Roy Orbison
Roy Kelton Orbison (23 de abril de 1936 - 6 de diciembre de 1988) fue un cantante, compositor y músico estadounidense conocido por su apasionado estilo de canto, sus complejas estructuras de canciones y sus baladas oscuras y emotivas. Su música fue descrita por los críticos como operística, lo que le valió el apodo de "El Caruso del Rock" y "El Gran O." Muchas de las canciones de Orbison transmitían vulnerabilidad en un momento en que la mayoría de los intérpretes masculinos de rock and roll optaban por proyectar machismo. Actuó mientras estaba de pie, inmóvil y vestía ropa negra a juego con su cabello teñido de negro y gafas de sol oscuras, que usaba para contrarrestar su timidez y su miedo escénico.
Nacido en Texas, Orbison comenzó a cantar en una banda de rockabilly y country y western cuando era adolescente. Fue contratado por Sam Phillips de Sun Records en 1956, pero disfrutó de su mayor éxito con Monument Records. Entre 1960 y 1966, 22 de los sencillos de Orbison llegaron al Top 40 de Billboard. Escribió o coescribió casi todos sus éxitos Top 10, incluido "Only the Lonely&#. 34; (1960), 'Corriendo asustado' (1961), "Llorando" (1961), 'En sueños' (1963) y 'Oh, mujer bonita' (1964).
Después de mediados de la década de 1960, Orbison sufrió una serie de tragedias personales y su carrera se tambaleó. Experimentó un resurgimiento de su popularidad en la década de 1980 tras el éxito de varias versiones de sus canciones. En 1988, cofundó Traveling Wilburys (un supergrupo de rock) con George Harrison, Bob Dylan, Tom Petty y Jeff Lynne. Orbison murió de un ataque al corazón en diciembre de 1988 a los 52 años. Un mes después, su canción "You Got It" (1989) fue lanzado como sencillo en solitario, convirtiéndose en su primer éxito en alcanzar el Top 10 de EE. UU. y el Reino Unido en casi 25 años.
Los honores de Orbison incluyen inducciones al Salón de la Fama del Rock and Roll y al Salón de la Fama de los Compositores de Nashville en 1987, al Salón de la Fama de los Compositores en 1989 y al Salón de la Fama y Museo de los Músicos en 2014. Recibió un Premio Grammy Lifetime Achievement Award y otros cinco premios Grammy. Rolling Stone lo colocó en el puesto 37 de su lista de "Mejores artistas de todos los tiempos" y el número 13 en su lista de los '100 mejores cantantes de todos los tiempos'. En 2002, la revista Billboard lo incluyó en el puesto 74 de su lista de los 600 mejores artistas discográficos.
Primeros años
Orbison nació el 23 de abril de 1936 en Vernon, Texas. Según The Authorized Roy Orbison, la familia se mudó a Fort Worth en 1942 para encontrar trabajo en las fábricas de aviones. Allí asistió a la Escuela Primaria Denver Avenue hasta que un susto de polio hizo que la familia regresara a Vernon.
El padre de Orbison le regaló una guitarra en su sexto cumpleaños. Recordó, "Estaba acabado, ya sabes, por cualquier otra cosa" cuando tenía 7 años, la música se convirtió en el centro de su vida. Su mayor influencia musical en su juventud fue la música country. Le conmovió especialmente el canto de Lefty Frizzell, con sus sílabas arrastradas, y adoptó el nombre de "Lefty Wilbury" durante su tiempo con los Travelling Wilburys. También disfrutó de Hank Williams, Moon Mullican y Jimmie Rodgers. Uno de los primeros músicos que escuchó en persona fue Ernest Tubb, tocando en la parte trasera de un camión en Fort Worth. En el oeste de Texas, estuvo expuesto al ritmo y el blues, Tex-Mex, los arreglos orquestales de Mantovani y la música cajún. El favorito cajún "Jole Blon" fue una de las primeras canciones que cantó en público. Comenzó a cantar en un programa de radio local a los 8 años y se convirtió en el presentador del programa a fines de la década de 1940.
Según The Authorized Roy Orbison, la familia se mudó nuevamente en 1946 a Wink, Texas. Orbison describió la vida en Wink como "fútbol, campos petroleros, petróleo, grasa y arena" y expresó su alivio por haber podido dejar el pueblo desolado. Todos los niños de Orbison tenían mala vista; Roy usó lentes correctivos gruesos desde una edad temprana. Era consciente de su apariencia y comenzó a teñir su cabello casi blanco de negro cuando aún era joven. Era tranquilo, modesto y notablemente educado y servicial. Sin embargo, siempre tuvo ganas de cantar y consideró que su voz era memorable, pero no excelente.
En la escuela secundaria, Orbison y algunos amigos formaron la banda Wink Westerners. Tocaron estándares de country y canciones de Glenn Miller en honky-tonks locales y tenían un programa de radio semanal en CURB en Kermit, Texas. Les ofrecieron $ 400 para tocar en un baile y Orbison se dio cuenta de que podía ganarse la vida con la música. Se matriculó en el North Texas State College en Denton, planeando estudiar geología para poder conseguir trabajo en los campos petroleros si la música no le pagaba. Luego escuchó que su compañero de escuela Pat Boone había firmado un contrato discográfico, y eso fortaleció aún más su determinación de convertirse en músico profesional. Escuchó una canción llamada "Ooby Dooby" mientras estaba en la universidad, compuesta por Dick Penner y Wade Moore, y volvió a Wink con 'Ooby Dooby'. en la mano y continuó actuando con los Wink Westerners después de su primer año. Luego se matriculó en Odessa Junior College. Dos miembros de la banda renunciaron y se agregaron dos nuevos miembros, y el grupo ganó un concurso de talentos y obtuvo su propio programa de televisión en KMID-TV en Midland. Los Wink Westerners siguieron actuando en la televisión local, bailaban los fines de semana y asistían a la universidad durante el día.
Mientras vivía en Odessa, Orbison vio una actuación de Elvis Presley. Johnny Cash recorrió el área en 1955 y 1956, apareciendo en el mismo programa de televisión local que los Wink Westerners, y sugirió que Orbison se acercara a Sam Phillips en Sun Records. Orbison lo hizo y le dijeron: '¡Johnny Cash no dirige mi compañía discográfica!' El éxito de su programa de televisión KMID les consiguió otro programa en KOSA-TV, y cambiaron su nombre a Teen Kings. Grabaron 'Ooby Dooby' en 1956 para el sello Je–Wel con sede en Odessa. La dueña de una tienda de discos, Poppa Holifield, la tocó por teléfono para Sam Phillips, y Phillips le ofreció un contrato a los Teen Kings.
