Arte visual en los Estados Unidos

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Arte visual en los Estados Unidos o arte americano es arte visual hecho en los Estados Unidos o por artistas estadounidenses. Antes de la colonización, había muchas tradiciones florecientes del arte nativo americano, y donde los españoles colonizaron la arquitectura colonial española y los estilos que la acompañaban en otros medios se establecieron rápidamente. El arte colonial temprano en la costa este inicialmente se basó en artistas de Europa, con John White (1540-c. 1593) como el primer ejemplo. A finales del siglo XVIII y principios del XIX, los artistas pintaron principalmente retratos y algunos paisajes en un estilo basado principalmente en la pintura inglesa. Los fabricantes de muebles que imitaban los estilos ingleses y artesanos similares también se establecieron en las principales ciudades, pero en las colonias inglesas, la cerámica de fabricación local permaneció resueltamente utilitaria hasta el siglo XIX, con productos de lujo importados.

Pero a finales del siglo XVIII, dos artistas estadounidenses, Benjamin West y John Singleton Copley, se convirtieron en los pintores de historia más exitosos de Londres, considerados entonces como la forma más alta de arte, dando la primera señal de una fuerza emergente en el arte occidental. Los artistas estadounidenses que se quedaron en casa se volvieron cada vez más hábiles, aunque había poca conciencia de ellos en Europa. A principios del siglo XIX comenzó a establecerse la infraestructura para formar artistas y, a partir de 1820, la Escuela del río Hudson comenzó a producir pinturas de paisajes románticos que eran originales y se ajustaban a la enorme escala de los paisajes estadounidenses. La Revolución Americana produjo una demanda de arte patriótico, especialmente pintura de historia, mientras que otros artistas registraron el país fronterizo. Un desarrollo paralelo que tomó forma en las zonas rurales de EE. UU. fue el movimiento artesanal estadounidense,

Después de 1850, floreció el arte académico al estilo europeo y, a medida que los estadounidenses más ricos se hicieron muy ricos, comenzó el flujo de arte europeo, nuevo y antiguo, hacia los EE. UU.; esto ha continuado desde entonces. Se empezaron a abrir museos para exhibir mucho de esto. Los avances en el arte moderno en Europa llegaron a los EE. UU. a partir de exhibiciones en la ciudad de Nueva York, como Armory Show en 1913. Después de la Segunda Guerra Mundial, Nueva York reemplazó a París como el centro del mundo del arte. Desde entonces, muchos movimientos estadounidenses han dado forma al arte moderno y posmoderno. El arte en los Estados Unidos hoy en día cubre una amplia gama de estilos.

Principios

Uno de los primeros pintores en visitar la América británica fue John White (c. 1540 - c. 1606), quien hizo importantes registros en acuarela de la vida de los nativos americanos en la costa este (ahora en el Museo Británico). White visitó América por primera vez como artista y creador de mapas para una expedición de exploración, y en los primeros años del período colonial, la mayoría de los otros artistas formados en estilos occidentales eran oficiales del ejército y la marina, cuya formación incluía dibujar paisajes. Eventualmente, los asentamientos ingleses crecieron lo suficiente como para apoyar a artistas profesionales, en su mayoría retratistas, a menudo en gran parte autodidactas.

Entre los primeros estuvo John Smybert (1688-1751), un artista formado de Londres que emigró en 1728 con la intención de ser profesor de bellas artes, pero en cambio se convirtió en retratista y vendedor de grabados en Boston. Su amigo Peter Pelham era pintor y grabador. Ambos necesitaban otras fuentes de ingresos y tenían tiendas. Mientras tanto, los territorios españoles que luego serían estadounidenses podían ver principalmente arte religioso en el estilo barroco tardío, en su mayoría por artistas nativos, y las culturas nativas americanas continuaron produciendo arte en sus diversas tradiciones.

