Ritmo y blues
Rhythm and blues, frecuentemente abreviado como R&B o R'n'B, es un género de música popular música que se originó en las comunidades afroamericanas en la década de 1940. El término fue utilizado originalmente por compañías discográficas para describir grabaciones comercializadas predominantemente para afroamericanos urbanos, en un momento en que "música urbana, rockera, basada en jazz... [con un] ritmo pesado e insistente" se estaba volviendo más popular. En la música comercial de rhythm and blues típica de las décadas de 1950 a 1970, las bandas generalmente estaban compuestas por piano, una o dos guitarras, bajo, batería, uno o más saxofones y, a veces, coristas. Los temas líricos de R&B a menudo encapsulan la experiencia afroamericana del dolor y la búsqueda de la libertad y la alegría, así como los triunfos y fracasos en términos de relaciones, economía y aspiraciones.
El término "rhythm and blues" ha sufrido una serie de cambios de significado. A principios de la década de 1950, se aplicó con frecuencia a los discos de blues. A partir de mediados de la década de 1950, después de que este estilo de música contribuyera al desarrollo del rock and roll, el término "R&B" se utilizó en un contexto más amplio. Se refería a estilos musicales que se desarrollaron e incorporaron blues eléctrico, así como música gospel y soul.
De 1960 a 1970, varias bandas y grupos británicos, como los Rolling Stones, The Who y The Animals, fueron mencionados y promocionados como bandas de R&B. En la década de 1970, el término "rhythm and blues" había cambiado nuevamente y se usaba como un término general para soul y funk. A fines de la década de 1980, se desarrolló un estilo más nuevo de R&B, que se conoció como "R&B contemporáneo". Combina el ritmo y el blues con elementos del pop, soul, funk, disco, hip hop y música electrónica.
Etimología, definiciones y descripción
Aunque a Jerry Wexler de la revista Billboard se le atribuye haber acuñado el término "rhythm and blues" como término musical en los Estados Unidos en 1948, el término se usó en Billboard ya en 1943. Reemplazó el término "race music", que originalmente provenía de la música negra. comunidad, pero fue considerado ofensivo en el mundo de la posguerra. El término "rhythm and blues" fue utilizado por Billboard en sus listados de listas desde junio de 1949 hasta agosto de 1969, cuando su "Hot Rhythm & Solteros de blues" la tabla pasó a llamarse "Sencillos de soul más vendidos". Antes del "Rhythm and Blues" se instaló el nombre, varias compañías discográficas ya habían comenzado a reemplazar el término "música de carreras" con "serie sepia". 'Ritmo y blues' a menudo se abrevia como R&B o R'n'B.
A principios de la década de 1950, el término "rhythm & azules" se aplicó con frecuencia a los discos de blues. El escritor y productor Robert Palmer definió Rhythm & blues como "un término genérico que se refiere a cualquier música hecha por y para estadounidenses negros". Ha utilizado el término "R&B" como sinónimo de jump blues. Sin embargo, AllMusic lo separa del jump blues debido a las fuertes influencias del gospel del R&B. Lawrence Cohn, autor de Nothing but the Blues, escribe que "rhythm and blues" fue un término genérico inventado por conveniencia de la industria. Según él, el término abarcaba toda la música negra, excepto la música clásica y la música religiosa, a menos que una canción gospel se vendiera lo suficiente como para entrar en las listas de éxitos. Hasta bien entrado el siglo XXI, el término R&B continúa en uso (en algunos contextos) para categorizar la música hecha por músicos negros, a diferencia de los estilos de música hechos por otros músicos.
En la música comercial de rhythm and blues típica de las décadas de 1950 a 1970, las bandas generalmente estaban compuestas por piano, una o dos guitarras, bajo, batería y saxofón. Los arreglos se ensayaron hasta el punto de no hacer ningún esfuerzo y, a veces, fueron acompañados por coristas. Las partes repetitivas simples se entrelazan, creando un impulso y una interacción rítmica que produce texturas suaves, melodiosas y, a menudo, hipnóticas, sin llamar la atención sobre ningún sonido individual. Si bien los cantantes están emocionalmente comprometidos con la letra, a menudo intensamente, se mantienen tranquilos, relajados y en control. Las bandas se vestían de traje, e incluso de uniforme, una práctica asociada a la música popular moderna que los intérpretes de rhythm and blues aspiraban a dominar. Las letras a menudo parecían fatalistas y la música normalmente seguía patrones predecibles de acordes y estructura. Los temas líricos de R&B a menudo encapsulan la experiencia afroamericana del dolor y la búsqueda de la libertad y la alegría, así como los triunfos y fracasos en términos de relaciones, economía y aspiraciones.