1956–1959: Sun Records y Acuff-Rose
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Los Teen Kings fueron a Sun Studio en Memphis, donde Phillips quería grabar "Ooby Dooby" de nuevo, en su estudio. La canción fue lanzada el Sun 242 en mayo de 1956 y entró en el Billboard Hot 100, alcanzando el puesto 59 y vendiendo 200.000 copias. Los Teen Kings estuvieron de gira con Sonny James, Johnny Horton, Carl Perkins y Cash. Muy influenciado por Elvis Presley, Orbison actuó frenéticamente, haciendo "todo lo posible para obtener aplausos porque solo teníamos un disco exitoso". Orbison también comenzó a escribir canciones en un estilo rockabilly, incluyendo "Go! ¡Vamos! ¡Vamos!" y 'Rockhouse'. La banda finalmente se separó por los créditos de escritura y las regalías en disputa, pero Orbison se quedó en Memphis y le pidió a su novia de 16 años, Claudette Frady, que se uniera a él allí. Se quedaron en Phillips' casa, durmiendo en habitaciones separadas. En el estudio, Orbison se concentró en la mecánica de la grabación. Phillips recordó estar mucho más impresionado con el dominio de la guitarra de Orbison que con su voz. Una balada que Orbison escribió, 'The Clown', recibió una respuesta tibia; después de escucharlo, el productor de Sun Records, Jack Clement, le dijo a Orbison que nunca lo lograría como cantante de baladas.
Orbison fue presentado al círculo social de Elvis Presley, una vez fue a recoger una cita para Presley en su Cadillac morado. Orbison escribió 'Claudette', sobre Claudette Frady, con quien se casó en 1957, y los Everly Brothers la grabaron como cara B de 'All I Have to Do Is Dream'. Las primeras, y quizás las únicas, regalías que Orbison obtuvo de Sun Records le permitieron hacer un pago inicial de su propio Cadillac. Cada vez más frustrado con Sun, gradualmente dejó de grabar. Realizó giras por circuitos musicales de Texas y luego dejó de actuar durante siete meses en 1958.
Durante un breve período a fines de la década de 1950, Orbison se ganaba la vida en Acuff-Rose, una empresa de composición de canciones que se concentraba principalmente en la música country. Después de pasar un día entero escribiendo una canción, hacía varias cintas de demostración a la vez y se las enviaba a Wesley Rose, quien trataba de encontrar actos musicales para grabarlas. Orbison intentó vender a RCA Victor sus grabaciones de canciones de otros escritores, trabajando y admirando a Chet Atkins, quien había tocado la guitarra con Presley. Una canción que probó fue 'Seems to Me', de Boudleaux Bryant. La impresión que tenía Bryant de Orbison era la de "un niño tímido y tímido que parecía estar bastante confundido por toda la escena musical". Recuerdo la forma en que cantaba entonces: suavemente, con gracia pero casi con timidez, como si alguien pudiera molestarse por sus esfuerzos y reprenderlo."
Tocando en espectáculos por la noche y viviendo con su esposa y su hijo pequeño en un pequeño apartamento, Orbison solía llevar su guitarra a su auto para escribir canciones. El compositor Joe Melson, un conocido de Orbison, golpeó la ventana de su auto un día en Texas en 1958, y los dos decidieron escribir algunas canciones juntos. En tres sesiones de grabación en 1958 y 1959, Orbison grabó siete canciones para RCA Victor en sus estudios de Nashville; el sello consideró que solo dos sencillos eran dignos de ser lanzados. Wesley Rose llamó la atención de Orbison al productor Fred Foster de Monument Records.
1960–1964: Monument Records y estrellato
Primeros solteros
Orbison fue uno de los primeros artistas discográficos en popularizar el "sonido de Nashville", con un grupo de músicos de sesión conocido como The Nashville A-Team. El sonido de Nashville fue desarrollado por los productores Chet Atkins, Owen Bradley (que trabajó en estrecha colaboración con Patsy Cline), Sam Phillips, el bajista Bob Moore y Fred Foster. En su primera sesión para Monument en Nashville, Orbison grabó una canción que RCA Victor había rechazado, 'Paper Boy', respaldada por 'With the Bug', pero ninguna llegó a las listas.
El estilo propio de Orbison, el sonido creado en RCA Victor Studio B en Nashville con el ingeniero pionero Bill Porter, la producción de Foster y los músicos que lo acompañaban le dieron a la música de Orbison un estilo "pulido, sonido profesional... finalmente dando rienda suelta a las inclinaciones estilísticas de Orbison. Orbison solicitó una sección de cuerdas y con ella grabó tres nuevas canciones, la más notable de las cuales fue 'Uptown', escrita con Joe Melson. Impresionado con los resultados, Melson recordó más tarde: "Estábamos en el estudio escuchando las reproducciones y pensamos que era el sonido más hermoso del mundo". La historia ilustrada del rock and roll de Rolling Stone afirma que la música que Orbison hizo en Nashville "trajo un nuevo esplendor al rock" y comparó los efectos melodramáticos del acompañamiento orquestal con el musical. producciones de Phil Spector.
"Ciudad alta" alcanzó solo el número 72 en Billboard Top 100, y Orbison se fijó en negociar un contrato con un club nocturno exclusivo en algún lugar. Su éxito inicial llegó justo cuando la era del rock and roll de los años 50 estaba llegando a su fin. A partir de 1960, las listas de éxitos en los Estados Unidos llegaron a estar dominadas por ídolos adolescentes, actos novedosos y grupos de chicas Motown.
Top 10 de éxitos
1960–1962
Al experimentar con un nuevo sonido, Orbison y Joe Melson escribieron una canción a principios de 1960 que, usando elementos de 'Uptown', y otra canción que habían escrito llamada 'Come Back to Me (My Love), cuerdas empleadas y los coristas de Anita Kerr doo-wop. También presentaba una nota tocada por Orbison en falsete que mostraba una voz poderosa que, según el biógrafo Clayson, "no salía de su garganta sino de lo más profundo". La canción era "Only the Lonely (Know the Way I Feel)". Orbison y Melson intentaron proponérselo a Elvis Presley y los Everly Brothers, pero fueron rechazados. En su lugar, grabaron la canción en el estudio de Nashville de RCA Victor, con el ingeniero de sonido Bill Porter probando una estrategia completamente nueva, construyendo la mezcla de arriba hacia abajo en lugar de de abajo hacia arriba, comenzando con coros con micrófonos cercanos en primer plano., y terminando con la sección rítmica suave de fondo. Esta combinación se convirtió en el sonido característico de Orbison.
"Solo los solitarios" saltó al número dos en Billboard Hot 100 y alcanzó el número uno en el Reino Unido y Australia. Según Orbison, las canciones posteriores que escribió con Melson durante este período se construyeron pensando en su voz, específicamente para mostrar su rango y poder. Le dijo a Rolling Stone en 1988: "Me gustó el sonido de [mi voz]. Me gustaba hacerlo cantar, hacer sonar la voz, y seguí haciéndolo. Y creo que en algún momento entre la época de "Ooby Dooby" y "Only the Lonely", se convirtió en una buena voz." Su éxito transformó a Orbison en una estrella de la noche a la mañana y apareció en el Saturday Night Beechnut Show de Dick Clark en la ciudad de Nueva York. Cuando Presley escuchó 'Only the Lonely' por primera vez, compró una caja de copias para pasar a sus amigos. Melson y Orbison lo siguieron con el más complejo 'Blue Angel', que alcanzó el puesto número nueve en los EE. UU. y el número 11 en el Reino Unido. 'I'm Hurtin', con 'I Can't Stop Loving You' como cara B, subió al número 27 en los EE. UU., pero no llegó a las listas del Reino Unido.