Siglo dieciocho

Después de la Declaración de Independencia de 1776, que marcó el inicio oficial de la identidad nacional estadounidense, la nueva nación necesitaba una historia, y parte de esa historia se expresaría visualmente. La mayor parte del arte estadounidense temprano (desde finales del siglo XVIII hasta principios del siglo XIX) consiste en pintura de historia y especialmente en retratos. Al igual que en la América colonial, muchos de los pintores que se especializaron en retratos fueron esencialmente autodidactas; notables entre ellos son Joseph Badger, John Brewster Jr. y William Jennys. Los artistas de la joven nación generalmente emularon el estilo del arte británico, que conocían a través de grabados y pinturas de inmigrantes formados en inglés como John Smibert (1688–1751) y John Wollaston (activo entre 1742 y 1775).

Robert Feke (1707-1752), un pintor sin formación del período colonial, logró un estilo sofisticado basado en el ejemplo de Smibert. Charles Willson Peale, quien obtuvo gran parte de su formación artística más temprana al estudiar las copias de pinturas europeas de Smibert, pintó retratos de muchas de las figuras importantes de la Revolución Americana. El hermano menor de Peale, James Peale, y seis de las sobrinas e hijos de Peale, Anna Claypoole Peale, Sarah Miriam Peale, Raphaelle Peale, Rembrandt Peale, Rubens Peale y Titian Peale, también eran artistas. Pintores como Gilbert Stuart hicieron retratos de los funcionarios gubernamentales recién elegidos, que se volvieron icónicos después de ser reproducidos en varios sellos postales de EE. UU. del siglo XIX y principios del siglo XX.

John Singleton Copley pintó retratos emblemáticos para la clase mercantil cada vez más próspera, incluido un retrato de Paul Revere (ca. 1768-1770). La versión original de su pintura más famosa, Watson y el tiburón (1778), se encuentra en la colección de la Galería Nacional de Arte, mientras que hay otra versión en el Museo de Bellas Artes de Boston y una tercera versión en el Instituto de Artes de Detroit. Benjamin West pintó retratos y pinturas históricas de la Guerra Francesa e India. West también trabajó en Londres, donde muchos artistas estadounidenses estudiaron con él, incluidos Washington Allston, Ralph Earl, James Earl, Samuel Morse, Charles Willson Peale, Rembrandt Peale, Gilbert Stuart, John Trumbull, Mather Brown, Edward Savage y Thomas Sully.John Trumbull pintó grandes escenas de batalla de la Guerra Revolucionaria. Cuando se pintaba un paisaje, se hacía con mayor frecuencia para mostrar cuántas propiedades poseía un sujeto, o como fondo pintoresco para un retrato.

Selección de obras de los primeros artistas americanos

Siglo xix

La primera escuela de pintura estadounidense conocida, la Escuela del río Hudson, apareció en 1820. Thomas Cole fue pionero en el movimiento que incluía a Albert Bierstadt, Frederic Edwin Church, Thomas Doughty y varios otros. Al igual que con la música y la literatura, este desarrollo se retrasó hasta que los artistas percibieron que el Nuevo Mundo ofrecía temas únicos en sí mismo; en este caso, la expansión hacia el oeste de los asentamientos atrajo la atención de los pintores sobre la trascendente belleza de los paisajes fronterizos.

La franqueza y sencillez de visión de los pintores del río Hudson influyeron e inspiraron a artistas posteriores como John Kensett y los luministas; así como George Inness y los tonalistas (entre los que se encontraban Albert Pinkham Ryder y Ralph Blakelock, entre otros), y Winslow Homer (1836-1910), que describió las zonas rurales de EE. UU.: el mar, las montañas y las personas que vivían cerca de ellas.

El paisajista de la escuela del río Hudson, Robert S. Duncanson, fue uno de los primeros pintores afroamericanos importantes. John James Audubon, un ornitólogo cuyas pinturas documentaron las aves, fue uno de los artistas naturalistas más importantes de los primeros años de los EE. obras alguna vez terminadas. Edward Hicks fue un pintor popular estadounidense y distinguido ministro de la Sociedad de Amigos. Se convirtió en un ícono cuáquero debido a sus pinturas.