Una publicación de la Institución Smithsonian proporcionó este resumen de los orígenes del género en 2016.
"Una música claramente afroamericana a partir de los profundos afluentes de la cultura expresiva afroamericana, es una amalgama de azules de salto, gran oscilación de banda, evangelio, boogie y blues que se desarrolló inicialmente durante un período de treinta años que puentea la era de segregación racial legalmente sancionada, conflictos internacionales y la lucha por los derechos civiles".
La Roca & Roll Hall of Fame define a algunos de los creadores del R&B, incluida la big band de Joe Turner, Tympany Five de Louis Jordan, James Brown y LaVern Baker. De hecho, esta fuente afirma que "Louis Jordan se unió a Turner para sentar las bases del R&B en la década de 1940, cortando un ritmo de swing & obra maestra de blues tras otra". Otros artistas que fueron "piedras angulares del R&B y su transformación en rock & rollo" incluyen a Etta James, Fats Domino, Roy Brown, Little Richard y Ruth Brown. El "doo wop" También se destacaron grupos como The Orioles, The Ravens y The Dominoes.
El término "rock and roll" tenía una fuerte connotación sexual en el jump blues y el R&B, pero cuando el DJ Alan Freed se refirió al rock and roll en la radio convencional a mediados de la década de 1950, "el componente sexual se había reducido lo suficiente como para que simplemente se convirtiera en un tema aceptable". término para bailar".
Historia
Precursores
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La gran migración de estadounidenses negros a los centros industriales urbanos de Chicago, Detroit, la ciudad de Nueva York, Los Ángeles y otros lugares en las décadas de 1920 y 1930 creó un nuevo mercado para el jazz, el blues y géneros musicales relacionados. Estos géneros musicales a menudo eran interpretados por músicos de tiempo completo, ya sea trabajando solos o en pequeños grupos. Los precursores del rythm and blues procedían del jazz y el blues, que coincidieron a finales de los años 20 y 30 a través del trabajo de músicos como los Harlem Hamfats, con su éxito de 1936 'Oh Red', así como Lonnie Johnson, Leroy Carr, Cab Calloway, Count Basie y T-Bone Walker. También hubo un énfasis creciente en la guitarra eléctrica como instrumento principal, así como el piano y el saxofón.
Finales de la década de 1940
El R&B se originó en las comunidades afroamericanas en la década de 1940. En 1948, RCA Victor comercializaba música negra con el nombre de "Blues and Rhythm". En ese año, Louis Jordan dominó las cinco listas principales de las listas de R&B con tres canciones, y dos de las cinco canciones principales se basaron en los ritmos de boogie-woogie que se destacaron durante la década de 1940. La banda de Jordan, The Tympany Five (formada en 1938), estaba formada por él en el saxofón y la voz, junto con músicos en la trompeta, el saxofón tenor, el piano, el bajo y la batería. Lawrence Cohn describió la música como "más valiente que su blues teñido de jazz de la era del boogie". Robert Palmer la describió como "música urbana, rockera, basada en el jazz... [con un] ritmo pesado e insistente". La música de Jordan, junto con la de Big Joe Turner, Roy Brown, Billy Wright y Wynonie Harris, ahora también se conoce como jump blues. Paul Gayten, Roy Brown y otros ya habían tenido éxitos en el estilo que ahora se conoce como rhythm and blues. En 1948, la nueva versión de Wynonie Harris de la grabación de Brown de 1947 'Good Rockin' Esta noche" alcanzó el número dos en las listas, siguiendo al líder de la banda, Sonny Thompson, 'Long Gone'. en el número uno.
En 1949, el término "Rhythm and Blues" (R&B) reemplazó la categoría de Billboard Harlem Hit Parade. También en ese año, "The Huckle-Buck", grabado por el líder de la banda y saxofonista Paul Williams, fue la canción de R&B número uno y permaneció en la cima de las listas durante casi todo el año. Escrita por el músico y arreglista Andy Gibson, la canción fue descrita como un "sucio boogie" porque era subido de tono y obsceno. Paul Williams y sus Hucklebuckers' los conciertos eran asuntos sudorosos y desenfrenados que se cerraron en más de una ocasión. Sus letras, de Roy Alfred (quien más tarde coescribió el éxito de 1955 '(The) Rock and Roll Waltz'), eran levemente sugerentes sexualmente, y un adolescente de Filadelfia dijo 'Ese Hucklebuck era un baile muy desagradable". También en 1949, una nueva versión de una canción de blues de la década de 1920, 'Ain't Nobody's Business' fue un éxito número cuatro para Jimmy Witherspoon, y Louis Jordan y los Tympany Five una vez más se ubicaron entre los cinco primeros con 'Saturday Night Fish Fry'. Muchos de estos exitosos discos se publicaron en nuevos sellos discográficos independientes, como Savoy (fundado en 1942), King (fundado en 1943), Imperial (fundado en 1945), Specialty (fundado en 1946), Chess (fundado en 1947) y Atlantic (fundado en 1948).).
