Películas de guerra

Las películas de guerra o cine bélico es un género cinematográfico relacionado con la guerra, generalmente sobre batallas navales, aéreas o terrestres, con escenas de combate centrales en el drama. Se ha asociado fuertemente con el siglo XX. La naturaleza fatídica de las escenas de batalla significa que las películas de guerra a menudo terminan con ellas. Los temas explorados incluyen el combate, la supervivencia y el escape, la camaradería entre soldados, el sacrificio, la inutilidad y la inhumanidad de la batalla, los efectos de la guerra en la sociedad y los problemas morales y humanos que plantea la guerra. Las películas de guerra a menudo se clasifican por su entorno, como la Guerra de Corea; el tema más popular es la Segunda Guerra Mundial. Las historias contadas pueden ser ficción, drama histórico o biográfico. Los críticos han notado similitudes entre el western y la película de guerra.

Naciones como China, Indonesia, Japón y Rusia tienen sus propias tradiciones de películas de guerra, centradas en sus propias guerras revolucionarias pero que toman formas variadas, desde acción y drama histórico hasta romance de guerra.

Los subgéneros, no necesariamente distintos, incluyen la lucha contra la guerra, la comedia, la animación, la propaganda y el documental. Hay subgéneros similares de la película de guerra en teatros específicos como el desierto occidental del norte de África y el Pacífico en la Segunda Guerra Mundial, Vietnam o la guerra soviético-afgana; y películas ambientadas en dominios específicos de la guerra, como la infantería, el aire, el mar, en submarinos o en campos de prisioneros de guerra.

Género

El género de las películas de guerra no está necesariamente bien definido: el American Film Institute, por ejemplo, habla de "películas para lidiar con la Gran Guerra" sin intentar clasificarlas. Sin embargo, algunos directores y críticos han ofrecido al menos definiciones tentativas. El director Sam Fuller definió el género diciendo que "el objetivo de una película de guerra, sin importar cuán personal o emocional sea, es hacer que el espectador sienta la guerra". John Belton identificó cuatro elementos narrativos de la película de guerra dentro del contexto de la producción de Hollywood: a) la suspensión de la moralidad civil durante tiempos de guerra, b) la primacía de los objetivos colectivos sobre las motivaciones individuales, c) la rivalidad entre hombres en grupos predominantemente masculinos también como marginación y cosificación de la mujer, y d) representación de la reinserción de los veteranos.

El crítico de cine Stephen Neale sugiere que el género está en su mayor parte bien definido y no polémico, ya que las películas de guerra son simplemente aquellas sobre la guerra que se libra en el siglo XX, con escenas de combate centrales en el drama. Sin embargo, señala Neale, las películas ambientadas en la Guerra Civil Estadounidense o las Guerras Indígenas Estadounidenses del siglo XIX se llamaban películas de guerra en la época anterior a la Primera Guerra Mundial. El crítico Julian Smith argumenta, por el contrario, que el cine bélico carece de los límites formales de un género como el western, pero que en la práctica, los filmes bélicos "exitosos e influyentes" tratan sobre las guerras modernas, en particular la Segunda Guerra Mundial, con la combinación de fuerzas móviles y asesinatos en masa. La estudiosa del cine Kathryn Kaneseñala algunas similitudes entre el género cinematográfico bélico y el western. Ambos géneros utilizan conceptos opuestos como guerra y paz, civilización y salvajismo. Las películas de guerra generalmente enmarcan la Segunda Guerra Mundial como un conflicto entre el "bien" y el "mal" representado por las fuerzas aliadas y la Alemania nazi, mientras que el western retrata el conflicto entre los colonos civilizados y los pueblos indígenas salvajes. James Clarke señala la similitud entre un western como The Wild Bunch de Sam Peckinpah y "escapadas de películas de guerra" como The Dirty Dozen.

La historiadora de cine Jeanine Basinger afirma que partió de una concepción preconcebida de lo que sería el género cinematográfico bélico, a saber:

Lo que sabía de antemano era lo que presumiblemente todos los miembros de nuestra cultura sabrían sobre las películas de combate de la Segunda Guerra Mundial: que contenían un héroe, un grupo de tipos mixtos [de personas] y un objetivo militar de algún tipo. Se llevan a cabo en las zonas de combate reales de la Segunda Guerra Mundial, contra los enemigos establecidos, en tierra, mar o aire. Contienen muchos eventos repetidos, como llamadas por correo, todos presentados visualmente con uniformes, equipos e iconografía de batalla apropiados.

Además, Basinger considera que Bataan proporciona una definición por ejemplo de "la película de combate de la Segunda Guerra Mundial", en la que un grupo diverso y aparentemente inadecuado de "voluntarios reunidos apresuradamente" mantiene a raya a un grupo mucho más grande de enemigos a través de su "valentía". y tenacidad". Ella argumenta que la película de combate no es un subgénero sino el único tipo genuino de película de guerra. Dado que señala que, de hecho, solo se realizaron cinco películas de combate reales durante la Segunda Guerra Mundial, en su opinión, estas pocas películas, fundamentales para el género, se ven superadas por las muchas otras películas que son solo películas de guerra.Sin embargo, otros críticos como Russell Earl Shain proponen una definición mucho más amplia de película de guerra, para incluir películas que traten "los roles de civiles, agentes de espionaje y soldados en cualquiera de los aspectos de la guerra (es decir, preparación, causa, prevención, conducta, vida cotidiana y consecuencias o secuelas). Neale señala que los géneros se superponen, con escenas de combate con diferentes propósitos en otros tipos de películas, y sugiere que las películas de guerra se caracterizan por el combate que "determina el destino de los personajes principales".. Esto, a su vez, lleva las escenas de combate a los extremos culminantes de las películas de guerra. Tampoco todos los críticos están de acuerdo en que las películas de guerra deben tratar sobre las guerras del siglo XX. James Clarke incluye Glory, ganadora del Oscar, de Edward Zwick(1990) entre las películas de guerra que analiza en detalle; está ambientado en la Guerra Civil Estadounidense y enumera otras seis películas sobre esa guerra que considera "notables". El guionista y erudito Eric R. Williams identifica las películas de guerra como uno de los once supergéneros en su taxonomía de guionistas, afirmando que todos los largometrajes narrativos pueden clasificarse como pertenecientes a uno de ellos.

