Pintura coreana

Pintura coreana (coreano: 한국화) incluye pinturas realizadas en Corea o por coreanos en el extranjero en todas las superficies. Las pinturas coreanas más antiguas que se conservan son murales de las tumbas de Goguryeo, de las que sobreviven cantidades considerables; las más antiguas, de hace unos 2.000 años (en su mayoría ahora en Corea del Norte), con escenas variadas que incluyen bailarines, caza y espíritus. Se ha planteado la hipótesis de que la tumba de Takamatsuzuka en Japón, del final del siglo VII del período Goguryeo, tiene pinturas con influencia de Goguryeo, ya sea realizadas por artistas de Goguryeo o japonesas entrenadas por gente de Goguryeo. Dado que muchas influencias llegaron a la península de Corea desde China durante el período de los Tres Reinos. Hasta la dinastía Joseon, las principales influencias provinieron de la pintura china, aunque con paisajes coreanos, rasgos faciales, temas budistas y un énfasis en la observación celeste en consonancia con el rápido desarrollo de la astronomía coreana.

La pintura en el período Goryeo (918-1392) estuvo dominada por pinturas en rollo budistas, adaptando estilos chinos; unos 160 sobreviven de la época. En este período se estableció la escuela o academia real de artistas, la Dohwaseo, con exámenes para artistas y dirigida por burócratas de la corte. Hacia el comienzo del período Joseon (1392-1897), se introdujo la tradición de la pintura con aguada de tinta, en gran parte monocromática, ya establecida desde hacía mucho tiempo en China, y ha seguido siendo una corriente importante en la pintura coreana y japonesa, con la versión local del shan shui de pintura de paisajes de montaña es tan importante como en China.

A partir de entonces, la pintura coreana incluyó diferentes tradiciones, de obras monocromáticas con pincelada negra, a veces realizadas por aficionados, obras profesionales con color, incluidas muchas escenas de género, y pintura de animales, pájaros y flores, y un colorido arte popular llamado minhwa. , así como una tradición continua de rollos devocionales budistas llamados taenghwa, artes rituales, pinturas de tumbas y artes festivas que utilizaban ampliamente el color. Esta distinción a menudo se basaba en clases: los estudiosos, particularmente en el arte confuciano, sentían que se podía ver el color en pinturas monocromáticas dentro de las gradaciones y sentían que el uso real del color toscaba las pinturas y restringía la imaginación. Se consideraba que el arte popular coreano y la pintura de marcos arquitectónicos iluminaban ciertos marcos exteriores de madera, y nuevamente dentro de la tradición de la arquitectura china y las primeras influencias budistas de profusos y ricos halos y colores primarios inspirados en el arte indio.

Los pintores coreanos del período posterior a 1945 han asimilado algunos de los enfoques de Occidente. Ciertos artistas europeos con una técnica de empaste grueso y pinceladas en primer plano captaron primero el interés coreano. Artistas como Gauguin, Monticelli, Van Gogh, Cézanne, Pissarro y Braque han sido muy influyentes, ya que han sido los que más se enseñan en las escuelas de arte, con libros fácilmente disponibles y traducidos al coreano desde temprano. Y de ellos se han extraído las paletas tonales de los artistas coreanos modernos: amarillo ocre, amarillo cadmio, amarillo Nápoles, rojo tierra y siena. Todos pintados de forma espesa, con trazos toscos y, a menudo, mostrando lienzos con mucha textura o papeles gruesos hechos a mano con guijarros.

Temas de género

Los géneros esperados del arte budista que muestran a Buda, o a los monjes budistas, y el arte confuciano de los eruditos en reposo o estudiando en entornos tranquilos, a menudo montañosos, siguen las tendencias artísticas generales del este de Asia. Los colores Nimbus no son necesariamente dorados y pueden ser sugeridos por colores más claros. Los rostros tienden al realismo y muestran humanidad y edad. Las cortinas se hacen con mucho cuidado. El rostro es generalmente bidimensional, el ropaje tridimensional. Como en el arte occidental medieval y renacentista, las cortinas y los rostros suelen ser realizados por dos o tres artistas que se especializan en una habilidad pictórica en particular. La iconografía sigue la iconografía budista.

