Royal Space Force: Las alas de Honnêamise

Royal Space Force, Shoichi Masuo, era socio de Hideaki Anno, a quien había conocido cuando los dos trabajaron juntos en la película Macross de 1984. Anno se había mudado a Tokio el año anterior para seguir una carrera como animador independiente; Masuo y Anno, que tenían la misma edad, se encontraban entre los cofundadores de Studio Graviton, una oficina de Tokio para animadores que trabajan por cuenta propia como ellos. Masuo describió los roles de él y los otros dos asistentes de dirección: Higuchi estaba a cargo general de los aspectos de diseño del settei, Masuo estaba a cargo de los aspectos de color del settei, incluidos los fondos, mientras que Akai supervisó el trabajo en su conjunto como asistente general de Yamaga. Estos roles no eran fijos, y los tres no consultaban a diario, sino que tenían reuniones sobre cómo cambiar su enfoque cada vez que los cambios en la situación de producción lo requerían. Masuo también señaló que tenía la mayor experiencia de los tres en animación, y si un animador parecía confundido con las directivas abstractas de Yamaga, Masuo explicaba en términos concretos cómo ejecutar la intención del director. Con respecto al estilo de animación de Royal Space Force, Masuo comentó que, en general, era sencillo, sin las características técnicas extravagantes para crear interés visual o diversión que a menudo se asocia con el anime, pero que "ahí' No hay nada más [en el anime] como este en el que puedes hacer una actuación adecuada y movimientos mecánicos realistas. Por eso su impresión es bastante cinematográfica... En animación es muy difícil hacer algo normal. Cuando consideras [Royal Space Force], hay muchas escenas en las que los personajes simplemente beben té o caminan. No te das cuenta de [tales acciones], pero son muy difíciles de dibujar y creo que requirió mucho trabajo desafiante para los animadores clave." Después de Royal Space Force, Masuo permanecería estrechamente asociado con los trabajos de Gainax y el posterior Studio khara de Anno como animador clave, director técnico y diseñador mecánico antes de su muerte en 2017.

En enero de 1986, Toho-Towa acordó distribuir Royal Space Force como un largometraje, y la producción asumió un ritmo más frenético, ya que el proceso de intermediación, pintura de celdas y pintura de fondo comenzó en este momento. tiempo; Se contrató personal adicional a través de anuncios colocados en revistas de anime. Gainax reubicó su estudio una vez más, esta vez de Takadanobaba a un espacio de estudio más grande en el vecindario Higashi-cho de Kichijoji, donde se produciría el resto de Royal Space Force. Después de la parte C de la película, la producción de animación avanzó en orden desde la parte A (la escena de apertura a través de la pelea en el salón de la fuerza aérea), hasta la parte B (la llegada a la fábrica de cohetes a través del funeral del Dr. Gnomm).), luego a la parte final D (la charla del General sobre la historia hasta el final de la película). El intercambio diario de ideas entre Yamaga y el resto del personal de Gainax continuó durante la producción, ya que los artistas intentaban comprender sus intenciones, y Yamaga solicitó que se rehicieran los dibujos de animación, los diseños y las pinturas de fondo para acercarse más a la "imagen en su cabeza;" Los artistas de la película también intercambiaron opiniones sobre las imágenes entre ellos.

Un tanque es bombardeado desde arriba durante la batalla climática para capturar el sitio de lanzamiento, en una explosión animada por el artista de efectos especiales de la película, Hideaki Anno. Hiroyuki Yamaga y Anno fueron estudiantes de cine juntos en la Universidad de Artes de Osaka; Anno fue el primer animador que había conocido, y fue testigo de la "sensación antigua que reside" dentro de las explosiones de Anno que primero hizo que Yamaga se interesara en el anime. Incluso antes de determinar un tema para el proyecto que se convirtió Royal Space Force, Yamaga decidió que el clímax de la historia tendría "la metralla de Anno".

Aunque Royal Space Force era esencialmente un trabajo animado predigital que usaba capas de celdas físicas y fondos pintados a mano, las computadoras jugaron un papel importante en su producción. La programación y la contabilidad de la película se realizaron con un Fujitsu OASYS100, mientras que los dibujos de diseño se escanearon en un NEC PC-9801, lo que permitió estudiarlos en diferentes rotaciones y posibles opciones de color, utilizando una paleta de 256 colores. El borrador de animación de dibujos lineales que prueban cómo funcionarían las secuencias utilizó una cámara de video controlada por computadora Quick Action Recorder, una tecnología en ese momento común en la industria del anime. La animación asistida por computadora que se ve en pantalla en Royal Space Force se usó para ciertas tomas de movimiento difíciles, incluidas las hélices contrarrotantes del avión de la fuerza aérea de Honnêamise, la rotación de la cápsula espacial mientras está en órbita, la inclinación el giro de la rueda de la barredora de calles y el giro de la aguja del instrumento en el búnker de control de lanzamiento. Los movimientos en sí mismos se renderizaron utilizando el software ASCII 3D y luego se rastrearon en celdas. Por el contrario, Ryusuke Hikawa notó que los copos de escarcha que caían del cohete en el despegue, lo que podría suponerse que era un efecto de CG, se hicieron completamente a mano bajo la supervisión de Hideaki Anno.

Anno comentó que dos críticas frecuentes de Royal Space Force eran que "no había necesidad de hacer esto como un anime" (es decir, a diferencia de una película de acción en vivo), pero también por el contrario que "podría haberse parecido más a un anime [típico];" sin embargo, sostuvo que ambos puntos de vista pasaron por alto lo que había sido esencial para la película, cuyo propósito era que el público percibiera la realidad en un sentido auténtico. Anno argumentó que una de las ventajas de hacer cine mediante el uso de 'animación' (Sintió que era más exacto en el caso de Royal Space Force hablar en lugar de las ventajas de usar 'imágenes') era el fino grado de control que permitía al creador como herramienta para presentar imágenes, y que el alto nivel de detalle de la película no era para imitar la acción en vivo, sino para el objetivo conceptual de transmitir una noción de realidad. Anno, de hecho, mantuvo su preocupación como artista en la película por la "imagen" en lugar del "anime" per se, y que tomó la decisión consciente de no trabajar en la "llamada animación", ya que sintió que sería inapropiado para Royal Space Force: "Todo lo que puedo decirles a las personas que quieren ver algo más parecido al anime en su pantalla es que deberían ver otro anime."

Se escribió una escena de un minuto de Shiro y Marty conversando en la cama de un camión que entrega la computadora electromecánica de la Royal Space Force, originalmente destinada a preceder la primera carrera de entrenamiento de Shiro en el simulador de cápsula. y animado para la parte B de la película, pero no se incluyó en el estreno en cines. La escena se cortó por razones de duración antes de llegar a la etapa de grabación de audio; sin embargo, la edición LaserDisc Royal Space Force~The Wings of Honnêamise Memorial Box de 1990, descrita por Animage como un proyecto kodawari (comprometido con la perfección) del coproductor de Bandai, Shigeru Watanabe, reuniría al equipo de sonido de la película y a los actores de voz Leo Morimoto y Kazuyuki Sogabe, y grabaría el diálogo y los efectos de sonido para la escena. Esta escena de un minuto también se incluiría en ediciones posteriores de DVD y Blu-ray de Royal Space Force.

Muchos miembros del personal de Royal Space Force también habían trabajado en dos de los principales proyectos de películas de anime lanzados en 1986: Project A-ko y Castle in the Sky, incluido el director asistente de Royal Space Force's Masuo y el director de animación Yuji Moriyama en A-ko; el artista de diseño y animador clave Mahiro Maeda había trabajado en Castle in the Sky, al igual que Noriko Takaya, quien anteriormente había desarrollado para su director Hayao Miyazaki la "armonía" método utilizado para representar el caparazón cambiante del Ohm en Nausicaä; la técnica se usaría también para las boquillas de los cohetes en Royal Space Force. Para el verano de 1986, ambos trabajos se completaron y una gran cantidad de su tripulación se unió a la producción de Royal Space Force , que en ese momento funcionaba las 24 horas.

Yamaga diría más tarde sobre la realización de Royal Space Force, "era como si todos estuviéramos blandiendo espadas con los ojos vendados". Akai y Yamaga comentaron que dado que no eran 'puristas de la animación', alteraron los dibujos de animación, las celdas y las hojas de tiempo de maneras que no eran prácticas tradicionales de la industria, hasta el punto de que "los jóvenes que siguieron nuestros pasos en la creación de anime pensaron que así era como se hacía", especulando que pueden haber creado nuevas tradiciones para el anime al romper las antiguas en la producción de Royal Space Force. La idea de que Royal Space Force no usaría la división del trabajo tradicional del anime y los roles estrictamente asignados se desarrolló mientras aún estaba en la etapa de preproducción. Masuo comparó el sistema de producción de Gainax con organizar un festival escolar, en el que todos compartían ideas y participaban donde podían. Higuchi se rió de que, mientras era asistente de dirección, supervisaba con un "plano" de cómo sería la película, hubo momentos en que el trabajo terminado resultó ser completamente diferente, y pensó, "Oh..." En 1995, Okada reflexionó que la película 'se hizo en ese tipo de caos... En un proyecto de anime de Gainax, todos tienen que ser directores. Por lo tanto, los sentimientos de todos y el conocimiento de todos están involucrados... Ese es el lado bueno de cómo las películas de Gainax son diferentes de las demás. Pero no tenemos un director fuerte, y ese es el lado débil." Sobre el comentario del director, el propio Yamaga señaló que cuando se realizaron las últimas tomas de la película a fines de 1986, de los 100 ajustes realizados en las escenas, solo tres se basaron en las propias del director. sugerencias Akai había rechazado personalmente otras solicitudes de cambio de Yamaga sobre la base de representar las opiniones de todo el personal y asegurarse de que "todos fueran escuchados". Yamaga respondió: "Me complació que todos estuvieran tan involucrados en el proyecto". No esperaba que eso sucediera. Fue un tiempo maravilloso. Al principio, se esperaba que yo tomara todas las decisiones, pero con el paso del tiempo, el personal comenzó a entender que yo no iba a tomar todas las decisiones y que ellos iban a tener que involucrarse. Al final del proyecto, a nadie le importaba lo que tenía que decir... Pensé que era genial."

Cinematografía

Como anime predigital, las escenas de Royal Space Force se crearon utilizando una cámara para fotografiar las celdas de animación y los fondos en una película. Una escena normalmente consistiría en una serie de tomas individuales separadas conocidas como "cortes" cada corte se prepara para el fotógrafo reuniendo en una bolsa todas las celdas de animación y los elementos de fondo que se utilizarán en ese corte en particular. Akai notó que la animación de Anno de los copos de escarcha que caían del cohete en el despegue requirió tantos cels que los cortes de la escena se llevaron en una caja, en lugar de una bolsa. El director de fotografía de Royal Space Force fue Hiroshi Isakawa de Mushi Production, donde se filmó la animación de la película piloto a principios de 1985. Posteriormente, se le pidió a Isakawa que dirigiera la fotografía del largometraje. también; en una entrevista después de la finalización de la película, comentó que originalmente se le aseguró que la fotografía podría comenzar en abril de 1986, pero no recibió cortes hasta agosto y septiembre, y luego "solo el trabajo fácil". 34; con Gainax posponiendo completar las escenas más difíciles hasta más tarde. Isakawa bromeó diciendo que como no fue hasta octubre que los cortes comenzaron a llegar a un ritmo constante, le resultó difícil determinar exactamente cuánto progreso estaban haciendo en la película. El período de trabajo más intenso ocurrió en enero de 1987; Isakawa completó la filmación de Royal Space Force a fines de ese mes y señaló que, debido a la naturaleza intermitente de la tarea, la fotografía tomó tres meses de tiempo real.

