los interiores de los teatros y las áreas de asientos.

En 1896, Charles Frohman, Al Hayman, Abe Erlanger, Mark Klaw, Samuel F. Flenderson y J. Fred Zimmerman, Sr. formaron Theatrical Syndicate, que estableció redes de reservas sistematizadas en todo Estados Unidos y creó un monopolio de gestión que controlaba todos los aspectos de los contratos y reservas hasta principios del siglo XX, cuando los hermanos Shubert fundaron la agencia rival, The Shubert Organization.

Para los dramaturgos, el período posterior a la guerra trajo más recompensa financiera y respeto estético (incluida la crítica profesional) que antes. En cuanto a la forma, los espectáculos, los melodramas y las farsas siguieron siendo populares, pero el drama poético y el romanticismo casi se extinguieron por completo debido al nuevo énfasis en el realismo, que fue adoptado por igual por el drama serio, el melodrama y la comedia. Este realismo no era exactamente el realismo europeo de los Fantasmas de Ibsen., sino una combinación de realismo escénico (por ejemplo, el "Método Belasco") con una visión menos romántica de la vida que acompañó la agitación cultural de la época. El esfuerzo más ambicioso hacia el realismo durante este período provino de James Herne, quien estuvo influenciado por las ideas de Ibsen, Hardy y Zola sobre el realismo, la verdad y la calidad literaria; su logro más importante, Margaret Fleming, promulga los principios que expuso en su ensayo "El arte por el bien de la verdad en el drama". Aunque Fleming no atraía al público (los críticos y el público sentían que se detenía demasiado en temas indecorosos e incluía escenas impropias, como Margaret amamantando al hijo bastardo de su esposo en el escenario), otras formas de realismo dramático se estaban volviendo más populares en el melodrama (por ejemplo, el drama de Augustin Daly).Under the Gaslight) y en obras de teatro locales (Shenandoah de Bronson Howard). Otros dramaturgos clave durante este período son David Belasco, Steele MacKaye, William Dean Howells, Dion Boucicault y Clyde Fitch.

El siglo 20

El vodevil era común a fines del siglo XIX y principios del XX, y se destaca por influir en gran medida en las primeras producciones de cine, radio y televisión en el país. (Esto nació de una práctica estadounidense anterior de hacer que cantantes y actos novedosos actuaran entre actos en una obra de teatro estándar). George Burns fue un comediante estadounidense de larga vida que comenzó en la comunidad de vodevil, pero disfrutó de una carrera corriendo hasta la década de 1990.

Algunos teatros de vodevil construidos entre 1900 y 1920 también lograron sobrevivir, aunque muchos pasaron por períodos de uso alternativo, la mayoría de las veces como salas de cine hasta que en la segunda mitad del siglo se produjo el declive de muchas poblaciones urbanas y se construyeron multicines en los suburbios. Desde entonces, varios han sido restaurados a su estado original o casi original y atraen a nuevas audiencias casi cien años después.

A principios del siglo XX, el teatro legítimo de 1752 (sin vodevil) se había vuelto decididamente más sofisticado en los Estados Unidos, como lo había hecho en Europa. Las estrellas de esta era, como Ethel Barrymore y John Barrymore, a menudo se consideraban incluso más importantes que el programa en sí. El avance de las películas también provocó muchos cambios en el teatro. La popularidad de los musicales puede deberse en parte al hecho de que las primeras películas no tenían sonido y, por lo tanto, no podían competir, hasta The Jazz Singer de 1927, que combinaba conversación y música en una imagen en movimiento. En este período florecieron dramas más complejos y sofisticados, y los estilos de actuación se volvieron más moderados. Incluso en 1915, los actores se alejaban del teatro y se dirigían a la gran pantalla, y el vodevil comenzaba a enfrentarse a una dura competencia.

Si bien las revistas que consistían en su mayoría en canciones, sketches, rutinas de comedia y bailarinas (chicas Ziegfeld) sin conexión alguna dominaron durante los primeros 20 años del siglo XX, el teatro musical eventualmente se desarrollaría más allá de esto. Uno de los primeros grandes pasos fue Show Boat, con música de Jerome Kern y letra de Oscar Hammerstein. Presentaba canciones y escenas no musicales que se integraron para desarrollar la trama del programa. ¡ El próximo gran paso adelante fue Oklahoma! , con letra de Hammerstein y música de Richard Rodgers. Sus "ballets de ensueño" utilizaron la danza para llevar adelante la trama y desarrollar los personajes.