Las pinturas del Gran Oeste, muchas de las cuales enfatizaban el gran tamaño de la tierra y las culturas de los nativos que vivían en ella, también se convirtieron en un género distinto. George Catlin describió Occidente y su gente con la mayor honestidad posible. George Caleb Bingham, y más tarde Frederic Remington, Charles M. Russell, el fotógrafo Edward S. Curtis y otros registraron la herencia occidental de EE. UU. y el viejo oeste americano a través de su arte.

La pintura histórica fue un género menos popular en el arte estadounidense durante el siglo XIX, aunque Washington cruzando el Delaware, pintado por el alemán Emanuel Leutze, se encuentra entre las pinturas estadounidenses más conocidas. Las pinturas históricas y militares de William BT Trego se publicaron ampliamente después de su muerte (según Edwin A. Peeples, "Probablemente no haya un libro de Historia estadounidense que no tenga (una) imagen de Trego").

Los pintores de retratos en los EE. UU. en el siglo XIX incluían pintores sin formación como Ammi Phillips y pintores educados en la tradición europea, como Thomas Sully y GPA Healy. La vida de la ciudad de clase media encontró a su pintor en Thomas Eakins (1844-1916), un realista intransigente cuya honestidad inquebrantable socavó la gentil preferencia por el sentimentalismo romántico. Como resultado, no tuvo un éxito notable en su vida, aunque desde entonces ha sido reconocido como uno de los artistas estadounidenses más importantes. Uno de sus alumnos fue Henry Ossawa Tanner, el primer pintor afroamericano en lograr reconocimiento internacional.

Un estilo trampantojo de pintura de naturaleza muerta, que se originó principalmente en Filadelfia, incluía a Raphaelle Peale (uno de varios artistas de la familia Peale), William Michael Harnett y John F. Peto.

El escultor estadounidense más exitoso de su época, Hiram Powers, abandonó los Estados Unidos cuando tenía poco más de treinta años para pasar el resto de su vida en Europa, donde adoptó un estilo convencional para sus desnudos femeninos idealizados, como Eve Tempted. Varios pintores importantes que se consideran estadounidenses pasaron gran parte de sus vidas en Europa, en particular Mary Cassatt, James McNeill Whistler y John Singer Sargent, todos los cuales fueron influenciados por el impresionismo francés. Theodore Robinson visitó Francia en 1887, se hizo amigo de Monet y se convirtió en uno de los primeros pintores estadounidenses en adoptar la nueva técnica. En las últimas décadas del siglo, el impresionismo estadounidense, practicado por artistas como Childe Hassam y Frank W. Benson, se convirtió en un estilo popular.

Selección de obras destacadas del siglo XIX

Siglo veinte

La controversia pronto se convirtió en una forma de vida para los artistas estadounidenses. De hecho, gran parte de la pintura y la escultura estadounidenses desde 1900 ha sido una serie de rebeliones contra la tradición. "Al diablo con los valores artísticos", anunció Robert Henri (1865-1929). Fue el líder de lo que los críticos llamaron la escuela de pintura Ashcan, por las representaciones del grupo de los aspectos sórdidos de la vida de la ciudad.

El realismo estadounidense se convirtió en la nueva dirección para los artistas visuales estadounidenses a principios del siglo XX. Los pintores de Ashcan George Bellows, Everett Shinn, George Benjamin Luks, William Glackens y John Sloan se encontraban entre los que desarrollaron imágenes de conciencia social en sus obras. El fotógrafo Alfred Stieglitz (1864–1946) lideró el movimiento Photo-Secession, que abrió caminos para la fotografía como una forma de arte emergente.

Pronto, los artistas de la escuela Ashcan dieron paso a los modernistas que llegaban de Europa: los cubistas y los pintores abstractos promovidos por Stieglitz en su Galería 291 en la ciudad de Nueva York. John Marin, Marsden Hartley, Alfred Henry Maurer, Arthur B. Carles, Arthur Dove, Henrietta Shore, Stuart Davis, Wilhelmina Weber, Stanton Macdonald-Wright, Morgan Russell, Patrick Henry Bruce, Andrew Dasburg, Georgia O'Keeffe y Gerald Murphy fueron algunos de los primeros pintores modernistas estadounidenses importantes. Los primeros escultores modernistas en Estados Unidos incluyen a William Zorach, Elie Nadelman y Paul Manship. Florine Stettheimer desarrolló un estilo faux-naif extremadamente personal.