Orbison ahora podía mudarse a Nashville de forma permanente con su esposa Claudette y su hijo Roy DeWayne, nacido en 1958. Otro hijo, Anthony King, lo seguiría en 1962. De vuelta en el estudio, buscando un cambio del sonido pop de & #34;Only the Lonely", "Blue Angel" y "I'm Hurtin'", Orbison trabajó en una nueva canción, " Running Scared", basada libremente en el ritmo del Boléro de Ravel; la canción trataba sobre un hombre que buscaba al novio anterior de su novia, a quien temía que intentara llevársela. Orbison encontró dificultades cuando se vio incapaz de alcanzar la nota más alta de la canción sin que se le rompiera la voz. Estaba respaldado por una orquesta en el estudio y Porter le dijo que tendría que cantar más fuerte que su acompañamiento porque la orquesta no podía ser más suave que su voz. Fred Foster luego colocó a Orbison en la esquina del estudio y lo rodeó con percheros formando una cabina de aislamiento improvisada para enfatizar su voz. Orbison no estaba contento con las dos primeras tomas. En la tercera, sin embargo, abandonó la idea de utilizar el falsete y cantó el agudo final 'A' naturalmente, asombrando tanto a todos los presentes que los músicos acompañantes dejaron de tocar. En esa tercera toma, "Running Scared" Se completó. Fred Foster recordó más tarde: "Él lo hizo, y todos miraron a su alrededor con asombro". Nadie había escuchado algo así antes." Apenas unas semanas después, 'Running Scared' alcanzó el número uno en la lista Billboard Hot 100 y el número 9 en el Reino Unido. La composición de los siguientes éxitos de Orbison reflejó 'Running Scared': una historia sobre un hombre emocionalmente vulnerable que enfrenta una pérdida o un duelo, con un crescendo que culmina en un clímax sorpresa que emplea la voz dinámica de Orbison..
"Llorando" siguió en julio de 1961 y alcanzó el número dos; se combinó con una canción de R&B de ritmo acelerado, "Candy Man", escrita por Fred Neil y Beverley Ross, que alcanzó el Billboard Top 30, permaneciendo en las listas durante dos meses. Mientras Orbison estaba de gira por Australia en 1962, un DJ australiano se refirió a él cariñosamente como 'The Big O', en parte debido a los grandes finales de sus dramáticas baladas, y el apodo se quedó con él a partir de entonces. El segundo hijo de Orbison nació el mismo año, y Orbison alcanzó el número cuatro en los Estados Unidos y el número dos en el Reino Unido con 'Dream Baby (How Long Must I Dream)', una canción alegre. de la compositora country Cindy Walker. Orbison reclutó a The Webbs de Dothan, Alabama, como su banda de acompañamiento. La banda cambió sus nombres a The Candy Men (en referencia al éxito de Roy) y tocaron con Orbison de 1962 a 1967. Luego tuvieron su propia carrera, lanzando algunos sencillos y dos álbumes por su cuenta. También en 1962, trazó con 'The Crowd', 'Leah' y 'Workin'. for the Man", que escribió sobre trabajar un verano en los campos petrolíferos cerca de Wink. Sin embargo, su relación con Joe Melson se estaba deteriorando debido a las crecientes preocupaciones de Melson de que su propia carrera en solitario nunca despegaría.
1963-1964
Orbison eventualmente desarrolló una imagen que no reflejaba su personalidad. No tenía publicista a principios de la década de 1960, por lo tanto, tenía poca presencia en las revistas de fanáticos y sus portadas individuales no mostraban su imagen. Life lo llamó una 'celebridad anónima'. Después de dejar sus gruesos anteojos en un avión en 1963, mientras estaba de gira con los Beatles, Orbison se vio obligado a usar sus anteojos de sol recetados Wayfarer en el escenario y descubrió que los prefería. Sus biógrafos sugieren que, aunque tenía un buen sentido del humor y nunca estaba malhumorado, Orbison era muy tímido y sufría de un miedo escénico severo; usar gafas de sol lo ayudó a esconderse un poco. Las gafas de sol hicieron que algunas personas asumieran que era ciego. Su ropa negra y las letras de sus canciones enfatizaban la imagen de misterio e introversión. Su personalidad oscura y melancólica, combinada con su voz trémula en las baladas enamoradas comercializadas para adolescentes, convirtió a Orbison en una estrella a principios de la década de 1960. Su serie de éxitos entre los 40 principales continuó con 'In Dreams'. (EE. UU. número siete, Reino Unido número seis), "Falling" (EE. UU. número 22, Reino Unido número 9) y "Mean Woman Blues" (número cinco en EE. UU., número tres en Reino Unido) junto con "Blue Bayou" (EE. UU. número 29, Reino Unido número tres). Según la discografía de The Authorized Roy Orbison, una rara versión alternativa de "Blue Bayou" fue lanzado en Italia. Orbison terminó 1963 con una canción navideña escrita por Willie Nelson, "Pretty Paper" (EE.UU. número 15 en 1963, Reino Unido número seis en 1964).
Como "En sueños" fue lanzado en abril de 1963, se le pidió a Orbison que reemplazara a Duane Eddy en una gira por el Reino Unido en la parte superior de facturación con los Beatles. Sin embargo, cuando llegó a Gran Bretaña, se dio cuenta de que ya no era el principal atractivo. Nunca había oído hablar de los Beatles y, molesto, preguntó retóricamente: '¿Qué es un Beatle, de todos modos?' a lo que John Lennon respondió, tras tocarle el hombro, 'Yo soy'. En la noche de apertura, Orbison optó por subir al escenario primero, aunque era el acto más establecido. Los Beatles se quedaron estupefactos detrás del escenario mientras Orbison simplemente tocaba 14 bises. Finalmente, cuando el público empezó a corear "¡Queremos a Roy!" nuevamente, Lennon y Paul McCartney retuvieron físicamente a Orbison. Ringo Starr dijo más tarde: "En Glasgow, todos estábamos detrás del escenario escuchando los tremendos aplausos que estaba recibiendo". Estaba parado allí, sin moverse ni nada." Sin embargo, a lo largo de la gira, los dos actos aprendieron rápidamente a llevarse bien, un proceso facilitado por el hecho de que los Beatles admiraban su trabajo. Orbison sentía un parentesco con Lennon, pero fue George Harrison con quien luego entablaría una fuerte amistad.
