Película musical
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El cine musical es un género cinematográfico en el que las canciones de los personajes se entrelazan con la narración, a veces acompañadas de baile. Las canciones suelen hacer avanzar la trama o desarrollar los personajes de la película, pero en algunos casos sirven simplemente como pausas en la trama, a menudo como "números de producción" elaborados.
La película musical fue un desarrollo natural de la etapa musical después de la aparición de la tecnología de cine sonoro. Por lo general, la mayor diferencia entre el cine y los musicales de teatro es el uso de escenarios y lugares de fondo lujosos que no serían prácticos en un teatro. Las películas musicales contienen característicamente elementos que recuerdan al teatro; los artistas a menudo tratan sus números de canciones y bailes como si una audiencia en vivo estuviera mirando. En cierto sentido, el espectador se convierte en el público diegético, ya que el actor mira directamente a la cámara y actúa ante ella.
Con el advenimiento del sonido a fines de la década de 1920, los musicales ganaron popularidad entre el público y están ejemplificados por las películas de Busby Berkeley, un coreógrafo conocido por sus piezas distintivas y elaboradas con varias coristas. Estos lujosos números de producción están tipificados por su trabajo coreográfico en 42nd Street, Gold Diggers of 1933, Footlight Parade (todas de 1933). Durante la década de 1930, las películas musicales de Fred Astaire y Ginger Rogers se convirtieron en elementos culturales masivos a los ojos del público estadounidense. Estas películas incluyeron, Top Hat (1935), Follow the Fleet, Swing Time (ambas de 1936) y Shall We Dance (1937). El mago de Oz (1939) de Victor Fleming se convertiría en una película histórica para el cine musical, ya que experimentó con nuevas tecnologías como Technicolor.
Durante las décadas de 1940 y 1950, se estrenaban regularmente películas musicales de los musicales de MGM. Estas obras incluyeron: Encuéntrame en St. Louis (1944), Desfile de Pascua (1948), En la ciudad (1949), Un americano en París (1951), Singin' bajo la lluvia (1952), El carro de la banda (1953), Alta sociedad (1956) y Gigi (1958). Durante este tiempo, las películas fuera de la unidad Arthur Freed en MGM incluyeron Holiday Inn (1942), White Christmas (1954) y Funny Face (1957), así como Oklahoma! (1955), El rey y yo (1956), Carrusel y Pacífico sur (1958). Estas películas de la época generalmente se basaban en el poder estelar de estrellas de cine como Fred Astaire, Gene Kelly, Bing Crosby, Frank Sinatra, Judy Garland, Ann Miller, Kathryn Grayson y Howard Keel. También confiaron en directores de cine como Stanley Donen y Vincente Minnelli, así como en los compositores Comden and Green, Rodgers and Hammerstein, Irving Berlin, Cole Porter y Gershwin Brothers.
Durante la década de 1960, las películas basadas en musicales teatrales continuaron siendo éxitos de crítica y taquilla. Estas películas incluyeron, West Side Story (1961), Gypsy (1962), The Music Man (1962), Bye Bye Birdie (1963), My Fair Lady, Mary Poppins (ambos de 1964), The Sound of Music (1965), Sucedió algo divertido de camino al foro, Cómo tener éxito en los negocios sin intentarlo realmente, Totalmente moderna Millie (todas de 1967), Oliver! y Funny Girl (ambas de 1968). En la década de 1970, la cultura cinematográfica y la demografía cambiante de los cinéfilos pusieron mayor énfasis en el realismo descarnado, mientras que el puro entretenimiento y la teatralidad de los musicales de Hollywood de la era clásica se consideraban anticuados. A pesar de esto, Willy Wonka & la fábrica de chocolate (1971), El violinista en el tejado (1971), Cabaret (1972), 1776 (1972), Bedknobs and Broomsticks de Disney (1971) y Pete's Dragon (1977), así como Grease y The Wiz (ambos de 1978), fueron musicales más tradicionales adaptados de cerca de espectáculos teatrales y fueron un gran éxito entre la crítica y el público. A lo largo de las décadas de 1980 y 1990, los musicales tendían a provenir principalmente de las películas animadas de Disney de la época, de los compositores y letristas Howard Ashman, Alan Menken y Stephen Schwartz. El Renacimiento de Disney comenzó con La Sirenita de 1989, luego siguió con La Bella y la Bestia (1991), Aladdin (1992), El rey león (1994), Pocahontas (1995), El jorobado de Notre Dame (1996), Hércules (1997) y Mulán (1998).