Después de la Primera Guerra Mundial, muchos artistas estadounidenses rechazaron las tendencias modernas que emanaban del Armory Show y las influencias europeas como las de la Escuela de París. En cambio, optaron por adoptar varios estilos de realismo, en algunos casos académicos, al representar escenas urbanas y rurales estadounidenses. Grant Wood, Reginald Marsh, Guy Pène du Bois y Charles Sheeler ejemplifican la tendencia realista de diferentes maneras. Sheeler y los modernistas Charles Demuth y Ralston Crawford fueron denominados precisionistas por sus representaciones nítidamente definidas de máquinas y formas arquitectónicas. Edward Hopper, que estudió con Henri, desarrolló un estilo individual de realismo concentrándose en la luz y la forma, y ​​evitando el contenido social manifiesto.

El suroeste americano

Después de la Primera Guerra Mundial, la finalización del Ferrocarril de Santa Fe permitió a los colonos estadounidenses viajar por el oeste, hasta la costa de California. Nuevas colonias de artistas comenzaron a crecer alrededor de Santa Fe y Taos, siendo el tema principal de los artistas los pueblos nativos y los paisajes del suroeste.

Las imágenes del suroeste se convirtieron en una forma popular de publicidad, utilizada de manera más significativa por el Ferrocarril de Santa Fe para atraer a los colonos a venir al oeste y disfrutar de los "paisajes inmaculados". Walter Ufer, Bert Geer Phillips, E. Irving Couse, William Henry Jackson, Marsden Hartley, Andrew Dasburg y Georgia O'Keeffe fueron algunos de los artistas más prolíficos del suroeste. Georgia O'Keeffe, que nació a fines del siglo XIX, se hizo conocida por sus pinturas con flores, huesos y paisajes de Nuevo México como se ve en Ram's Head White Hollyhock y Little Hills. O'Keeffe visitó el suroeste en 1929 y se mudó allí de forma permanente en 1949; vivió y pintó allí hasta su muerte en 1986.

Renacimiento de Harlem (1920-1930)

El Renacimiento de Harlem fue otro desarrollo significativo en el arte estadounidense. En las décadas de 1920 y 1930 surgió una nueva generación de hombres y mujeres afroamericanos educados y políticamente astutos que patrocinaron sociedades literarias y exhibiciones de arte e industriales para combatir los estereotipos racistas. El movimiento, que mostró la gama de talentos dentro de las comunidades afroamericanas, incluyó artistas de todo Estados Unidos, pero se centró en Harlem. El trabajo del pintor y artista gráfico de Harlem Aaron Douglas y el fotógrafo James VanDerZee se convirtió en un emblema del movimiento. Los artistas asociados con el Renacimiento de Harlem incluyen a Romare Bearden, Jacob Lawrence, Charles Alston, Augusta Savage, Archibald Motley, Lois Mailou Jones, Palmer Hayden y Sargent Johnson.

Arte del New Deal (década de 1930)

Cuando la Gran Depresión empeoró, el New Deal del presidente Roosevelt creó varios programas de arte público. El propósito de los programas era dar trabajo a los artistas y decorar edificios públicos, generalmente con un tema nacional. El primero de estos proyectos, el Proyecto de Obras de Arte Públicas (PWAP, por sus siglas en inglés), fue creado después de un cabildeo exitoso por parte de los artistas desempleados del Sindicato de Artistas. El PWAP duró menos de un año y produjo cerca de 15.000 obras de arte. Le siguió el Federal Art Project of the Works Progress Administration (FAP/WPA) en 1935, que financió a algunos de los artistas estadounidenses más conocidos.