En 1963, las giras afectaron la vida personal de Orbison. Su esposa Claudette tuvo una aventura con el contratista que construyó su casa en Hendersonville, Tennessee. Amigos y familiares atribuyeron la ruptura del matrimonio a su juventud y su incapacidad para soportar estar sola y aburrida. Cuando Orbison volvió a realizar una gira por Gran Bretaña en el otoño de 1963, ella se unió a él. Era inmensamente popular dondequiera que iba, terminando la gira en Irlanda y Canadá. Casi de inmediato, realizó una gira por Australia y Nueva Zelanda con los Beach Boys y regresó nuevamente a Gran Bretaña e Irlanda, donde fue tan asediado por las adolescentes que la policía irlandesa tuvo que detener sus actuaciones para quitárselas de encima. Volvió a viajar a Australia, esta vez con los Rolling Stones. Mick Jagger comentó más tarde, refiriéndose a una instantánea que tomó de Orbison en Nueva Zelanda, "era una hermosa figura de hombre en las aguas termales".
Orbison también comenzó a colaborar con Bill Dees, a quien había conocido en Texas. Con Dees, escribió 'It's Over', un éxito número uno en el Reino Unido y una canción que sería una de sus piezas emblemáticas durante el resto de su carrera. Cuando Claudette entró en la habitación donde Dees y Orbison estaban escribiendo para decir que se dirigía a Nashville, Orbison le preguntó si tenía dinero. Dees dijo: "Una mujer bonita nunca necesita dinero". Solo 40 minutos después, 'Oh, Pretty Woman' Se completó. Una obra maestra cargada de riffs que empleó un gruñido juguetón que obtuvo de una película de Bob Hope, el epíteto misericordia que Orbison pronunció cuando no pudo tocar una nota, alcanzó el número uno en el otoño de 1964 en los Estados Unidos y permaneció en las listas durante 14 semanas. También subió al número uno en el Reino Unido, pasando un total de 18 semanas en las listas. El sencillo vendió más de siete millones de copias. El éxito de Orbison fue mayor en Gran Bretaña; como señaló la revista Billboard: "En un período de 68 semanas que comenzó el 8 de agosto de 1963, Roy Orbison fue el único artista estadounidense en tener un número uno soltero en Gran Bretaña. Lo hizo dos veces, con 'It's Over' el 25 de junio de 1964 y 'Oh, Pretty Woman' el 8 de octubre de 1964. La última canción también llegó al número uno en Estados Unidos, lo que hizo que Orbison fuera inmune al dominio actual de las listas de éxitos de los artistas británicos en ambos lados del Atlántico.
1965-1969: decadencia profesional y tragedias
Claudette y Orbison se divorciaron en noviembre de 1964 debido a las infidelidades de ella, pero se reconciliaron 10 meses después. Su contrato con Monument expiraba en junio de 1965. Wesley Rose, en ese momento actuando como agente de Orbison, lo trasladó de Monument Records a MGM Records (aunque en Europa permaneció con Decca's London Records) por $ 1 millones y con el entendimiento de que se expandiría a la televisión y al cine, como había hecho Elvis Presley. Orbison era un entusiasta del cine y, cuando no estaba de gira, escribiendo o grabando, dedicaba tiempo a ver hasta tres películas al día.
Rose también se convirtió en la productora de Orbison. Fred Foster sugirió más tarde que la adquisición de Rose fue responsable del fracaso comercial del trabajo de Orbison en MGM. El ingeniero Bill Porter estuvo de acuerdo en que el mejor trabajo de Orbison solo se podía lograr con el equipo A de RCA Victor en Nashville. La primera colección de Orbison en MGM, un álbum titulado There Is Only One Roy Orbison, vendió menos de 200.000 copias. Con el inicio de la invasión británica en 1964-1965, la dirección de la música popular cambió radicalmente, y la mayoría de los artistas de la generación de Orbison (Roy tenía 28 años en 1964 y, por lo tanto, era demasiado mayor para el rock and roll) fueron expulsados del cartas
Mientras estaba de gira nuevamente en el Reino Unido en 1966, Orbison se rompió el pie al caer de una motocicleta frente a miles de fanáticos que gritaban en una pista de carreras; realizó su espectáculo esa noche en un elenco. Claudette viajó a Gran Bretaña para acompañar a Roy durante el resto de la gira. Ahora se hizo público que la pareja se había vuelto a casar felizmente y volvían a estar juntos (se habían vuelto a casar en diciembre de 1965).
Orbison estaba fascinado con las máquinas. Se sabía que seguía un automóvil que le gustaba y le hacía una oferta al conductor en el acto.
Orbison y Claudette compartían el amor por las motocicletas; ella había crecido rodeada de ellos, pero Roy afirmó que Elvis Presley le había enseñado las motocicletas. El 6 de junio de 1966, cuando Orbison y Claudette volvían a casa desde Bristol, Tennessee, golpeó la puerta de una camioneta que se había detenido frente a ella en South Water Avenue en Gallatin, Tennessee, y murió instantáneamente.
Un Orbison afligido se volcó en su trabajo, colaborando con Bill Dees para escribir música para The Fastest Guitar Alive, una película que MGM había programado para que él también protagonizara. Inicialmente se planeó como un western dramático, pero se reescribió como una comedia. El personaje de Orbison era un espía que robó y tuvo que proteger y entregar un alijo de oro al Ejército Confederado durante la Guerra Civil Estadounidense y se le suministró una guitarra que se convirtió en un rifle. La utilería le permitió pronunciar la línea, "Podría matarte con esto y tocar tu marcha fúnebre al mismo tiempo" con, según el biógrafo Colin Escott, "convicción cero". Orbison quedó satisfecho con la película, aunque resultó ser un fracaso de crítica y taquilla. Si bien MGM había incluido cinco películas en su contrato, no se hicieron más.
Grabó un disco dedicado a las canciones de Don Gibson y otro de versiones de Hank Williams, pero ambos se vendieron mal. Durante la era de la contracultura, con las listas dominadas por artistas como Jimi Hendrix, Jefferson Airplane, los Rolling Stones y los Doors, Orbison perdió el atractivo general, sin embargo, parecía confiado en que volvería, y luego dijo: "[Yo] no lo hice". No escuché mucho con lo que me pudiera relacionar, así que me quedé allí como un árbol donde soplan los vientos y cambian las estaciones, y tú todavía estás allí y floreces de nuevo.
Durante una gira por Gran Bretaña y tocando en Birmingham el sábado 14 de septiembre de 1968, recibió la noticia de que su casa en Hendersonville, Tennessee, se había incendiado y sus dos hijos mayores habían muerto. Los bomberos indicaron que la causa del incendio pudo haber sido una lata de aerosol, que posiblemente contenía laca. La propiedad fue vendida a Johnny Cash, quien demolió el edificio y plantó un huerto en él. El 25 de marzo de 1969, Orbison se casó con la alemana Barbara Jakobs, a quien había conocido varias semanas antes que sus hijos. fallecidos. Wesley (nacido en 1965), su hijo menor con Claudette, fue criado por los padres de Orbison. Orbison y Barbara tuvieron un hijo (Roy Kelton) en 1970 y otro (Alexander) en 1975.