Los eruditos tienden a usar los tradicionales sombreros de copa u otros sombreros de rango, y túnicas monocromáticas de eruditos. Por lo general, descansan en casas de té cerca de las montañas o en albergues de montaña, o aparecen fotografiados con sus maestros o mentores.

Las escenas de caza, familiares en todo el mundo, se ven a menudo en el arte cortesano coreano y recuerdan las escenas de caza de Mongolia y Persia. Se cazaban jabalíes, ciervos y ciervos, así como tigres siberianos. Los jinetes utilizaban lanzas y mazas con mango de lanza particularmente letales dentro de los cotos de caza después de que los arqueros en el suelo lideraran la provocación inicial de los animales como golpeadores. Los budas tienden a tener rasgos faciales coreanos y se encuentran en posiciones fáciles de descansar.

Categorías

Pinturas taoístas

• Símbolos de longevidad: Fotos de la diez figura de símbolo de longevidad más prominente entre las pinturas folclóricas de esta categoría. Los diez símbolos de longevidad (Shipjangsaengdo), incluyendo el sol, nubes, montañas, agua, bambú, pino, grúa, ciervo, tortuga y el hongo de la inmortalidad son los que a menudo se presentan todos juntos en una sola imagen.

• Tigre: El tigre fue uno de los motivos más populares en la pintura popular de Corea. Probablemente originado por el mítico espíritu guardián del "Tigre Blanco" del este, una característica notable sobre el tigre como aparece en las tradiciones populares de Corea es cómo se retrata raramente como una bestia feroz pero como un animal amistoso y a veces incluso divertido y estúpido.
• El espíritu de montaña y el rey dragón: El popular espíritu de montaña y los motivos del rey dragón tienen sus orígenes en dos figuras famosas de la historia coreana, Dangun y Munmu. Dangun es el legendario progenitor del pueblo coreano que se dice que se ha convertido en un espíritu de montaña. El rey dragón suele ser representado como un animal poderoso volando en medio de las nubes sobre un mar de olas altas.
• Las pinturas chamánicas Naewat-dang se encuentran entre las pinturas chamánicas más antiguas de Corea.

Pinturas budistas

Los templos y ermitas budistas de todo el país son ricos archivos de pinturas populares, que van desde grandes imágenes de iconos para uso ritual hasta ilustraciones de sutras y anécdotas sobre monjes famosos y sus retratos. Estas pinturas de templos se caracterizan por sus composiciones simples y colores brillantes.

Pinturas confucianas

Las pinturas populares en esta categoría incluían diseños de personajes de temas populares de lealtad y piedad filial, imágenes que representan las historias de vida de eruditos de renombre y representaciones de una carpa saltando desde el río para transformarse en un dragón que simboliza la aspiración a un puesto académico distinguido. logros y una carrera exitosa en la burocracia.

Pintura decorativa

La gran mayoría de la pintura popular antigua se utilizaba con fines decorativos. Estas pinturas generalmente repiten motivos populares con técnicas relativamente pobres, pero dan testimonio de la tradición religiosa de la nación que armoniza varias religiones como el chamanismo, el taoísmo, el budismo y el confucianismo.

Pintoras goguryeo

El arte de Goguryeo, conservado en gran parte en pinturas de tumbas, se destaca por el vigor de sus imágenes. Se puede ver arte finamente detallado en las tumbas de Goguryeo y otros murales. Muchas de las obras de arte tienen un estilo de pintura original.

Los murales de las tumbas de Goguryeo datan aproximadamente del año 500 d.C. durante el período Goguryeo, del 37 a.C. al 668 d.C. Estos magníficos murales, todavía de colores intensos, muestran la vida cotidiana y las mitologías coreanas de la época. Hasta 2005, se habían encontrado 70 murales, la mayoría en la cuenca del río Taedong, cerca de Pyongyang, en el área de Anak en la provincia de Hwanghae del Sur.