El estilo de gran parte del arte público encargado por la WPA estuvo influenciado por el trabajo de Diego Rivera y otros artistas del muralismo mexicano contemporáneo. Varios movimientos separados y relacionados comenzaron y se desarrollaron durante la Gran Depresión, incluida la pintura de escena estadounidense, el regionalismo y el realismo social. Thomas Hart Benton, John Steuart Curry, Grant Wood, Maxine Albro, Ben Shahn, Joseph Stella, Reginald Marsh, Isaac Soyer, Raphael Soyer, Spencer Baird Nichols y Jack Levine fueron algunos de los artistas más conocidos.

No todos los artistas que surgieron en los años de entreguerras fueron regionalistas o realistas sociales; Las pinturas de Milton Avery, a menudo casi abstractas, tuvieron una influencia significativa en varios de los artistas más jóvenes que pronto serían conocidos como expresionistas abstractos. Joseph Cornell, inspirado en el surrealismo, creó ensamblajes en cajas que incorporaban objetos encontrados y collage.

Expresionismo abstracto

En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial, un grupo de artistas de Nueva York formó el primer movimiento estadounidense que ejerció una gran influencia a nivel internacional: el expresionismo abstracto. Este término, que había sido utilizado por primera vez en 1919 en Berlín, fue utilizado de nuevo en 1946 por Robert Coates en The New York Times, y fue retomado por los dos principales críticos de arte de la época, Harold Rosenberg y Clement Greenberg. Siempre ha sido criticado por ser demasiado grande y paradójico, pero la definición común implica el uso del arte abstracto para expresar sentimientos, emociones, lo que está dentro del artista y no lo que está fuera.

La primera generación de expresionistas abstractos incluyó a Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, Franz Kline, Arshile Gorky, Robert Motherwell, Clyfford Still, Barnett Newman, Adolph Gottlieb, Phillip Guston, Ad Reinhardt, James Brooks, Richard Pousette-Dart, William Baziotes, Mark Tobey, Bradley Walker Tomlin, Theodoros Stamos, Jack Tworkov, Wilhelmina Weber Furlong, David Smith y Hans Hofmann, entre otros. Milton Avery, Lee Krasner, Louise Bourgeois, Alexander Calder, Tony Smith, Morris Graves y otros también fueron artistas relacionados, importantes e influyentes durante ese período.

Aunque los numerosos artistas incluidos en esta etiqueta tenían estilos muy diferentes, los críticos contemporáneos encontraron varios puntos en común entre ellos. Gorky, Pollock, de Kooning, Kline, Hofmann, Motherwell, Gottlieb, Rothko, Still, Guston y otros fueron pintores estadounidenses asociados con el movimiento expresionista abstracto y, en la mayoría de los casos, con la pintura de acción (como se ve en la Pintura número 2 de Kline, 1954); como parte de la Escuela de Nueva York en las décadas de 1940 y 1950.

Muchos expresionistas abstractos de primera generación fueron influenciados tanto por las obras de los cubistas (que conocían por las fotografías en las reseñas de arte y al ver las obras en la Galería 291 o el Armory Show), por los surrealistas europeos y por Pablo Picasso, Joan Miró y Henri Matisse así como los estadounidenses Milton Avery, John D. Graham y Hans Hofmann. La mayoría abandonó la composición formal y la representación de objetos reales. A menudo, los expresionistas abstractos decidieron intentar arreglos instintivos, intuitivos y espontáneos del espacio, la línea, la forma y el color. El expresionismo abstracto se puede caracterizar por dos elementos principales: el gran tamaño de los lienzos utilizados (parcialmente inspirados en los frescos mexicanos y las obras que realizaron para la WPA en la década de 1930),

Pintura de campo de color

El énfasis y la intensificación del color y las grandes extensiones abiertas de superficie fueron dos de los principios aplicados al movimiento denominado Color Field painting. Ad Reinhardt, Adolph Gottlieb, Mark Rothko, Clyfford Still y Barnett Newman fueron categorizados como tales. Otro movimiento se denominó Action Painting, caracterizado por la reacción espontánea, las poderosas pinceladas, la pintura goteada y salpicada y los fuertes movimientos físicos utilizados en la producción de una pintura. Jackson Pollock es un ejemplo de Action Painter: su proceso creativo, incorporando pintura arrojada y goteada de un palo o vertida directamente de la lata, revolucionó los métodos de pintura.