El historiador militar británico Antony Beevor "se desespera" por cómo los cineastas de Estados Unidos y Gran Bretaña "juegan rápido y suelto con los hechos", pero dan a entender que "su versión es tan buena como la verdad". Por ejemplo, llama a la película estadounidense de 2000 U-571 un "engaño desvergonzado" por fingir que un buque de guerra estadounidense había ayudado a ganar la Batalla del Atlántico, siete meses antes de que Estados Unidos entrara en guerra. Es igualmente crítico con la película Dunkerque de Christopher Nolan de 2017 con sus playas inusualmente vacías, combates aéreos de bajo nivel sobre el mar y rescates principalmente por parte de los "pequeños barcos". Beevor siente, sin embargo, que los cineastas de Europa continental suelen ser "mucho más escrupulosos"; por ejemplo,representó con precisión los acontecimientos históricos de los últimos días de Hitler en su búnker de Berlín, y considera que la película francesa de 1965 The 317th Platoon, ambientada en Vietnam, es "la mejor película de guerra jamás realizada". La película de 1966 La batalla de Argel es, argumenta, un segundo cercano.

Historia

Guerra civil americana

La guerra más costosa en la historia de los EE. UU. en términos de vida estadounidense, esta guerra ha sido el tema o el telón de fondo de numerosas películas, documentales y miniseries. Una de las primeras películas que utilizó la Guerra Civil como tema fue la película muda de 1910 de DW Griffith, El fugitivo. Las películas que tienen la guerra como tema principal, o sobre un cierto aspecto de la guerra, incluyen la película Glory de 1989, sobre la primera unidad formal del Ejército de la Unión durante la Guerra Civil Estadounidense compuesta en su totalidad por hombres negros. Algunas películas como Gettysburg se centraron en una sola batalla durante la guerra, o incluso en un solo incidente, como el cortometraje francés La Rivière du Hibou (Un suceso en el puente Owl Creek).). Otros, como la miniserie de 1993 North and South, abarcaron toda la guerra. Algunas películas tratan los aspectos humanos de la guerra, como The Red Badge of Courage (1951), o Shenandoah (1965), sobre la tragedia que la guerra infligió a la población civil. The Civil War de Ken Burns es el documental más visto en la historia de PBS.

La Guerra Hispanoamericana

Las primeras películas de guerra provienen de la Guerra Hispanoamericana de 1898. Las "actualidades" cortas (clips de películas documentales) incluían El entierro de las víctimas de Maine, Tirar una manta a un nuevo recluta y Soldados lavando platos. Estas películas que no eran de combate iban acompañadas de "reconstrucciones" de combates, como "Rough Riders" de Theodore Roosevelt en acción contra los españoles, representada en los Estados Unidos.

Primera Guerra Mundial

Durante la Primera Guerra Mundial, se hicieron muchas películas sobre la vida en la guerra. Los temas incluyeron prisioneros de guerra, operaciones encubiertas y entrenamiento militar. Tanto las potencias centrales como los aliados produjeron documentales de guerra. Las películas también se utilizaron como propaganda en países neutrales como Estados Unidos. Entre estos se encontraba una película filmada en el frente oriental por el fotógrafo de guerra oficial de las potencias centrales, Albert K. Dawson: The Battle and Fall of Przemysl (1915), que representa el asedio de Przemyśl, desastroso para los austriacos, con incidentes recreados con soldados. como extras.

La película australiana de 1915 Within Our Gates (también conocida como Deeds that Won Gallipoli) de Frank Harvey fue descrita por Motion Picture News como "una historia de guerra realmente buena, que es excepcional".

La película británica de 1916 The Battle of the Somme, de dos directores de fotografía oficiales, Geoffrey Malins y John McDowell, combinó documental y propaganda, buscando dar al público una impresión de cómo era la guerra de trincheras. Gran parte de la película se rodó en locaciones del Frente Occidental en Francia; tuvo un poderoso impacto emocional. Fue vista por unos 20 millones de personas en Gran Bretaña en sus seis semanas de exhibición, lo que la convirtió en lo que la crítica Francine Stock llamó "una de las películas más exitosas de todos los tiempos".

La película estadounidense de 1925 The Big Parade representó elementos poco glamorosos de la guerra: el protagonista pierde la pierna y sus amigos mueren. Wings de William A. Wellman (1927) mostró el combate aéreo durante la guerra y se realizó en cooperación con el Army Air Corps. Resultó ser una poderosa herramienta de reclutamiento. Se convirtió en la primera película (en cualquier género) en recibir un Oscar a la mejor película. Películas posteriores de variados géneros que tratan sobre la Primera Guerra Mundial incluyen la "epopeya colosal" de David Lean, tanto una película de guerra como una película biográfica Lawrence of Arabia (1962), filmada en el entonces desconocido y emocionante Technicolor de 70 mm, y descrita por Steven Spielberg como "quizás el mejor guión jamás escrito para el medio cinematográfico"; La comedia musical satírica contra la guerra de Richard Attenborough basada en la obra de teatro del mismo nombre de Joan Littlewood, Oh! Qué hermosa guerra (1969); El drama bélico de Spielberg de 2011 War Horse se basó en la novela infantil del mismo nombre de Michael Morpurgo.

Muchas de las películas promocionadas como "documentales" agregaron contexto a escenas auténticas del campo de batalla al representar eventos críticos e inventaron episodios y diálogos para aumentar la emoción a costa de la autenticidad.