Los grupos de aficionados siempre han tenido un lugar junto a las compañías de actores profesionales. El Amateur Comedy Club, Inc. fue fundado en la ciudad de Nueva York el 18 de abril de 1884. Fue organizado por siete caballeros que se separaron de la Organización Dramática de Madison Square, una empresa socialmente destacada presidida por la Sra. James Brown Potter y David Belasco.. El ACC realizó su primera actuación el 13 de febrero de 1885. Ha actuado continuamente desde entonces, lo que la convierte en la sociedad teatral más antigua y continua de los Estados Unidos. Los neoyorquinos prominentes que han sido miembros del ACC incluyen a Theodore, Frederick y John Steinway de la familia de fabricantes de pianos; Gordon Grant, el artista marino; Christopher La Farge, el arquitecto; Van H. Cartmell, el editor; Albert Sterner, el pintor; y Edward Fales Cobarde, el crítico de teatro y dramaturgo. Elsie De Wolfe, Lady Mendl, más tarde famosa como la primera decoradora de interiores profesional del mundo, actuó en producciones del Club en los primeros años del siglo XX, al igual que Hope Williams y Julie Harris en la década de 1940.

El teatro de principios del siglo XX estuvo dominado por los Barrymore: Ethel Barrymore, John Barrymore y Lionel Barrymore. Otros grandes incluyeron a Laurette Taylor, Jeanne Eagels y Eva Le Gallienne. El cambio social masivo que tuvo lugar durante la Gran Depresión también tuvo un efecto en el teatro en los Estados Unidos. Las obras de teatro asumieron roles sociales, identificándose con inmigrantes y desempleados. El Proyecto Federal de Teatro, un programa del New Deal creado por Franklin D. Roosevelt, ayudó a promover el teatro y proporcionó puestos de trabajo para los actores. El programa presentó muchas obras de teatro elaboradas y controvertidas, como It Can't Happen Here de Sinclair Lewis y The Cradle Will Rock.por Marc Blitzstein. Por el contrario, el legendario productor Brock Pemberton (fundador de los Premios Tony) fue uno de los que sintieron que era más que nunca un momento para el entretenimiento cómico, con el fin de proporcionar un escape de las duras condiciones sociales prevalecientes: típico de sus producciones era La comedia Personal Appearance (1934) de Lawrence Riley, cuyo éxito en Broadway (501 representaciones) reivindicó a Pemberton.

Los años entre las guerras mundiales fueron años de extremos. Las obras de Eugene O'Neill fueron el punto culminante de las obras dramáticas serias que condujeron al estallido de la guerra en Europa. Más allá del horizonte (1920), por la que ganó su primer premio Pulitzer; más tarde ganó Pulitzers por Anna Christie (1922) y Strange Interlude (1928), así como el Premio Nobel de Literatura. Alfred Lunt y Lynn Fontanne siguieron siendo una pareja de actores popular en la década de 1930.

1940 resultó ser un año fundamental para el teatro afroamericano. Frederick O'Neal y Abram Hill fundaron ANT, o American Negro Theatre, el grupo de teatro afroamericano más famoso de la década de 1940. Su escenario era pequeño y estaba ubicado en el sótano de una biblioteca en Harlem, y la mayoría de los espectáculos eran atendidos y escritos por afroamericanos. Algunos espectáculos incluyen Natural Man de Theodore Browne (1941), Walk Hard de Abram Hill (1944) y Garden of Time de Owen Dodson (1945). Muchos actores famosos recibieron su formación en ANT, incluidos Harry Belafonte, Sidney Poitier, Alice y Alvin Childress, Osceola Archer, Ruby Dee, Earle Hyman, Hilda Simms, entre muchos otros.

El teatro de mediados del siglo XX vio una gran cantidad de grandes damas principales, incluidas Helen Hayes, Katherine Cornell, Tallulah Bankhead, Judith Anderson y Ruth Gordon. El teatro musical vio estrellas como Ethel Merman, Beatrice Lillie, Mary Martin y Gertrude Lawrence.

Teatro posterior a la Segunda Guerra Mundial

Después de la Segunda Guerra Mundial, el teatro estadounidense se hizo realidad. Varios dramaturgos estadounidenses, como Arthur Miller y Tennessee Williams, adquirieron fama mundial.