Desde el siglo XXI, el género musical se rejuveneció con musicales más oscuros, biopics musicales, remakes musicales, musicales de drama épico y musicales de comedia dramática como Moulin Rouge! (2001), Chicago (2002), El fantasma de la ópera (2004), Rent (2005), Dreamgirls, Idlewild (ambos de 2006), Across the Universe, Enchanted, Hairspray, Sweeney Todd: El barbero diabólico de Fleet Street (todo 2007), Mamma Mia! (2008), Nine (2009), Los Muppets (2011), Les Misérables (2012), Into the Woods, Muppets Most Wanted (ambos de 2014), La La Land (2016), La Bella y la Bestia, El Gran Showman (ambos de 2017), ¡Mamma Mia! ¡Aquí vamos de nuevo!, Ha nacido una estrella, El regreso de Mary Poppins, Bohemian Rhapsody (todas de 2018), Aladdin, Rocketman, El Rey León (todas de 2019), In the Heights, Querido Evan Hansen, Cyrano, Tick, Tick… ¡Boom! y West Side Story (todas de 2021).
Películas musicales de Hollywood
1930-1950: La primera era del sonido clásico o Primera Era Musical
La década de 1930 hasta principios de la de 1950 se considera la época dorada del cine musical, cuando la popularidad del género estaba en su punto más alto en el mundo occidental. Blancanieves y los siete enanitos de Disney, el primer largometraje animado de Disney, fue un musical que ganó un Oscar honorario para Walt Disney en la 11.ª edición de los Premios de la Academia.
Los primeros musicales
Los cortometrajes musicales fueron realizados por Lee de Forest en 1923–24. A partir de 1926, se hicieron miles de cortometrajes de Vitaphone, muchos de ellos con bandas, vocalistas y bailarines. Los primeros largometrajes con sonido sincronizado tenían solo una banda sonora de música y efectos de sonido ocasionales que se reproducían mientras los actores interpretaban a sus personajes tal como lo hacían en las películas mudas: sin diálogos audibles. The Jazz Singer, lanzado en 1927 por Warner Brothers, fue el primero en incluir una pista de audio que incluía música no diegética y música diegética, pero solo tenía una breve secuencia de diálogo hablado. Este largometraje también fue un musical, con Al Jolson cantando 'Dirty Hands, Dirty Face', 'Toot, Toot, Tootsie', 'Blue Skies', y 'Mi mamá'. El historiador Scott Eyman escribió: "Cuando la película terminó y los aplausos crecieron con las luces del teatro, la esposa de Sam Goldwyn, Frances, miró a las celebridades en la multitud". Ella vio 'terror en todos sus rostros', dijo, como si supieran que 'el juego al que habían estado jugando durante años finalmente había terminado'. Aún así, solo secuencias aisladas presentaban "en vivo" sonido; la mayor parte de la película tenía solo una partitura musical sincrónica. En 1928, Warner Brothers siguió con otro sonoro parcial de Jolson, The Singing Fool, que fue un éxito de taquilla. Los teatros se apresuraron a instalar el nuevo equipo de sonido y contratar compositores de Broadway para escribir musicales para la pantalla. El primer largometraje totalmente parlante, Lights of New York, incluía una secuencia musical en un club nocturno. El entusiasmo del público fue tan grande que en menos de un año todos los grandes estudios estaban haciendo exclusivamente películas sonoras. La melodía de Broadway (1929) tenía una trama del mundo del espectáculo sobre dos hermanas que compiten por un hombre encantador de canto y baile. Anunciado por MGM como el primer "Todos hablando, todos cantando, todos bailando" largometraje, fue un éxito y ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película en 1929. Los estudios se apresuraron a contratar talentos del escenario para protagonizar versiones lujosamente filmadas de los éxitos de Broadway. The Love Parade (Paramount 1929) protagonizada por Maurice Chevalier y la debutante Jeanette MacDonald, escrita por el veterano de Broadway Guy Bolton.