Además de la necesidad técnica de fotografiar la animación, la propia experiencia previa de Gainax en la filmación de obras de acción en vivo de aficionados tuvo una influencia más amplia en la construcción de las propias escenas animadas; la secuencia al principio de Royal Space Force donde Tchallichammi y Shiro conversan en el baño se describe en el comentario del director como una "escena simple" que, sin embargo, se rehizo muchas veces mientras el personal debatía los movimientos relativos y la ubicación de los dos personajes 'como si estuviéramos filmando esto en acción real'. Akai y Yamaga comentaron que no había sido su intención como animadores "emular" películas de acción real, sino más bien para hacer animación con un realismo basado en su experiencia de 'mirar a través de la lente de la cámara para ver lo que ve... no había muchas personas que pudieran [ambos ] dibujar y entender cómo funciona la cámara... Es difícil expresar las películas animadas de manera realista. La cámara realmente no existe." Otro reflejo de su experiencia de acción en vivo implicó la construcción de modelos a escala de la motocicleta de Marty, el jet naval Honnêamise y los aviones de apoyo de la fuerza aérea, y el edificio de la sede de la Royal Space Force. Estos modelos se usaron como ayudas de referencia para los animadores, pero también para elegir qué ángulos y puntos de vista usar en las escenas donde aparecerían los objetos modelados; en sentido figurado, para "decidir dónde deberían estar las cámaras".

Muchas de las escenas de la película se crearían mediante técnicas fotográficas especiales aplicadas a la animación subyacente; un ejemplo fue la aparición de la pantalla de televisión en el cuartel de la Royal Space Force. A Gainax se le ocurrió la idea de tomar una cubierta de panel acrílico transparente de una lámpara fluorescente y colocarla sobre las celdas de animación que representan la transmisión de televisión, moviendo la cubierta mientras se fotografiaban las celdas; el movimiento del patrón prismático de la cubierta simulaba el aspecto de una imagen con una calidad de recepción variable. La aparición y desaparición de las imágenes generadas por rayos catódicos de un televisor analógico cuando se cambiaba un canal o se apagaba el televisor se simuló aún más mediante el uso de una técnica de composición fotográfica, ya que se consideró que el empleo de un desvanecimiento de cámara simple reduciría el realismo. del efecto Las imágenes de la pantalla de televisión se tomaron en el estudio T Nishimura, un especialista en fotografía que luego contribuiría a Patlabor: The Movie de 1989.

Isakawa describió los desafíos técnicos que enfrentó al filmar el trabajo de Gainax en Royal Space Force, con algunos cortes individuales creados usando hasta 12 niveles fotográficos que consisten en celdas, capas superpuestas, y hojas de máscaras de papel diseñadas para capturar áreas aisladas de luz transmitida de diferentes colores (una técnica fotográfica utilizable con elementos translúcidos como celdas de animación, donde la imagen también puede iluminarse con la luz que pasa a través del objeto, en lugar de solo con la luz reflejada). Algunas de las capas de celdas llegaron con polvo y rayones, lo que planteó dificultades adicionales para Isakawa; consideró oscurecerlos con el método popular de emplear un filtro polarizador, pero sintió que no podía usar la técnica, ya que tales filtros también oscurecían los detalles finos en el arte celular. Isakawa comentó que, sin embargo, Gainax había evitado en gran medida lo que describió como los errores comunes en la industria del anime de celdas que no son lo suficientemente largas para sus pinturas de fondo o que tienen puntos de unión desalineados a las barras de clavijas. Otro aspecto desafiante para Isakawa involucraba el movimiento en lugar de la luz, como transmitir las fuertes vibraciones de la motocicleta de Marty o la cabina del avión de la fuerza aérea; mientras que normalmente esas escenas se filmarían mientras se agitaban las celdas y los fondos como una unidad, Gainax insistió en que los elementos se agitaran por separado.

Yamaga y Shinji Higuchi, quien también se desempeñó como asistente de dirección de fotografía en la película, hicieron que Isakawa mirara The Right Stuff y le mostraron fotos de la NASA como referencia para el aspecto que deseaban lograr en ciertas tiros En un esfuerzo por transmitir una sensación del misterio visual del mundo de la película desde el espacio, Isakawa fotografió el arte de la animación a través de agujeros tan diminutos hechos en las máscaras de papel para la luz transmitida que sintió que difícilmente se podría decir que las imágenes eran encendido en absoluto; no pudo juzgar los niveles de luz exactos necesarios por adelantado, y tuvo que hacer ajustes después en función del examen de la película revelada. Higuchi relató que había hecho los agujeros con una aguja de acupuntura que había obtenido de un masajista del personal de la película. Isakawa mencionó que se cansaba y se enojaba después de que le pidieran que filmara cinco o seis tomas diferentes de un corte, sin ver la necesidad de hacerlo, pero dejó de resistirse cuando se dio cuenta de que era un trabajo "en busca de la perfección". " y sintió que el logro final era 'realista sin usar las imágenes de la acción en vivo, un trabajo que aprovechó al máximo los mejores méritos del anime'.

Iwao Yamaki del estudio Animation Staff Room, que había sido director de fotografía en Harmagedon y The Dagger of Kamui, se desempeñó como supervisor de fotografía en Royal Space Force, asistiendo a Isakawa y Yamaga con consejos sobre técnicas de tiro específicas; sus sugerencias incluyeron el efecto de niebla en la sauna donde los funcionarios de la República discuten los planes de lanzamiento del reino de Honnêamise, logrado al fotografiar las celdas a través de una pantalla estenopeica y creando los estratos de nubes delgadas que vuela el vuelo de entrenamiento de Shiro. mediante el uso de un método de escaneo de hendidura. Isakawa y Yamaki eran 20 años mayores que Yamaga; Yamaki comentó que la realización de películas de Gainax sin el conocimiento de las técnicas establecidas abrió la posibilidad de "muchas aventuras" y mientras que su generación tuvo aventuras a través de lo que ya sabía, Yamaki quería que la próxima generación de cineastas tuviera "aventuras diferentes" que requería tomar nuevos riesgos. Yamaki citó con aprobación a Yamaga que la naturaleza de Royal Space Force como película no estaba definida por el hecho de que fuera un anime, sino a través de cómo utilizó las técnicas del anime al máximo para finalmente lograr efectos fílmicos. más allá de si hubiera sido un trabajo de acción en vivo, que Yamaga creía que era la forma en que el anime demostraba su valor como medio cinematográfico.

Actuación de voz

Las actuaciones de voz en Royal Space Force fueron supervisadas por Atsumi Tashiro del estudio de anime Group TAC. Tashiro, que había sido director de sonido de la muy influyente serie de televisión de 1974 Space Battleship Yamato y las películas posteriores de Yamato, así como de la película de 1985 de Gisaburo Sugii Night on the Galactic Railroad, remarcó que en los más de 20 años de su carrera, Royal Space Force era la primera vez que aceptaba dirigir el sonido para un trabajo realizado fuera de su propia compañía. Gainax había estado entusiasmado en buscar la participación de Tashiro, primero le envió el guión de la película, seguido de una visita de Yamaga y Okada para explicar el guión, después de lo cual, bromeó Tashiro, todavía no podía entenderlo., incluso con varias reuniones de seguimiento. Sin embargo, a pesar de su dificultad inicial para comprender el proyecto, Tashiro quedó impresionado por la pasión y la juventud de los cineastas, y sintió que trabajar con ellos en Royal Space Force representaría una oportunidad para "revitalizar& #34; él mismo profesionalmente. La relación de Tashiro con el estudio continuaría después de la película en las próximas dos producciones de Gainax: su primera serie OVA Gunbuster, que modeló el personaje del Capitán Tashiro sobre él, y su debut en televisión. espectáculo, Nadia: El secreto del agua azul, en el que el Grupo TAC estuvo muy involucrado.

En el comentario del director, Yamaga comentó que "quería que el diálogo fuera natural" que, según él, era "una novedad en la animación japonesa". Akai sintió que se había establecido un tono para Royal Space Force con la decisión de elegir a Leo Morimoto para el papel principal como Shirotsugh: "Los otros actores sabían que esto iba a ser un tipo diferente de de la película animada cuando elegimos a Leo." Morimoto era un actor veterano de 43 años en películas de acción real y televisión, pero tenía una experiencia muy limitada en el anime, mientras que Mitsuki Yayoi, elegida como Riquinni después de que Gainax la escuchó en la radio, era actriz de teatro y miembro del Teatro Seinenza. Compañía con algo de experiencia en doblaje, pero que nunca antes había interpretado un papel de anime. Si bien comentó que ya había muchos actores de doblaje profesionales aptos para el trabajo de animación, Tashiro vio la elección de Morimoto y Yayoi como una gran oportunidad para él, afirmando que la aprensión que sentían los actores debido a su falta de familiaridad mutua con el campo significaba que abordó sus papeles como un encuentro real, con una emoción genuina y reacciones honestas y frescas, un espíritu que Tashiro dijo que había olvidado en el mundo del anime.

Morimoto comentó durante una sesión de grabación de la película a fines de noviembre de 1986 que Tashiro le indicó que no interpretara el papel de Shirotsugh como si fuera un anime, sino que intentara el sabor de una presentación en vivo, señalando en una entrevista posterior. que Yamaga le había dado las mismas instrucciones. Comentó que era un papel difícil para él, ya que, a diferencia de un drama de acción real, "no puedes fingir el estado de ánimo, tienes que expresarte correctamente solo con tu voz". y vio su trabajo en Royal Space Force como "aterrador" pero "cumpliendo." Aunque evalúa al propio personaje como "no un gran héroe", Morimoto al mismo tiempo dijo que encontró mucho que era convincente en el crecimiento de Shirotsugh en la película, sintiendo que de alguna manera llegó a asumir el papel de la propia progresión de la historia: '¿Qué va a ser? encontrado al final de esa maduración se revela gradualmente, llegando a un magnífico lugar." Agregó que estaba "sorprendido de que un joven de 24 años pudiera hacer una película así... Me alegra saber que [creadores] como este están haciendo su debut, y espero que más de ellos lo hagan".." Cuando se le preguntó qué quería que la gente observara particularmente en la película, Morimoto respondió que la mayoría de los adultos, incluido él mismo, "habla mucho sobre 'los jóvenes en estos días' Etcétera. Pero la verdad es que estos jóvenes que escuchan eso de nosotros son capaces de tener claro este mundo con una facilidad que los adultos ya no tienen. Tienen una sólida comprensión de la historia y no rehuyen las partes de esta película que los adultos han evitado; gritan las mentiras, mientras que al mismo tiempo, cada uno de ellos realiza su trabajo con sinceridad."

Yayoi comentó que Yamaga le había descrito a Riquinni como "intransigente en sus creencias, y esto podría verse como testarudez y causar problemas o incomodidad a quienes la rodean". Pero también que ella podría mirar algo verdaderamente hermoso, pero no responder simplemente pensando que sí, es hermoso, sino que podría reflexionar sobre ello y preguntarse si realmente lo es. No es una discapacidad o un obstáculo deliberado [en su carácter], sino que las personas que la rodean honestamente pensarían que esta chica es un poco rara”. Yayoi entendió a Riquinni como una "chica normal" quien, en la medida en que estaba fuera de sintonía con la vida cotidiana, no era tanto porque fuera extraña por dentro, sino porque sus relaciones con el mundo exterior estaban regidas por su fuerte voluntad; Yayoi sugirió que la película también es la historia de su mayoría de edad. Cuando se le preguntó si había algo que sentía en común con Riquinni, Yayoi, ella misma de poco más de 20 años, habló primero de su juventud compartida y cómo, si bien la forma personal de Riquinni de expresar su autenticidad era a través de sus creencias religiosas, la autenticidad era un ideal ampliamente compartido de los jóvenes, y en ese sentido Riquinni representó "las partes de mí que son genuinas". Sin embargo, Yayoi también podía imaginarse a sí misma expresando a veces esos sentimientos genuinos directamente, y a veces conteniéndolos con un discurso mesurado, interpretando la cita final de Shirotsugh y Riquinni en la película como un ejemplo de esto último; en lugar de declaraciones dramáticas o lágrimas, señaló, Riquinni simplemente termina el encuentro con un itterasshai ("regresa pronto") cuando se va. "Pero en su corazón," dijo Yayoi, "ella está pensando, 'Bueno, esta será la última vez que nos veamos,' riendo al entrevistador, '¿No sabemos todos lo que se siente?'"