En las décadas de 1950 y 1960, la experimentación en las artes también se extendió al teatro, con obras como Hair que incluían referencias a la desnudez y la cultura de las drogas. Los musicales también siguieron siendo populares, y musicales como West Side Story y A Chorus Line rompieron récords anteriores. Al mismo tiempo, programas como Stephen Sondheim's Company comenzaron a deconstruir la forma musical tal como se practicaba a mediados de siglo, alejándose de la trama tradicional y los escenarios externos realistas para explorar el estado interior del personaje central; sus Follies se basaron en pastiches de la revista al estilo Ziegfeld Follies; sus Oberturas del Pacífico utilizaron prácticas teatrales kabuki japonesas; yMerrily We Roll Along contó su historia al revés. De manera similar, la producción de Chicago de Bob Fosse devolvió el musical a sus orígenes de vodevil.

Hechos y cifras del teatro de posguerra

Las audiencias y las taquillas del teatro estadounidense de la posguerra disminuyeron constantemente, debido a la "ofensiva" no declarada de la televisión y la radio contra el teatro clásico y legítimo. Según James F. Reilly, director ejecutivo de la Liga de Teatros de Nueva York, entre 1930 y 1951 el número de teatros legítimos en la ciudad de Nueva York se redujo de 68 a 30. Además de eso, el impuesto de admisión ha sido una carga para los teatro desde 1918. Nunca se relajó desde entonces, y se duplicó en 1943. La capacidad total de asientos de los treinta teatros legítimos más renombrados ascendió a 35,697 asientos en 1951. Desde 1937 solo en la ciudad de Nueva York, 14 antiguos teatros legítimos con una capacidad normal de asientos de 16,955, han sido tomados para transmisiones de radio o presentaciones de televisión.

A fines de la década de 1990 y la década de 2000, el teatro estadounidense comenzó a tomar prestado del cine y la ópera. Por ejemplo, Julie Taymor, directora de El Rey León dirigió Die Zauberflöte en el Metropolitan Opera. Además, los musicales de Broadway se desarrollaron en torno a Mary Poppins, Tarzán, La Sirenita de Disney y el que lo inició todo, La Bella y la Bestia, que puede haber contribuido a la revitalización de Times Square en la década de 1990. Además, The Producers y Young Frankenstein de Mel Brooks se basan en sus exitosas películas.

Drama

Los primeros años del siglo XX, antes de la Primera Guerra Mundial, continuaron viendo el realismo como el principal desarrollo en el drama. Pero a partir de 1900, hubo un resurgimiento del drama poético en los Estados Unidos, correspondiente a un resurgimiento similar en Europa (por ejemplo, Yeats, Maeterlinck y Hauptmann). El ejemplo más notable de esta tendencia fue la "trilogía bíblica" de William Vaughn Moody, que también ilustra el surgimiento del drama de temática religiosa durante los mismos años, como se ve en la producción de 1899 de Ben-Hur y dos adaptaciones de 1901 de Quo Vadis.. Moody, sin embargo, es mejor conocido por dos obras de teatro en prosa, The Great Divide (1906, luego adaptada en tres versiones cinematográficas) y The Faith Healer.(1909), que juntos señalan el camino hacia el drama estadounidense moderno en su énfasis en los conflictos emocionales que se encuentran en el corazón de los conflictos sociales contemporáneos. Otros dramaturgos clave de este período (además del trabajo continuo de Howells y Fitch) incluyen a Edward Sheldon, Charles Rann Kennedy y una de las dramaturgas más exitosas del drama estadounidense, Rachel Crothers, cuyo interés en los problemas de las mujeres se puede ver en tales obras. como él y ella (1911).

Durante el período entre las guerras mundiales, el teatro estadounidense llegó a su madurez, gracias en gran parte a las obras de Eugene O'Neill y de los Provincetown Players. Los experimentos de O'Neill con la forma teatral y su combinación de técnicas naturalistas y expresionistas inspiraron a otros dramaturgos a usar una mayor libertad en sus obras, ya sea expandiendo las técnicas del realismo, como en Trifles de Susan Glaspell , o tomando prestado más fuertemente del expresionismo alemán (por ejemplo, Elmer Rice's The Adding Machine), otros movimientos distintivos durante este período incluyen folk-drama/regionalism (In Abraham's Bosom de Paul Green, ganadora del Pulitzer), drama "concurso" (Green's The Lost Colony, sobre la misteriosa colonia de Roanoke), e incluso una vuelta al drama poético (Winterset de Maxwell Anderson). Al mismo tiempo, la crisis económica de la Gran Depresión condujo al crecimiento del drama de protesta, como se ve en las producciones de Living Newspaper del Federal Theatre Project y en las obras de Clifford Odets (por ejemplo, Waiting for Lefty), así como el drama moralista., como en The Little Foxes y The Children's Hour de Lillian Hellman. Otras figuras clave de esta época incluyen a George S. Kaufman, George Kelly, Langston Hughes, SN Behrman, Sidney Howard, Robert E. Sherwood y un grupo de dramaturgos que siguieron el camino de búsqueda filosófica de O'Neill, Philip Barry, Thornton Wilder (Nuestro Pueblo) y William Saroyan (El tiempo de tu vida). La crítica de teatro siguió el ritmo del drama, como en el trabajo de George Jean Nathan y en los numerosos libros y revistas sobre teatro estadounidense que se publicaron durante este tiempo.