Warner Brothers produjo la primera opereta para la pantalla, The Desert Song en 1929. No repararon en gastos y fotografiaron un gran porcentaje de la película en Technicolor. A esto le siguió el primer largometraje musical a todo color y que hablaba todo, que se tituló On with the Show (1929). La película más popular de 1929 fue el segundo largometraje a todo color y hablador que se tituló Gold Diggers of Broadway (1929). Esta película batió todos los récords de taquilla y siguió siendo la película más taquillera jamás producida hasta 1939. De repente, el mercado se inundó de musicales, revistas y operetas. Los siguientes musicales a todo color se produjeron solo en 1929 y 1930: The Hollywood Revue of 1929 (1929), The Show of Shows (1929), Sally (1929), El rey vagabundo (1930), Follow Thru (1930), Luces brillantes (1930), Golden Dawn (1930), Hold Everything (1930), The Rogue Song (1930), Song of the Flame (1930)), Canción del Oeste (1930), Sweet Kitty Bellairs (1930), Bajo la luna de Texas (1930), Novia del Regimiento (1930), Whoopee! (1930), Rey del Jazz (1930), Noches de Viena (1930) y Bésame otra vez (1930). Además, se lanzaron decenas de funciones musicales con secuencias de colores.
Hollywood estrenó más de 100 películas musicales en 1930, pero solo 14 en 1931. A finales de 1930, el público estaba saturado de musicales y los estudios se vieron obligados a cortar la música de las películas que se estrenaban en ese momento. Por ejemplo, Life of the Party (1930) se produjo originalmente como una comedia musical llena de color y diálogo. Sin embargo, antes de su lanzamiento, se cortaron las canciones. Lo mismo sucedió con Fifty Million Frenchmen (1931) y Manhattan Parade (1932), ambas filmadas íntegramente en Technicolor. Marlene Dietrich cantó canciones con éxito en sus películas, y Rodgers y Hart escribieron algunas películas bien recibidas, pero incluso su popularidad disminuyó en 1932. El público había llegado rápidamente a asociar el color con los musicales y, por lo tanto, la disminución de su popularidad también resultó en un disminución de las producciones de color.
Busby Berkeley
El gusto por los musicales revivió nuevamente en 1933 cuando el director Busby Berkeley comenzó a mejorar el número de baile tradicional con ideas extraídas de la precisión de los ejercicios que había experimentado como soldado durante la Primera Guerra Mundial. En películas como 42nd Street y Gold Diggers of 1933 (1933), Berkeley coreografió varias películas con su estilo único. Los números de Berkeley generalmente comienzan en un escenario, pero trascienden gradualmente las limitaciones del espacio teatral: sus ingeniosas rutinas, que involucran cuerpos humanos formando patrones como un caleidoscopio, nunca podrían caber en un escenario real y la perspectiva prevista es ver desde arriba.
Estrellas musicales
Estrellas musicales como Fred Astaire y Ginger Rogers se encontraban entre las personalidades más populares y respetadas de Hollywood durante la era clásica; la pareja de Fred y Ginger fue particularmente exitosa, lo que resultó en una serie de películas clásicas, como Top Hat (1935), Swing Time (1936) y Shall Bailamos (1937). Muchos actores dramáticos participaron con gusto en musicales como una forma de romper con su encasillamiento. Por ejemplo, el polifacético James Cagney había saltado a la fama originalmente como cantante de teatro y bailarín, pero su interpretación repetida en 'el tipo duro' Los papeles y las películas de la mafia le dieron pocas oportunidades de mostrar estos talentos. El papel ganador del Oscar de Cagney en Yankee Doodle Dandy (1942) le permitió cantar y bailar, y lo consideró uno de sus mejores momentos.
Muchas comedias (y algunos dramas) incluían sus propios números musicales. Los hermanos Marx' Las películas incluyeron un número musical en casi todas las películas, lo que permitió a los hermanos resaltar sus talentos musicales. Su última película, titulada Love Happy (1949), presentaba a Vera-Ellen, considerada la mejor bailarina entre sus colegas y profesionales del medio siglo.