En contraste con la propia animación de Royal Space Force, cuyas escenas se completaron fuera de secuencia antes de editarse juntas, el diálogo se grabó en secuencia; Yamaga comentó que al comienzo de la película, "todo el mundo no estaba seguro de su personaje". Pero al final del proyecto, ya no necesitaba dar ninguna dirección," hasta el punto, señaló Akai, que Morimoto improvisó la canción de Shirotsugh al llegar al sitio de lanzamiento del cohete custodiado por tanques ficticios. Yamaga sugirió que un énfasis en la actuación de voz japonesa sobre una proyección de voz clara funcionaba en contra de una entrega que sonaba realista en ciertas circunstancias, como comunicaciones militares o anuncios de megafonía, citando las actuaciones que Mamoru Oshii obtuvo más tarde en el anime Patlabor como un ejemplo de lo que deseaba haber logrado para Royal Space Force.

En sus memorias de 2010, Okada recordó su consternación al descubrir que el doblaje de Star Quest se estaba grabando para Royal Space Force's El estreno en Hollywood pretendía usar solo siete actores para dar voz a la versión en inglés, en contraste con los más de 40 artistas usados en el original japonés, y su asignación de funciones especiales. actores incluso para expresar personajes con solo dos o tres líneas, para darles a cada uno un "color" distinto. Minoru Uchida, otro actor veterano con poca historia en el anime, interpretó el papel del General Khaidenn, mientras que la parte más destacada de la película interpretada por un experimentado actor de doblaje de anime fue la de Marty Tohn, interpretado por Kazuyuki Sogabe, a quien Akai también señaló. ayudó a dar dirección con algunos de los otros actores de voz. El mismo Akai tuvo un cameo de voz como el soldado que da órdenes fuera del Ministerio de Defensa poco antes de la reunión del General con sus superiores. El reportero cuya voz se escucha en el noticiero del régimen de entrenamiento de Shiro y en las tomas exteriores antes de su abortada entrevista televisiva era Kazuo Tokumitsu, en ese momento presentador del programa de televisión matutino nacional de lunes a viernes Zoom In!! ¡Buenos días! en NTV; la red, que estaba colaborando en la publicidad de la película, había solicitado a mitad de la producción que la película incluyera voces de su base de talentos. Yamaga y Akai comentaron que en esta etapa solo estaban disponibles las voces en off de las noticias, y que era demasiado tarde para volver a dibujar al reportero del noticiero para que realmente se pareciera a Tokumitsu; recordaron estar un poco avergonzados de cómo la situación había causado cierta ofensa a la cadena. Se emplearon actores de origen extranjero para interpretar las voces de personajes de la República, cuyos diálogos se pronunciaban en un lenguaje inventado; un ejemplo es el papel del ministro de la República Nereddon, con la voz de Willie Dorsey, un actor negro estadounidense residente en Japón que había aparecido anteriormente en varias películas de Sonny Chiba, incluida The Executioner.

Música

En abril de 1986, Ryuichi Sakamoto fue seleccionado como director musical de Royal Space Force. Sakamoto ya era reconocido por su trabajo en la pionera banda electrónica Yellow Magic Orchestra y su banda sonora para la película de Nagisa Oshima de 1983 Merry Christmas, Mr. Lawrence, que había ganado el premio BAFTA del Reino Unido a la Mejor Música de Cine; Al año siguiente del lanzamiento de Royal Space Force, Sakamoto compartiría el Premio de la Academia a la Mejor Banda Sonora Original con David Byrne y Cong Su por su banda sonora de The Last Emperor. En 1986, Sakamoto también se destacó en el mercado cinematográfico nacional japonés por su banda sonora de la película más taquillera nacional de ese año, Koneko Monogatari. Sakamoto trajo al proyecto Royal Space Force a sus colaboradores anteriores en Koneko Monogatari, los músicos Koji Ueno, Yuji Nomi y Haruo Kubota. Durante una entrevista de 1998 con Kentaro Takekuma, Hiroyuki Yamaga comentó que pedirle a Sakamoto que hiciera la música para Royal Space Force requería un aumento especial de 40 millones de yenes por encima de su presupuesto anterior de 360 millones de yenes, lo que, junto con un El déficit adicional de 40 millones de yenes incurrido durante la realización de la película elevó sus costos de producción final a 440 millones de yenes y, al incluir los gastos de publicidad, sus costos totales estimados en los registros contables a 800 millones de yenes.

El primer lanzamiento comercial de música para el proyecto se produjo tres meses antes del debut japonés de la propia película, en forma de una edición limitada de diciembre de 1986 The Wings of Honnêamise: Image Sketch 12" maxi single, publicado en School, el sello de Sakamoto bajo Midi Records, y que contiene mezclas tempranas de cuatro piezas iniciales clave que había compuesto para la banda sonora de la película, a las que se hace referencia en Image Sketch solo con los nombres "Prototipo A", "Prototipo B", "Prototipo C" y "Prototipo D". Sakamoto comentó en las notas de Image Sketch que cuando escuchó por primera vez que la película se llamaría "Royal Space Force", pensó que, según el título, iba a ser "una película de una organización de extrema derecha (¡error mío!)" Afirmó que lo que le llamó la atención de inmediato sobre los guiones gráficos de la película fue 'la precisión de sus detalles'. lo que lo convenció de que "a estas personas probablemente les gustaban las mismas cosas que a mí" y que una de las principales razones por las que aceptó el trabajo fue que vio una semejanza entre el cuidado meticuloso que puso en su música y los esfuerzos que los cineastas estaban haciendo con Royal Space Force. Sakamoto concluyó expresando su creencia de que tal "finamente elaborado" La animación y la música japonesas contemporáneas se exportarán cada vez más a los mercados extranjeros en el futuro. Los propios comentarios de Yamaga en las notas del transatlántico declararon que 'si bien era cierto que esta [película] no se hizo completamente con materiales originales,' poseía como su "imagen subyacente, una colección de 'sensibilidades profundas'" que surgió de las distintas características personales de cada creador que trabajó en él, "un grito del sentido único de cada individuo que se desangra incluso si está cubierto. De la misma manera, el Sr. Sakamoto descartó el uso de estilos de llenar espacios en blanco y creó un sonido definitivo basado en su propia sensibilidad personal. Espero que disfruten de esa profunda y profunda sensibilidad propia."

En una entrevista realizada poco antes del estreno de la película con Ueno, Kubota y Keiko Shinozaki, la coordinadora de A&R de Midi, Shinozaki describió el proceso de trabajo detrás de la composición de la música de la película. Ueno, Kubota y Nomi tomaron como puntos de partida un conjunto de "palabras clave" que Yamaga les había dado como director, junto con las cuatro composiciones prototipo que había hecho Sakamoto (a quien se referían como kyōju, "Profesor"). Kubota detalló la creación de la "tabla de gráficos" eso determinó la ubicación de los diversos elementos de la banda sonora; hecho por el director musical y el director de sonido [es decir, por Sakamoto y Atsumi Tashiro], el gráfico señalaba cada escena que requeriría música, lo que, como comentó Kubota, determinaba naturalmente, en función de la duración de la escena, la duración de la música necesaria. La tabla también incluía notas sobre el tipo básico de música que se usaría en la escena y, en particular, cuál de los cuatro prototipos usaría como base para sus arreglos. Ueno, Kubota y Nomi luego decidieron qué escenas de la película arreglarían cada uno y se pusieron a trabajar en sus arreglos por separado, sin trabajar juntos en el estudio ni con Sakamoto. Después de arreglar una pieza, se reunían como grupo y escuchaban el trabajo de los demás, y luego se separaban una vez más para continuar con el proceso.

De los 47 arreglos musicales hechos para la película basados en la tabla, de los cuales 15 fueron seleccionados posteriormente para aparecer en The Wings of Honnêamise~Royal Space Force Original Soundtrack lanzado en marzo de 1987, la mayoría se desarrollaron como diferentes variaciones de uno de los cuatro prototipos originales de Sakamoto; por ejemplo, "Prototipo A" se convertiría en la base de la banda sonora original's "Tema principal&# 34;; mientras que el "Prototipo B" se convertiría en "Riquinni's Theme." Algunas piezas fueron creadas en base a arreglos que combinan dos de los prototipos, como con 'Rishō', usado durante el ascenso de Shiro en el cohete. Sin embargo, 13 de las 47 piezas no se basaron en ninguno de los cuatro prototipos básicos, sino que fueron nuevas composiciones originales creadas más adelante en el proceso de la banda sonora por Ueno, Kubota, Nomi o el propio Sakamoto. Varias de estas 13 piezas aparecieron en la banda sonora original, incluyendo "Ministry of Defense" utilizado para la reunión nocturna del General con sus superiores, Kubota y la 'Guerra' de Ueno. utilizado para la batalla para capturar el sitio de lanzamiento, "The Final Stage" de Nomi; se reproduce después de que el General decide continuar con la cuenta regresiva, y el 'Dr. El funeral de Gnomm. Dos de las 47 piezas combinaron variaciones de los prototipos con material nuevo, principalmente 'Out To Space', 'Out To Space'. utilizado para el monólogo de Shiro desde la órbita y la subsiguiente secuencia visionaria, que empleó variaciones sucesivas en "B" y 'A', seguida de una composición original adicional de Sakamoto. Las piezas de música de fondo no incluidas en la banda sonora original eventualmente se recopilarían como característica adicional en la edición LaserDisc Royal Space Force~The Wings of Honnêamise Memorial Box de 1990, donde las piezas fueron acompañadas por imágenes del arte conceptual de la película; esta función adicional también se incluiría como extra en el DVD de 2000 Manga Entertainment.

Toshio Okada hizo solo dos menciones breves del papel musical de Sakamoto en Royal Space Force en sus memorias; en su entrevista de 1995 con Animerica, Okada había comentado que personalmente no era fanático de la música de Sakamoto: "Realmente no me gustaba el estilo de Sakamoto en ese entonces, o incluso ahora. Pero conozco su talento, su habilidad para construir una partitura sólida y escribir una orquestación completa. Por eso lo elegí a él," afirmando que "en ese momento, él era la única opción para la banda sonora original de una película". Los compositores de música de anime común pueden hacer una canción pop, algo al estilo enka, ya sabes, solo canciones, como un tema de apertura. Pero no saben orquestar, ni una melodía triste como ["Riquinni's Theme"]." Cuando se le preguntó si había considerado acercarse a Jo Hisaishi, asociado con la música de las películas de Hayao Miyazaki, Okada respondió: "Jo Hisaishi siempre escribe una o dos melodías, y el resto de la banda sonora se construye alrededor de ellas". Puedes verlo en Nausicaä y Laputa. Pero su tipo de estilo no hubiera funcionado para [Royal Space Force]. Como dije, para bien o para mal, la película tiene una estructura muy diferenciada y necesitábamos una partitura que coincidiera con eso. Así que le dije a Sakamoto: 'No hagas la banda sonora tú solo'. Deberías dirigirlo, pero consigue un personal con verdadero talento musical, jóvenes y mayores, e incorpora su trabajo."

Mientras que la propia autobiografía de Sakamoto de 2009 hizo amplias referencias a su otro proyecto cinematográfico de 1987, The Last Emperor, no habla de Royal Space Force. La banda sonora de Sakamoto para la película de Kōbun Shizuno My Tyrano: Together, Forever fue reportada por los medios de comunicación en 2018 como la primera vez que componía una banda sonora para una obra animada; destacando su reciente Nominaciones al Grammy y al Globo de Oro por The Revenant, The Hollywood Reporter citó a Sakamoto diciendo que "había evitado los proyectos de películas animadas durante mucho tiempo porque estaba más acostumbrado a componer para dramas serios de acción real" mientras que The Japan Times relató, "Ryuichi Sakamoto ha pasado una carrera impregnada de gran drama [pero] la estrella japonesa reveló que ahora había realizado un sueño de la infancia al trabajar por primera vez en animación. 'Crecí viendo Astro Boy,' dijo Sakamoto, refiriéndose al luchador contra el crimen de dibujos animados. 'Así que tengo un gran respeto por este mundo.'" A principios de ese año, en una entrevista con el crítico de cine Nobuhiro Hosoki durante la visita de Sakamoto al Festival de Cine de Tribeca para la proyección del documental sobre su carrera Ryuichi Sakamoto: Coda, el compositor comentó que él había estado a cargo de la música para una película de anime "35 [sic] hace años, pero no me gustó mucho (así que no puedo decir el título)."