Influencia rítmica afrocubana
La música afroamericana comenzó a incorporar motivos rítmicos afrocubanos en el siglo XIX con la popularidad de la contradanza cubana (conocida fuera de Cuba como la habanera). El ritmo de habaneras se puede pensar como una combinación de tresillo y contratiempo.
Durante más de un cuarto de siglo en que se fueron gestando y desarrollando el cakewalk, el ragtime y el proto-jazz, el género cubano habanera ejerció una presencia constante en la música popular afroamericana. El pionero del jazz, Jelly Roll Morton, consideró que el ritmo del tresillo/habanera (al que llamó tinte español) era un ingrediente esencial del jazz. Hay ejemplos de ritmos parecidos al tresillo en algunas músicas folclóricas afroamericanas, como los patrones de aplausos y pisotones en los gritos, la música de tambores y pífanos posterior a la Guerra Civil y la música de segunda línea de Nueva Orleans. Wynton Marsalis considera que el tresillo es el 'clave' de Nueva Orleans (aunque técnicamente, el patrón es solo media clave). Tresillo es la célula rítmica de doble pulso más básica en las tradiciones musicales del África subsahariana, y su uso en la música afroamericana es uno de los ejemplos más claros de retención rítmica africana en los Estados Unidos. El uso del tresillo fue continuamente reforzado por las sucesivas oleadas de música cubana, que fueron adoptadas en la cultura popular norteamericana. En 1940, Bob Zurke lanzó 'Rhumboogie', un boogie-woogie con una línea de bajo de tresillo y letras que declaran con orgullo la adopción del ritmo cubano:
Harlem tiene un nuevo ritmo, hombre está quemando los pisos de baile porque está tan caliente! Tomaron un poco de ritmo rhumba y agregaron boogie-woogie y ahora miran lo que tienen! Rhumboogie, es la nueva creación de Harlem con la sincopación cubana, ¡es el asesino! Sólo planta tus dos pies a cada lado. Deja que tus caderas y tu hombro se gliden. Entonces tira tu cuerpo de vuelta y cabalga. No hay nada como rhumbaoogie, rhumboogie, boogie-woogie. En Harlem o La Habana, puedes besar a la vieja Savannah. ¡Es un asesino!
Aunque se originó en la metrópolis en la desembocadura del río Mississippi, el blues de Nueva Orleans, con sus rasgos rítmicos afrocaribeños, es distinto del sonido del blues del delta del Mississippi. A fines de la década de 1940, los músicos de Nueva Orleans se mostraron especialmente receptivos a las influencias cubanas precisamente en el momento en que se estaba formando el R&B. El primer uso del tresillo en R&B ocurrió en Nueva Orleans. Robert Palmer recuerda:
New Orleans productor-bandleader Dave Bartolomé empleó por primera vez esta figura (como un riff de sección de saxofón) en su propio disco de 1949 "Country Boy" y posteriormente ayudó a convertirla en el patrón rítmico más usado en el rollo de rock 'n' de 1950. En numerosas grabaciones de Fats Domino, Little Richard y otros, Bartholomew asignó este patrón repetido de tres notas no sólo al bajo de cuerda, sino también a las guitarras eléctricas e incluso el saxo de baritone, haciendo para un fondo muy pesado. Recuerda primero escuchar la figura – como patrón de bajo en un disco cubano.
En una entrevista de 1988 con Palmer, Bartholomew (quien tuvo la primera banda de estudio de R&B), reveló cómo superpuso inicialmente el tresillo al ritmo de swing:
Oí el bajo jugando esa parte en un disco 'rumba'. En 'Country Boy' tuve mi bajo y tambores tocando un ritmo swing derecho y escribí esa parte de bajo 'rumba' para que los saxos jugaran encima del ritmo swing. Más tarde, especialmente después de que el rock 'n' rodar llegara, hice la parte bajo 'rumba' más pesado y pesado. Tendría el bajo de cuerda, una guitarra eléctrica y un barítono al unísono.