Guerra civil finlandesa

Aunque la guerra civil finlandesa de 1918 entre blancos y rojos siguió siendo un tema controvertido un siglo después en Finlandia, muchos cineastas finlandeses han retomado el tema, a menudo basando su trabajo en un libro. En 1957, 1918 de Toivo Särkkä, basada en la obra de teatro y la novela de Jarl Hemmer, se proyectó en el 7º Festival Internacional de Cine de Berlín. Películas recientes incluyen The Border (2007), de Lauri Törhönen, y Tears of April (2008), de Aku Louhimies, basada en la novela de Leena Lander. Quizás la película más famosa sobre la guerra civil finlandesa es Here, Beneath the North Star de 1968 de Edvin Laine, basada en los dos primeros libros de Under the North Star de Väinö Linna.trilogía; describe la guerra civil desde el bando perdedor, los Guardias Rojos de Finlandia.

Guerra civil Española

La Guerra Civil española ha atraído a directores de diferentes países. Por quién doblan las campanas (1943), de Sam Wood, basada en el libro del mismo nombre de Ernest Hemingway, retrata el romance predestinado entre un estadounidense interpretado por Gary Cooper y un guerrillero interpretado por Ingrid Bergman en el contexto de la guerra civil. La épica película de 168 minutos con sus paisajes filmados en Technicolor y una partitura orquestal "hermosa" fue un éxito tanto de público como de crítica. Guernica (1950) de Alain Resnais utiliza la pintura de Picasso de 1937 del mismo nombre para protestar contra la guerra. La Caza de Carlos Saura (The Hunt, 1966) utiliza la metáfora de la caza para criticar la agresividad del fascismo español.Ganó el Oso de Plata al Mejor Director en el 16º Festival Internacional de Cine de Berlín en 1966. Land and Freedom (Tierra y Libertad, 1995) de Ken Loach, vagamente basada en Homenaje a Cataluña de George Orwell, sigue a un comunista británico a través de la guerra para revelar la dolorosas contradicciones dentro del bando republicano antifascista.

Guerra coreana

The Steel Helmet (1951) de Samuel Fuller se realizó durante la Guerra de Corea (1950-1953). El crítico Guy Westwell señala que cuestionó la conducción de la guerra, al igual que películas posteriores como The Bridges at Toko-Ri (1954) y Pork Chop Hill (1959). Fuller estuvo de acuerdo en que todas sus películas eran contra la guerra. Ninguna película de Hollywood sobre la Guerra de Corea tuvo buenos resultados en taquilla; el historiador Lary May sugirió en 2001 que recordaban a los espectadores estadounidenses "la única guerra que hemos perdido".

En 1955, después de los combates, la exitosa película de acción surcoreana Piagol sobre las atrocidades de la guerrilla izquierdista alentó a otros cineastas. El gobierno militar de la década de 1960 castigó a los cineastas procomunistas y otorgó los premios Grand Bell a las películas con el mensaje anticomunista más fuerte. The Taebaek Mountains (1994) se ocupaba de los izquierdistas del sur que luchaban por los comunistas, mientras que Silver Stallion (1991) y Spring in My Hometown (1998) mostraban el impacto destructivo de la presencia militar estadounidense en la vida del pueblo. Las películas de acción violenta Shiri (1999) y Joint Security Area (2000) presentaron a Corea del Norte bajo una luz favorable.

Las películas en Corea del Norte fueron realizadas por estudios de cine del gobierno y tenían mensajes políticos claros. El primero fue My Home Village (1949), sobre la liberación de Corea de los japoneses, presentado como obra de Kim Il Sung sin la ayuda de los estadounidenses. Del mismo modo, las películas del país sobre la Guerra de Corea muestran la victoria sin la ayuda de los chinos. El estudioso del cine Johannes Schönherr concluye que el propósito de estas películas es "retratar a Corea del Norte como un país sitiado", y que dado que Estados Unidos y su "títere" Corea del Sur invadieron el Norte una vez, lo volverían a hacer.

Guerra de Argelia

La dramática La batalla de Argel de Gillo Pontecorvo ((italiano: La battaglia di Algeri; árabe: معركة الجزائر; francés: La Bataille d'Alger), 1966) retrató los acontecimientos de la guerra de Argelia (1954-1956). Se rodó en exteriores como una coproducción ítalo-argelina. Tenía el estilo de noticiero en blanco y negro del neorrealismo italiano, y muestra imparcialmente la violencia en ambos lados. Ganó varios premios, incluido el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia. Fue atacado por críticos franceses y estuvo prohibido durante cinco años en Francia.

Guerra de Vietnam

Pocas películas anteriores a fines de la década de 1970 sobre la guerra de Vietnam representaban realmente el combate; las excepciones incluyen The Green Berets (1968). Críticos como Basinger explican que Hollywood evitó el tema debido a la oposición a la participación de Estados Unidos en la Guerra de Vietnam, lo que genera división en el tema; además, la industria cinematográfica estaba en crisis y el ejército no deseaba ayudar en la realización de películas contra la guerra.

Desde finales de la década de 1970, las películas financiadas y producidas de forma independiente le mostraron a Hollywood que Vietnam podía tratarse en una película. Las representaciones exitosas pero muy diferentes de la guerra en la que Estados Unidos había sido derrotado incluyeron The Deer Hunter (1978) de Michael Cimino y Apocalypse Now (1979) de Francis Ford Coppola. Con el cambio en la política estadounidense hacia la derecha en la década de 1980, el éxito militar podría volver a mostrarse en películas como Platoon (1986) de Oliver Stone, Full Metal Jacket (1987) de Stanley Kubrick y Hamburger Hill (1987) de John Irvin.

The Abandoned Field: Free Fire Zone (Cánh đồng hoang, 1979) del director vietnamita Nguyễn Hồng Sến [vi] ofrece una " inquietante y convincente... visión subjetiva de la cámara" de la vida bajo el fuego de un helicóptero en el delta del Mekong. durante la Guerra de Vietnam. La película muestra una "vista de helicóptero" (estadounidense), que contrasta dolorosamente con la ternura humana vista anteriormente.

Guerras posteriores

Dino Mustafić's Remake (2003), escrito por Zlatko Topčić, cuenta las historias paralelas de la mayoría de edad de un padre que vive en Sarajevo durante la Segunda Guerra Mundial y su hijo que vive el asedio de Sarajevo durante la Guerra de Bosnia. Según Topčić, la historia se basa en incidentes de su propia vida.

