Alejandro Scarlatti

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compositor barroco italiano

Pietro Alessandro Gaspare Scarlatti (2 de mayo de 1660 - 22 de octubre de 1725) fue un compositor barroco italiano, conocido especialmente por sus óperas y cantatas de cámara. Se le considera el representante más importante de la escuela de ópera napolitana.

Apodado por sus contemporáneos "el Orfeo italiano", dividió su carrera entre Nápoles y Roma, donde recibió su formación; una parte significativa de sus obras fue compuesta para la ciudad papal. A menudo se le considera el fundador de la escuela napolitana, aunque sólo ha sido su representante más ilustre: su aportación, su originalidad y su influencia fueron fundamentales, además de duraderas, tanto en Italia como en Europa.

Particularmente conocido por sus óperas, llevó a su máximo desarrollo la tradición dramática italiana, iniciada por Monteverdi a principios del siglo XVII y continuada por Cesti, Cavalli, Carissimi, Legrenzi y Stradella, diseñando la forma final de la Da capo aria, imitada en toda Europa. También fue el inventor de la obertura italiana en tres movimientos (que fue de suma importancia en el desarrollo de la sinfonía), de la sonata a cuatro voces (antecesora del cuarteto de cuerda moderno) y de la técnica del desarrollo motívico. Fue un modelo para el teatro musical de su tiempo, como lo evocan las obras italianas de Händel, profundamente influenciado por su música teatral. Ecléctico, Scarlatti también trabajó en todos los demás géneros comunes de su tiempo, desde la sonata al concerto grosso, del motete a la misa, del oratorio a la cantata, siendo este último un género en el que fue un maestro indiscutible.

Fue padre de otros dos compositores, Domenico Scarlatti y Pietro Filippo Scarlatti.

Vida

Retrato de Scarlatti, adolescente

Scarlatti nació en Palermo (o en Trapani), entonces parte del Reino de Sicilia. En general, se dice que fue alumno de Giacomo Carissimi en Roma, y algunos teorizan que tenía alguna conexión con el norte de Italia porque sus primeros trabajos parecen mostrar la influencia de Stradella y Legrenzi. La producción en Roma de su ópera Gli equivoci nel sembiante (1679) le valió el apoyo de la reina Cristina de Suecia (que en ese momento vivía en Roma), y se convirtió en su maestro di a capela. En febrero de 1684 se convirtió en maestro di cappella del virrey de Nápoles, quizás por influencia de su hermana, una cantante de ópera, que podría haber sido la amante de un influyente noble napolitano. Aquí produjo una larga serie de óperas, notables principalmente por su fluidez y expresividad, así como otra música para ocasiones oficiales.

En 1702 Scarlatti abandonó Nápoles y no volvió hasta que la dominación española fue reemplazada por la de los austriacos. En el intervalo disfrutó del patrocinio de Ferdinando de' Medici, para cuyo teatro privado cerca de Florencia compuso óperas, y del Cardenal Ottoboni, quien lo nombró su maestro di cappella, y le consiguió un puesto similar en la Basílica di Santa Maria Maggiore en Roma en 1703.

Después de visitar Venecia y Urbino en 1707, Scarlatti asumió nuevamente sus funciones en Nápoles en 1708 y permaneció allí hasta 1717. Para entonces, Nápoles parece haberse cansado de su música; los romanos, sin embargo, la apreciaron mejor, y fue en el Teatro Capranica de Roma donde produjo algunas de sus mejores óperas (Telemaco, 1718; Marco Attilio Regolò, 1719; La Griselda, 1721), así como algunos nobles ejemplares de música sacra, entre ellos una Messa di Santa Cecilia para coro y orquesta, compuesta en honor de Santa Cecilia para el cardenal Francesco Acquaviva en 1721. Su última obra a gran escala parece haber sido la inacabada Erminia serenata para el matrimonio del príncipe de Stigliano en 1723. Murió en Nápoles en 1725 y está enterrado allí en el Iglesia de Santa María de Montesanto.

La música de Scarlatti

Scarlatti como joven, por Domenico Antonio Vaccaro

La música de Scarlatti forma un vínculo importante entre los primeros estilos vocales barrocos italianos del siglo XVII, con sus centros en Florencia, Venecia y Roma, y la escuela clásica del siglo XVIII. El estilo de Scarlatti, sin embargo, es más que un elemento de transición en la música occidental; como la mayoría de sus colegas de Nápoles, muestra una comprensión casi moderna de la psicología de la modulación y también hace uso frecuente de las longitudes de frase en constante cambio tan típicas de la escuela de Nápoles.

