Robert Morris (artista)

Robert Morris (9 de febrero de 1931 - 28 de noviembre de 2018) fue un escultor, artista conceptual y escritor estadounidense. Fue considerado uno de los teóricos más destacados del minimalismo junto con Donald Judd, pero también hizo importantes contribuciones al desarrollo del arte escénico, el land art, el movimiento Process Art y el arte de instalación. Morris vivió y trabajó en Nueva York. En 2013, como parte de October Files, MIT Press publicó un volumen sobre Morris, examinando su trabajo e influencia, editado por Julia Bryan-Wilson.

Vida temprana y educación

Nacido en Kansas City, Missouri, hijo de Robert O. Morris y Lora "Pearl" Schrock Morris. Entre 1948 y 1950, Morris estudió ingeniería en la Universidad de Kansas. Luego estudió arte tanto en la Universidad de Kansas como en el Kansas City Art Institute, así como filosofía en Reed College [1]. Interrumpió sus estudios en 1951-52 para servir en el Cuerpo de Ingenieros del Ejército de los Estados Unidos en Arizona y Corea. Se casó con la bailarina Simone Forti en 1955 y luego se divorció en 1962. Después de mudarse a la ciudad de Nueva York en 1959 para estudiar escultura, recibió una maestría en historia del arte en 1963 del Hunter College.

Trabajo

Inicialmente pintor, el trabajo de Morris de la década de 1950 fue influenciado por el expresionismo abstracto y particularmente por Jackson Pollock. Mientras vivía en California, Morris también entró en contacto con el trabajo de La Monte Young, John Cage y Warner Jepson con quienes él y su primera esposa Simone Forti colaboraron. La idea de que la creación artística fuera un registro de una actuación del artista (extraída de las fotografías de Pollock en el trabajo tomadas por Hans Namuth) en el estudio generó un interés por la danza y la coreografía. Durante la década de 1950, Morris' Fomentó su interés por la danza mientras vivía en San Francisco con su esposa, la bailarina y coreógrafa Simone Forti. Morris se mudó a la ciudad de Nueva York en 1960. En 1962 realizó la performance Column en el Living Theatre de Nueva York basada en la exploración de cuerpos en el espacio en la que una columna cuadrada vertical después de unos minutos de el escenario se cae.

En la ciudad de Nueva York, Morris comenzó a explorar el trabajo de Marcel Duchamp, realizando piezas conceptuales como Box with the Sound of its Own Making (1961) y Fountain. (1963). En 1963 realizó una exposición de esculturas Minimal en la Green Gallery de Nueva York sobre la que escribió Donald Judd. Al año siguiente, también en Green Gallery, Morris exhibió un conjunto de formas poliédricas a gran escala construidas con madera contrachapada pintada de gris y 2 x 4. En 1964, Morris ideó y realizó dos célebres performances 21.3 en las que sincroniza los labios con la lectura de un ensayo de Erwin Panofsky y Site con Carolee Schneemann. Morris se matriculó en Hunter College en Nueva York (su tesis de maestría versó sobre el trabajo de Brâncuși) y en 1966 publicó una serie de ensayos influyentes "Notes on Sculpture" en Artforum. Expuso dos Vigas en L en la exposición fundamental de 1966, "Estructuras primarias" en el Museo Judío de Nueva York.

En 1967, Morris creó Steam, una de las primeras piezas de Land Art. A finales de la década de 1960, Morris aparecía en exposiciones de museos en Estados Unidos, pero su trabajo y sus escritos generaron críticas de Clement Greenberg. Su trabajo adquirió mayor escala ocupando la mayor parte del espacio de la galería con series de unidades modulares o montones de tierra y fieltro. Untitled (Pink Felt) (1970), por ejemplo, se compone de docenas de piezas de fieltro industrial rosa cortadas que se han dejado caer al suelo. En 1971, Morris diseñó una exposición para la Tate Gallery que ocupaba toda la galería central de esculturas con rampas y cubos. Publicó una foto de sí mismo vestido con ropa S&M en un anuncio en Artforum, similar a una de Lynda Benglis, con quien Morris había colaborado en varios vídeos.

Creó el Observatorio Robert Morris en los Países Bajos, un "Stonhenge moderno", que identifica los solsticios y los equinoccios. Está en las coordenadas 52°32'58"N 5°33'57"E.

A finales de la década de 1970, Morris pasó al trabajo figurativo, un movimiento que sorprendió a muchos de sus seguidores. Los temas de la obra eran a menudo el miedo a una guerra nuclear.

En 2002, Morris diseñó un conjunto de diecisiete vidrieras de color azul pálido y beige para la catedral medieval de Maguelone, cerca de Montpelier en Francia. Las ventanas, que representan las ondas de un guijarro que cae al agua, fueron producidas por vidrieros de Ateliers Duchemin y colocadas en ventanas románicas restauradas alrededor del edificio de la catedral.

En el momento de su muerte a finales de noviembre de 2018, una exposición de Morris' trabajo reciente "Banners and Curses" estuvo en exhibición en la Galería Leo Castelli en la ciudad de Nueva York. La exposición estuvo abierta hasta el 25 de enero de 2019. Morris asistió a la recepción de la noche de inauguración de la exposición en la galería.

Muerte

Morris murió el 28 de noviembre de 2018 en Kingston, Nueva York, de neumonía a la edad de 87 años. Se había casado con Lucile Michels en 1984. Le sobreviven su esposa Lucile y una hija, Laura Morris.