Al comentar sobre los comentarios de Sakamoto en 2018, Okada recordó que el compositor había estado sinceramente entusiasmado con la creación de la música para Royal Space Force al principio del proyecto, y había estudiado de cerca sus guiones gráficos en busca de inspiración; las notas del transatlántico del álbum Original Soundtrack de 1987 mencionaron una reunión de planificación musical en la que el entusiasmo fue tan grande que los participantes terminaron quedándose durante 12 horas. Okada sintió que Sakamoto pudo haber visto los guiones gráficos, con su desglose de la duración de las escenas en segundos, como una guía que le permitiría lograr una sincronización perfecta entre su música y las imágenes; sin embargo, señaló Okada, la duración real de un corte de animación terminado puede variar ligeramente del guión gráfico y, en última instancia, el director de sonido tiene la prerrogativa de editar o ajustar la música según corresponda. Okada creía que tales problemas podrían haberse resuelto si hubiera tenido la oportunidad de hablar directamente con Sakamoto y hacer ajustes, pero después de un punto, la comunicación con Sakamoto se volvió indirecta, transmitida a través de su entonces gerente, Yoroshita Music. El propio compositor había estado fuera de Japón durante los últimos meses de Royal Space Force's la producción, que coincidió con el programa de rodaje de El último emperador que había comenzado en China a principios de agosto de 1986 y que aún continuaba en febrero de 1987 en Roma; Sakamoto había estado trabajando en ambos lugares como actor en la película, interpretando el papel de Masahiko Amakasu. Okada afirmó que aunque Sakamoto y Yamaga nunca entraron en conflicto, la situación generó frustración entre el personal de la película y, en particular, entre Yoroshita y el director de sonido Atsumi Tashiro; Tashiro finalmente le pidió a Okada que tomara la decisión de si él o Sakamoto tendrían la última palabra sobre la colocación de la música. Okada eligió a Tashiro, señalando que aceptaba la responsabilidad de la decisión, aunque creía que eso era lo que enfurecía a Sakamoto en Royal Space Force, hasta el punto de no discutirlo como parte de su historia profesional como compositor de cine..

Liberar

Mercadotecnia

"Royal Space Force se puso en producción a la altura de la primera oleada en las ventas de vídeo [anime], cuando la propiedad de un estudio de un producto nuevo, profundamente arraigado en el nuevo mercado de fans adultos y fandom activo, hecho 'por fans para los fans', fue inmensamente tentador. Uno imagina que los inversores esperaban arrancar un nuevo Gundam o un nuevo Yamato por nada, lo que podría haber explicado el entusiasmo durante la producción para una posible secuela de películas o spin-off de televisión. Sin embargo, como las imágenes de Royal Space Force a finales de 1986, y se encontró que estaba inconvenientemente libre de muchas oportunidades merchandising spin-off, había señales entre los inversores y patrocinadores de los pies fríos".

En una encuesta de 2013 sobre el último siglo de la industria del anime, Jonathan Clements dedica tres páginas a un estudio de caso de los problemas de distribución y exhibición que rodean a Royal Space Force, describiendo "intentos escandalosos& #34; por los patrocinadores financieros de la película "para 'arreglar' el proyecto cinematográfico enfermo," no cambiando la película en sí, sino a través de una campaña de marketing engañosa que comenzó con "discusiones prolongadas sobre una repentina necesidad percibida de cambiarle el nombre". El proyecto había sido presentado, desarrollado y aprobado para producción bajo el nombre Royal Space Force; Okada comentó que, para Gainax, era "su único título". Sin embargo, All Nippon Airways, uno de los patrocinadores de la película, deseaba que el título incluyera la palabra "alas" mientras que Bandai favoreció que el título debería usar la forma "Algo de algo" sobre el razonamiento de que el último gran éxito del anime se había llamado Nausicaä of the Valley of the Wind. En el transcurso de 1986, más de 20 títulos para la película le fueron sugeridos a Gainax por terceros, incluidos Space • Love • Story, Myth of Passion, Young Morning Star Shirotsugh, Spirits of Fire, Song of Icarus, Parallel Zone 1987, y Zero Vertex. Como Royal Space Force "era 'no lo suficientemente sexy'" y Riquinni era "convenientemente mujer" el impulso inicial fue usar el título (The) Wings of Riquinni.

Aunque el plan para hacer Royal Space Force se conocía en la industria del anime desde mediados de 1985, el anuncio oficial de la película no se hizo hasta el 4 de junio de 1986 en una conferencia de prensa celebrada en el prestigioso Imperial Hotel en Tokio. Ryuichi Sakamoto, quien fue el único miembro conocido del personal principal de Royal Space Force's al público en general se pronunció en el evento, destacando que Royal Space Force sería la banda sonora de su tercera película y que sus detalles le recordaban a una de sus películas favoritas, Blade Runner. El anuncio en el Hotel Imperial usó Royal Space Force como título principal de la película, con (The) Wings of Riquinni como subtítulo más pequeño; en privado, Yamaga se opuso fuertemente al subtítulo, señalando que el propósito de la película era ampliar la visión del mundo de la audiencia y que no quería un título que se centrara en un personaje; por lo tanto, si era absolutamente necesario un segundo título, sugirió que se usara Honnêamise después del nombre del reino en el que tiene lugar la mayoría de los eventos de la película. Como 1986 llegó a su fin, la batalla por el nombre final de la película se pudo rastrear a través de las actualizaciones del proyecto en la prensa de anime; en la edición de octubre de 1986 de The Anime, solo medio año antes del estreno de la película en los cines japoneses, el logotipo de la película todavía figuraba tal como había aparecido en el anuncio de junio, con una gran Royal Space Force sobre un (The) Wings of Riquinni más pequeño. En la edición del mes siguiente, el logo ya no contenía (Las) alas de Riquinni, y ahora decía Las alas de Honnêamise~Royal Space Force, con Royal Space Force se movió hacia abajo, pero ambos títulos tienen el mismo tamaño. Para el número de diciembre de 1986, el logo había asumido su forma final de estreno en cines, con Royal Space Force ahora más pequeño que The Wings of Honnêamise.

En un libro de memorias de 2010, Okada reflexionó sobre el conflicto y afirmó que no solo había involucrado el título, sino que en un momento Bandai también le había pedido a Gainax que redujera la duración de la película de dos horas a 80 minutos. Okada consideró que había sido un "natural" solicitud desde la perspectiva de un patrocinador, ya que una sala de cine daría cuatro pases diarios a una película de dos horas, pero seis si fueran solo 80 minutos, abriendo la posibilidad de un 50% más de venta de boletos. En ese momento, sin embargo, Okada se negó, argumentando que el rendimiento de taquilla no era parte de su trabajo, y le dijo al distribuidor teatral y a Bandai en una reunión que si querían cortar la película aunque sea 20 minutos, también podrían cortarla. del brazo de Okada. En retrospectiva, Okada sintió que había actuado como un niño, pero que "los creadores son todos niños" y si estaban haciendo algo nuevo e interesante, al final todos los involucrados deberían beneficiarse; reconoció, sin embargo, que mientras tanto eran los "grandes" que tuvo que lidiar con los riesgos y problemas en el camino, sin embargo, para él, actuar como un "adulto responsable" habría significado estar de acuerdo con un compromiso engañoso y ser solo un chouseiyaku (reparador). El presidente de la compañía Bandai, Makoto Yamashina, afirmó poco antes del estreno de la película que, de hecho, había pensado en cortar 20 minutos de la película: "Hubo unas tres semanas durante las cuales consideramos cortarla". Toho-Towa estaba pasando por lo mismo, pero el proceso de decidir qué [escenas] cortar comenzó con conversaciones sobre por qué no deberían cortarse. Y después, pensé: 'Ah, ahora lo entiendo'. y sentí que no podía cortarlo. Y con disculpas a Toho-Towa, por favor aceptar esto... Por el bien de la taquilla, podría haber funcionado en alrededor de 100 minutos, pero si cortamos la película en esta etapa, todo el objetivo de la película vuela por la ventana, y los cientos de millones de yenes gastados en ello no tienen sentido. Así que me disculpé, seré responsable si no es un éxito, así que déjame hacerlo como es."

Okada escribió que más tarde escuchó cómo "las emociones estaban a flor de piel" del lado de Bandai también, hasta el punto de considerar quitarle el proyecto a Gainax y dárselo a otro estudio para que lo termine, o incluso cancelar el estreno de la película, a pesar de los 360 millones de yenes que ya se gastaron en producirla. Sin embargo, esto habría requerido la 'cabeza para rodar' de alguien. en Bandai para asumir la responsabilidad de la pérdida, lo que podría significar el propio Makoto Yamashina, quien había anunciado Royal Space Force como su proyecto personal durante la conferencia de prensa oficial en junio. Okada señaló que la persona atrapada en el medio era Shigeru Watanabe, quien había apoyado el proyecto desde el principio y había asegurado la financiación de Bandai para Gainax, pero ahora se encontraba "forzado a una posición muy difícil". 34; se deprimió tanto por el conflicto que, tras el estreno de la película, se ausentó durante un año. Okada expresó un gran pesar por lo que describió como su falta de bondad en ese momento hacia Watanabe, en quien había descargado su ira y sentido de traición, pero sin embargo no lamentó su falta de compromiso, creyendo que si hubiera cedido algún terreno, es posible que la película no se haya completado.

En uno de los trailers hechos para promover la película, la piedra de pie vista brevemente en la película fue presentada como teniendo un papel icónico y sobrenatural en la trama de la película. En el impulso de marketing para posicionar la película como reminiscencia Nausicaä, carteles de regalo fueron colocados en Animación, que todavía estaba serializando Nausicaä El manga en ese momento.

Clements comentó: "la unidad de promociones hizo todo lo posible para que Honnêamise atrajera precisamente a la misma audiencia que Nausicaä, incluso si eso significaba publicidad engañosa.," citando un ejemplo recordado por Okada como "el 'incidente del insecto', en el que se le encargó al artista [Yoshiyuki] Sadamoto que dibujara una imagen de un escarabajo araña gigante atacando la ciudad de la película. El insecto en cuestión solo aparecía en la película como una mascota infantil del largo de un dedo, aunque el anuncio daba la impresión de que se convertiría en un gigante del tamaño de una casa equivalente al gigante ohmu en Nausicaa. Okada estaba indignado, no solo por la aparente conspiración para engañar al público sobre su película, sino porque los productores accedieron a hacerle perder el tiempo a Sadamoto, quien pasó tres días en la comisión. Okada sintió... que, si tuviera tres días libres, él [como uno de los directores de animación de la película] podría haber utilizado mejor el tiempo corrigiendo varias escenas problemáticas en la película misma". Okada había afirmado anteriormente el engañoso impulso de marketing en una entrevista de 1995: "Toho-Towa era el distribuidor de The Wings of Honnêamise, y no tenían ningún conocimiento, o sentido de la estrategia para afrontar la película... Y pensaban que esta película debía ser otra Nausicaä, porque Nausicaä era la última & #39;gran éxito de anime.' Pero cuando finalmente vieron Wings, se dieron cuenta de que no era otra Nausicaä [GRITO DE PÁNICO] y pensaron: 'Está bien, está bien... lo haremos Nausicaä en la campaña publicitaria!"

El propio Yamashina había reconocido que aunque el plan de Bandai de vender un millón de entradas para la película en taquilla se basaba en que ese había sido el rendimiento de ventas de Nausicaä, " el contenido de este trabajo no es como Nausicaä... Nadie ha hecho algo así antes, así que es un gran riesgo en ese sentido." En 2000, recordó Akai, "el departamento de relaciones públicas realmente no parecía entender la película". Tienen una tendencia a hacer que un nuevo lanzamiento sea interesante haciéndolo parecer similar a una película que anteriormente fue un éxito." Yamaga comentó que "no había precedentes en la publicidad de una película como la nuestra en ese momento". Cuando se les pregunta qué tipo de película es, solo pueden compararla con algo como Nausicaä. En realidad es completamente diferente. Pero Nausicaä al menos sirvió como referencia cuando nos pidieron que describiéramos nuestra película. Si no fuera por ese precedente, no habría habido ningún punto de referencia en absoluto. Nunca podríamos haber explicado por qué estaba animado o por qué fue un estreno en cines, ni mucho de nada al respecto."