Bartolomé se refirió al son cubano con el nombre inapropiado de rumba, práctica común de la época. El 'Blue Monday' de Fats Domino, producido por Bartholomew, es otro ejemplo de este uso ya clásico del tresillo en el R&B. 'Oh Cubanas' de Bartholomew de 1949 basada en el tresillo es un intento de mezclar música afroamericana y afrocubana. La palabra mambo, más grande que cualquier otro texto, se coloca de forma destacada en la etiqueta del disco. En su composición "Misery", el pianista de Nueva Orleans, el profesor Longhair, toca una figura parecida a una habanera en su mano izquierda. El hábil uso de trillizos es una característica del estilo Longhair.
Gerhard Kubik señala que, con la excepción de Nueva Orleans, el blues primitivo carecía de polirritmias complejas, y había una "ausencia muy específica de patrones de línea de tiempo asimétricos (patrones clave) en prácticamente todos los países africanos de principios del siglo XX". Música estadounidense ... solo en algunos géneros de Nueva Orleans aparece ocasionalmente un indicio de patrones de línea de tiempo simples en forma de los llamados 'stomp' patrones o coro de tiempo de parada. Estos no funcionan de la misma manera que las líneas de tiempo africanas." A fines de la década de 1940, esto cambió un poco cuando la estructura de la línea de tiempo de dos celdas entró en el blues. Músicos de Nueva Orleans como Bartholomew y Longhair incorporaron instrumentos cubanos, así como el patrón de clave y figuras de dos celdas relacionadas en canciones como "Carnival Day", (Bartholomew 1949) y "Mardi Gras In Nueva Orleans" (Pelo largo 1949). Si bien algunos de estos primeros experimentos fueron fusiones incómodas, los elementos afrocubanos finalmente se integraron completamente en el sonido de Nueva Orleans.
Robert Palmer informa que, en la década de 1940, el profesor Longhair escuchó y tocó con músicos de las islas y "cayó bajo el hechizo de los discos de mambo de Pérez Prado". Estaba especialmente enamorado de la música afrocubana. Michael Campbell afirma: "La influencia del profesor Longhair fue ... de gran alcance. En varias de sus primeras grabaciones, el Profesor Longhair mezcló ritmos afrocubanos con el rhythm and blues. La más explícita es 'Longhair's Blues Rhumba,' donde superpone un blues sencillo con un ritmo de clave." El estilo particular de Longhair era conocido localmente como rumba-boogie. En su "Mardi Gras in New Orleans", el pianista emplea el motivo onbeat/offbeat de 2-3 claves en un "guajeo" de rumba boogie.
La sensación de subdivisión sincopada pero directa de la música cubana (a diferencia de las subdivisiones oscilantes) echó raíces en el R&B de Nueva Orleans durante este tiempo. Alexander Stewart afirma que el sentimiento popular se transmitió de "Nueva Orleans, a través de la música de James Brown, a la música popular de la década de 1970" añadiendo: "El singular estilo de ritmo & El blues que surgió en Nueva Orleans en los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial jugó un papel importante en el desarrollo del funk. En un desarrollo relacionado, los ritmos subyacentes de la música popular estadounidense experimentaron una transición básica, aunque generalmente no reconocida, de tresillo o sensación aleatoria a corcheas uniformes o rectas. Con respecto a los diversos motivos funk, Stewart afirma que este modelo "... es diferente de una línea de tiempo (como la clave y el tresillo) en que no es una patrón, pero más de un principio de organización flexible."
Johnny Otis lanzó el mambo de R&B "Mambo Boogie" en enero de 1951, con congas, maracas, claves y mambo saxofón guajeos en una progresión de blues. Ike Turner grabó "Cubano Jump" (1954) un instrumento de guitarra eléctrica, que se construye alrededor de varias figuras de 2-3 claves, adoptadas del mambo. Los Hawkett, en "Mardi Gras Mambo" (1955) (con la voz de un joven Art Neville), hacen una clara referencia a Pérez Prado en el uso de su marca "Unhh!" en el descanso después de la introducción.
Ned Sublette afirma: "Los gatos del blues eléctrico conocían muy bien la música latina, y definitivamente existía el rumba blues; puedes escuchar Muddy Waters y Howlin' Lobo jugando." También cita a Otis Rush, Ike Turner y Ray Charles, como artistas de R&B que emplearon este sentimiento.
El uso de la clave en el R&B coincidió con el dominio creciente del backbeat y la creciente popularidad de la música cubana en los EE. UU. En cierto sentido, la clave se puede destilar hasta tresillo (tres caras) respondida por el backbeat (dos lados).