1970: Luchas
Orbison continuó grabando álbumes en la década de 1970, pero ninguno de ellos se vendió bien. Para 1976, había pasado una década entera sin que un álbum alcanzara las listas de éxitos. Tampoco logró producir ningún sencillo popular, excepto algunos en Australia. Su fortuna se hundió tanto que comenzó a dudar de su propio talento, y varios de sus álbumes de la década de 1970 no se lanzaron internacionalmente debido a las bajas ventas en Estados Unidos. Dejó MGM Records en 1973 y firmó un contrato de un álbum con Mercury Records. Peter Lehman observó que la ausencia de Orbison era parte del misterio de su personalidad: “Dado que nunca estaba claro de dónde venía, nadie parecía prestar mucha atención a dónde había ido; simplemente se había ido." Sin embargo, su influencia fue evidente cuando varios artistas lanzaron versiones populares de sus canciones. La versión de Orbison de 'Love Hurts' fue rehecho por Gram Parsons y Emmylou Harris, nuevamente por la banda de hard rock Nazareth y por Jim Capaldi. Sonny James' versión de "Only the Lonely" alcanzó el número uno en las listas de música country. Bruce Springsteen terminó sus conciertos con canciones de Orbison, y Glen Campbell tuvo un éxito menor con una nueva versión de 'Dream Baby'.
Una compilación de los grandes éxitos de Orbison alcanzó el número uno en el Reino Unido en enero de 1976, y Orbison comenzó a abrir conciertos para los Eagles ese año, quienes comenzaron como la banda de respaldo de Linda Ronstadt. La propia Ronstadt hizo una versión de 'Blue Bayou' en 1977, su versión alcanzó el número tres en las listas Billboard y permaneció en las listas durante 24 semanas. Orbison le dio crédito a esta portada en particular por revivir su memoria en la mente popular, si no su carrera. Volvió a firmar con Monument en 1976 y grabó Regeneration con Fred Foster, pero no tuvo más éxito que antes.
A finales de 1977, Orbison no se sentía bien y decidió pasar el invierno en Hawái. Se registró en un hospital allí donde las pruebas descubrieron que tenía las arterias coronarias gravemente obstruidas. Se sometió a un triple bypass coronario el 18 de enero de 1978. Sufría de úlceras duodenales desde 1960 y fumaba mucho desde la adolescencia.
1980–1988: renacimiento de la carrera
En 1980, Don McLean grabó "Crying" y llegó a la cima de las listas, primero en los Países Bajos, luego alcanzó el número cinco en los EE. UU. y permaneció en las listas durante 15 semanas; fue número uno en el Reino Unido durante tres semanas y también encabezó las listas irlandesas. En 1981 interpretó "Pretty Woman" en un episodio de Los duques de Hazzard. Orbison fue casi olvidado en los EE. UU., sin embargo, alcanzó popularidad en lugares menos probables como Bulgaria en 1982. Se sorprendió al descubrir que era tan popular allí como lo había sido en 1964, y se vio obligado a permanecer en su hotel. habitación porque fue asaltado en las calles de Sofía. En 1981, él y Emmylou Harris ganaron un premio Grammy por su dueto 'That Lovin'. te sientes De nuevo" de la película de comedia Roadie (en la que Orbison también hizo un cameo), y las cosas iban mejorando. Era el primer Grammy de Orbison, y tenía la esperanza de hacer un regreso completo a la música popular. Mientras tanto, Van Halen lanzó una versión de rock duro de 'Oh, Pretty Woman'. en su álbum de 1982 Diver Down, exponiendo aún más a una generación más joven a la música de Orbison.
Se ha alegado que Orbison originalmente rechazó la solicitud de David Lynch de permitir el uso de 'In Dreams'. para la película Blue Velvet (1986), aunque Lynch ha declarado lo contrario que él y sus productores obtuvieron permiso para usar la canción sin hablar con Orbison en primer lugar. La primera elección de Lynch para una canción en realidad había sido 'Crying'; la canción sirvió como una de varias obsesiones de un personaje psicópata llamado Frank Booth (interpretado por Dennis Hopper). Fue sincronizado con los labios por un traficante de drogas afeminado interpretado por Dean Stockwell, después de lo cual Booth exigió que la canción se reprodujera una y otra vez, una vez golpeando al protagonista mientras sonaba la canción. Durante la filmación, Lynch pidió que la canción se reprodujera repetidamente para darle al set una atmósfera surrealista. Orbison inicialmente se sorprendió por su uso: vio la película en un cine en Malibú y luego dijo: "Estaba mortificado porque estaban hablando del 'payaso de color caramelo'". en relación con un negocio de drogas... Pensé, '¿Qué diablos...?' Pero más tarde, cuando estaba de gira, sacamos el video y realmente aprecié lo que David le dio a la canción y lo que la canción le dio a la película: cómo logró esta calidad de otro mundo que agregó una dimensión completamente nueva a &# 39;En sueños'."
En 1987, Orbison lanzó un álbum de éxitos regrabados titulado In Dreams: The Greatest Hits. "Life Fades Away", una canción que coescribió con su amigo Glenn Danzig y grabó, apareció en la película Less than Zero (1987). Él y k.d. lang interpretó un dueto de "Crying" por su inclusión en la banda sonora de la película Hiding Out (1987); la pareja recibió un premio Grammy a la mejor colaboración country con voces después de la muerte de Orbison.
También en 1987, Orbison fue incluido en el Salón de la Fama de los Compositores de Nashville y fue iniciado en el Salón de la Fama del Rock and Roll por Bruce Springsteen, quien concluyó su discurso con una referencia a su propio álbum Born to Run< /i>: "Quería un disco con palabras como Bob Dylan que sonara como Phil Spector, pero, sobre todo, quería cantar como Roy Orbison. Ahora, todo el mundo sabe que nadie canta como Roy Orbison." En respuesta, Orbison le pidió a Springsteen una copia del discurso y dijo sobre su inducción que se sentía 'validado'; por el honor.
Unos meses después, Orbison y Springsteen se juntaron nuevamente para filmar un concierto en el club nocturno Cocoanut Grove en Los Ángeles. A ellos se unieron Jackson Browne, T Bone Burnett, Elvis Costello, Tom Waits, Bonnie Raitt, Jennifer Warnes, James Burton y k.d. idioma Más tarde, Lang contó lo honrado que se había sentido Orbison por la muestra de apoyo de tantos músicos talentosos y ocupados: "Roy nos miró a todos y dijo: 'Si hay algo que pueda hacer por ustedes, por favor". llámame ". Estaba muy serio. Era su forma de agradecernos. Fue muy emotivo." El concierto fue filmado en una sola toma y transmitido por Cinemax bajo el título Roy Orbison and Friends: A Black and White Night; Virgin Records lo lanzó en video y vendió 50.000 copias.