Del mismo modo, el comediante de vodevil W. C. Fields unió fuerzas con la actriz cómica Martha Raye y el joven comediante Bob Hope en la antología musical de Paramount Pictures The Big Broadcast of 1938. La película también mostró el talento de varios artistas musicales reconocidos internacionalmente, entre ellos: Kirsten Flagstad (soprano de ópera noruega), Wilfred Pelletier (director canadiense de la Metropolitan Opera Orchestra), Tito Guizar (tenor mexicano), Shep Fields dirigiendo su Rippling Rhythm Jazz Orchestra y John Serry Sr. (acordeonista de concierto ítalo-estadounidense). Además del Premio de la Academia a la Mejor Canción Original (1938), la película obtuvo un Premio ASCAP de Cine y Televisión (1989) por la canción emblemática de Bob Hope 'Thanks for the Memory'.
La unidad liberada
A finales de la década de 1940 y principios de la de 1950, una unidad de producción de Metro-Goldwyn-Mayer encabezada por Arthur Freed hizo la transición de películas musicales anticuadas, cuya fórmula se había vuelto repetitiva, a algo nuevo. (Sin embargo, también produjeron remakes en Technicolor de musicales como Show Boat, que se había filmado anteriormente en la década de 1930). En 1939, Freed fue contratado como productor asociado de la película Babes in Arms . A partir de 1944 con Meet Me in St. Louis, Freed Unit trabajó de forma un tanto independiente de su propio estudio para producir algunos de los ejemplos más populares y conocidos del género. Los productos de esta unidad incluyen Easter Parade (1948), On the Town (1949), An American in Paris (1951), Cantando' bajo la lluvia (1952), El carro de la banda (1953) y Gigi (1958). Los musicales Non-Freed del estudio incluyeron Seven Brides for Seven Brothers en 1954 y High Society en 1956, y el estudio distribuyó Guys and Muñecas en 1955.
Esta era vio a las estrellas musicales convertirse en nombres familiares, incluidos Judy Garland, Gene Kelly, Ann Miller, Donald O'Connor, Cyd Charisse, Mickey Rooney, Vera-Ellen, Jane Powell, Howard Keel y Kathryn Grayson. Fred Astaire también fue persuadido de dejar su retiro para Easter Parade e hizo una reaparición permanente.
Fuera de MGM
Los otros estudios de Hollywood demostraron ser igualmente hábiles para abordar el género en este momento, particularmente en la década de 1950. Cuatro adaptaciones de los programas de Rodgers y Hammerstein: Oklahoma!, The King and I, Carousel y South Pacific - fueron todos éxitos, mientras que Paramount Pictures estrenó White Christmas y Funny Face, dos películas que utilizaron música previamente escrita por Irving Berlin y los Gershwin, respectivamente. Warner Bros. produjo Calamity Jane y Ha nacido una estrella; la primera película fue un vehículo para Doris Day, mientras que la segunda proporcionó un regreso a la pantalla grande para Judy Garland, quien había estado fuera del centro de atención desde 1950. Mientras tanto, el director Otto Preminger, más conocido por 'imágenes de mensajes';, hizo Carmen Jones y Porgy and Bess, ambas protagonizadas por Dorothy Dandridge, quien es considerada la primera estrella de cine afroamericana de la lista A. El célebre director Howard Hawks también se aventuró en el género con Los caballeros las prefieren rubias.
En las décadas de 1960, 1970 y hasta el día de hoy, la película musical dejó de ser un género rentable en el que se pudiera confiar para obtener éxitos seguros. Las audiencias para ellos disminuyeron y se produjeron menos películas musicales a medida que el género se volvió menos convencional y más especializado.