La campaña publicitaria nacional de la película que ahora se promociona bajo el título The Wings of Honnêamise~Royal Space Force comenzó el día de Año Nuevo de 1987, e incluyó periódicos y revistas a todo color. anuncios, así como comerciales de televisión, con ubicaciones eventuales en más de 70 medios de comunicación. Al igual que con el "incidente de los insectos," un aspecto frecuente del impulso de marketing implicaba tomar imágenes de la película y presentarlas en anuncios como fantásticos. Akai da como ejemplo el tren de vapor en el que el general Khaidenn parte hacia la capital en busca de financiación; los anuncios lo etiquetaron como un "bio-tren". El kit de prensa oficial para el estreno en cines presentaba a Riquinni y su libro de escrituras como elementos de una profecía de salvación que impulsaba la trama, describiendo la premisa de la película como: "'... A través de la guía de una muchacha con un alma pura e inmaculada, aquellos que despierten tomarán vuelo y se elevarán al cielo, tomando en la mano el libro sagrado de Honneamise... Shirotsugh creció para unirse a la Royal Space Force, al igual que otros jóvenes tan calientes sanguinario y enérgico como él. Fue entonces cuando comenzó el trabajo en un gran proyecto para buscar espacio para el libro sagrado previsto que promete paz eterna a Honneamise." La piedra erguida desgastada que se ve brevemente fuera del almacén de la iglesia donde vive Riquinni durante la última parte de la historia, aunque no tiene un significado particular en la película en sí, se convirtió en una característica importante de la publicidad de la película, reetiquetada como & #34;Torre de símbolos" que brilla debido a lo que los anuncios describen como un vínculo telepático secreto nacido del "amor apasionado" entre Shirotsugh y Riquinni; uno de los tráilers de la película se abrió con una imagen de la 'torre' resplandeciente. golpeado por un rayo, luego se eleva a través de las nubes mientras Riquinni reza ante él mientras Shiro mira hacia arriba a su lado; un pie de foto proclamaba, "¡Un mundo de amor y juventud, que contiene un romance electrizante!" El único diálogo hablado en el tráiler, "¿Crees en el milagro del amor?" dicho por el actor de voz de Riquinni, Mitsuki Yayoi, no era una línea de la película real, pero hizo referencia a un eslogan utilizado en la campaña publicitaria.

Lanzamiento en Japón

"No podemos hacer más películas en este nivel. No es sólo el dinero, no sólo la pasión, es la forma en que juntan esto, pedazo a pedazo. No se trata de si la historia es interesante o no interesante. Es una cuestión de calidad, y no es posible mantener este nivel. O ese puede ser el caso. Así que creo que hicieron un gran trabajo, y sin embargo desde una perspectiva profesional, han hecho algo que es un problema. Cuando lo miras desde el punto de vista de la industria del anime, debe ser muy difícil hacer algo en este nivel. Recientemente he llegado a entender lo exigente que era para ellos poner esta pieza por pieza. Y una vez que salga, establecerá un nuevo estándar, ¿no? Si lo que viene después no es igual o lo supera, entonces será una regresión en términos de calidad... Disney alcanzó el pico hace 50 años. No puedes superarlos. Incluso si Spielberg o alguien así lo intenta, sólo sería una extensión de lo que Disney hizo, pero no lo superaría. Pero tal vez esta vez Yamaga nos ha mostrado un enfoque diferente de Disney, otra posibilidad. Si termina o no haciendo un impacto importante en la animación, la posibilidad permanecerá. Y por eso creo que ha creado algo asombroso." —Makoto Yamashina, 1987

Makoto Yamashina, el productor ejecutivo de Royal Space Force, detalló sus sentimientos conflictivos hacia el trabajo final y sus perspectivas de taquilla en una entrevista realizada poco antes del estreno de la película en Japón: &#34 Si hubiera entendido su concepto antes, creo que lo habría hecho un poco diferente... Lo que estaban tratando de expresar es [que se encuentra dentro de] un mundo visual, por lo que hay cosas que no se dicen en el guión, que no se puede expresar con el diálogo. El concepto de la película no podía expresarse sin seguir adelante y hacerla. Y después de eso no hay arreglos; ahora tienes este mundo que ha sido creado, el mundo de Honnêamise, y no se puede cambiar." Cuando se le preguntó qué cambios le hubiera gustado hacer, Yamashina respondió: "La gran diferencia con respecto a cómo pensé que iba a ser fue que su expresión era tan plana". Habría hecho todo un poco más emotivo y expansivo, como la escena del lanzamiento del cohete al final. Si bien creo al mismo tiempo que este fue uno de los métodos [de filmación] empleados por Yamaga y los demás, sin embargo, es plano. Constantemente. En el sentido emocional. Estaba bien con las escenas, los conceptos, el desarrollo de la trama, pero expresaría más emoción..." Yamashina, citando la acción aérea de Top Gun, la película más taquillera de 1987 en Japón, sintió que "las películas en estos días tienen que ver con el entretenimiento" mientras que 'Cómo vive el protagonista: su forma de vida, sintiéndose deprimido, preguntándose si está bien consigo mismo'. Esa parte de la vida, de las mejores películas, eso es lo que falta. Y creo que Yamaga se atrevió a hacer esa parte." Yamashina afirmó que Honnêamise fue tan importante porque fue "la primera película hecha para esta generación [joven] por esa generación" y contó un incidente en el que un amigo suyo que tampoco "no entendía [la película] en absoluto" estaba desconcertado por la reacción de una niña sentada a su lado en una proyección de prueba, a quien vio ruidosamente "carcajeando de alegría". Su amigo, dijo Yamashina, se preguntaba si estaba presenciando una "revolución en la industria del cine" que, de tener éxito, pondría fin a la generación cinematográfica anterior.

Para Yamashina, el contraste hablaba de un problema primordial que se remonta a la propuesta original de Royal Space Force: si los creadores tenían razón en su comprensión de lo que su generación realmente buscaba en una película.; la investigación previa al lanzamiento y las reacciones de la audiencia de prueba habían dejado a Yamashina personalmente inseguro sobre esta pregunta: "Me temo que los cines estarán desiertos y nadie irá a ver la película". Por otro lado, Yamashina repitió su preocupación por las implicaciones si la película resulta ser un éxito: "Si esta es la [nueva] línea que está estableciendo Yamaga, entonces los cineastas del futuro van a tener para seguir esta línea," lo que sugiere que las suposiciones anteriores sobre las películas 'se desvanecerán... No podrás hacer [una película exitosa para jóvenes] a menos que seas de esa misma generación'. 34; Yamashina expresó la creencia de que los directores de la misma edad que él, como Steven Spielberg y George Lucas, aún podrían conectarse con el público joven porque "en Estados Unidos no hay una brecha tan grande". mientras que "en Japón, la brecha comienza alrededor de 25. Hay una falla entre las generaciones" y que lo que Honnêamise estaba ofreciendo a los espectadores era un nuevo enfoque en comparación con Lucas y Spielberg, cuyas películas describió como "entretenimiento, fácil de entender... Si resulta que los jóvenes de hoy son pensando en la línea de Yamaga, con ese nivel de sofisticación, va a ser muy difícil [para otros cineastas]. Yamashina especuló sobre si el rápido cambio generacional significaba que Yamaga debería haber hecho la película cuando era aún más joven para conectarse mejor con una audiencia adolescente, y señaló que el director concibió la idea de la película por primera vez a los 19 años, pero que la película no estaba terminada. hasta los 24 años. "Es difícil para mí hablar de la película así, pero independientemente de si tiene éxito o no, es una película que no entiendo. Hasta que se estrene en el teatro, realmente no lo sabremos."

El estreno mundial de la película se llevó a cabo el 19 de febrero de 1987 en el Teatro Chino de Mann en Hollywood, California. Los estadounidenses invitados a la proyección incluyeron fanáticos del anime de la Cartoon/Fantasy Organisation, y varias figuras asociadas con el cine de ciencia ficción estadounidense, incluido el actor de The Terminator y Aliens Michael Biehn, así como Syd Mead, diseñador de Blade Runner. La proyección, destinada a ayudar a crear publicidad para el estreno de la película en los cines de Japón el mes siguiente, fue organizada y cubierta por los medios de comunicación japoneses. Las imágenes del evento de Hollywood se incorporaron a un especial promocional de media hora el domingo por la mañana, Tobe! Oneamisu no Tsubasa —Harukanaru hoshi no monogatari— ("Fly! The Wings of Honnêamise—Story of a Distant Star") que se emitió el 8 de marzo en Nippon TV, seis días antes de la película' s lanzamiento en Japón. Aunque se hace referencia en los materiales publicitarios japoneses como Las alas de Honnêamise~Royal Space Force's "Preselección estadounidense," la película se proyectó con el nombre Star Quest y se presentó en un doblaje en inglés comentado por las revistas de anime estadounidenses y japonesas que cubrieron el evento por sus diferencias con la película original; en particular, su uso de "americanizado" nombres de los personajes y cambios en sus motivaciones: por ejemplo, en Star Quest, Riquinni, ahora conocida como "Diane," se opone al proyecto espacial desde el principio, mientras que Shirotsugh, ahora conocido como "Randy," es más positivo hacia él, mientras que los superiores del General Khaidenn, ahora conocido como "General Dixon," desea utilizar el lanzamiento del cohete no como una provocación para la guerra, sino como una propuesta de paz.

The Wings of Honnêamise~Royal Space Force se estrenó en todo el país en Japón el 14 de marzo de 1987 a través de las salas de cine extranjeras de Toho; en algunas ciudades más pequeñas, se mostró como una función doble con la película para televisión de 1985 Ewoks: The Battle for Endor. En una mesa redonda a fines de la primavera posterior al estreno de la película, el coproductor Hiroaki Inoue observó que podía decir que la película "dio una buena pelea" argumentando que la estadía promedio en el cine para películas de anime originales era de cuatro semanas, y que Castle in the Sky se había exhibido durante cinco; en un teatro, Royal Space Force había logrado un compromiso de siete semanas. En 2002, recordó Takeda, "Ni un solo teatro canceló su exhibición y, en algunos lugares, tuvo una exhibición más larga de lo planeado inicialmente... La escala presupuestaria significaba que recuperar todos los costos de producción en la taquilla simplemente no era factible." Clements comentó: "Tal afirmación, sin embargo, oscurece hasta cierto punto las tensiones de la fiebre del oro de la época, cuando la floreciente burbuja económica de Japón podría decirse que resultó en más inversores de los que justificaba una película". afirmando que se podría haber esperado razonablemente que Royal Space Force recuperara su dinero en su lanzamiento inicial, si hubiera sido un OVA con un presupuesto más modesto como se concibió por primera vez. En el video casero, el título de la película se cambió de nuevo a Royal Space Force, con The Wings of Honnêamise como un subtítulo más pequeño, comenzando con la caja japonesa de discos láser de 1990. establecer liberación. Aunque el proyecto estuvo a punto de arruinar a Gainax, se informó que Bandai recuperó su dinero con la película en septiembre de 1994, siete años y medio después de su estreno en cines japoneses; el anime continuó generando ganancias para ellos en los años venideros.

Lanzamiento en inglés

Toshio Okada, que había asistido al evento Star Quest junto con el guionista y director Hiroyuki Yamaga, "concluyó que en Estados Unidos sí existía un mercado para la animación bien doblada y subtitulada& #34; y después de conversaciones con Bandai, preparó una versión cinematográfica subtitulada de 16 mm de la película para mostrarla en la Worldcon de 1988 en Nueva Orleans, con el objetivo posterior de hacer una "versión en cinta de video a un precio económico" disponible en los Estados Unidos. Sin embargo, Royal Space Force no recibió un lanzamiento comercial en inglés hasta 1994, cuando Animaze encargó un nuevo doblaje en inglés de la película y Manga Entertainment lo lanzó usando su título original de estreno en cines japonés de 1987, Las alas de Honnêamise: Royal Space Force. Anteriormente lanzando anime activo en el Reino Unido, el doblaje de Honnêamise fue el proyecto debut de Manga al ingresar al mercado de anime de EE. UU.