Libros de artista

• Caballos Hurting, 64 páginas, 23,5 x 16,5 cm. Edición limitada de 1500 copias. Producido y publicado en 2005 por mfc-michèle didier.

Escritura

• Proyecto continuo Alterado Daily: Los escritos de Robert Morris, Libros de Octubre, MIT Prensa [2]
• 'Notas en la escultura [3]

Recepción crítica

En 1974, Robert Morris anunció su exposición en la Galería Castelli con un cartel que lo mostraba con el torso desnudo y vestido con un atuendo sadomasoquista. La crítica Amelia Jones argumentó que el cartel del cuerpo era una declaración sobre la hipermasculinidad y la idea estereotipada de que la masculinidad equivale a la homofobia. A través del cartel, Morris equiparó el poder del arte con el de una fuerza física, específicamente la violencia.

El arte de Robert Morris es fundamentalmente teatral. (...) su teatro es una negación: negación del concepto vanguardista de originalidad, negación de lógica y razón, negación del deseo de asignar significados culturales uniformes a diversos fenómenos; negación de una cosmovisión que desconfia lo desconocido y lo no convencional. (Maurice Berger, Laberintos: Robert Morris, Minimalismo y los años 60, pág. 3.)

En Morris' En su libro, Continuous Project Altered Daily: The Writings of Robert Morris, el artista incluye un proyecto colaborativo con el crítico de arte G. Roger Denson en el que satiriza las críticas a su trabajo publicadas a lo largo de su carrera. hasta principios de los años 1990. El capítulo, titulado "Robert Morris responde a Roger Denson (¿O es un ratón en mi modelo?)", enumera trece preguntas presentadas por Denson, y cada pregunta representa la crítica de Morris; obra escrita por un crítico anónimo diferente en respuesta a una exposición, instalación u obra de arte específica. En lugar de responder las preguntas, Morris ha escrito una narrativa satírica elaborada, cómicamente absurda que en muchos sentidos personifica la "única respuesta posible" a la crítica que se había puesto de moda en la llamada "desaparición de la crítica" que algunos escritores de los años 1980 y 1990 anunciaron tras la "deconstrucción del logocentrismo" postulado por el teórico postestructuralista Jacques Derrida. Como escribió un comentarista, Brian Winkenweder:

"En su respuesta [a las preguntas de Denson], Morris compartimentó diversos aspectos de su obra en nueve alter-egos inteligentemente nombrados, como Body Bob, Major Minimax, Lil Dahlink Felt, Mirror Stagette., Dirt Macher y Ciego. También se apropió del ratón Ignatz, que lanza ladrillos, de la tira cómica Krazy Kat de George Herriman, como floritura retórica para mejorar sus respuestas escritas a las preguntas de Denson.

Winkenweder luego cita la burla a la que Morris se enfrenta. Los críticos son sometidos en su sátira absurda, mientras se arrojan ladrillos a cada una de las preguntas de Denson.

"Oye, ¿qué pasa, Ignatz? Todo el mundo rueda por el suelo y se ríe. Nunca había visto una banda de asesinos tan histérica. ¿Leíste ese ticket sobre nuestro "nuevo tono de autorreferencia irónica"? ¿Y qué? Body Bob le arrojó la I-Box al Mayor, quien luego deformó a Stagette con la pieza de esquina y Blind untó grasa para tazas en el Dirt Macher... espera un minuto, Ignatz. Apuesto a que empezaste este caos arrojándoles ladrillos a todo el mundo... Saca a Body Bob de ese casco alemán inmediatamente... No, no se lo di a Lil Dahlink Felt con el archivo de tarjetas. ¿Cómo pudiste pensar tal cosa, Ignatz? Estás muy hosco hoy. ¿Por qué no hago mi propio boleto?" (Morris, 1993, 307).

Exposiciones

Morris' La primera exposición de pinturas se celebró en 1958 en la Galería Dilexi de San Francisco. Numerosos museos han acogido exposiciones individuales de su obra, entre ellos el Whitney Museum of American Art de Nueva York (1970), el Art Institute of Chicago (1980), el Museum of Contemporary Art de Chicago y el Newport Harbor Art Museum (1986). y la Galería de Arte Corcoran, Washington, D.C. (1990). En 1994, el Museo Solomon R. Guggenheim de Nueva York organizó Robert Morris: The Mind/Body Problem, una importante retrospectiva de la obra del artista, que viajó al Deichtorhallen de Hamburgo y al Musée National d& #39;Arte Moderno en París.

Obras destacadas

• Caja con el sonido de su propia fabricación (1961), Museo de Arte de Seattle
• Untitled (Mirrored Cubes) (1965), Pérez Art Museum Miami
• Trabajo de vapor para Bellingham-II (1974), Western Washington University Public Sculpture Collection, Bellingham, Washington
• Sin título (L-Beams) (1965), Whitney Museum of American Art, Nueva York
• Laberinto, 1982 Gori Collection, Italia

Mercado del arte

Como artista conceptual, Morris en ocasiones retiraba obras de circulación por contrato. Cuando un coleccionista, el arquitecto Philip Johnson, no pagó a Morris por una obra que aparentemente había comprado, el artista redactó un certificado de desautorización que retiraba oficialmente todo contenido estético de su obra, haciéndola inexistente como arte.