La musical de los años 60
(feminine)En la década de 1960, el éxito de crítica y taquilla de las películas West Side Story, Gypsy, The Music Man, Bye Bye Birdie, My Fair Lady, Mary Poppins, Sonrisas y lágrimas, Pasó algo gracioso el the Way to the Forum, The Jungle Book, Totalmente Modern Millie, Oliver! y Funny Girl sugirió que el musical tradicional gozaba de buena salud, mientras que los musicales de jazz del cineasta francés Jacques Demy The Umbrellas of Cherbourg y The Young Girls of Rochefort eran populares entre críticos internacionales. Sin embargo, los gustos musicales populares se estaban viendo muy afectados por el rock and roll y la libertad y la juventud asociadas con él, y de hecho Elvis Presley hizo algunas películas que han sido equiparadas con los viejos musicales en términos de forma, aunque A Hard Day&# 39;s Night y Help!, protagonizada por los Beatles, fueron técnicamente más audaces. La mayoría de las películas musicales de las décadas de 1950 y 1960 como Oklahoma! y The Sound of Music fueron adaptaciones sencillas o reposiciones de exitosas producciones teatrales. Los musicales más exitosos de la década de 1960 creados específicamente para el cine fueron Mary Poppins y El libro de la selva, dos de los mayores éxitos de Disney de todos los tiempos.
La fenomenal actuación de taquilla de The Sound of Music dio a los principales estudios de Hollywood más confianza para producir musicales extensos y de gran presupuesto. A pesar del rotundo éxito de algunas de estas películas, Hollywood también produjo una gran cantidad de fracasos musicales a fines de la década de 1960 y principios de la de 1970 que parecieron juzgar mal el gusto del público. Las películas que fracasaron comercial y críticamente incluyeron Camelot, Finian's Rainbow, Hello Dolly!, Sweet Charity, Doctor Dolittle, Medio seis peniques, El millonario más feliz, ¡Estrella!, Querida Lili , Adiós, Sr. Chips, Pinta tu carro, Canción de Noruega, En un día despejado puedes ver Forever, Man of La Mancha, Lost Horizon y Mame. Colectiva e individualmente, estos fracasos afectaron la viabilidad financiera de varios estudios importantes.
Década de 1970
En la década de 1970, la cultura cinematográfica y la demografía cambiante de los cinéfilos pusieron mayor énfasis en el realismo descarnado, mientras que el puro entretenimiento y la teatralidad de los musicales de Hollywood de la era clásica se consideraban anticuados. A pesar de esto, Fiddler on the Roof y Cabaret fueron musicales más tradicionales adaptados estrechamente de espectáculos teatrales y fueron un gran éxito entre la crítica y el público. El cambio de las costumbres culturales y el abandono del Código Hays en 1968 también contribuyeron a cambiar los gustos del público cinematográfico. La película de 1973 de Andrew Lloyd Webber y Jesus Christ Superstar de Tim Rice fue recibida con algunas críticas por parte de grupos religiosos, pero fue bien recibida. A mediados de la década de 1970, los cineastas evitaron el género y usaron música de bandas populares de rock o pop como música de fondo, en parte con la esperanza de vender un álbum de banda sonora a los fanáticos. The Rocky Horror Picture Show se estrenó originalmente en 1975 y fue un fracaso crítico hasta que comenzó las proyecciones de medianoche en la década de 1980, donde alcanzó el estatus de culto. 1976 vio el lanzamiento del musical cómico de bajo presupuesto, The First Nudie Musical, lanzado por Paramount. La versión cinematográfica de 1978 de Grease fue un gran éxito; sus canciones eran composiciones originales hechas en un estilo pop de los años 50. Sin embargo, la secuela Grease 2 (estrenada en 1982) fracasó en la taquilla. Se produjeron películas sobre artistas que incorporaron drama descarnado y números musicales entretejidos como parte diegética de la trama, como Lady Sings the Blues, All That Jazz y Nueva York, Nueva York. Algunos musicales realizados en Gran Bretaña experimentaron con la forma, como Oh! de Richard Attenborough. What a Lovely War (lanzado en 1969), Bugsy Malone de Alan Parker y Tommy y Lisztomania.