El nuevo doblaje en inglés se mostró en más de 20 salas de cine durante 1994–95 en una versión cinematográfica de 35 mm distribuida por Tara Releasing y en junio de 1995 la película fue lanzada por Manga Entertainment en versiones VHS dobladas y subtituladas por separado seguidas en enero de 1997 por un lanzamiento bilingüe en disco láser con subtítulos de Manga Entertainment y Pioneer LDCA. Animerica, en una revisión contemporánea, evaluó el doblaje como "admirable en muchos aspectos" pero comentó sobre varias diferencias entre el diálogo en las versiones subtituladas y dobladas en inglés, señalando que en la versión doblada de la película, Riquinni sugiere que ella misma tiene la culpa tanto del intento de Shirotsugh de violarla, así como de la destrucción anterior de su hogar, y que en el doblaje, Shirotsugh no le pregunta a Marty sobre la posibilidad de ser el villano de la propia historia de vida; la reseña argumentó que la versión subtitulada representa "una presentación más clara de las ideas y personalidades originales creadas por Hiroyuki Yamaga".

El lanzamiento de 2000 de Manga Entertainment en DVD, que incluye una pista de comentarios con Hiroyuki Yamaga y Takami Akai, fue severamente criticado por su mala calidad. En 2007, Bandai Visual lanzó una versión en Blu-ray/HD DVD para conmemorar el vigésimo aniversario de la película; este lanzamiento utilizó el audio de la edición japonesa de la película de 1997 en la que sus efectos de sonido se volvieron a grabar en Dolby 5.1. Aunque contiene un folleto de 20 páginas con ensayos de Hiroyuki Yamaga y Ryusuke Hikawa, carece de la pista de comentarios del lanzamiento del DVD Manga 2000 y ahora está agotado. Maiden Japan relanzó la película por separado en Blu-ray y DVD en 2013. En agosto de 2022, Section23 Films anunció un lanzamiento de video casero simultáneo con Bandai Namco Filmworks de una remasterización 4K de la película supervisada por el director Hiroyuki Yamaga, que contiene como extras el Documental de producción japonesa de 1987 Oneamisu no Tsubasa: Ōritsu Uchūgun—Document File, una versión de la película piloto con una pista de audio alternativa y una colección de la música de fondo de la película.

El estreno inicial de la película en el Reino Unido en VHS en 1995 por parte de Manga Entertainment se cortó para eliminar la escena del intento de violación; en una entrevista contemporánea, el examinador de BBFC Imtiaz Karim indicó que Manga lo hizo voluntariamente, de modo que la película, que había sido certificada para audiencias de 15 años en adelante cuando se proyectó en los cines del Reino Unido, podría recibir el certificado PG más bajo cuando se estrenó en video casero. La edición británica de Blu-ray y DVD de 2015 de la película de Anime Limited se lanzó sin cortes con un certificado 15.

Recepción

Respuesta crítica en Japón

El Yomiuri Shimbun, el diario más grande de Japón, publicó una crítica mixta de la película el día antes de su estreno en Japón, advirtiendo a los lectores que, 'si lo que estás buscar es una fantasía heroica de Top Gun, no lo vas a conseguir;" la reseña tomó la perspectiva de que más bien Hiroyuki Yamaga, como director, escritor y creador del concepto original, había estado intentando con la película 'verter todas las imágenes de su mente en la sociedad japonesa contemporánea'. El periódico caracterizó la película como dispersa y aburrida en ocasiones, y expresó cierto "resentimiento por su falta de emoción" pero concluyó expresando su admiración por la película por su esfuerzo y gasto, su visión honesta y personal, y por no apegarse a los patrones de trabajos de anime anteriores.

Royal Space Force ocupó un lugar destacado en las principales retrospectivas anuales otorgadas por la prensa de anime japonesa. La película ganó el Japan Anime Award al mejor lanzamiento de anime de 1987, elegido por un jurado de la industria y patrocinado por un consorcio de revistas que incluyen Animedia, OUT, My Anime , El Anime y Animec. En las clasificaciones de encuestas de fans de Anime Grand Prix, patrocinadas por la revista Animage, Royal Space Force hizo dos de las diez listas principales del año: votó el lanzamiento de anime número 4 de 1987, con Shirotsugh Lhadatt como el personaje masculino #9, además de recibir un Premio Animage otorgado ese año por la revista a la propia película. En 1988, Royal Space Force ganó el premio Seiun, el premio de ciencia ficción más antiguo de Japón, a la mejor presentación dramática del año anterior. A principios de 1989, el departamento editorial de Animage, escribiendo para la retrospectiva de Tokuma Shoten sobre los primeros 70 años del cine de anime, comparó a Royal Space Force con Isao Takahata& #39;s 1968 La gran aventura de Horus, príncipe del sol; Así como Horus había demostrado repentinamente un nuevo nivel de realismo y temas sociales en el anime, Animage vio Royal Space Force como un trabajo que también parecía han surgido en escena sin relación con ningún lanzamiento comercial anterior, 'una película de anime con una metodología y un mensaje diferentes... No está claro qué influencia tendrá en el anime en el futuro, pero lo que es seguro es que este fue un trabajo lleno de la tremenda pasión de su joven personal." Hayao Miyazaki, que había sido un animador clave y diseñador de escena en la película de Takahata, en 1995 argumentaría que el personal de Royal Space Force demostró que seguía siendo posible hacer una película de anime de la manera había ayudado a hacer Horus en la década de 1960, como parte de un equipo de "aficionados sin experiencia de veintitantos años, que pasaban el rato y comían juntos, que mezclaban su trabajo y su vida personal". conviven".

Tetsuo Daitoku, editor de la revista de anime OUT, reseñó Royal Space Force para la revista de cine más antigua de Japón, Kinema Junpo, en su edición del 15 de marzo de 1987. Daitoku escribió que comenzó a ver la película preguntándose por qué el joven equipo creativo que hacía la película, a quien llamó "un nuevo tipo de personas en el anime" había optado por utilizar el "sujeto trillado" de los viajes espaciales, que ya había sido el foco de obras tan icónicas como Space Battleship Yamato, sin mencionar películas de acción real como The Right Stuff. Sin embargo, Daitoku encontró que la pregunta en su mente se eliminaba "poco a poco" a medida que avanzaba la película: "Sí, los seres humanos han ido más allá de este mundo en el sentido físico, y han dejado sus huellas entre las estrellas, pero ¿las acompañaron su conciencia y su mentalidad?" Sintió que la película reconocía el problema y, por lo tanto, tomó como "necesario observar la historia y la civilización de la humanidad desde [un punto] donde se puede ver toda la Tierra... Este motivo es la base subyacente de The Wings of Honnêamise. Está claro en las escenas al final que estamos viendo la realidad de la historia humana, no [solo] la de un mundo diferente." Al "aprovechar al máximo el medio único de la animación," los creadores "observan la civilización objetivamente primero y luego la desarman para eventualmente reestructurarla"... "creando el mundo diferente creando todo de nuevo" hasta las cucharas, en el ejemplo que da Daitoku. "Las historias que presentan máquinas geniales, robots y personajes atractivos, con la trama que se desarrolla mientras se desplaza por el espacio, ya alcanzaron su punto máximo en cierto sentido con la película Macross [1984]. En lugar de tratar de ir más allá de Macross, creo que los creadores de esta película creyeron que podrían encontrar un nuevo horizonte para el anime al crear un mundo diferente de una manera que acerque la historia nuevamente a la Tierra.& #34; Daitoku señala que Shirotsugh es consciente de que cualquier tecnología que inventen los humanos será mal utilizada, y que la película muestra que Shirotsugh, aunque con intenciones nobles, es menos que heroico como persona, preguntando en conclusión: "¿Qué hizo el molino de viento?" ¿Quiere decir que ese Don Quijote llamado Shirotsugh Lhadatt fue al espacio a enfrentarse, en ese Rozinante llamado cohete?

La edición del 15 de marzo de Kinema Junpo también presentó una conversación sobre la película entre Hiroyuki Yamaga y Hayao Miyazaki. Miyazaki elogió a Royal Space Force, calificándola de "un trabajo honesto, sin engaños ni pretensiones... Pensé que la película sería una gran inspiración para los jóvenes que trabajan en esta industria".. Puede que estén muy divididos sobre si les gusta o no, pero de cualquier manera va a servir como estímulo." Yamaga debatió varios aspectos de la película con Miyazaki, afirmando una gran diferencia entre sus enfoques cinematográficos. El mismo Miyazaki caracterizó una diferencia fundamental entre los escenarios de sus películas y los de Royal Space Force, explicando que pensaba que la película de Yamaga era honesta porque, 'enviar un cohete puede dar al significado de los personajes en sus vidas, pero entiendes muy bien que viven en un mundo donde la realidad los atrapará nuevamente. Es por eso que hago películas [anime] anacrónicas a propósito. En la mesa redonda OUT de ese mismo año, Okada también afirmaría esta diferencia: "La gente hace películas serias tratando de dar respuestas. Las historias del Sr. Miyazaki son buenos ejemplos. Crea un mundo ficticio donde puede responder, 'esto es lo importante'. Pero nuestra generación sabe que las cosas no funcionan así."

En la conversación Kinema Junpo, Miyazaki relató los dos problemas que personalmente tenía con Royal Space Force. El primero fue el mismísimo cohete, que no consideró lo suficientemente inusual; para Miyazaki, su apariencia restó valor a la sensación de victoria que deseaba sentir al final, porque parecía demasiado evocador de la 'gran ciencia como la NASA'. Relacionado con eso estaba su segundo problema con la película, en el sentido de que a Miyazaki no le pareció convincente que los miembros mayores del equipo de lanzamiento hubieran estado preparados para detener la cuenta regresiva y darse por vencidos después de todos sus años de trabajo, y que fue Shirotsugh. que tuvo que animarlos a continuar: "No pensé que estos viejos alguna vez dirían, renunciemos. ¿No estás de acuerdo? Parecían obligados a decir que... Shirotsugh solo montaba porque tenía la fuerza física. Después de todo, no eran los jóvenes quienes tenían la pasión; No pude evitar sentir que eran los viejos. Pensé que solo estaba hecho para el drama." Yamaga no negó que escribió el guión de una manera que pensó que atraería a los jóvenes, pero argumentó que el choque entre generaciones no era el mensaje de la película. Miyazaki sintió que, dado que eran los jóvenes como Yamaga quienes habían "sembrado activamente las semillas de la mejora [en el anime]" con Royal Space Force, hubiera sido mejor en la película si los jóvenes le hubieran dicho a los viejos, "& #39;Retrocedan, viejos.'" Yamaga señaló en respuesta que la película mostraba una realidad en la que ninguna generación de la Fuerza Espacial vio prevalecer sus visiones personales, ya que la construcción del cohete y su lanzamiento solo sucedieron gracias al apoyo de un gobierno que tenía una agenda diferente a la suya. 'No se trata de dar un salto, aunque al principio lo parezca. Más que ir a un lugar nuevo en un sentido físico, mi objetivo era mostrar algo valioso en el proceso."