Willem de Kooning dijo sobre Pollock: "Él rompió el hielo para el resto de nosotros". Irónicamente, las grandes extensiones repetitivas de campos lineales de Pollock también son características de la pintura Color Field, como escribió el crítico de arte Michael Fried en su ensayo para el catálogo de Tres pintores estadounidenses: Kenneth Noland, Jules Olitski, Frank Stella en el Museo de Arte Fogg en 1965. A pesar de los desacuerdos entre los críticos de arte, el expresionismo abstracto marca un punto de inflexión en la historia del arte estadounidense: en las décadas de 1940 y 1950, la atención internacional pasó del arte europeo (parisino) al arte estadounidense (Nueva York).

La pintura de campo de color continuó como un movimiento en la década de 1960, cuando Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Gene Davis, Helen Frankenthaler y otros buscaron hacer pinturas que eliminaran la retórica superflua con repetición, rayas y grandes áreas planas de color.

Después del expresionismo abstracto

Durante la década de 1950, la pintura abstracta en Estados Unidos evolucionó hacia movimientos como el Neo-Dada, la abstracción pictórica posterior, el arte óptico, la pintura de borde duro, el arte minimalista, la pintura en lienzo con forma, la abstracción lírica y la continuación del expresionismo abstracto. Como respuesta a la tendencia hacia la abstracción, las imágenes surgieron a través de varios movimientos nuevos como el Pop Art, el Movimiento Figurativo del Área de la Bahía y más tarde, en la década de 1970, el Neoexpresionismo.

La abstracción lírica junto con el movimiento Fluxus y el posminimalismo (un término acuñado por primera vez por Robert Pincus-Witten en las páginas de Artforum en 1969) buscaban expandir los límites de la pintura abstracta y el minimalismo centrándose en el proceso, los nuevos materiales y las nuevas formas de expresión. El posminimalismo que a menudo incorpora materiales industriales, materias primas, fabricaciones, objetos encontrados, instalación, repetición en serie y, a menudo, con referencias al dadaísmo y al surrealismo se ejemplifica mejor en las esculturas de Eva Hesse.

Abstracción lírica, arte conceptual, postminimalismo, arte de la tierra, video, arte de performance, arte de instalación, junto con la continuación de Fluxus, expresionismo abstracto, pintura de campo de color, pintura de borde duro, arte minimalista, arte óptico, arte pop, fotorrealismo y nuevo El realismo amplió los límites del arte contemporáneo desde mediados de la década de 1960 hasta la década de 1970.

La abstracción lírica comparte similitudes con la pintura de campo de color y el expresionismo abstracto, especialmente en el uso despreocupado de la textura y la superficie de la pintura. El dibujo directo, el uso caligráfico de la línea, los efectos de la pintura cepillada, salpicada, teñida, escurrida, vertida y salpicada se asemejan superficialmente a los efectos observados en el expresionismo abstracto y la pintura de campo de color. Sin embargo, los estilos son marcadamente diferentes.

Durante las décadas de 1960, 1970 y 1980, pintores tan poderosos e influyentes como Adolph Gottlieb, Phillip Guston, Lee Krasner, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Richard Diebenkorn, Josef Albers, Elmer Bischoff, Agnes Martin, Al Held, Sam Francis, Kenneth Noland, Jules Olitski, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Gene Davis, Frank Stella, Joan Mitchell, Friedel Dzubas, Paul Jenkins y artistas más jóvenes como Brice Marden, Robert Mangold, Sam Gilliam, Sean Scully, Elizabeth Murray, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis, Dan Christensen, Susan Rothenberg, Ross Bleckner, Richard Tuttle, Julian Schnabel, Peter Halley, Jean-Michel Basquiat, Eric Fischl y muchos otros produjeron pinturas vitales e influyentes.