Todavía se estaban haciendo varias películas musicales que tenían menos éxito financiero o crítico que en el apogeo de los musicales. Incluyen 1776, The Wiz, At Long Last Love, Mame, Man of La Mancha, Lost Horizon, Godspell, Fantasma del paraíso, La dama divertida (Barbra Streisand' s secuela de Funny Girl), A Little Night Music y Hair entre otros. La ira crítica contra At Long Last Love, en particular, fue tan fuerte que nunca se lanzó en video casero. Películas musicales de fantasía Scrooge, El pájaro azul, El principito, Willy Wonka & the Chocolate Factory, Pete's Dragon y Bedknobs and Broomsticks de Disney también se estrenaron en la década de 1970, y esta última ganó la Academia. Premio a los Mejores Efectos Visuales.
1980 a 1990
En la década de 1980, los financieros tenían cada vez más confianza en el género musical, en parte impulsados por la relativa salud del musical en Broadway y el West End de Londres. Las producciones de las décadas de 1980 y 1990 incluyeron The Apple, Xanadu, The Blues Brothers, Annie, Monty El sentido de la vida de Python, La mejor prostíbulo de Texas, Victor/Victoria, Footloose, Avance rápido, A Chorus Line, La pequeña tienda de los horrores, Zona prohibida, Principiantes absolutos, Labyrinth, Evita y Todos dicen que te amo. Sin embargo, Can't Stop the Music, protagonizada por Village People, fue un intento calamitoso de resucitar el musical de estilo antiguo y se estrenó ante la indiferencia del público en 1980. Little Shop of Horrors se basó en una adaptación musical fuera de Broadway de una película de Roger Corman de 1960, un precursor de adaptaciones posteriores de película a escenario a película, incluidos The Producers.
Muchas películas animadas de la época, principalmente de Disney, incluían números musicales tradicionales. Howard Ashman, Alan Menken y Stephen Schwartz tenían experiencia previa en teatro musical y escribieron canciones para películas animadas durante este tiempo, reemplazando a los caballos de batalla de Disney, los hermanos Sherman. Comenzando con La Sirenita de 1989, el Renacimiento de Disney le dio nueva vida a la película musical. Otros musicales animados exitosos incluyeron Aladdin, The Hunchback of Notre Dame y Pocahontas de Disney propiamente dicho, The Nightmare Before Christmas de la división de Disney, Touchstone Pictures, El Príncipe de Egipto de DreamWorks, Anastasia de Fox y Don Bluth, y South Park: Bigger, Longer & Sin cortes de Paramount. (La Bella y la Bestia y El Rey León fueron adaptados para el escenario después de su éxito de taquilla).
2000-ahora: La segunda era clásica o Nueva Era Musical
Musicales del siglo XXI o New Age
En el siglo XXI, las películas musicales renacieron con musicales más oscuros, biopics musicales, musicales dramáticos épicos y comedias musicales dramáticas como Moulin Rouge!, Chicago, Walk the Line, Dreamgirls, Sweeney Todd: El barbero diabólico de Fleet Street, Los Miserables, La La Land y West Side Story; todas ellas ganaron el Globo de Oro a la Mejor Película - Musical o Comedia en sus respectivos años, mientras que películas como El Fantasma de la Ópera, Hairspray, Mamma Mia!, Nueve, En el bosque, El gran showman, El regreso de Mary Poppins, Rocketman, Cyrano y Tick, Tick... Boom! solo fueron nominados. Chicago fue también el primer musical desde Oliver! en ganar la Mejor Película en los Premios de la Academia.
El documental nominado al Premio de la Academia de Joshua Oppenheimer The Act of Killing puede considerarse un musical de no ficción.
Una tendencia musical específica fue el creciente número de musicales de máquina de discos basados en música de varios artistas de pop/rock en la pantalla grande, algunos de los cuales se basan en espectáculos de Broadway. Ejemplos de películas musicales de máquina de discos basadas en Broadway incluyen Mamma Mia! (ABBA), Rock of Ages y Sunshine on Leith (The Proclaimers). Los originales incluían Across the Universe (The Beatles), Moulin Rouge! (varios éxitos pop), Idlewild (Outkast) y Yesterday (Los Beatles).