Dinastía Goryeo

Durante la dinastía de Goryeo se produjeron pinturas excepcionalmente hermosas en el servicio del budismo; pinturas de la bodisatva Avalokiteshvara (Korean: Gwaneum Bosal) se destacan especialmente por su elegancia y espiritualidad. El patrocinio de las principales familias de Goryeo resultó en la producción de las pinturas budistas de alta calidad como pinturas refinadas y detalladas de santos o monjes budistas.

El rey Gongmin de Goryeo (1330–1374) fue un importante pintor del período. Yi Nyeong, un pintor de la corte, y Yi Je-hyeon, un estudiante-painter, se consideran artistas Goryeo significativos fuera de la tradición budista.

Joseon Dynasty

La influencia del confucianismo reemplazó a la del budismo en este período, sin embargo, los elementos budistas permanecieron y no es cierto que el arte budista decayera, continuó y fue alentado, pero no por los centros reales de arte, o el gusto aceptado de la Dinastía Joseon públicamente; sin embargo, en los hogares privados y, de hecho, en los palacios de verano de los reyes de la dinastía Joseon, se valoraba mucho la simplicidad del arte budista, pero no se lo veía como arte urbano.

Durante el período de transición que condujo a la dinastía Joseon, algunos pintores budistas coreanos partieron hacia Japón. Yi Su-mun (1400?–1450?), considerado el fundador de la escuela Soga de Japón, era un compañero de barco del mayor sacerdote-pintor, Shubun de Shokokuji, cuando regresó de Corea a Japón en 1424. La tradición japonesa declaró que Yi era tan hábil después de su "Catfish and Gourd" pintura que Shogun Yoshimochi afirmó que era hijo del legendario Josetsu, como honorífico adoptivo. Yi pintó junto con los originales del arte zen japonés e influyó en ellos; y era conocido en Japón por su nombre japonés Ri Shubun o el Shubun coreano. Toda la tradición de punta de aguja en el arte japonés comenzó con Yi y continuó a través de sus estudiantes, conocidos como la Escuela Soga, un grupo de artistas más natural que la escuela cortesana patrocinada por los shogun Ashikaga.

Si bien la dinastía Joseon comenzó bajo auspicios militares, se dejó que los estilos Goryeo evolucionaran y la iconografía budista (bambú, orquídea, ciruela y crisantemo; y los familiares símbolos anudados de buena suerte) todavía formaban parte de las pinturas de género. Ni los colores ni las formas sufrieron ningún cambio real, y los gobernantes se mantuvieron al margen de los edictos sobre el arte. Los ideales Ming y las técnicas importadas continuaron en las obras idealizadas de las primeras dinastías. Los pintores de la primera dinastía incluyen a An Gyeon, un pintor del siglo XV.

Los estilos de pintura de mediados de la dinastía avanzaron hacia un mayor realismo. Un estilo de pintura nacional de paisajes llamado "vista verdadera" comenzó, pasando del estilo tradicional chino de paisajes generales idealizados a lugares particulares representados exactamente. Si bien no fue fotográfico, el estilo fue lo suficientemente académico como para establecerse y apoyarse como un estilo estandarizado en la pintura coreana. Los pintores de mediados de la dinastía incluyen a Hwang Jipjung (nacido en 1533).

La dinastía Joseon de mediados a finales se considera la edad de oro de la pintura coreana. Coincide con el impacto del colapso de los vínculos de la dinastía Ming con el ascenso al poder de los emperadores manchúes en China, y con el forzamiento de los artistas coreanos a construir nuevos modelos artísticos basados en el nacionalismo y una búsqueda interna de sujetos coreanos particulares. En ese momento China dejó de tener una influencia preeminente, el arte coreano tomó su propio curso y se volvió cada vez más distintivo.

