Revolución artística

A lo largo de la historia, las formas de arte han pasado por cambios abruptos periódicos llamados revoluciones artísticas. Los movimientos han llegado a su fin para ser reemplazados por un nuevo movimiento marcadamente diferente en formas llamativas.

Científica y tecnológica

No todas las revoluciones artísticas fueron políticas. En ocasiones, la ciencia y las innovaciones tecnológicas han provocado transformaciones imprevistas en las obras de los artistas. La revolución estilística conocida como impresionismo, de pintores deseosos de capturar con mayor precisión los colores cambiantes de la luz y la sombra, es inseparable de los descubrimientos e inventos de mediados del siglo XIX en los que nació el estilo.

Michel Eugène Chevreul, un químico francés contratado como director de tintes en una tapicería francesa, comenzó a investigar la naturaleza óptica del color para mejorar el color en las telas. Chevreul se dio cuenta de que era el ojo, y no el tinte, el que tenía la mayor influencia en el color y, a partir de esto, revolucionó la teoría del color al captar lo que se denominó la ley del contraste simultáneo: que los colores se influyen mutuamente cuando se yuxtaponen. cada uno imponiendo su propio color complementario sobre el otro. El pintor francés Eugène Delacroix, que había estado experimentando con lo que él llamaba tonos rotos, abrazó el libro de Chevreul, La ley del contraste de color (1839) con sus explicaciones de cómo los colores yuxtapuestos pueden realzar o disminuirse entre sí, y su exploración de todos los colores visibles del espectro. Inspirado por el tratado de Chevreul de 1839, Delacroix transmitió su entusiasmo a los jóvenes artistas que se inspiraron en él. Fue Chevreul quien llevó a los impresionistas a comprender que debían aplicar pinceladas separadas de color puro a un lienzo y permitir que el ojo del espectador las combinara ópticamente.

En esto les ayudaron mucho las innovaciones en la propia pintura al óleo. Desde el Renacimiento, los pintores tenían que moler pigmento, añadir aceite y así crear sus propias pinturas; Estas pinturas que consumen mucho tiempo también se secaron rápidamente, lo que hizo que la pintura de estudio fuera una necesidad para obras grandes y limitaba a los pintores a mezclar uno o dos colores a la vez y rellenar un área completa usando solo ese color antes de que se secara. En 1841, un pintor estadounidense poco conocido llamado John G. Rand inventó una mejora simple sin la cual el movimiento impresionista no podría haber ocurrido: el pequeño tubo de hojalata flexible con tapa removible en el que se podían almacenar las pinturas al óleo. Las pinturas al óleo guardadas en tales tubos permanecieron húmedas, utilizables y portátiles. Por primera vez desde el Renacimiento, los pintores no quedaron atrapados por el tiempo de secado de la pintura al óleo.

Las pinturas en tubos pueden cargarse fácilmente y llevarse al mundo real, para observar directamente el juego de color y luz natural, en sombras y movimiento, para pintar en el momento. La venta de la pintura al óleo en tubos también provocó la llegada de deslumbrantes pigmentos nuevos (amarillo cromo, azul cadmio) inventados por químicos industriales del siglo XIX. Los tubos liberaron a los impresionistas para pintar rápidamente y en un lienzo completo, en lugar de secciones de un solo color cuidadosamente delineadas a la vez; en resumen, dibujar directamente al óleo, corriendo por el lienzo en todos los colores que tuviera a mano y, por lo tanto, inspirando su nombre de "impresionistas" - ya que esas pinceladas rápidas y audaces y toques de colores separados hicieron que los críticos contemporáneos pensaran que sus pinturas eran meras impresiones, no pinturas terminadas, que no debían tener marcas de pincel visibles en absoluto, sin costuras bajo capas de barniz.

Pierre-Auguste Renoir dijo: "Sin los colores en los tubos, no habría Cézanne, Monet, Pissarro ni impresionismo".