El "golpe de Bo Diddley" (1955) es quizás la primera verdadera fusión de 3-2 clave y R&B/rock 'n'. rollo. Bo Diddley ha dado diferentes versiones de los orígenes del riff. Sublette afirma: "En el contexto de la época, y especialmente esas maracas [escuchadas en el disco], 'Bo Diddley' debe entenderse como un disco con tintes latinos. Un corte rechazado grabado en la misma sesión se tituló solo 'Rhumba' en las hojas de pista." 'Willie and the Hand Jive' de Johnny Otis (1958) es otro ejemplo de esta exitosa combinación de 3–2 claves y R&B. Otis usó los instrumentos cubanos claves y maracas en la canción.
La música afrocubana fue el conducto por el cual la música afroamericana se "re-africanizó", a través de la adopción de figuras bicelulares como la clave e instrumentos afrocubanos como la conga, bongos, maracas. y claves. Según John Storm Roberts, el R&B se convirtió en el vehículo para el regreso de los elementos cubanos a la música popular de masas. Se dice que Ahmet Ertegun, productor de Atlantic Records, dijo que "los ritmos afrocubanos agregaron color y emoción al impulso básico del R&B". Sin embargo, como señala Ned Sublette: “En la década de 1960, con Cuba como objeto de un embargo de los Estados Unidos que aún sigue en vigor, la nación insular había sido olvidada como fuente de música. Cuando la gente empezó a hablar de que el rock and roll tenía una historia, la música cubana había desaparecido de la conciencia norteamericana."
Principios a mediados de la década de 1950
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Al principio, solo los afroamericanos compraban discos de R&B. Según Jerry Wexler de Atlantic Records, las ventas se localizaron en los mercados afroamericanos; no hubo ventas de blancos ni obras de radio de blancos. A principios de la década de 1950, más adolescentes blancos comenzaron a conocer el R&B y comenzaron a comprar la música. Por ejemplo, el 40% de las ventas de 1952 en la tienda de discos Dolphin's of Hollywood, ubicada en un área afroamericana de Los Ángeles, fueron para blancos. Con el tiempo, los adolescentes blancos de todo el país cambiaron su gusto musical por el ritmo y el blues.
Johnny Otis, que había firmado con Savoy Records, con sede en Newark, Nueva Jersey, produjo muchos éxitos de R&B en 1951, incluidos "Double Crossing Blues", "Mitrustin' Blues" y 'Cupid's Boogie', que alcanzaron el número uno ese año. Otis anotó diez éxitos entre los diez primeros ese año. Otros éxitos incluyen "Gee Baby", "Mambo Boogie" y 'All Nite Long'. The Clovers, un quinteto formado por un cuarteto vocal con un guitarrista acompañante, cantó una combinación distintiva de blues y gospel, obtuvo el éxito número cinco del año con 'Don't You Know I Love You'.; en Atlántico. También en julio de 1951, el DJ de Cleveland, Ohio, Alan Freed, inició un programa de radio nocturno llamado "The Moondog Rock Roll House Party" en WJW (850 a. m.). El programa de Freed fue patrocinado por Fred Mintz, cuya tienda de discos de R&B tenía una clientela principalmente afroamericana. Freed comenzó a referirse a la música de rhythm and blues que tocaba como "rock and roll".
En 1951, Little Richard Penniman comenzó a grabar para RCA Records al estilo del jump blues de las estrellas de finales de la década de 1940, Roy Brown y Billy Wright. Sin embargo, no fue hasta que grabó una maqueta en 1954 que llamó la atención de Specialty Records que el mundo comenzaría a escuchar su nuevo uptempo funky rhythm and blues que lo catapultaría a la fama en 1955 y ayudaría a definir el sonido del rock. 39;n' rollo. Siguió una rápida sucesión de éxitos de rhythm and blues, comenzando con "Tutti Frutti" y 'Long Tall Sally', que influiría en artistas como James Brown, Elvis Presley y Otis Redding.
También en 1951, Ike Turner y sus Kings of Rhythm grabaron la canción Rocket 88 en un estudio propiedad de Sam Phillips con la voz de Jackie Brenston. Esta canción a menudo se cita como precursora del rock and roll o como uno de los primeros discos de ese género. Sin embargo, en una entrevista posterior, Ike Turner hizo este comentario: "No creo que 'Rocket 88' es rock 'n' rollo. Creo que 'Rocket 88' es R&B, pero creo que 'Rocket 88' es la causa del rock and roll existente".