La guerra de Irak sirvió como historia de fondo de las películas estadounidenses, como Hurt Locker de 2008, Green Zone de 2010 y American Sniper de 2014.

La guerra en Afganistán desde 2001 fue representada en varias películas, entre ellas Restrepo en 2010 y Lone Survivor de 2013.

Segunda Guerra Mundial

Hecho por aliados occidentales

Las primeras películas populares de guerra aliadas realizadas durante la Segunda Guerra Mundial procedían de Gran Bretaña y combinaban las funciones de documental y propaganda. Películas como The Lion Has Wings y Target for Tonight se realizaron bajo el control de la División de Películas del Ministerio de Información. La industria cinematográfica británica comenzó a combinar técnicas documentales con historias ficticias en películas como In Which We Serve (1942), de Noël Coward y David Lean, "la película británica más exitosa de los años de la guerra", Millions Like Us (1943) y The Way. Adelante (1944).

En Estados Unidos, los documentales se produjeron de varias maneras: el general Marshall encargó la serie de propaganda Why We Fight a Frank Capra; la División de Información y Educación del Departamento de Guerra comenzó haciendo películas de entrenamiento para la Fuerza Aérea y la Marina de los EE. UU.; el Ejército hizo lo suyo a través del Cuerpo de Señales de EE. UU., incluido The Battle of San Pietro de John Huston. Hollywood hizo películas con mensajes de propaganda sobre los aliados de Estados Unidos, como Mrs. Miniver (1942), que retrataba a una familia británica en el frente interno; Edge of Darkness (1943) mostraba a los combatientes de la resistencia noruega, y The North Star (1943) mostraba a la Unión Soviética y su Partido Comunista. Hacia el final de la guerra, los libros populares proporcionaron historias más serias y de mayor calidad para películas como Guadalcanal Diary (1943), Thirty Seconds Over Tokyo (1944) de Mervyn LeRoy y They Were Expendable (1945) de John Ford.

La Unión Soviética también apreció el valor propagandístico del cine, para dar a conocer tanto las victorias como las atrocidades alemanas. El documental de Ilya Kopalin Moscú contraataca (en ruso: Разгром немецких войск под Москвой, literalmente "La derrota de las tropas alemanas cerca de Moscú"), se realizó durante la Batalla de Moscú entre octubre de 1941 y enero de 1942. Mostraba a civiles ayudando a defender la ciudad., el desfile en la Plaza Roja y el discurso de Stalin incitando al pueblo ruso a la batalla, combates reales, alemanes rindiéndose y muertos, y atrocidades que incluyen niños asesinados y civiles ahorcados. Ganó un premio de la Academia en 1943 al mejor documental.De manera similar, las cámaras de los noticieros fueron trasladadas a Stalingrado a principios de 1943 para grabar "el espectáculo que recibió a los soldados rusos": la hambruna de los prisioneros de guerra rusos en el campo de Voropovono por parte del Sexto Ejército alemán, derrotado en la batalla de Stalingrado.

Los largometrajes realizados en Occidente durante la guerra estaban sujetos a censura y no siempre eran de naturaleza realista. Uno de los primeros en intentar representar la violencia, y que fue elogiado en ese momento por su "realismo descarnado", fue Bataan (1943) de Tay Garnett. La representación en realidad permaneció estilizada. Jeanine Basinger da como ejemplo la "peor imagen de violencia descarnada" cuando un soldado japonés decapita a un estadounidense: la víctima muestra dolor y sus labios se congelan en un grito, pero no brota sangre y su cabeza no se cae. Basinger señala que si bien esto es físicamente poco realista, puede que no lo haya sido psicológicamente. El público de la época de la guerra, señala, era muy consciente de los amigos y parientes que habían muerto o que habían vuelto a casa heridos.

Hecho por los poderes del Eje

Las potencias del Eje también hicieron películas durante la Segunda Guerra Mundial, con fines propagandísticos y de otro tipo. En Alemania, el alto mando del ejército sacó a la luz Sieg im Westen ("Victoria en Occidente", 1941). Otras películas de propaganda nazi tenían temas variados, como Kolberg (1945), que describe la obstinada resistencia prusiana en el Sitio de Kolberg (1807) contra las tropas invasoras francesas bajo el mando de Napoleón.El ministro de propaganda Joseph Goebbels eligió el tema histórico como adecuado para el empeoramiento de la situación que enfrenta la Alemania nazi cuando se filmó desde octubre de 1943 hasta agosto de 1944. Más de ocho millones de marcos, utilizando miles de soldados como extras y 100 vagones de ferrocarril llenos de sal para simular nieve., fue la película alemana más costosa realizada durante la guerra. El sitio real terminó con la rendición de la ciudad; en la película, los generales franceses abandonan el asedio.

Para Japón, la guerra comenzó con la guerra no declarada y la invasión de China en 1937, que las autoridades japonesas llamaron "El Incidente de China". El gobierno envió una "brigada de pluma" para escribir y filmar la acción en China con "valores humanistas". Mud and Soldiers (1939) de Tomotaka Tasaka, por ejemplo, rodada en China, Legend of Tank Commander Nishizumi de Kōzaburō Yoshimura y Chocolate and Soldiers (1938) de Sato Takeshi muestran al soldado japonés común como individuo y como hombre de familia, e incluso Los soldados chinos enemigos se presentan como individuos, a veces luchando con valentía.Una vez que se declaró la guerra con los Estados Unidos, el conflicto japonés se conoció como la Guerra del Pacífico. A los críticos de cine japoneses les preocupaba que, incluso con las técnicas cinematográficas occidentales, su producción cinematográfica no representara los valores nativos japoneses. El historiador John Dower descubrió que las películas japonesas de guerra se habían olvidado en gran medida, ya que "los perdedores no tienen reposiciones", pero eran tan sutiles y hábiles que Frank Capra pensó que Chocolate y Soldiers eran imbatibles. Los héroes eran típicamente oficiales de bajo rango, no samuráis, tranquilamente dedicados a sus hombres y su país.Estas películas no personalizaban al enemigo y, por lo tanto, carecían de odio, aunque Gran Bretaña podría figurar como el "enemigo cultural". Para los cineastas japoneses, la guerra no era una causa, sino más bien un desastre natural, y "lo que importaba no era contra quién se luchaba sino qué tan bien". Los enemigos asiáticos, especialmente los chinos, a menudo se presentaban como compañeros redimibles e incluso posibles para el matrimonio. Las películas japonesas de tiempos de guerra no glorifican la guerra, pero presentan al estado japonés como una gran familia y al pueblo japonés como un "pueblo inocente, sufriente y abnegado". Dower comenta que la perversidad de esta imagen "es obvia: carece de cualquier reconocimiento de que, en todos los niveles, los japoneses también victimizaron a otros".