También fue en 1988 cuando Orbison comenzó a colaborar seriamente con el líder de la banda de Electric Light Orchestra, Jeff Lynne, en un nuevo álbum. Lynne acababa de completar el trabajo de producción del álbum Cloud Nine de George Harrison, y los tres almorzaron juntos un día cuando Orbison aceptó una invitación para cantar en el nuevo sencillo de Harrison. Posteriormente contactaron a Bob Dylan, quien, a su vez, les permitió usar un estudio de grabación en su casa. En el camino, Harrison hizo una visita rápida a la residencia de Tom Petty para obtener su guitarra; Petty y su banda habían apoyado a Dylan en su última gira. Esa noche, el grupo había escrito "Handle with Care", lo que llevó al concepto de grabar un álbum completo. Se llamaban a sí mismos los Travelling Wilburys y se presentaban a sí mismos como medios hermanos del mismo padre. Se dieron nombres artísticos; Orbison eligió el suyo de su héroe musical, llamándose a sí mismo "Lefty Wilbury" después de Lefty Frizzell. Ampliando el concepto de una banda itinerante de músicos estridentes, Orbison ofreció una cita sobre la fundación del grupo en honor: "Algunas personas dicen que papá era un canalla y un salteador". Lo recuerdo como un ministro bautista."
Lynne luego habló de las sesiones de grabación: "Todo el mundo se sentó y dijo: '¡Vaya, es Roy Orbison!'... A pesar de que se ha convertido en tu amigo y estás pasando el rato y riendo y yendo a cenar, tan pronto como él se pone detrás de ese [micrófono] y está haciendo su negocio, de repente es hora de estremecerse." El álbum debut de la banda, Traveling Wilburys Vol. 1 (1988), fue lanzado el 25 de octubre de 1988. A Orbison se le dio una pista en solitario, "Not Alone Any More", en el álbum. Sus contribuciones fueron muy elogiadas por la prensa.
Orbison persiguió con determinación su segunda oportunidad de alcanzar el estrellato, pero expresó su asombro por su éxito: "Es muy agradable que te quieran de nuevo, pero todavía no puedo creerlo". 34; Perdió algo de peso para adaptarse a su nueva imagen y la demanda constante de hacer giras, así como las demandas más nuevas de hacer videos. En los últimos tres meses de su vida, le dio a la revista Rolling Stone amplio acceso a sus actividades diarias; tenía la intención de escribir una autobiografía y quería que Martin Sheen lo interpretara en una película biográfica.
Orbison completó un álbum en solitario, Mystery Girl, en noviembre de 1988. Mystery Girl fue coproducido por Jeff Lynne. Orbison consideró a Lynne como la mejor productora con la que había colaborado. Elvis Costello, el hijo de Orbison, Wesley, y otros le ofrecieron sus canciones.
Alrededor de noviembre de 1988, Orbison le confió a Johnny Cash que tenía dolores en el pecho. Fue a Europa, recibió un premio allí y tocó en un espectáculo en Amberes, donde las imágenes del video de "You Got It" fue rodada. Dio varias entrevistas al día en un horario agitado. Unos días después, a un gerente de un club en Boston le preocupaba que pareciera enfermo, pero Orbison tocó el espectáculo con una ovación de pie.
Muerte y secuelas
Muerte
Orbison actuó en el Front Row Theatre en Highland Heights, Ohio, el 4 de diciembre de 1988. Agotado, regresó a su casa en Hendersonville para descansar varios días antes de volar nuevamente a Londres para filmar dos videos más para los Traveling Wilburys. El 6 de diciembre de 1988, pasó el día volando modelos de aviones con su conductor de autobús y amigo Benny Birchfield y cenó en la casa de Birchfield en Hendersonville (Birchfield estaba casado con la estrella del country Jean Shepard). Más tarde ese día, Orbison murió de un infarto a la edad de 52 años, en la casa de su madre.
Se llevó a cabo un memorial para Orbison en Nashville y otro en Los Ángeles. Fue enterrado en el cementerio Westwood Village Memorial Park en una tumba sin nombre.
Consecuencias
Mystery Girl fue lanzado por Virgin Records el 31 de enero de 1989. El mayor éxito de Mystery Girl fue "You Got It", escrito con Lynne y Tom Petty. "Lo tienes" subió al número 9 en los EE. UU. y al número 3 en el Reino Unido. La canción le valió a Orbison una nominación póstuma al premio Grammy. Según Rolling Stone, "Mystery Girl oculta el alcance épico y la grandeza de su sonido clásico en una producción moderna y meticulosa: el álbum resume todo lo que hizo grande a Orbison, y por esa razón hace un adecuada despedida".
Viajando Wilburys vol. 1 pasó 53 semanas en las listas estadounidenses, alcanzando el puesto número tres. Alcanzó el número 1 en Australia y el número 16 en el Reino Unido. El álbum ganó un Grammy a la mejor interpretación de rock de un dúo o grupo. Rolling Stone lo incluyó en el top 100 de álbumes de la década.
El 8 de abril de 1989, Orbison se convirtió en el primer músico fallecido desde Elvis Presley en tener dos álbumes en el Top Five de EE. UU. al mismo tiempo, con Traveling Wilburys Vol. 1 en el número 4 y su propia Mystery Girl en el número 5. En el Reino Unido, logró un éxito póstumo aún mayor, con dos álbumes en solitario en el Top 3 el 11 de febrero de 1989 (Mystery Girl fue el número 2 y la compilación The Legendary Roy Orbison fue el número 3).
Aunque el video de Traveling Wilburys' "Manéjese con cuidado" fue filmado con Orbison, el video de "End of the Line" fue filmado y lanzado póstumamente. Durante las partes solistas vocales de Orbison en 'End of the Line', el video muestra la guitarra de Orbison en una mecedora junto a la foto enmarcada de Orbison.
El 20 de octubre de 1992, se lanzó King of Hearts, otro álbum de canciones de Orbison.
En 2014, una demostración de "The Way Is Love" de Orbison fue lanzado como parte de la edición de lujo del 25 aniversario de Mystery Girl. La canción se grabó originalmente en un reproductor de casetes estéreo alrededor de 1986. Los hijos de Orbison contribuyeron con la instrumentación en la pista junto con la voz de Orbison; fue producido por John Carter Cash.
Estilo y legado
"[Roy Orbison] era el verdadero maestro del apocalipsis romántico que temías y sabías que iba a venir después de la primera noche que susurraste 'I Love You' a tu primera novia. Estabas bajando. Roy era el peor perdedor que habías visto. Con sus gafas negras Coke-bottle, su gama de tres octavas, parecía tomar alegría pegando su cuchillo en el vientre caliente de sus inseguridades adolescentes."