Disney también volvió a los musicales con Encantada, La princesa y el sapo, Enredados, Winnie the Pooh, Los Muppets, Frozen, Muppets Most Wanted, Into the Woods, Moana, El regreso de Mary Poppins, Frozen II y Encanto. Después de una serie de éxitos con adaptaciones de fantasía de acción en vivo de varias de sus películas animadas, Disney produjo una versión de acción en vivo de La Bella y la Bestia, la primera de este paquete de adaptación de fantasía de acción en vivo en ser un todo- out musical, y presenta nuevas canciones, así como nuevas letras tanto para el número de Gaston como para la repetición de la canción principal. La segunda película de este paquete de adaptación de fantasía de acción en vivo que se convirtió en un musical completo fue Aladdin y presenta nuevas canciones. La tercera película de este paquete de adaptación de fantasía de acción en vivo que se convirtió en un musical total fue The Lion King y presenta nuevas canciones. Pixar también produjo Coco, la primera película musical animada por computadora de la compañía. Otras películas musicales animadas incluyen Rio, Rio 2, The Book of Life, Trolls, Sing, Smallfoot, UglyDolls, Trolls World Tour y Sing 2.
Las películas biográficas sobre artistas musicales y hombres del espectáculo también fueron importantes en el siglo XXI. Los ejemplos incluyen 8 Mile (Eminem), Ray (Ray Charles), Walk the Line (Johnny Cash y June Carter), La Vie en Rose (Édith Piaf), Notorious (Biggie Smalls), Jersey Boys (Las cuatro estaciones) Love & Mercy (Brian Wilson), CrazySexyCool: La historia de TLC (TLC), Aaliyah: La princesa del R&B (Aaliyah), Súbete Up (James Brown), Whitney (Whitney Houston), Straight Outta Compton (N.W.A), The Greatest Showman (P. T. Barnum), Bohemian Rhapsody (Freddie Mercury), The Dirt (Mötley Crüe), Judy (Judy Garland) y Rocketman (Elton John). Con una recaudación de más de 900 millones de dólares en taquilla, Bohemian Rhapsody es la película biográfica musical de mayor éxito comercial.
El director Damien Chazelle creó una película musical llamada La La Land, protagonizada por Ryan Gosling y Emma Stone. Estaba destinado a reintroducir el estilo de jazz tradicional de los números de canciones con influencias de la Edad de Oro de Hollywood y los musicales franceses de Jacques Demy, al tiempo que incorporaba una versión contemporánea/moderna de la historia y los personajes con equilibrios en números de fantasía y realidad fundamentada. Recibió 14 nominaciones en los 89 Premios de la Academia, empatando el récord de más nominaciones con All About Eve (1950) y Titanic (1997), y ganó los premios a Mejor Director., Mejor Actriz, Mejor Fotografía, Mejor Banda Sonora Original, Mejor Canción Original y Mejor Diseño de Producción.
¡En vivo! Eventos de Televisión
En 2013, NBC produjo The Sound of Music Live! como parte de su esfuerzo por expandir los eventos de entretenimiento en vivo, que se convirtieron en una tradición anual de adaptaciones de musicales teatrales, creados específicamente como eventos de televisión en vivo. Los años siguientes incluyeron Peter Pan Live!, The Wiz Live!, Hairspray Live, Jesus Christ Superstar Live!, Dr. Seuss' ¡El musical Grinch en vivo! y ¡Annie en vivo!. ABC y Fox también produjeron eventos similares, incluidos The Little Mermaid Live!, Grease Live!, A Christmas Story Live! y Rent Live!.
Películas musicales indias
Una excepción al declive de la película musical es el cine indio, especialmente la industria cinematográfica de Bollywood con sede en Mumbai (antes Bombay), donde la mayoría de las películas han sido y siguen siendo musicales. La mayoría de las películas producidas en la industria tamil con sede en Chennai (antes Madras), Sandalwood con sede en Bangalore, la industria telugu con sede en Hyderabad y la industria malayalam también son musicales.
A pesar de esta excepción de que casi todas las películas indias son musicales y la India produce la mayor cantidad de películas en el mundo (formada en 1913), la primera película de Bollywood en ser un musical completo Dev D (dirigida por Anurag Kashyap) llegó en el año 2009. La segunda película en seguir su pista fue Jagga Jasoos (Dirigida por Anurag Basu) en el año 2017.