Ruth Brown, actuando en el sello Atlantic, colocó éxitos entre los cinco primeros todos los años desde 1951 hasta 1954: "Teardrops from My Eyes", "Five, Ten, Fifteen Hours", "(Mamá) Él trata mal a tu hija" y 'Qué sueño'. 'Shake a Hand' de Faye Adams llegó al número dos en 1952. En 1953, el público comprador de discos de R&B hizo que la grabación original de Willie Mae Thornton de "Hound Dog" de Leiber y Stoller; el hit número tres del año. Ruth Brown fue muy destacada entre las estrellas femeninas de R&B; su popularidad provino muy probablemente de "su entrega vocal profundamente arraigada en la tradición afroamericana" Ese mismo año The Orioles, un grupo de doo-wop, obtuvo el hit número cuatro del año con 'Crying in the Chapel'.
Fats Domino llegó al top 30 de las listas pop en 1952 y 1953, luego al top 10 con 'Ain't That a Shame'. Ray Charles saltó a la fama nacional en 1955 con 'I Got a Woman'. Big Bill Broonzy dijo sobre la música de Charles: "Está mezclando el blues con lo espiritual ... Sé que eso está mal.."
En 1954, los acordes' "Sh-Boom" se convirtió en el primer éxito en cruzar la lista de R&B para llegar al top 10 a principios de año. A finales de año y hasta 1955, 'Hearts of Stone' by the Charms llegó al top 20.
En Chess Records en la primavera de 1955, el disco debut de Bo Diddley 'Bo Diddley'/'I'm a Man' subió al número dos en las listas de R&B y popularizó el ritmo original de Bo Diddley y el vampiro basado en clave de blues que se convertiría en un pilar del rock and roll.
A instancias de Leonard Chess en Chess Records, Chuck Berry reelaboró una melodía de violín country con una larga historia, titulada "Ida Red". El resultado "Maybellene" no solo fue un éxito número tres en las listas de R&B en 1955, sino que también alcanzó el top 30 en las listas de pop. Alan Freed, que se había mudado al mercado mucho más grande de la ciudad de Nueva York en 1954, ayudó a que el disco se volviera popular entre los adolescentes blancos. Chess le había dado a Freed parte del crédito de escritura a cambio de sus actividades promocionales, una práctica común en ese momento.
El R&B también fue una fuerte influencia en el rock and roll. Un artículo de 1985 en el Wall Street Journal titulado "¡Rock! Sigue siendo Rhythm and Blues" dijo que los "dos términos se usaban indistintamente" hasta alrededor de 1957. Las otras fuentes citadas en el artículo decían que el rock and roll combinaba el R&B con el pop y la música country.
Fats Domino no estaba convencido de que hubiera ningún género nuevo. En 1957, dijo, "Lo que llaman rock 'n' rollo ahora es ritmo y blues. Lo he estado jugando durante 15 años en Nueva Orleans. Según Rolling Stone, "esta es una declaración válida... todos los rockeros de los años cincuenta, negros y blancos, nacidos en el campo y criados en la ciudad, fueron influenciados fundamentalmente por el R&B, la música popular negra de finales de los cuarenta y principios de los cincuenta".
Finales de la década de 1950
En 1956, un R&B "Top Stars of '56" tuvo lugar la gira, con los cabezas de cartel Al Hibbler, Frankie Lymon and the Teenagers, y Carl Perkins, cuyo "Blue Suede Shoes" fue muy popular entre los compradores de música R&B. Algunos de los artistas que completaron el cartel fueron Chuck Berry, Cathy Carr, Shirley & Lee, Della Reese, Sam 'T-Bird' Jensen, los Cleftones y los Spaniels con Illinois Jacquet's Big Rockin' Banda de ritmo. Las ciudades visitadas por la gira incluyeron Columbia, Carolina del Sur; Annapolis, Maryland; Pittsburgh, Pennsylvania; Syracuse, Rochester y Buffalo, Nueva York; y otras ciudades. En Columbia, el concierto terminó con un alboroto cercano cuando Perkins comenzó su primera canción como acto de clausura. Se cita a Perkins diciendo: "Era peligroso". Muchos niños se lastimaron. En Annapolis, entre 50.000 y 70.000 personas intentaron asistir a una actuación con entradas agotadas con 8.000 asientos. Las carreteras estuvieron obstruidas durante siete horas. Los cineastas aprovecharon la popularidad del "rhythm and blues" músicos como "rock n roll" músicos a partir de 1956. Little Richard, Chuck Berry, Fats Domino, Big Joe Turner, los Trenier, los Platters y los Flamingos llegaron a la pantalla grande.
Dos discos de Elvis Presley llegaron al top cinco de R&B en 1957: "Jailhouse Rock"/"Treat Me Nice" en el número uno, y "All Shook Up" en el número cinco, una aceptación sin precedentes de un artista no afroamericano en una categoría musical conocida por ser creada por negros. Nat King Cole, también pianista de jazz que tuvo dos éxitos en las listas de éxitos a principios de la década de 1950 ('Mona Lisa' en el número dos en 1950 y 'Too Young' en el número uno en 1951).), tenía un récord entre los cinco primeros en las listas de R&B en 1958, 'Looking Back'/'Do I Like It'.