Las pinturas de género de finales de la dinastía Joseon y las pinturas de paisajes reales se han vuelto célebres y emblemáticas, pero también muestran la modesta realidad del pueblo coreano y su pasado, no solo aquellos que ocupan altas posiciones de poder sino también aquellos que trabajan. debajo de ellos, los plebeyos o las clases bajas y aparentemente incluso las mujeres (Park J.P., 2018). En la Corea moderna, estas pinturas se exhiben y conservan como recuerdos que muestran la conmovedora y armoniosa sociedad próspera de las últimas dinastías Joseon. Con estas pinturas, también se cree que trajeron a los ojos del espectador una proyección de un pasado sencillo y nostálgico, estas nada menos que obras maestras creadas por Kim Hong-do (1745 – c. 1810) y Sin Yun-Bok (1758 – ?) se promocionan como una espléndida colección de arte que describe el estado, la gente , e historia de Corea. El trabajo realizado en estas pinturas muestra la atención académica invertida en la comprensión del pasado de Corea, y esa motivación podría extenderse al espectador, ya que el arte de Corea se ha convertido en una parte integral de los estudios y el conocimiento de Corea y su historia.

Algunos estudios modernos relacionan las particularidades históricas de la época, como el panorama cultural e ideológico, con la motivación e inspiración de los artistas coreanos, ya que la atención que se puso en sus obras de arte fomentó la popularización de estas pinturas. Entre ellos se incluyen los diferentes puntos de vista sobre cómo se hicieron populares en ese momento, uno de los cuales es el análisis de que las pinturas de género coreanas son producto del orgullo y la confianza de los coreanos en el pasado después de que comenzaron a tratar su propia cultura como heredera legítima de la Alta Civilización de China (Park J.P., 2018). La desaparición de la civilización confuciana tardía y la caída de los Ming en China continental bajo Manchu Qing, estos eventos llevaron a los artistas de finales de la era Joseon a recuperar y redefinir los valores del paisaje de Joseon Corea y su sociedad en estas nuevas pinturas (Park J.P., 2018). Otro punto de vista sería un enfoque interpretativo del creciente interés por el aprendizaje en ese momento, que proporcionó a los artistas de la era Joseon la motivación y la inspiración necesarias para ver las escenas de la vida cotidiana en Corea y los cambios en el panorama social desde una nueva perspectiva, como Los artistas de Joseon dedicaron mucho tiempo a sus estudios prácticos académicos, las personas y sus vidas fueron un factor clave en la contribución a sus obras de arte, así como su determinación de representar y observar a las personas que encontraron a su alrededor.

Entre muchos de los artistas de la era de mediados a finales de Joseon que pintaron escenas de la gente de Corea, un artista yangban se destacó y fue descrito como padre fundador de este género, y ese artista es Yun Duseo(1668 – 1715). Yun Duseo iba a pintar muchos dibujos que se basaban en las labores, comportamientos, ocio y emociones de la gente común que observó a su alrededor. Esto comenzaría a revolver a la gente como era sin precedentes en ese período de tiempo, y el tema de estas obras se convertiría en motivos primarios en lugar de adiciones decorativas como en épocas anteriores.

La lista de pintores importantes es larga, pero los nombres más notables incluyen:

• Jeong Seon (1676-1759), pintor literati influenciado por la escuela Wu de la dinastía Ming en China; mucho tomada por el paisaje de la montaña Diamond.
• Yun Duseo (1668-1715), un retratoista.
• Kim Hong-do (1745–c.1806) aka Danwon en su nombre del bolígrafo, hizo escenas llenas de gente común y de clase obrera en muchas actividades de trabajo natural – sus pinturas tienen un realismo post-tarjeta o fotográfico en una paleta de blancos, azules y verdes. Hay poco si alguna caligrafía en sus obras; pero tienen un sentido del humor y variedad de gestos y movimiento que los hacen altamente imitados hasta hoy.
• Shin Yun-bok (1758–?) aka Hyewon en su nombre de pluma, un pintor de la corte que hizo pinturas a menudo de las clases académicas o yangban en movimiento a través de escenarios naturales estilizados; él es famoso por sus rojos fuertes y azules, y paisajes de montaña grises.
• Jang Seung-eop (1843-1897) aka Owon en su nombre de pluma, era un pintor de la dinastía Joseon tardía en Corea y uno de los tres grandes premios de Joseon Corea.