En una entrevista de 1996 con Hiroki Azuma poco después de la transmisión original de Neon Genesis Evangelion, Hideaki Anno rastreó su anterior período de desesperación y sensación de estancamiento creativo hasta el fracaso comercial de Royal Space Force, que había "devastado" a él. “La gente que ve anime no quiere ese tipo de trabajo. E incluso entre aquellos que no ven anime, su campaña de marketing fracasó," afirmando que su propio debut como director, Gunbuster, fue una respuesta irónica a la recepción que había recibido Royal Space Force: "Correcto, así que [en lugar de] enviar al espacio un robot y una chica semidesnuda." Cuando Azuma le preguntó si le había preocupado enfrentar el mismo colapso personal nuevamente con Evangelion, ya que también empleaba el atractivo de ventas de hermosas chicas y robots, Anno se rió y dijo que a él también le gustaban esas cosas. Durante una retrospectiva tres años antes con Mamoru Oshii y Yuichiro Oguro sobre la película Char's Counterattack de Yoshiyuki Tomino, Anno había declarado que consideraba triste que él y su generación no tuvieran interés al hacer el tipo de anime que iniciaría una nueva época: "No tenemos ninguna 'gran causa'". No tenemos ninguna 'filosofía'. Lo que tenemos son nuestras 'hobbies'. Lo entendemos, nos gustan las chicas. Lo entendemos, nos gustan ese tipo de mechas. Pero eso es todo lo que tenemos. Oshii respondió con ironía: 'Bueno, eso es lo que pasa con las épocas; no puedes deliberadamente empezar uno nuevo, ya sabes."

En su conversación de 1993, Oshii expresó la opinión de que Anno, aunque podría ser capaz de hacerlo, aún no había creado un anime que reflejara "la totalidad de uno mismo" como creador, mientras que creía que Yamaga lo había hecho en Royal Space Force: "Para bien o para mal, [es] el trabajo de Yamaga". Si bien Oshii sintió que esta totalidad significaba que el trabajo también revelaba necesariamente todas las deficiencias de Yamaga, y que Oshii 'tenía muchos problemas' con la película, sin embargo afirmó que Royal Space Force tuvo un cierto impacto en la idea de hacer una película de anime, simplemente porque nadie había hecho una como esta antes: "It&#39 Es el tipo de trabajo que quiero ver. Hay mucha gente, como los de Toei o Madhouse, que están haciendo cosas refinando las técnicas que ya tenemos, y eso está bien... la pregunta es, sin embargo, ¿qué tipo de películas vamos a hacer? hacer con estas técnicas?" Cuando Oguro le preguntó qué aspecto de Royal Space Force admiraba más, Oshii respondió que era el 'rechazo del drama' de la película. "Eso fue claro para mí en la primera proyección. Lo volví a ver varias veces después, pero cuanto más lo veía, más me daba cuenta de que Yamaga era un hombre que no tenía intención de hacer drama. Y pensé que eso era algo muy bueno." Oshii explicó que sentía que no era necesario que las películas se basaran en una estructura dramática, sino que podrían usarse para crear un mundo lleno de estados de ánimo e ideas, contrastando esto en un cambio entre sus dos películas Patlabor: La película (1989) y Patlabor 2 (1993); mientras que percibió el primero como más un drama, vio el segundo como más un ensayo.

Respuesta crítica internacional

La reacción de la crítica a la versión doblada al inglés de la película durante su estreno en cines de 1994-1995 estuvo muy dividida, con críticas que difirieron ampliamente en cuanto a la trama, los temas, la dirección y los diseños de la película. El San Jose Mercury News's Stephen Whitty dio una reseña de una estrella, escribiendo que la película no ofrecía "nada realmente original... nunca hay nada realmente en juego"; nunca hay una resolución porque nunca hay ningún conflicto para empezar... Y también está la misma misoginia que arruina tanto 'adulto'. animación." Whitty también percibió "estereotipos de autodesprecio" en los diseños de personajes: "Los únicos personajes que parecen remotamente japoneses son cómicos o villanos; el héroe y la heroína tienen rasgos caucásicos y grandes y lindos ojos de Hello Kitty." LA Village View's Sean O' Neill: “casi todos los buenos se ven blancos, con ojos grandes y redondos al estilo de Walter Keane, mientras que los villanos son asiáticos siniestros, sacados directamente de una película estadounidense de la época de la Segunda Guerra Mundial”. ¿Es este un ejemplo de autodesprecio japonés, o simplemente subraya la prevalencia internacional de los estándares occidentales de belleza? El Dallas Morning News's Scott Bowles tuvo un desacuerdo más fundamental con la película&# El enfoque de 39 como anime, comparándolo con los intentos de "comercializar la música punk" que en cambio 'despojaron a la música de su ira, vitalidad e interés... acéptenlo, el anime y el manga (cómics japoneses) que los inspiran son formas de arte pop bastante difamatorias. Lleno de héroes perfectamente esculpidos, mujeres de pechos grandes y, a menudo, desnudas y mucha, mucha violencia, son formas que aprecian mejor los niños de 13 años. Y al tratar de atraer a una audiencia más amplia, el escritor y director Hiroyuki Yamaga ha suavizado tanto las asperezas del anime que lo que le queda es tan interesante como una encimera de fórmica. recomendando en cambio que el público vea "un anime mucho más representativo, Fist of the North Star... Fist tiene pocas de las pretensiones de Wings y se conduce con una energía que su primo mejor vestido nunca alcanza."

Las críticas contemporáneas más favorables tendían a considerar la película como poco convencional y, sin embargo, la recomendaban. El Fort Worth Star-Telegram's Andy Grieser escribió que la película &#34 Combina ideas provocativas y belleza visual... El mundo de Wings es una Sodoma obscena y claustrofóbica que recuerda a la ciudad híbrida japonesa-estadounidense de Blade Runner de 1982.." F.X. Feeney escribió en LA Weekly, "Estas piezas extrañas y descomunales se fusionan y agregan una sensación de profundidad que las narraciones de dibujos animados a menudo no obtienen... Dejando de lado la brillantez técnica, lo que da Las alas de Honnêamise su poder de construcción lenta es la historia de amor, una misteriosa y creíble." Richard Harrington en The Washington Post consideró su duración de dos horas como "un poco ventosa" pero también afirmó que "Hiroyuki Yamaga's The Wings of Honnêamise es un ejemplo espectacular de animación japonesa, ambiciosa y audaz en su perfecta fusión de color, profundidad y detalle." Roger Ebert del Chicago Sun-Times le dio a la película tres estrellas de cuatro y escribió: "Uno de los placeres de la película es simplemente disfrutar de la imaginación visual de Yamaga, como en un montaje al final, que muestra el sufrimiento y la agitación del planeta," y comentó sobre su "estilo dramático poco convencional"... "Si tienes curiosidad sobre el anime, The Wings of Honnêamise, tocando durante una semana en el Music Box, es un buen lugar para empezar." Chris Jones de The Daily Texan le dio cuatro estrellas de cinco; mientras describe la película como "realmente extraña" Sin embargo, Jones instó a los lectores a ver la película y escribió: "Realmente me gustó esta película más que cualquier otra animación que haya visto y más que la mayoría de las otras animaciones 'reales'". Película (s. La profundidad y la inteligencia están escritas en más formas de las que las palabras pueden describir." En el Reino Unido, Jonathan Romney, escribiendo en The Guardian, consideró la película como la más destacada de un festival de anime en el National Film Theatre de Londres: "Una película en la temporada, sin embargo, demuestra que el anime puede ser complejo y lírico además de emocionante. Wings of Honnêamise de Hiroyuki Yamaga... A pesar del doblaje chirriante, supera con creces las ofertas recientes de Disney." En Australia, Max Autohead de la revista Hyper la calificó con un 10 sobre 10 y la calificó como "una obra maestra cinematográfica que allanará el camino para más" anime de su tipo.

Después de su lanzamiento inicial en inglés a mediados de los 90, las retrospectivas posteriores sobre el anime han tenido una visión positiva de Royal Space Force: The Wings of Honnêamise. En una edición de 1999 de Time, el ex editor en jefe de Film Comment, Richard Corliss, escribió un resumen sobre la historia del anime, enumerando bajo el año 1987 el comentario: &# 34;Se lanza The Wings of Honnêamise, lo que convierte al anime oficialmente en una forma de arte." En la edición de 2006 de The Anime Encyclopedia, Jonathan Clements y Helen McCarthy caracterizaron la película como "uno de los brillantes ejemplos de lo cerebral e inteligente que puede ser el anime". Simon Richmond, en The Rough Guide to Anime de 2009, escribió que la reputación de la película ha crecido con el tiempo hasta el punto en que se anuncia con justicia como un clásico. del medio". mientras que en Anime de 2014, Colin Odell y Michelle Le Blanc describieron la película como "un ejemplo de anime de ciencia y fantasía como narrativa de cine de arte, combinado con drama de edad que es inteligente y que invita a la reflexión". En una lista de Paste de 2017 de las 100 mejores películas de anime de todos los tiempos, el vicepresidente senior y director creativo de Adult Swim, Jason DeMarco, clasificó la película en el puesto número 11 y comentó: "Si The Wings of Honnêamise es un 'fracaso noble,' es el tipo de fracaso que muchos cineastas matarían por tener en su currículum”. Durante una entrevista de 2021 con el New York Times, el autor de ciencia ficción Ted Chiang, cuya obra ganadora del premio Nebula "Story of Your Life" fue la base de la película Arrival de Denis Villeneuve, citando Royal Space Force como el ejemplo más impresionante de construcción de mundos en un libro o una película: "Realmente estaba impresionado por la forma en que los animadores de esa película, inventaron una cultura física completamente nueva para esta película. La película no se trata de esas cosas, pero realmente desarrollaron este mundo alternativo como telón de fondo para la historia que querían contar.

Temas y análisis

Los movimientos rítmicos de planetas cósmicos existieron antes de la civilización humana. Podemos tratar de otorgar significados humanistas al universo, pero es esencialmente indiferente para nosotros y más allá de nuestras interpretaciones. La historia de la civilización humana nos enseña que "propósitos" y "misiones" a menudo se utilizan como excusas sacrosantas para cometer violencia. Se acepta como un truismo que los humanos necesitan para luchar por algunos objetivos ideales para sostener la civilización. En un punto [Royal Space Force], un entrevistador le pide a Shirotsugh que hable sobre el "propósito" (shimei) de su misión. Shirotsugh no sabe cómo responder a esta pregunta... pero ciertamente está afectado por la pregunta. La parte posterior de la película sugiere que la ignorancia firme de Shirotsugh o, digamos, la inocencia implica que no tener un propósito es su propósito; su misión tiene un punto porque es abiertamente inútil. De hecho, todo militar y político ridiculiza su misión... La falta de propósito de Shirotsugh (que también significa no tener una fuerza militar para destruir o subyugar a los demás) es un gesto político oblicuo contra la civilización humana intrínsecamente impulsada por la guerra, pero todavía no puede escapar de un mundo así en agitación. Su oración al final de la película significa no sólo su esperanza de un futuro mejor, sino también su aceptación incondicional de esto mundo.

Royal Space Force atrajo un análisis académico más amplio ya en 1992, cuando Takashi Murakami hizo referencia a la película a través de Sea Breeze, una obra creada durante sus estudios de doctorado en nihonga en Universidad de las Artes de Tokio. La pieza de la instalación se describió como "un anillo de enormes focos de mercurio de 1000 vatios que emitían una poderosa ráfaga de calor y una luz cegadora cuando se levantaba una persiana enrollable... Sea Breeze perfectamente alineada dos hilos principales en la práctica de Murakami de la época: el legado de la guerra y sus ideologías concomitantes de divinidad imperial y la singularidad del pueblo japonés, y una creciente fascinación por la cultura de consumo y la creatividad otaku... la circular de luces se basó en un primer plano de los motores de cohetes encendidos durante un lanzamiento espacial en el anime Royal Space Force: [The] Wings of Honneamise." El comentario de Hiroyuki Yamaga sobre Royal Space Force: "Queríamos crear un mundo y queríamos verlo desde el espacio" se citaría como un epigrama en el catálogo de la exposición de 2001-2004 encabezada por Murakami, My Reality—Contemporary Art and the Culture of Japanese Animation, momento en el que se describió a Murakami como un " figura fundamental" entre los artistas contemporáneos "inundados con manga y anime—y con conceptos del nuevo Japón, que luchaba con un sentido de identidad propia como una parte cada vez más fuerte del mundo capitalista moderno, pero estaba ligado a una larga y distinguida historia. pasado." Una exposición anterior de Murakami en 1999 había señalado que la "notoria escultura" My Lonesome Cowboy fue "creado por sugerencia de Toshio Okada, el productor de películas de animación [Gainax]".