En 1959, dos sellos discográficos propiedad de negros, uno de los cuales sería un gran éxito, debutaron: Sam Cooke's Sar y Berry Gordy's Motown Records. Brook Benton estuvo en la cima de las listas de éxitos de R&B en 1959 y 1960 con un número uno y dos números dos. Benton tenía una cierta calidez en su voz que atraía a una gran variedad de oyentes, y sus baladas llevaron a comparaciones con intérpretes como Nat King Cole, Frank Sinatra y Tony Bennett. Lloyd Price, que en 1952 alcanzó el número uno con 'Lawdy Miss Clawdy', recuperó el protagonismo con una versión de 'Stagger Lee'. en el número uno y "Personalidad" en el número cinco en 1959.
El líder blanco de la banda Bill Black Combo, Bill Black, que ayudó a iniciar la carrera de Elvis Presley y fue el bajista de Elvis en la década de 1950, era popular entre los oyentes negros. El noventa por ciento de sus ventas de discos fueron de negros, y su 'Smokie, Part 2' (1959) ascendió a la posición número uno en las listas de música negra. Una vez le dijeron que "muchas de esas estaciones todavía piensan que eres un grupo negro porque el sonido se siente funky y negro". Hi Records no presentó imágenes del Combo en los primeros discos.
Décadas de 1960 y 1970
El hit número cinco de Sam Cooke, "Chain Gang" es indicativo del R&B en 1960, al igual que el éxito número cinco del rockero pop Chubby Checker 'The Twist'. A principios de la década de 1960, la categoría de la industria musical anteriormente conocida como rhythm and blues se llamaba música soul, y la música similar de artistas blancos se denominaba blue-eyed soul. Motown Records tuvo su primer sencillo con un millón de ventas en 1960 con Miracles' 'Shop Around', y en 1961, Stax Records tuvo su primer éxito con 'Gee Whiz (Look at His Eyes)' de Carla Thomas. El próximo gran éxito de Stax, The Mar-Keys' instrumental "Anoche" (también lanzado en 1961), introdujo el sonido soul de Memphis más crudo por el que Stax se hizo conocido. En Jamaica, el R&B influyó en el desarrollo del ska. En 1969, la cultura negra y el rhythm and blues alcanzaron otro gran logro cuando los Grammy agregaron la categoría Rhythm and Blues, dándole reconocimiento académico a la categoría.
En la década de 1970, el término "rhythm and blues" se estaba utilizando como un término general para soul, funk y disco.
1980 hasta la actualidad
A fines de la década de 1980 y principios de la de 1990, el hip-hop comenzó a capturar la imaginación de la juventud estadounidense. R&B comenzó a homogeneizarse, con un grupo de productores de alto perfil responsables de la mayoría de los éxitos de R&B. Fue difícil para los artistas de R&B de la época vender su música o incluso hacer que se escuchara su música debido al auge del hip-hop, pero algunos adoptaron un estilo "hip-hop" imagen, se comercializaron como tales y, a menudo, presentaban raperos en sus canciones. En 1990, Billboard reintrodujo el R&B para categorizar toda la música popular negra, excepto el hip-hop. Artistas más nuevos como Usher, R. Kelly, Janet Jackson, TLC, Aaliyah, Destiny's Child, Tevin Campbell y Mary J. Blige disfrutaron del éxito. L.A. Reid, el CEO de LaFace Records, fue responsable de algunos de los mayores éxitos del R&B en la década de 1990 en la forma de Usher, TLC y Toni Braxton. Más tarde, Reid comercializó con éxito Boyz II Men. En 2004, el 80% de las canciones que encabezaron las listas de R&B también estuvieron en la cima del Hot 100. Ese período fue el punto máximo de todos los tiempos para el R&B y el hip hop en el Billboard Hot 100 y en el Top 40 Radio.. Aproximadamente desde 2005 hasta 2013, las ventas de R&B disminuyeron. Sin embargo, desde 2010, el hip-hop ha comenzado a inspirarse en el sonido del R&B, eligiendo adoptar un sonido más suave que incorpora el R&B tradicional con raperos como Drake, quien ha abierto una puerta completamente nueva para el género.. Este sonido ha ganado popularidad y ha creado una gran controversia tanto para el hip-hop como para el R&B en cuanto a cómo identificarlo.