De la posguerra

Según Andrew Pulver de The Guardian, la fascinación del público por las películas de guerra se convirtió en una "obsesión", con más de 200 películas de guerra producidas en cada década de los años 50 y 60. La producción de películas de guerra en el Reino Unido y Estados Unidos alcanzó su cénit a mediados de la década de 1950. Su popularidad en el Reino Unido fue provocada por el éxito comercial y de crítica de The Cruel Sea (1953) de Charles Frend. Como otras de la época, El mar cruel se basó en una novela superventas, en este caso la historia de la batalla del Atlántico del excomandante naval Nicolás Monsarrat. Otros, como The Dam Busters(1954), con su emocionante historia de la poco ortodoxa bomba que rebota del inventor Barnes Wallis y su tema musical distintivo, eran historias reales. The Dam Busters se convirtió en la película más popular en Gran Bretaña en 1955 y siguió siendo una de las favoritas a partir de 2015 con una puntuación del 100 % en Rotten Tomatoes, aunque, en parte porque celebró una "[victoria] exclusivamente británica", fracasó en el mercado estadounidense.. En particular, se realizó una gran cantidad de películas de guerra en el período 1955-1958. Solo en 1957, Bitter Victory, Count Five and Die, The Enemy Below, Ill Met by Moonlight, Men in War, The One That Got Away y Seven Thunders, y las películas de gran éxito y aclamadas por la crítica The Bridge on the River Kwai, que ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película ese año, y Paths of Glory fueron estrenadas. Algunos, como Bitter Victory, se centraron más en la batalla psicológica entre los oficiales y el egoísmo que en los acontecimientos de la guerra. El puente sobre el río Kwai trajo una nueva complejidad a la imagen de la guerra, con una sensación de incertidumbre moral en torno a la guerra. A finales de la década, el "sentido de logro compartido" que había sido común en las películas de guerra "comenzó a evaporarse", según Pulver.

Las películas de Hollywood de las décadas de 1950 y 1960 podían mostrar actos heroicos o sacrificios personales espectaculares, como en la popular Sands of Iwo Jima (1949), protagonizada por John Wayne. Los marines estadounidenses consideraron Sands of Iwo Jima visualmente auténtico, pero encontraron Battle Cry (1955) de Lewis Milestone, con su atención a las vidas de los hombres, la película más realista. La fórmula para una película de guerra exitosa consistía, según Lawrence Suid, en un pequeño grupo de hombres étnicamente diversos; un oficial superior irrazonable; los cobardes se volvieron heroicos, o murieron.Jeanine Basinger sugiere que una película de guerra tradicional debería tener un héroe, un grupo y un objetivo, y que el grupo debería contener "un italiano, un judío, un cínico quejoso de Brooklyn, un francotirador de las montañas, un medio oeste (apodado por su estado, "Iowa" o "Dakota"), y un personaje que debe ser iniciado de alguna manera". Películas basadas en misiones de comandos reales, como The Gift Horse (1952) basada en el St. Nazaire Raid, y Ill Met by Moonlight (1956) basada en la captura del comandante alemán de Creta, inspiraron películas de aventuras ficticias como The Guns of Navarone (1961), El tren (1964) y Donde se atreven las águilas (1968). Estos utilizaron la guerra como telón de fondo para una acción espectacular.

Darryl F. Zanuck produjo el drama documental de 178 minutos The Longest Day (1962), basado en el primer día del desembarco del Día D, logrando éxito comercial y premios Oscar. Le siguieron películas a gran escala pero reflexivas como Ivan's Childhood (1962) de Andrei Tarkovsky, y epopeyas cuasi-documentales de estrellas filmadas en Europa como Battle of the Bulge (1965), Battle of Britain (1969), The Battle of Neretva (1969), Midway (1976) y Un puente demasiado lejos (1977). En opinión de Lawrence Suid, The Longest Day "sirvió como modelo para todos los combates espectaculares posteriores".Sin embargo, su costo también la convirtió en la última de las películas de guerra tradicionales, mientras que la controversia en torno a la ayuda brindada por el Ejército de los EE. UU. Y el "desprecio por las relaciones del Pentágono" de Zanuck cambió la forma en que Hollywood y el Ejército colaboraron.

Zanuck, por entonces ejecutivo de 20th Century Fox, montó una coproducción estadounidense-japonesa para Tora! de Richard Fleischer. Torá! Torá! (1970) para describir lo que "realmente sucedió el 7 de diciembre de 1941" en el ataque sorpresa a Pearl Harbor. La película, criticada por Roger Ebert y The New York Times, fue un gran éxito en Japón. Su metraje de ataque de aspecto realista se reutilizó en películas posteriores como Midway (1976), The Final Countdown (1980) y Australia (2008). La historia fue revisada en Pearl Harbor (2001), descrita por The New York Timescomo un "nuevo éxito de taquilla ruidoso, costoso y muy largo", con el comentario de que "a pesar de todas sus pretensiones épicas (como si la épica fuera una cuestión de tiempo de ejecución, música tumescente y pronunciamientos de voz en off serios), la película funciona mejor como un película de acción bang-and-boom".