La estatura que el drama estadounidense había alcanzado entre las guerras se consolidó durante la generación posterior a la Segunda Guerra Mundial, con las obras finales de O'Neill y su generación acompañadas de figuras tan imponentes como Tennessee Williams y Arthur Miller, así como del maduración de la forma de teatro musical. Otros dramaturgos clave incluyen a William Inge, Arthur Laurents y Paddy Chayefsky en la década de 1950, el movimiento de vanguardia de Jack Richardson, Arthur Kopit, Jack Gelber y Edward Albee en la década de 1960, y la maduración del drama negro a través de Lorraine Hansberry, James Baldwin y Amiri Baraka.. En el teatro musical, figuras importantes incluyen a Rodgers y Hammerstein, Lerner y Loewe, Betty Comden y Adolph Green, Richard Adler y Jerry Ross, Frank Loesser, Jule Styne, Jerry Bock, Meredith Willson y Stephen Sondheim.

El período que comienza a mediados de la década de 1960, con la aprobación de la legislación de Derechos Civiles y sus repercusiones, dio lugar al surgimiento de un teatro de "agenda" comparable al de la década de 1930. Muchos de los principales dramaturgos de mediados de siglo continuaron produciendo nuevas obras, pero se les unieron nombres como Sam Shepard, Neil Simon, Romulus Linney, David Rabe, Lanford Wilson, David Mamet y John Guare. Muchas dramaturgas importantes fueron mujeres, incluidas Beth Henley, Marsha Norman, Wendy Wasserstein, Megan Terry, Paula Vogel y María Irene Fornés. El crecimiento de los movimientos de orgullo étnico condujo a un mayor éxito de dramaturgos de minorías raciales, como los dramaturgos negros Douglas Turner Ward, Adrienne Kennedy, Ed Bullins, Charles Fuller, Suzan-Lori Parks, Ntozake Shange, George C. Wolfe y August Wilson.El Ciclo de Pittsburgh, uno por cada década del siglo XX. El teatro asiático-estadounidense está representado a principios de la década de 1970 por Frank Chin y alcanzó el éxito internacional con M. Butterfly de David Henry Hwang. El teatro latino creció desde las representaciones activistas locales del Teatro Campesino centrado en los chicanos de Luis Valdez hasta sus obras más formales, como Zoot Suit, y más tarde hasta el trabajo premiado de los cubanoamericanos Fornés (múltiples Obies) y su alumno Nilo Cruz (Pulitzer), a los dramaturgos puertorriqueños José Rivera y Miguel Piñero, y al musical ganador del premio Tony sobre los dominicanos en la ciudad de Nueva York, In the Heights. Finalmente, el surgimiento del movimiento por los derechos de los homosexuales y de la crisis del SIDA llevó a una serie de importantes dramaturgos homosexuales y lesbianas, incluidos Christopher Durang, Holly Hughes, Karen Malpede, Terrence McNally, Larry Kramer, Tony Kushner, cuyos Angels in America ganaron el premio. Premio Tony dos años seguidos, y el compositor y dramaturgo Jonathan Larson, cuyo musical Rent estuvo al aire durante más de doce años.

Teatro estadounidense contemporáneo

Aunque los estilos de teatro anteriores, como los espectáculos de juglares y los actos de vodevil, han desaparecido del paisaje, el teatro sigue siendo una forma de arte estadounidense contemporánea popular. Las producciones de Broadway aún entretienen a millones de espectadores incluso cuando las producciones se han vuelto más elaboradas y caras. Al mismo tiempo, el teatro también ha servido como plataforma de expresión,y como un lugar para la exploración de la identidad de las comunidades minoritarias subrepresentadas, que han formado sus propias compañías y creado sus propios géneros de obras, incluidas las creadas por August Wilson, Tony Kushner, David Henry Hwang, John Guare y Wendy Wasserstein. Los teatros urbanos más pequeños siguen siendo una fuente de innovación y los teatros regionales siguen siendo una parte importante de la vida teatral. El teatro también se enseña en las escuelas secundarias y universidades, lo que no se hacía en épocas anteriores, y muchos se interesan por el teatro a través de este género.