En una mesa redonda de marzo de 1992 con la revista de arte japonesa Bijutsu Techō, Murakami comentó que "... encontraba encomiable que los otaku se dedicaran a 'la invención de una nueva técnica, especialmente a través del uso de elementos pasados por alto, encontrando un "espacio vacío" entre los métodos de producción existentes o los criterios para juzgar las obras.' Sostuvo que el arte debe encontrar el mismo 'espacio vacío' para revolucionarse a sí mismo." Sea Breeze estaba "... contenida en una caja cuadrada con ruedas... cuando se enciende, el intenso calor y el deslumbrante destello de las luces evocan el momento de su lanzamiento... Gainax representó, para Murakami, un modelo de producción cultural marginada pero de vanguardia. Refiriéndose a su película fue el homenaje de Murakami al espíritu independiente de Gainax. Al mismo tiempo, el hecho de que la rueda en llamas estuviera contenida dentro de una caja significaba pasión confinada dentro de un marco convencional, evocando el fracaso de Honneamise para presentar una expresión japonesa única, ya que permaneció bajo la influencia de Occidente. películas de ciencia ficción." Murakami afirmaría más tarde, dos años después de su debut inicial, que Sea Breeze "no tiene ningún concepto. Solo una obra enorme [cuyo] campo de arte se ha derrumbado," sin embargo, en 1999 comentó además de la pieza que, "lamentablemente, este espectáculo del mundo del arte en interiores fue lo más cerca que los japoneses estuvieron de un programa espacial".

Murakami expresaría una concepción histórica específica de otaku durante una discusión con Toshio Okada realizada para la exposición de 2005 Little Boy: The Arts of Japan's Exploding Subculture, dirigiéndose a Okada con la premisa: "Después de que Japón experimentó la derrota en la Segunda Guerra Mundial, dio a luz a un fenómeno distintivo, que ha degenerado gradualmente en una cultura japonesa única... [tú] estás en el centro mismo de este otaku cultura", afirmando además en un ensayo para el catálogo de la exhibición que, por lo tanto, "otaku... todos se definen en última instancia por sus implacables referencias a un yo humillado". Este posicionamiento histórico de la cultura otaku sería desafiado a través de un análisis de Royal Space Force por Viktor Eikman, quien cita la declaración de Murakami en el mismo ensayo de que el estudio de anime que hizo la película ocupó & #34;un lugar central en el mundo del anime actual... [fueron] incorporados profesionalmente como Gainax en 1984 tras la producción del largometraje de anime The Wings of Honneamise (lanzado en 1987)&# 34; pero que las dos obras de Gainax discutidas por Murakami en su teoría del otaku fueron la Daicon IV Opening Animation y Neon Genesis Evangelion. Eikman argumenta que la teoría también debe probarse contra 'otras obras del mismo estudio, realizadas por las mismas personas para la misma audiencia, pero no analizadas [en el ensayo] por Murakami'. De la Royal Space Force, Eikman sostuvo: "A lo sumo, podemos ver la misión del humillado Shiro como un símbolo del deseo de Japón de unirse a la carrera espacial en particular y el 'gran chico'; luchas de la Guerra Fría en general, un deseo que juega con la sensación de impotencia infantil descrita por Murakami, pero incluso eso es una hipótesis muy especulativa," argumentando que "es notablemente difícil encontrar paralelos con la Segunda Guerra Mundial" en la película. Eikman propone una posible "analogía débil" en Royal Space Force al ataque japonés a Pearl Harbor a través de la teoría de que a una nación opuesta se le permite atacar el sitio de lanzamiento para proporcionar un casus belli, pero sugiere tal una analogía 'presentaría inapropiadamente a Shiro como estadounidense'.

En The Cinema Effect de 2004, un estudio histórico que examina el cine a través de "la cuestión de la temporalidad", Sean Cubitt presenta un argumento que agrupa Royal Space Force junto con 1942: A Love Story de Vidhu Vinod Chopra y Once Upon a Time in China de Tsui Hark como ejemplos de "revisionary" películas, distintas de las "revisionistas" obras en las que "no tanto revisan [su] historia como la revisan, la miran con un nuevo modo de visualizar la relación entre el pasado y el presente... desplazan el destino del presente, abriendo en cambio, una vista a otro lugar... listo para abandonar el ideal occidental del realismo [por] la posibilidad de comprender cómo podrían rehacer el pasado y así hacer que el presente sea diferente de lo que es." Cubitt propone que en Royal Space Force "el futuro emerge como un pasado alternativo... la película visualiza [un país de] faroleros y trenes a vapor, tranvías y aviones de guerra propulsados por propulsión, un universo al que la modernización Meiji... podría haber llegado si no hubiera sido impulsada por otras rutas por su exposición a la tecnología occidental." Cubitt ve una diégesis estructurada entre la ciudad y el campo en las personas de Shiro y Riquinni y su evocación del "continuum urbano-rural" presente en la experiencia particular de modernización de Japón, dependiente de "la posición mítica del arroz como medio de 'comensalidad' de compartir, hospitalidad, conexión con los dioses, el medio ambiente y los ciclos de reproducción sexual. En el país imaginario de Honnêamise, el humilde cuenco de 'terish' parece funcionar de la misma manera, un plato cuyo origen no se aclara en un breve plano de cosecha de lo que podría ser trigo o mijo. El ofrecimiento y el intercambio de alimentos atraen al extraño a la comunidad de una manera que no pueden hacerlo las bebidas y los juegos de azar urbanos ociosos."

Cubitt, como Murakami, hace referencia a las consecuencias históricas de la Segunda Guerra Mundial, pero al citar un discurso del primer primer ministro japonés de la posguerra, Naruhiko Higashikuni, sobre la necesidad de un "arrepentimiento colectivo a nivel nacional" sugiere que tal arrepentimiento es "el tema que parece resonar en el curioso y lento brote" de Royal Space Force a través de la "religión casera de renuncia y juicio inminente" de Riquinni; argumentando que tal filosofía también se evoca a través del estilo de animación de la película: "A menudo, una pequeña fluctuación es todo lo que hay para denotar la atmósfera o la emoción de una escena... El atractivo para una audiencia sofisticada". Su capacidad para descifrar estos pequeños movimientos se convierte en una impresión general de cansancio ante un mundo y una vida a los que vale la pena renunciar. y que 'las dos principales secuencias de acción, la persecución y muerte del asesino y la secuencia del lanzamiento, cortan el encuadre, el montaje y la construcción de la profundidad, pero se resuelven en la absoluta indiferencia de los movimientos en equilibrio. Como el cero de los Lumières' vistas parpadeantes, la acción de [Royal Space Force] se suma a la nada, un grado cero de lo político que elimina su resolución de la historia, y del tiempo mismo, en la zona atemporal denotada por Shirotsugh' s orbit... un lugar vacío desde el cual solo la lucha de la guerra y el sufrimiento se hunde en puro arrepentimiento, no tanto un final como una salida de la historia."

En contraste, Shu Kuge, en un ensayo de 2007 en la revista Mechademia, ve la posición de Shiro en el espacio al final de la película como 'no la negación de historia sino el movimiento empático de aceptar el mundo cruel sin traducirlo a un significado metafísico". Kuge agrupa la conexión entre Shiro y Riquinni con la de Mikako Nagamine y Noboru Terao en Voices of a Distant Star de Makoto Shinkai como ejemplos de una conexión personal que, aunque bajo diferentes circunstancias en cada historia, es en cualquier caso una relación sostenida por la distancia espacial entre dos personas: "[ellos] mantienen la distancia en lugar de reducirla porque sostener... es crucial para que sus relaciones sean amplias y generosas. La relación topológica entre lo flotante y lo restante es en realidad una mímesis de una relación estelar, como la luna y la tierra, la tierra y el sol. Referencias repetitivas a 'estrellas' en estas películas no deben entenderse como metáforas; los personajes de estos animes aspiran a convertirse en estrellas del espacio para superar las dimensiones humanas..." Kuge sugiere que, de hecho, existe una atracción personal mutua entre Riquinni y Shiro, pero que 'Riquinni mantiene distancia de Shirotsugh y se deja a sí misma como un objeto de deseo un tanto oscuro, probablemente porque teme que la proximidad física, así como la claridad de su el interés disminuye un cierto grado de curiosidad de ella y de él en su relación. No es que sea bromista, pero parece saber que la curiosidad constante, un impulso hacia lo desconocido, hace que la vida sea más valiosa; por lo tanto, pueden cuidarse mejor unos a otros. En otras palabras, lo desconocido debe ser sostenido. Espacialmente hablando, la curiosidad es posible cuando se suspende el contacto de los dos cuerpos."

Kuge afirma además "... Ellos 'comunican' mejor cuando tienen una distancia física entre ellos... Shirotsugh visita a Riquinni el día antes de partir para su misión, pero ella no está en casa. Luego se sube a un tranvía y Riquinni sale casi simultáneamente del mismo vagón. Se da vuelta y reconoce a Shirotsugh a bordo. No hablan, pero ella le sonríe. Como el tranvía comienza a moverse lentamente, Shirotsugh le devuelve la sonrisa y dice 'Ittekimasu,' que literalmente significa 'voy,' un saludo que solo se puede pronunciar entre familiares y amigos cercanos. Esta escena dura menos de treinta segundos, pero demuestra efectiva y poéticamente cuál es su relación . La distancia física entre estas dos personas las conecta y las sostiene en una continuidad particular, aunque parecen no compartir. el mismo espacio La misma continuidad también preserva la energía erótica entre ellos. Colapsar esta distancia puede significar el final de su relación." Al señalar la lucha entre las fuerzas armadas de Honnêamise y la República para controlar el mismo territorio físico, Kuge comenta que, por el contrario, la Royal Space Force de hecho "no posee ninguna fuerza militar", y sugiere que, del mismo modo, la naturaleza personal de la relación de Shiro y Riquinni depende del respeto de la separación física y los límites que ella busca mantener y que él busca violar, y viola, antes de que se reafirmen en la última parte de la película. "No es una coincidencia que el entusiasmo de Shirotsugh por el espacio surja justo después de conocer a Riquinni, quien promueve el mundo de mythos que preserva lo desconocido (porque no indaga sobre la 'esencia' de todo lo que es), en lugar del logos, o razonamiento lógico, que racionaliza los fenómenos físicos. Mientras ella mantiene su distancia con él, la curiosidad de él hacia ella también se transpone a un territorio desconocido, es decir, al espacio exterior. Cuando Shirotsugh llega a lo desconocido, no hay contacto físico. Todo lo que puede hacer es flotar. Parece darse cuenta de que el mundo no tiene límites; de hecho, puede flotar en esta única espacialidad continua que lo incluye todo. Sostenido por esta gran distancia, Shirotsugh reza, como si fuera la única manera de contarles a los demás la grandeza de este mundo."

Secuela

Durante 1992–93, Gainax desarrolló planes para una secuela de Royal Space Force que se titularía Aoki Uru (también conocido bajo los títulos Uru in Blue y Uru azul); un proyecto de película de anime que será dirigido por Hideaki Anno y escrito por Hiroyuki Yamaga, con Yoshiyuki Sadamoto como director de animación y diseñador de personajes. Aunque se produjo un guión gráfico completo, un guión parcial y una extensa colección de ilustraciones de diseño para Aoki Uru, el proyecto se había iniciado sin un presupuesto asegurado y su desarrollo ocurrió dentro de un período de cambios personales, financieros y y crisis gerenciales en Gainax que contribuyeron a la suspensión indefinida del trabajo en Aoki Uru en julio de 1993; en cambio, el estudio pasó a producir como su próximo proyecto de anime la serie de televisión Neon Genesis Evangelion. En los años posteriores a 1993, Gainax ha hecho anuncios ocasionales sobre la reactivación del concepto Aoki Uru, incluida una propuesta multimedia a fines de la década de 1990, y el anuncio formal de un nombre en inglés para la película, Uru in Blue, en la Tokyo Anime Fair 2013. En 2018, el proyecto Uru in Blue fue transferido de Gainax a Gaina, una entidad corporativa diferente y subsidiaria del Grupo Kinoshita, con el objetivo de un estreno mundial de la película en 2022.