Judíos en el negocio final del rhythm and blues
Según el escritor, ejecutivo de publicaciones musicales y compositor judío Arnold Shaw, durante la década de 1940 en los EE. UU., generalmente había pocas oportunidades para los judíos en el ámbito de las comunicaciones masivas controlado por WASP, pero el negocio de la música era;bien abierto para los judíos como lo fue para los negros". Los judíos desempeñaron un papel clave en el desarrollo y la popularización de la música afroamericana, incluido el rhythm and blues, y el negocio discográfico independiente estaba dominado por jóvenes judíos que promovían los sonidos de la música negra.
Rhythm and blues británico
El ritmo y el blues británico y el blues rock se desarrollaron a principios de la década de 1960, en gran parte como respuesta a las grabaciones de artistas estadounidenses, a menudo traídas por militares afroamericanos estacionados en Gran Bretaña o marineros que visitaban puertos como Londres, Liverpool, Newcastle y Belfast.. Muchas bandas, particularmente en la escena de clubes londinenses en desarrollo, trataron de emular a los artistas negros de rhythm and blues, lo que resultó en un "más crudo" o "más arenoso" sonido que los "grupos de ritmo" más populares. Durante la década de 1960, Geno Washington, Foundations y Equals obtuvieron éxitos pop. Muchos músicos negros británicos ayudaron a formar la escena británica de R&B. Estos incluyeron a Geno Washington, un cantante estadounidense estacionado en Inglaterra con la Fuerza Aérea. Fue invitado a unirse a lo que se convirtió en Geno Washington & la Ram Jam Band del guitarrista Pete Gage en 1965 y disfrutó de los 40 mejores sencillos y dos de los 10 mejores álbumes antes de que la banda se separara en 1969. Otro GI estadounidense, Jimmy James, nacido en Jamaica, se mudó a Londres después de dos éxitos locales número uno en 1960 con The Vagabonds, quienes construyeron una sólida reputación como un acto en vivo. Lanzaron un álbum en vivo y su debut en el estudio, The New Religion, en 1966 y lograron un éxito moderado con algunos sencillos antes de que los Vagabonds originales se separaran en 1970. El músico de blues rock blanco Alexis Korner formó el nuevo jazz rock. banda CCS en 1970. El interés por el blues influiría en los principales músicos de rock británicos, incluidos Eric Clapton, Mick Taylor, Peter Green y John Mayall, los grupos Free y Cream adoptaron un interés en una gama más amplia de estilos de rhythm and blues.
Los Rolling Stones se convirtieron en la segunda banda más popular del Reino Unido (después de The Beatles) y lideraron la "Invasión británica" de las listas de éxitos estadounidenses. Los Rolling Stones hicieron una versión de Bobby Womack & los Valentinos' canción It's All Over Now", lo que les dio su primer número uno en el Reino Unido en 1964. Bajo la influencia del blues y el R&B, bandas como los Rolling Stones, los Yardbirds y los Animals, y más jazz -bandas influenciadas como Graham Bond Organization y Zoot Money, tenían álbumes de soul de ojos azules. Los músicos blancos de R&B populares en el Reino Unido incluyeron a Steve Winwood, Frankie Miller, Scott Walker & los hermanos Walker, los animales de Newcastle, el grupo Spencer Davis y Van Morrison & Ellos de Belfast. Ninguna de estas bandas tocaba exclusivamente rhythm and blues, pero permaneció en el centro de sus primeros álbumes.
Champion Jack Dupree fue un pianista de blues y boogie woogie de Nueva Orleans que realizó una gira por Europa y se instaló allí desde 1960, viviendo en Suiza y Dinamarca, luego en Halifax, Inglaterra en las décadas de 1970 y 1980, antes de establecerse finalmente en Alemania. Desde los años 70 a los 80, Carl Douglas, Hot Chocolate, Delegation, Junior, Central Line, Princess, Jacki Graham, David Grant, Loose Ends, Pasadenas y Soul II Soul obtuvieron éxitos en el pop o Carta de R&B. La música de la subcultura mod británica surgió del rhythm and blues y, más tarde, del soul interpretado por artistas que no estaban disponibles para los pequeños clubes londinenses donde se originó la escena. A finales de la década de 1960, The Who interpretó canciones de R&B estadounidense como el éxito de Motown 'Heat Wave', una canción que reflejaba el estilo de vida moderno de los jóvenes. Muchas de estas bandas disfrutaron del éxito nacional en el Reino Unido, pero les resultó difícil ingresar al mercado musical estadounidense. Las bandas británicas de R&B blanco producían música con un tono muy diferente al de los artistas afroamericanos.
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