Saving Private Ryan (1998), de Steven Spielberg, utiliza una cámara en mano, diseño de sonido, puesta en escena y mayor detalle audiovisual para desconcertar a los espectadores acostumbrados a las películas de combate convencionales, a fin de crear lo que el historiador de cine Stuart Bender llama "realismo informado", ya sea o no. no la representación es genuinamente más realista. Jeanine Basinger señala que los críticos lo experimentaron como "innovador y antigenérico", con, en palabras de James Wolcott, un "deseo de enterrar la bola de maíz, reclutando a la leyenda del cartel de John Wayne: hacerlo bien esta vez"; y que las películas de combate siempre se han "basado en la necesidad de ayudar a la audiencia a comprender y aceptar la guerra". Su éxito revivió el interés por las películas de la Segunda Guerra Mundial.Stalingrad (1993), que The New York Times dijo que "va tan lejos como una película puede llegar al representar la guerra moderna como una forma de matanza masiva que revuelve el estómago".

Relaciones militares-industria cinematográfica

Se han producido muchas películas de guerra con la cooperación de las fuerzas militares de una nación. Desde la Segunda Guerra Mundial, la Marina de los Estados Unidos ha proporcionado barcos y orientación técnica para películas como Top Gun. La Fuerza Aérea de EE. UU. ayudó con The Big Lift, Strategic Air Command y A Gathering of Eagles, que se filmaron en las bases de la Fuerza Aérea; El personal de la Fuerza Aérea apareció en muchos roles. Los críticos han argumentado que la descripción sesgada de los acontecimientos de la película Pearl Harbor es una compensación por la asistencia técnica recibida de las fuerzas armadas estadounidenses, señalando que el estreno se llevó a cabo a bordo de un portaaviones de la Armada estadounidense. En otro caso, la Marina de los EE. UU. se opuso a elementos de Crimson Tide, especialmente un motín a bordo de un buque de guerra estadounidense, por lo que la película se produjo sin su ayuda. El historiador de cine Jonathan Rayner observa que tales películas "también han tenido la clara intención de cumplir funciones vitales de propaganda, reclutamiento y relaciones públicas".

Tradiciones nacionales

Chino

Las primeras películas de guerra chinas fueron noticieros como Battle of Wuhan (1911) y Battle of Shanghai (1913). Todavía en películas como Battle Exploits (1925) de Xu Xinfu, la guerra aparece principalmente como trasfondo. Solo con la Segunda Guerra Sino-Japonesa de 1937 en adelante, el cine de guerra se convirtió en un género serio en China, con películas nacionalistas como Protect Our Land (1938) de Shi Dongshan. La Guerra Civil China también atrajo películas como From Victory to Victory (1952) de Cheng Yin. Una película más humanista ambientada en el mismo período es The Cradle (1979) de Xie Jin, mientras que las películas comerciales a gran escala más recientes incluyen City of Life and Death (2009) de Lu Chuan.Los directores chinos han intentado en repetidas ocasiones cubrir las atrocidades cometidas por los japoneses durante la masacre de Nanking (1937-1938), con películas como el melodrama político Massacre in Nanjing, el docudrama de Mou Tun Fei Black Sun: The Nanking Massacre, y el "artificial Sino –Romance japonés" Don't Cry, Nanking. La épica película china de Zhang Yimou Flowers of War (2011), basada en la novela de Geling Yan, retrata los hechos violentos a través de los ojos de una niña de 13 años.

Indonesio

Muchas películas indonesias tratan sobre la ocupación del archipiélago por parte de los japoneses durante la Segunda Guerra Mundial. Doea Tanda Mata (Mementos, literalmente "Two Eye Marks", 1985) de Teguh Karya cubre la resistencia nacionalista limitada al dominio colonial holandés en la década de 1930. Un tercer grupo de películas como Enam Djam di Jogja (Seis horas en Yogyakarta, 1951) y Serangan Fajar (Ataque al amanecer, 1983) cubre la guerra de independencia de Indonesia (1945-1949). Otras dos películas sobre el mismo período retratan el equivalente indonesio de la Larga Marcha china: Darah dan Doa (La Larga Marcha) de Usmar Ismail., literalmente "Sangre y oración", 1950) y Mereka Kembali (Regresan, 1975). Cada una de estas películas interpreta el pasado desde la perspectiva de su propio tiempo.

La trilogía Merdeka (Libertad) más reciente (2009-2011), que comienza con Merah Putih ("Rojo y blanco", los colores de la bandera de la nueva Indonesia), revisa la campaña por la independencia a través de la vida de un grupo diverso de cadetes. que se vuelven guerrilleros.

Noviembre de 1828 (1979) de Karya analiza la lucha de Indonesia por la independencia a través del drama histórico sobre la Guerra de Java o Diponegoro (1825-1830), aunque el enemigo colonial era el mismo, los holandeses. Deanne Schultz lo consideró "una interpretación valiosa" de la historia de Indonesia que "encarna lo mejor del cine popular de Indonesia". Fue la primera película de Indonesia en ser conocida internacionalmente.

Soviético

La guerra ha sido el género principal del cine de la Unión Soviética, llegando a ser conocido como el "frente del cine", y sus películas de guerra iban desde representaciones sombrías de atrocidades hasta relatos sentimentales e incluso silenciosamente subversivos. El popular y "hermoso" Two Warriors (1943) de Leonid Lukov representaba a dos soldados soviéticos estereotípicos, un ruso tranquilo y un sureño extrovertido de Odessa, cantando en su banquillo.

Las muchas películas soviéticas sobre la Segunda Guerra Mundial incluyen tanto epopeyas a gran escala como La batalla de Moscú (1985) de Yury Ozerov y The Cranes are Flying (1957), más psicológica de Mikhail Kalatozov, sobre los crueles efectos de la guerra; ganó la Palma de Oro de 1958 en Cannes.