—Bruce Springsteen, 2012 SXSW Discurso de apertura
El rock and roll de la década de 1950 se definía por un ritmo de fondo potente, guitarras pesadas y temas líricos que glorificaban la rebelión juvenil. Pocas de las grabaciones de Orbison tienen estas características. La estructura y los temas de sus canciones desafiaron las convenciones, y su muy elogiada voz y estilo de interpretación no se parecían a ningún otro en el rock and roll. Muchos de sus contemporáneos compararon su música con la de músicos de formación clásica, aunque nunca mencionó ninguna influencia de la música clásica. Peter Lehman lo resumió, escribiendo: "Logró lo que hizo no copiando música clásica sino creando una forma única de música popular que se basó en una amplia variedad de música popular durante su juventud". Orbison era conocido como "el Caruso del Rock" y "el Gran O".
Roys Boys LLC, una empresa con sede en Nashville fundada por los hijos de Orbison para administrar el catálogo de su padre y salvaguardar su legado, anunció el lanzamiento el 16 de noviembre de 2018 de Unchained Melodies: Roy Orbison con el álbum Royal Philharmonic Orchestra, así como una gira de Roy Orbison Hologram en otoño de 2018 llamada In Dreams: Roy Orbison in Concert.
Composición
Estructuras
El crítico musical Dave Marsh escribió que las composiciones de Orbison "definen un mundo en sí mismos más completamente que cualquier otro cuerpo de trabajo en la música pop". La música de Orbison, como el hombre mismo, ha sido descrita como atemporal, que se desvía del rock and roll contemporáneo y bordea lo excéntrico, a punto de ser extraño. Peter Watrous, que escribe para el New York Times, declaró en una reseña de un concierto: "Ha perfeccionado una extraña visión de la música popular, una en la que la excentricidad y la imaginación hacen retroceder todas las presiones hacia la conformidad". #34;.
En la década de 1960, Orbison se negó a unir ediciones de canciones e insistió en grabarlas en una sola toma con todos los instrumentos y cantantes juntos. La única convención que siguió Orbison en sus canciones más populares es el límite de tiempo para la tarifa de radio en las canciones pop. De lo contrario, cada uno parece seguir una estructura separada. Usando la forma estándar de 32 compases para versos y coros, las canciones pop normales siguieron la estructura verso-coro-verso-coro-puente-verso-coro. Donde A representa el verso, B representa el coro y C el puente, la mayoría de las canciones pop se pueden representar con A-B-A-B-C-A-B, como "Ooby Dooby" y 'Claudette'. 'In Dreams' de Orbison era una canción en siete movimientos que se puede representar como Intro-A-B-C-D-E-F; no se repite ninguna sección. Sin embargo, en "Running Scared", la canción completa se repite para generar suspenso hasta el clímax final, que se representará como A-A-A-A-B. "Llorando" es más complejo, cambiando partes hacia el final para ser representado como A-B-C-D-E-F-A-B'-C'-D'-E'-F'. Aunque Orbison grabó y escribió canciones de estructura estándar antes de 'Only the Lonely', afirmó que nunca aprendió a escribirlas:
Estoy seguro de que tuvimos que estudiar la composición o algo así en la escuela, y ellos dirían 'Esta es la forma en que lo haces', y esa es la forma en que lo habría hecho, así que ser bendecido de nuevo con no saber lo que estaba mal o lo que estaba bien, fui a mi manera.... Así que la estructura a veces tiene el coro al final de la canción, y a veces no hay coro, sólo va... Pero eso es siempre después del hecho, como estoy escribiendo, todo suena natural y en secuencia para mí."
—Roy Orbison
El compañero de composición de Elton John y letrista principal, Bernie Taupin, escribió que las canciones de Orbison siempre hacían "giros radicales a la izquierda", y k.d. lang declaró que la buena composición de canciones proviene de estar constantemente sorprendido, como la forma en que la totalidad de "Running Scared" eventualmente depende de la nota final, una palabra. Algunos de los músicos que trabajaron con Orbison estaban confundidos por lo que les pidió que hicieran. El guitarrista de sesión de Nashville, Jerry Kennedy, declaró: "Roy fue contra la corriente". La primera vez que escucharías algo, no sonaría bien. Pero después de algunas reproducciones, comenzaría a crecer en ti."
Temas
El crítico Dave Marsh clasifica las baladas de Orbison en temas que reflejan el dolor, la pérdida y los sueños. Una tercera categoría son sus canciones uptempo rockabilly como "Go! ¡Vamos! ¡Vamos!" y 'Mean Woman Blues' que son más temáticamente simples, abordando sus sentimientos e intenciones en una jactancia masculina. En concierto, Orbison colocó las canciones uptempo entre las baladas para evitar ser demasiado oscuras o sombrías.
En 1990, Colin Escott escribió una introducción a la biografía de Orbison publicada en una caja de CD: "Orbison fue el maestro de la compresión". Trabajando en la era de los solteros, podía contar una historia corta o establecer un estado de ánimo en menos de tres minutos. Si crees que es fácil, pruébalo. Sus mejores grabaciones fueron sencillamente perfectas; ni una palabra o nota que exceda la intención." Después de asistir a un espectáculo en 1988, Peter Watrous de The New York Times escribió que las canciones de Orbison son "piezas claustrofóbicamente íntimas de ensueño". El crítico musical Ken Emerson escribe que el "romanticismo apocalíptico" La música de Orbison estaba bien diseñada para las películas en las que aparecían sus canciones en la década de 1980 porque la música era 'tan exagerada que los sueños se vuelven delirios y autocompasión paranoica'. sorprendente "un nervio posmoderno". El cantante de Led Zeppelin, Robert Plant, prefirió la música estadounidense de R&B en su juventud, pero más allá de los músicos negros, nombró a Elvis y Orbison especialmente como presagio de las emociones que experimentaría: "La conmoción de la combinación de letra y voz fue impresionante".. [Orbison] usó el drama con gran efecto y escribió dramáticamente."
La soledad en las canciones de Orbison por las que se hizo más famoso, la explicó y la minimizó: "No creo que haya estado más solo que nadie". Aunque si creces en el oeste de Texas, hay muchas formas de sentirte solo." Su música ofreció una alternativa a la masculinidad postural que era omnipresente en la música y la cultura. Robin Gibb de los Bee Gees declaró: "Él puso de moda la emoción, que estaba bien hablar y cantar sobre cosas muy emocionales". Que los hombres canten sobre cosas muy emotivas... Antes nadie lo haría." Orbison reconoció esto al recordar la era en la que se hizo popular: 'Cuando salió ['Crying'], no creo que nadie haya aceptado el hecho de que un hombre debe llorar cuando quiere llorar."
Calidad de voz
Lo que separa a Orbison de tantos otros cantantes de potencia multi-octave es que puede golpear las notas más grandes imaginable y todavía sonar indiscutiblemente triste al mismo tiempo. Toda su gimnasia vocal era sólo un medio para un fin poderoso, no una misión para sí mismos. Roy Orbison no sólo cantó bellamente, cantó de corazón roto.