Sus primeras óperas: Gli equivoci nel sembiante 1679; L'honestà negli amori 1680, que contiene la famosa aria "Già il sole dal Gange"; Il Pompeo 1683, que contiene los conocidos aires "O cessate di piagarmi" y "Toglietemi la vita ancor," y otros hasta alrededor de 1685— conservan las cadencias más antiguas en sus recitativos, y una considerable variedad de formas cuidadosamente construidas en sus encantadoras pequeñas arias, acompañadas a veces por el cuarteto de cuerdas, tratadas con cuidadosa elaboración, a veces solo con el continuo. En 1686, había establecido definitivamente la "obertura italiana" (segunda edición de Dal male il bene), y había abandonado el bajo de tierra y el aire de forma binaria en dos estrofas en favor de la forma ternaria o tipo de aire da capo. Sus mejores óperas de este período son La Rosaura (1690, impresa por la Gesellschaft für Musikforschung), y Pirro e Demetrio (1694), en las que aparecen las arias "Le Violette", y "Ben ti sta, traditor".

Desde aproximadamente 1697 en adelante (La caduta del Decemviri), influenciado en parte quizás por el estilo de Giovanni Bononcini y probablemente más por el gusto de la corte virreinal, sus arias de ópera se vuelven más convencionales y comunes en ritmo, mientras que su partitura es apresurada y cruda, pero no exenta de brillantez (L'Eraclea, 1700), los oboes y las trompetas se utilizan con frecuencia, y los violines a menudo tocan al unísono. Las óperas compuestas para Ferdinando de' Los Medici están perdidos; podrían haber dado una idea más favorable de su estilo ya que su correspondencia con el príncipe muestra que fueron compuestos con un sentido de inspiración muy sincero.

Un manuscrito autógrafo de Scarlatti Griselda

Mitridate Eupatore, considerada su obra maestra, compuesta para Venecia en 1707, contiene música muy por delante de todo lo que Scarlatti había escrito para Nápoles, tanto en técnica como en poder intelectual. Las óperas napolitanas posteriores (L'amor volubile e tiranno 1709; La principessa fedele 1710; Tigrane, 1714, &c.) son llamativos y efectivos en lugar de profundamente emocionales; la instrumentación marca un gran avance con respecto a trabajos anteriores, ya que la función principal de acompañar la voz recae en el cuarteto de cuerda, quedando el clavicémbalo reservado exclusivamente para los ruidosos ritornelli instrumentales. En su ópera Teodora (1697) originó el uso del ritornello orquestal.

Su último grupo de óperas, compuesto para Roma, exhibe un sentimiento poético más profundo, un estilo de melodía amplio y digno, un fuerte sentido dramático, especialmente en los recitativos acompañados, un recurso que él mismo había sido el primero en utilizar ya en los primeros años. como 1686 (Olimpia vendicata) y un estilo de orquestación mucho más moderno, apareciendo los cuernos por primera vez, y siendo tratados con un efecto sorprendente.

Toccata 3
Interpretado por Sylvia Kind on a harpsichord of the type made in the early 20th century
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Además de las óperas, oratorios (Agar et Ismaele esiliati, 1684; La Maddalena, 1685; La Giuditta, 1693; Oratorio de Navidad, c. 1705; S. Filippo Neri, 1714; y otros) y serenatas, que exhiben un estilo similar, Scarlatti compuso más de quinientas cantatas de cámara para voz solista. Estos representan el tipo de música de cámara más intelectual de su época, y es de lamentar que se hayan mantenido casi en su totalidad en forma manuscrita, ya que un estudio cuidadoso de ellos es indispensable para cualquiera que desee formarse una idea adecuada de Scarlatti&#39.;s desarrollo.

Las pocas Misas que le quedan (la historia de que compuso doscientas es difícilmente creíble) y la música de iglesia en general son relativamente poco importantes, excepto la gran Misa de Santa Cecilia (1721), que es una de los primeros intentos en el estilo que alcanzó su apogeo en las grandes Misas de Johann Sebastian Bach y Ludwig van Beethoven. Su música instrumental, aunque no sin interés, resulta curiosamente anticuada en comparación con sus obras vocales.

Ópera

Grabaciones