Japonés

Los directores japoneses han realizado películas populares como Submarine I-57 Will Not Surrender (1959), Battle of Okinawa (1971) y Japan's Longest Day (1967) desde una perspectiva japonesa. Estos "generalmente no logran explicar la causa de la guerra". En las décadas inmediatamente posteriores a la Segunda Guerra Mundial, las películas japonesas a menudo se centraban en la tragedia humana en lugar del combate, como The Burmese Harp (1956) y Fires on the Plain (1959). Desde finales de la década de 1990, las películas comenzaron a tener una visión positiva de la guerra y de las acciones japonesas. Estas películas nacionalistas, incluidas Pride (1998), Merdeka 17805 (2001) y The Truth about Nanjing(2007), han enfatizado los rasgos positivos del ejército japonés y afirmado que los japoneses fueron víctimas de la venganza y la crueldad de la posguerra. Sin embargo, tales películas han sido objeto de protestas por revisionismo. The Eternal Zero (2013) narra la historia de un piloto de caza Zero que es considerado un cobarde por sus camaradas, ya que regresa con vida de sus misiones. Rompió el récord de recaudación de una película japonesa de acción en vivo y ganó el Golden Mulberry en el Festival de Cine del Lejano Oriente de Udine, pero fue criticada por su simpatía nacionalista con los pilotos kamikaze.

Sub géneros

Documental

Las autoridades de guerra tanto en Gran Bretaña como en Estados Unidos produjeron una amplia variedad de documentales. Sus propósitos incluían entrenamiento militar, asesoramiento a civiles y estímulo para mantener la seguridad. Dado que estas películas a menudo llevaban mensajes, se clasifican en propaganda. De manera similar, las películas producidas comercialmente a menudo combinaban información, apoyo al esfuerzo bélico y cierto grado de propaganda. Los noticieros, aparentemente simplemente con fines informativos, se realizaron tanto en los países aliados como en los del Eje y, a menudo, se dramatizaron. Más recientemente, en la guerra Irán-Irak, la serie de televisión Ravayat-e Fath (Crónicas de la victoria) de Morteza Avini combinó imágenes de primera línea con comentarios.

Propaganda

El drama histórico Alexander Nevsky de 1938 de Sergei Eisenstein describe la derrota del príncipe Alejandro en el intento de invasión de la ciudad rusa de Novgorod por parte de los Caballeros Teutónicos. En abril de 1939, la película había sido vista por 23.000.000 de personas. En 1941, el director y otros tres recibieron el Premio Stalin por sus contribuciones. La película cuenta con una partitura musical del compositor clásico Sergei Prokofiev, considerada por artistas como el compositor André Previn la mejor escrita jamás para el cine. Russell Merritt, escribiendo en Film Quarterly, la describe como una "película de propaganda de guerra". Una encuesta de Mondadori de 1978 colocó a Alexander Nevsky entre las 100 mejores películas del mundo.

Durante la Segunda Guerra Mundial, la propaganda cinematográfica fue muy utilizada. Kenneth Clark advirtió al gobierno británico que "si renunciamos al interés por el entretenimiento como tal, podríamos vernos privados de un arma valiosa para transmitir nuestra propaganda"; sugirió usar documentales sobre la guerra y el esfuerzo bélico; celebraciones de lo británico; y películas sobre la vida y el carácter británicos. Michael Powell y Clark coincidieron en una historia sobre los supervivientes de la tripulación de un submarino, imbuidos de la brutal ideología nazi, que viajan por Canadá y se encuentran con varios canadienses amables, tolerantes e inteligentes, para animar a Estados Unidos a participar en la guerra. La película resultante, 49th Parallel (1941), se convirtió en la mejor película de las oficinas británicas ese año. Las películas entretenidas también podrían llevar mensajes sobre la necesidad de vigilancia, como en¿Te fue bien el día? (1942) o evitar la "charla descuidada", como en The Next of Kin (1942).

En Estados Unidos, El gran dictador (1940) de Charlie Chaplin satirizaba claramente el fascismo. Casablanca (1943) de Michael Curtiz no era simplemente un romance entre los personajes interpretados por Humphrey Bogart e Ingrid Bergman, sino que vilipendiaba a los nazis y glorificaba la resistencia a ellos. La serie Why We Fight de Frank Capra (1942-1945) ganó el Premio de la Academia de 1942 al mejor documental, aunque fue diseñado para "influir en la opinión del ejército estadounidense".

Durante la Guerra Fría, "la propaganda desempeñó un papel tan importante en la lucha de Estados Unidos contra la Unión Soviética como los miles de millones de dólares gastados en armamento". Face to Face with Communism (1951) dramatizó una invasión imaginaria de los Estados Unidos; otras películas retrataron amenazas como el adoctrinamiento comunista.

Submarino

Las películas de submarinos tienen sus propios significados y convenciones particulares, relacionados específicamente con dar el efecto de una guerra submarina. Un elemento distintivo de este subgénero es la banda sonora, que intenta traer a casa la naturaleza emocional y dramática del conflicto bajo el mar. Por ejemplo, en Das Boot de 1981 de Wolfgang Petersen, el diseño de sonido funciona junto con el formato de película de una hora para representar una persecución prolongada con cargas de profundidad, el ping del sonar y sonidos amenazantes como las hélices de los destructores y torpedos enemigos. Las películas clásicas del género incluyen The Enemy Below (1957) y Run Silent, Run Deep (1958), ambas basadas en novelas de comandantes navales. Corre en silencio, corre profundoes una película llena de tensión, tanto con el enemigo como entre las personalidades contrastantes del comandante del submarino y su lugarteniente, interpretados por Clark Gable y Burt Lancaster.

Prisionero de guerra

Un subgénero popular de las películas de guerra en las décadas de 1950 y 1960 fue la película de prisioneros de guerra. El género se popularizó en Gran Bretaña con películas importantes como The Colditz Story (1955) de Guy Hamilton y la película estadounidense The Great Escape (1963) de John Sturges. Contaron historias de fugas reales de campos de prisioneros de guerra alemanes como Stalag Luft III en la Segunda Guerra Mundial. A pesar de los episodios de peligro y tragedia humana, estas películas se deleitan en un continuo juego infantil de escape e ingenio, celebrando el coraje y el espíritu desafiante de los prisioneros de guerra y tratando la guerra como diversión. Puente de David Lean sobre el río Kwai(1957) fue elegida mejor película en los premios Oscar; llevó el género de las frías prisiones alemanas al calor de un campo en Tailandia. También fue el primero en usar colores exuberantes para resaltar el rígido labio superior británico del coronel, interpretado por Alec Guinness en una actuación ganadora del Oscar. La película de prisioneros de guerra "definitiva" ganadora del Oscar fue Stalag 17 (1953) de Billy Wilder, mientras que las breves pero poderosas escenas del campo de prisioneros de The Deer Hunter (1978) le dan un aire de tragedia a toda esa película.