La caligrafía utilizada suele estar realizada de forma discreta.

Otros artistas importantes de la "escuela de literatos" incluir:

• Yi Kyong-yun
• Kang Se-hwang

Chaekgeori es un género de pintura de naturaleza muerta del período Joseon de Corea que presenta los libros como tema dominante. Chaekgeori floreció desde la segunda mitad del siglo XVIII hasta la primera mitad del siglo XX y fue disfrutado por todos los miembros de la población, desde el rey hasta los plebeyos, revelando el enamoramiento por los libros y el aprendizaje en Cultura coreana.

Galería

• 
  Ahn Gyeon, Dream Journey to the Peach Blossom Land, 1447, Biblioteca Central de la Universidad Tenri.
• 
  Byeon Sangbyeok (1730–?), Gyeondo (pintura de un perro). Siglo XVIII, Joseon Corea.
• 
  Kim Hong-do, Cuatro distritos del Monte Geumgang, 1788, Paisaje del Monte Geumgang.
• 
  Kim Hong-do, Un gato y una mariposa, siglo XVIII, Galería de Arte Gansong.
• 
  Kim Hong-do, Una fiesta musical, comienzo del siglo XIX.
• 
  Shin Yun-bok (1758–?), A Boat Ride, 1805, Galería de Arte Gansong.
• 
  Jo Hee-ryong (1797-1859), Una casa entre los árboles de albaricoque, Galería de Arte Gansong.
• 
  Jang Seung-eop (1843-1897), Hochwido (Pintura de un halcón)
• 
  Chaekgeori

Artistas durante la ocupación japonesa

Los artistas coreanos desde mediados de la década de 1880 hasta 1945 vivieron una época muy difícil cuando Corea fue liberada por los aliados tras la rendición incondicional de Japón.

A partir de la década de 1880, la popularidad emergente del arte occidental en Japón llevó a una mala opinión del arte tradicional coreano. Sin embargo, la creación del museo de artesanía coreana en 1924 por el filósofo japonés Yanagi Sōetsu es un claro ejemplo de los estetas japoneses que todavía apreciaban el arte coreano.

Japón también celebró una exposición de arte coreano que produjo muchos artistas jóvenes coreanos como Park Su-geun. Hasta la fecha no ha habido una muestra retrospectiva del arte oculto bajo la ocupación japonesa, ni una discusión sobre los conflictos entre aquellos que se vieron obligados a comprometerse bajo las demandas artísticas japonesas. Es una cuestión delicada, en la que los artistas que estudiaron y trabajaron en Japón y pintaron al estilo japonés se vieron obligados a defenderse y justificar el compromiso sin otras alternativas.

Uniendo el final de la dinastía Joseon y el período de ocupación japonesa hubo artistas notables como Chi Un-Yeong (1853-1936).

Principales artistas coreanas del siglo XX

La teoría del color se ha utilizado sobre la perspectiva formal, y todavía no ha habido una superposición entre el arte pictórico y los gráficos pop, ya que la influencia principal en los pintores es la cerámica coreana.

• Kim Tschang-yeul
• Park Su-geun
• Nam June Paik
• Chang Ucchin
• Seund Ja Rhee
• Lee Ufan

Nueva ola

• Lee Dong Youb
• Suh Yongsun

Artistas coreanas del siglo XXI

• Haegue Yang
• Choi Jeong Hwa
• Amy Sol
• David Choe
• Seonna Hong
• Tschoon Su Kim
• Junggeun Oh
• Kim Sang-soon