—Stephen Thompson, NPR
Orbison admitió que no creía que su voz fuera utilizada apropiadamente hasta que 'Only the Lonely' en 1960, cuando pudo, según sus palabras, permitir su "florecimiento". Carl Perkins, sin embargo, realizó una gira con Orbison mientras ambos firmaban con Sun Records y recordó un concierto específico en el que Orbison hizo una versión del estándar de Nelson Eddy y Jeanette MacDonald "Indian Love Call", y silenció por completo a la audiencia, en temor. En comparación con los Everly Brothers, que a menudo usaban los mismos músicos de sesión, a Orbison se le atribuye "una intensidad apasionada" que, según The Rolling Stone Illustrated History of Rock and Roll, hizo que "su amor, su vida y, de hecho, el mundo entero [pareciera] estar llegando a su fin, no con un gemido, pero con un hermoso estallido agonizante.
Bruce Springsteen y Billy Joel comentaron sobre la cualidad sobrenatural de la voz de Orbison. Dwight Yoakam afirmó que la voz de Orbison sonaba como "el grito de un ángel que cae de espaldas a través de una ventana abierta". Barry Gibb de The Bee Gees fue más allá al decir que cuando escuchó 'Crying' por primera vez, "Eso fue todo. Para mí esa era la voz de Dios." Elvis Presley dijo que la voz de Orbison era la más grande y distintiva que jamás había escuchado. La música y la voz de Orbison han sido comparadas con la ópera de Bob Dylan, Tom Waits y el compositor Will Jennings, entre otros. Dylan marcó a Orbison como una influencia específica y señaló que no había nada como él en la radio a principios de la década de 1960:
Con Roy, no sabías si estabas escuchando mariachi o ópera. Te mantuvo en los pies. Con él, todo se trataba de grasa y sangre. Sonaba como si estuviera cantando desde una montaña olímpica. [Después de "Ooby Dooby"] ahora estaba cantando sus composiciones en tres o cuatro octavas que te hicieron querer conducir tu coche sobre un acantilado. Cantó como un criminal profesional... Su voz podría tarar un cadáver, siempre dejarte murmurar a ti mismo algo como, "Hombre, no lo creo".
—Bob Dylan
Del mismo modo, a Tim Goodwin, que dirigió la orquesta que apoyó a Orbison en Bulgaria, le dijeron que escuchar la voz de Orbison sería una experiencia singular. Cuando Orbison comenzó con "Crying" y tocó las notas altas, Goodwin dijo: 'Las cuerdas estaban tocando y la banda se había formado y, por supuesto, el vello de la parte de atrás de mi cuello comenzó a erizarse'. Fue una sensación física increíble." El bajista Jerry Scheff, que acompañó a Orbison en su concierto A Black and White Night, escribió sobre él: "Roy Orbison era como un cantante de ópera". Su voz se derritió de su boca a la estratosfera y de regreso. Nunca pareció como si estuviera tratando de cantar, simplemente lo hizo."
Su voz varió de barítono a tenor, y los estudiosos de la música han sugerido que tenía un rango de tres o cuatro octavas.
El miedo escénico severo de Orbison fue particularmente notable en la década de 1970 y principios de la de 1980. Durante las primeras canciones de un concierto, el vibrato de su voz era casi incontrolable, pero luego se volvió más fuerte y más confiable. Esto también sucedió con la edad. Orbison notó que no podía controlar el temblor al final de la tarde y al anochecer, y optó por grabar por la mañana cuando era posible.
Rendimiento
Orbison a menudo excusaba sus actuaciones inmóviles diciendo que sus canciones no permitían secciones instrumentales para poder moverse o bailar en el escenario, aunque canciones como "Mean Woman Blues" ofreció eso. Era consciente de su estilo de interpretación único incluso a principios de la década de 1960 cuando comentó: "No soy una super personalidad, ni dentro ni fuera del escenario". Quiero decir, podrías poner a trabajadores como Chubby Checker o Bobby Rydell en espectáculos de segunda categoría y aún brillarían, pero yo no. Tendría que estar preparado. La gente viene a escuchar mi música, mis canciones. Eso es lo que tengo para darles."
k.d. lang comparó a Orbison con un árbol, con una belleza pasiva pero sólida. Esta imagen de Orbison como inamovible estaba tan asociada con él que fue parodiada por John Belushi en Saturday Night Live, mientras Belushi vestido como Orbison se cae mientras canta 'Oh, Pretty Woman', y continúa tocando mientras sus compañeros de banda lo colocan en posición vertical nuevamente. Sin embargo, Lang cuantificó este estilo diciendo: "Es muy difícil explicar cómo era la energía de Roy porque llenaba una habitación con su energía y presencia, pero no decía ni una palabra". Siendo que él estaba tan conectado a tierra y tan fuerte y tan gentil y tranquilo. Él estaba justo allí."
Orbison atribuyó su propia pasión durante sus actuaciones al período en el que creció en Fort Worth mientras Estados Unidos se movilizaba para la Segunda Guerra Mundial. Sus padres trabajaban en una planta de defensa; su padre sacaba una guitarra por las noches, y sus amigos y parientes que acababan de alistarse en el ejército se reunían para beber y cantar con ganas. Orbison reflexionó más tarde: "Supongo que ese nivel de intensidad me impresionó mucho, porque todavía está ahí". Ese sentido de "hazlo por todo lo que vale la pena y hazlo ahora y hazlo bien". No es por analizarlo demasiado, pero creo que el entusiasmo y el entusiasmo que todos sintieron y retrataron a mi alrededor se ha quedado conmigo todo este tiempo."
Discografía
Honores
Rolling Stone lo colocó en el puesto 37 de su lista de "Mejores artistas de todos los tiempos" y el número 13 en su lista de los '100 mejores cantantes de todos los tiempos'. En 2002, la revista Billboard colocó a Orbison en el puesto 74 entre los 600 mejores artistas de grabación.
- Premios Grammy
- Best Country Performance Duo o Group (1980) ("Eso es lo que te sientes de nuevo", con Emmylou Harris)
- Mejor Palabra hablada o grabación no musica (1986) ("Entrevistas de la clase de '55 sesiones de grabación", con Johnny Cash, Carl Perkins, Jerry Lee Lewis, Sam Phillips, Rick Nelson y Chips Moman)
- Mejor colaboración Vocal País (1988) ("Crying", con k.d. lang)
- Mejor Rock Performance por un Duo o Grupo con Vocal (1989)Viajando Wilburys Volumen Uno, como miembro del Viaje de Wilburys)
- Mejor Pop Vocal Performance, Hombre (1990) ("Oh, Pretty Woman")
- Premio al logro de la vida (1998)
- Rock and Roll Hall of Fame (1987)
- Nashville Songwriters Hall of Fame (1987)
- Escritores de canciones Hall of Fame (1989)
- Star on the Hollywood Walk of Fame (2010)
- Americano Pop Music Hall of Fame (2014)
- Memphis Music Hall of Fame (2017)