Finalmente, las técnicas cuidadosas e hiperrealistas del neoclasicismo francés se consideraban rígidas y sin vida en comparación con la extraordinaria nueva visión del mundo que se vio a través de la nueva invención de la fotografía a mediados de la década de 1850. No se trataba simplemente de que la creciente capacidad de este nuevo invento, en particular del inventor francés Daguerre, hiciera redundante el realismo de la imagen pintada, ya que competía deliberadamente en el diorama de París con pinturas históricas a gran escala. El tema neoclásico, limitado por la tradición académica a leyendas griegas y romanas, batallas históricas e historias bíblicas, parecía opresivamente cliché y limitado a artistas ansiosos por explorar el mundo real frente a sus propios ojos revelado por la cámara: la vida cotidiana, agrupaciones sinceras de gente común que hace cosas simples, el mismo París, paisajes rurales y, más particularmente, el juego de la luz capturada, no la exaltación imaginaria de eventos pasados invisibles. Las primeras fotografías influyeron en el estilo impresionista por su uso de la asimetría, el recorte y, más obviamente, la borrosidad del movimiento, como se captura inadvertidamente en las velocidades muy lentas de la fotografía temprana.

Edgar Degas, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, en el encuadre, el uso del color, la luz y la sombra, el tema, ponen estas innovaciones a trabajar para crear un nuevo lenguaje de belleza visual y significado.

Fingiendo revolución: la CIA y el expresionismo abstracto

Su ruptura inicial con el realismo en una exploración de la luz, el color y la naturaleza de la pintura fue llevada a su conclusión definitiva por los expresionistas abstractos que rompieron con el contenido reconocible de cualquier tipo en obras de forma pura, color y pictórica que surgieron al final de la Segunda Guerra Mundial. Al principio se las consideró obras primitivas e ineptas, como en 'mi hijo de cuatro años podría hacer eso', estas obras fueron mal entendidas y descuidadas hasta que recibieron críticas y el apoyo del auge de los periodistas de arte y los críticos que defendieron su trabajo en la década de 1940. y 50, expresando el poder de tal trabajo en términos estéticos que los propios artistas rara vez usaron, o incluso entendieron. Jackson Pollock, que fue pionero en la pintura salpicada, prescindiendo por completo del pincel, pronto se hizo famoso como el joven enojado en una gran extensión de la revista Life.

De hecho, en un esfuerzo deliberado, secreto y exitoso por separar las revoluciones artísticas de las políticas, expresionistas abstractos como Pollock, Robert Motherwell, Willem de Kooning y Mark Rothko, aunque aparentemente eran artistas difíciles e innovadores, en realidad recibieron apoyo secreto durante veinte años por la Agencia Central de Inteligencia (CIA) en una política de Guerra Fría iniciada en 1947 para demostrar que Estados Unidos podía fomentar más libertad artística que el bloque soviético. "Se reconoció que el expresionismo abstracto era el tipo de arte que hacía que el realismo socialista pareciera aún más estilizado, rígido y confinado de lo que era", dijo el ex asistente social de la CIA Donald Jameson, quien finalmente rompió el silencio sobre este programa en 1995. Irónicamente, el apoyo encubierto de la CIA para estas obras radicales fue necesario porque un intento de utilizar fondos del gobierno para una gira europea de estas obras durante la administración Truman llevó a un alboroto público en la América conservadora de la era McCarthy, con la famosa frase de Truman: "Si eso es arte, soy un hotentote". Por lo tanto, el programa se ocultó bajo la apariencia de fundaciones fabricadas y el apoyo de patrocinadores adinerados que en realidad estaban usando fondos de la CIA, no los suyos propios, para patrocinar exhibiciones itinerantes de expresionistas abstractos estadounidenses en todo el mundo, publicar libros y artículos elogiándolos y para compre y exhiba obras expresionistas abstractas en los principales museos estadounidenses y británicos. Thomas Braden, a cargo de estos programas culturales para la CIA, en los primeros años de la Guerra Fría, anteriormente había sido secretario ejecutivo del Museo de Arte Moderno, la principal institución estadounidense para el arte del siglo XX y los cargos de colusión. entre los dos resonó durante muchos años después de que se reveló este programa, aunque la mayoría de los artistas involucrados no tenían idea de que estaban siendo utilizados de esta manera y se enfurecieron cuando se enteraron.