Otros movimientos americanos modernos

Los miembros de la próxima generación artística favorecieron una forma diferente de abstracción: obras de técnica mixta. Entre ellos se encontraban Robert Rauschenberg (1925–2008) y Jasper Johns (1930-), quienes utilizaron fotografías, papel de periódico y objetos desechados en sus composiciones. Artistas pop, como Andy Warhol (1928–1987), Larry Rivers (1923–2002) y Roy Lichtenstein (1923–1997), reprodujeron con cuidado satírico objetos cotidianos e imágenes de la cultura popular estadounidense: botellas de Coca-Cola, latas de sopa, tiras cómicas.

El realismo también ha sido continuamente popular en los Estados Unidos, a pesar del impacto del modernismo; la tendencia realista es evidente en las escenas de la ciudad de Edward Hopper, la imaginería rural de Andrew Wyeth y las ilustraciones de Norman Rockwell. En ciertos lugares, el expresionismo abstracto nunca cuajó; por ejemplo, en Chicago, el estilo artístico dominante era el realismo grotesco y simbólico, como lo ejemplifican los imaginistas de Chicago Cosmo Campoli (1923-1997), Jim Nutt (1938-), Ed Paschke (1939-2004) y Nancy Spero (1926). –2009).

Arte contemporáneo en el siglo XXI

A principios del siglo XXI, el arte contemporáneo en los Estados Unidos en general continúa en varias modalidades contiguas, caracterizadas por la idea de Pluralismo Cultural. La "crisis" de la pintura y del arte actual y de la crítica de arte actual la provoca el pluralismo. No hay consenso, ni es necesario que lo haya, en cuanto a un estilo representativo de la época. Hay una actitud de todo vale que prevalece; un síndrome de "todo pasa"; sin una dirección firme y clara y, sin embargo, con todos los carriles de la autopista artística llenos al máximo. En consecuencia, se siguen realizando magníficas e importantes obras de arte en los Estados Unidos, aunque en una amplia variedad de estilos y temperamentos estéticos, y se deja que el mercado juzgue el mérito.

Pintura de borde duro, Abstracción geométrica, Apropiación, Hiperrealismo, Fotorrealismo, Expresionismo, Minimalismo, Abstracción lírica, Pop art, Op art, Expresionismo abstracto, Pintura de campo de color, Pintura monocromática, Neoexpresionismo, Collage, Pintura intermedia, Pintura de ensamblaje, Digital La pintura, la pintura posmoderna, la pintura neo-dada, la pintura en lienzo con formas, la pintura mural ambiental, el graffiti, la pintura tradicional de figuras, la pintura de paisajes, la pintura de retratos, son algunas direcciones continuas y actuales en la pintura a principios del siglo XXI.

Figuras notables

Algunos artistas estadounidenses destacados incluyen: Ansel Adams, John James Audubon, Milton Avery, Jean-Michel Basquiat, Thomas Hart Benton, Albert Bierstadt, Alexander Calder, Mary Cassatt, Frederic Edwin Church, Chuck Close, Thomas Cole, Robert Crumb, Edward S. Curtis, Richard Diebenkorn, Thomas Eakins, Jules Feiffer, Lyonel Feininger, Helen Frankenthaler, Arshile Gorky, Keith Haring, Marsden Hartley, Al Hirschfeld, Hans Hofmann, Winslow Homer, Edward Hopper, Jasper Johns, Georgia O'Keeffe, Jack Kirby, Franz Kline, Willem de Kooning, Lee Krasner, Dorothea Lange, Roy Lichtenstein, Morris Louis, John Marin, Agnes Martin, Joan Mitchell, Grandma Moses, Robert Motherwell, Nampeyo, Kenneth Noland, Jackson Pollock, Man Ray, Robert Rauschenberg, Frederic Remington, Norman Rockwell, Mark Rothko, Albert Pinkham Ryder, John Singer Sargent, Cindy Sherman,David Smith, Frank Stella, Clyfford Still, Gilbert Stuart, Louis Comfort Tiffany, Cy Twombly, Andy Warhol, Grant Wood, Frank Lloyd Wright y Andrew Wyeth.