Comedia

Shoulder Arms (1918), de Charlie Chaplin, marcó un estilo para las películas de guerra por venir y fue la primera comedia sobre la guerra en la historia del cine.

El cine británico de la Segunda Guerra Mundial marcó la evacuación de los niños de Londres con comedias sociales como Aquellos niños de la ciudad (1942) donde los evacuados van a vivir con un conde (un noble rural), mientras que en Cottage to Let (1941) y ¿Te fue bien el día? (1942) la campiña inglesa está repleta de espías. Gasbags (1941) ofreció una comedia "loca, irreverente y extravagante" que se burlaba de todo, desde globos aerostáticos hasta campos de concentración. Buck Privates (1941), de Abbott y Costello, tuvo éxito en Estados Unidos y dio lugar a muchas otras comedias de guerra.

Animado

El hundimiento del Lusitania (1918) de Winsor McCay fue una película muda de la Primera Guerra Mundial. Con 12 minutos de duración, fue la película animada más larga realizada en ese momento. Probablemente fue la primera película animada de propaganda que se hizo; sigue siendo el primer drama animado serio que ha sobrevivido. Durante la Segunda Guerra Mundial, los cortos animados de propaganda siguieron siendo influyentes en el cine estadounidense. The Walt Disney Company, trabajando con las fuerzas armadas estadounidenses, produjo 400,000 pies de películas de propaganda de guerra entre 1942 y 1945, incluyendo Der Fuehrer's Face (1943) y Education for Death (1943).

Las películas de anime japonesas de la década de 1960 en adelante abordaron los recuerdos nacionales de la guerra. Akira (1988) pasa de la destrucción atómica de Hiroshima y Nagasaki a visiones apocalípticas del conflicto global; Grave of the Fireflies (1988) es elegíaco sobre el efecto de la guerra en los niños. Barefoot Gen (1983) retrata el bombardeo de Hiroshima a través de los ojos de un niño, pero los críticos la consideran una película menos bien hecha que La tumba de las luciérnagas con "detalles que revuelven el estómago" extrañamente combinados con obras de arte toscas, dándole la apariencia de un "Sábado por la mañana dibujos animados de Warner Brothers".

Antimilitarista

El género contra la guerra comenzó con películas sobre la Primera Guerra Mundial. Las películas del género son típicamente revisionistas, reflexionan sobre eventos pasados ​​​​y, a menudo, se mezclan de manera genérica. All Quiet on the Western Front (1930), de Lewis Milestone, fue sin duda poderosa y una de las primeras películas contra la guerra, que retrata un punto de vista alemán; fue la primera película (en cualquier género) en ganar dos premios Oscar, mejor película y mejor director. Andrew Kelly, analizando All Quiet on the Western Front, definió el género como mostrando: la brutalidad de la guerra; la cantidad de sufrimiento humano; la traición de la confianza de los hombres por parte de oficiales incompetentes. Las películas de guerra y contra la guerra a menudo resultan difíciles de categorizar, ya que contienen muchas ambigüedades genéricas.Si bien muchas películas contra la guerra critican la guerra directamente a través de representaciones de combates espeluznantes en guerras pasadas, algunas películas como Alice's Restaurant de Penn criticaron la guerra indirectamente burlándose de cosas como la junta de reclutamiento. La cantidad de películas contra la guerra producidas en Estados Unidos se redujo drásticamente durante la década de 1950 debido al macartismo y la lista negra de Hollywood. El final de la lista negra y la introducción del sistema de calificación MPAA marcaron una época de resurgimiento para películas de todo tipo, incluidas las películas contra la guerra en los Estados Unidos. Robert Eberwein nombra dos películas como clásicos contra la guerra. La primera es la obra maestra de prisioneros de guerra de Jean Renoir La Grande Illusion (La gran ilusión , 1937). La crítica de Renoir a la política e ideología contemporáneas celebra la humanidad universal que trasciende las fronteras nacionales y raciales y el nacionalismo radical, sugiriendo que las experiencias comunes de la humanidad deberían prevalecer por encima de la división política y su extensión: la guerra. El segundo es Senderos de gloria de Stanley Kubrick (1957). El crítico David Ehrenstein escribe que Paths of Glory estableció a Kubrick como el "cineasta comercial líder de su generación" y un talento de clase mundial. Ehrenstein describe la película como un "drama de protesta exteriormente genial e interiormente apasionado sobre una desastrosa maniobra del ejército francés y la corte marcial celebrada a su paso", en contraste con el "clásico" All Quiet on the Western Front.s historia de un inocente "desconcertado por los horrores de la guerra".

Géneros mixtos

La comedia dio lugar a la sátira, y los cineastas de la posguerra fusionaron la comedia y el sentimiento contra la guerra en películas tan variadas como Stalag 17 (1953) y Dr. Strangelove (1964). Comedias negras como Catch-22 (1970) de Mike Nichols, basada en la novela satírica de Joseph Heller sobre la Segunda Guerra Mundial, y MASH (1970) de Robert Altman, ambientada en Corea, reflejaron las actitudes de un público cada vez más escéptico durante la Guerra de Vietnam.

Otros géneros se combinaron en Patton (1970) de Franklin J. Schaffner, sobre el general George S. Patton en la vida real, donde las escenas de combate se intercalaron con comentarios sobre cómo libró la guerra, mostrando los lados buenos y malos de un comando. It y MASH se convirtieron en las dos películas bélicas/antibélicas más rentables realizadas hasta ese momento, y Patton ganó siete premios de la Academia.