Primeras películas sonoras (décadas de 1930 a 1940)
Los musicales de Bollywood tienen sus raíces en el teatro musical tradicional de la India, como el teatro musical clásico indio, el drama sánscrito y el teatro parsi. Los primeros cineastas de Bombay combinaron estas tradiciones del teatro musical indio con el formato de cine musical que surgió de las primeras películas sonoras de Hollywood. Otras influencias tempranas en los cineastas de Bombay incluyeron la literatura urdu y las Arabian Nights.
La primera película sonora india, Alam Ara (1931) de Ardeshir Irani, fue un gran éxito comercial. Claramente había un gran mercado para películas sonoras y musicales; Bollywood y todas las industrias cinematográficas regionales cambiaron rápidamente a la filmación sonora.
En 1937, Ardeshir Irani, famoso por Alam Ara, hizo la primera película en color en hindi, Kisan Kanya. Al año siguiente, hizo otra película en color, una versión de Madre India. Sin embargo, el color no se convirtió en una característica popular hasta finales de la década de 1950. En ese momento, los lujosos musicales y melodramas románticos eran el alimento básico en el cine.
Edad de oro (fines de la década de 1940 a 1960)
Después de la independencia de la India, los historiadores del cine consideran el período comprendido entre finales de la década de 1940 y principios de la de 1960 como la "Edad de Oro" del cine hindi. Algunas de las películas hindi más aclamadas por la crítica de todos los tiempos se produjeron durante este período. Los ejemplos incluyen Pyaasa (1957) y Kaagaz Ke Phool (1959) dirigida por Guru Dutt y escrita por Abrar Alvi, Awaara (1951) y Shree 420 (1955) dirigida por Raj Kapoor y escrita por Khwaja Ahmad Abbas, y Aan (1952) dirigida por Mehboob Khan y protagonizada por Dilip Kumar. Estas películas expresaron temas sociales relacionados principalmente con la vida de la clase trabajadora en la India, particularmente la vida urbana en los dos primeros ejemplos; Awaara presentó la ciudad como una pesadilla y un sueño, mientras que Pyaasa criticó la irrealidad de la vida en la ciudad.
Mehboob Khan's Mother India (1957), una nueva versión de su anterior Aurat (1940), fue la primera película india nominada a la Academia. Premio a la Mejor Película en Lengua Extranjera, que perdió por un solo voto. Mother India también fue una película importante que definió las convenciones del cine hindi durante décadas.
En la década de 1960 y principios de la de 1970, la industria estaba dominada por películas románticas musicales con "héroe romántico" conduce, siendo el más popular Rajesh Khanna. Otros actores durante este período incluyen a Shammi Kapoor, Jeetendra, Sanjeev Kumar y Shashi Kapoor, y actrices como Sharmila Tagore, Mumtaz, Saira Banu, Helen y Asha Parekh.
Bollywood clásico (décadas de 1970 y 1980)
A principios de la década de 1970, el cine hindi experimentaba un estancamiento temático, dominado por las películas románticas musicales. La llegada del dúo de guionistas Salim–Javed, formado por Salim Khan y Javed Akhtar, marcó un cambio de paradigma, revitalizando la industria. Comenzaron el género de las películas criminales de los bajos fondos de Bombay, descarnadas y violentas, a principios de la década de 1970, con películas como Zanjeer (1973) y Deewaar (1975).
La década de 1970 fue también cuando el nombre "Bollywood" fue acuñado, y cuando se establecieron las convenciones por excelencia de las películas comerciales de Bollywood. La clave de esto fue el surgimiento del género cinematográfico masala, que combina elementos de múltiples géneros (acción, comedia, romance, drama, melodrama, musical). La película masala fue iniciada a principios de la década de 1970 por el cineasta Nasir Hussain, junto con el dúo de guionistas Salim-Javed, pioneros en el formato de éxito de taquilla de Bollywood. Yaadon Ki Baarat (1973), dirigida por Hussain y escrita por Salim-Javed, ha sido identificada como la primera película masala y la "primera" por excelencia 'Bollywood' película. Salim-Javed pasó a escribir películas masala más exitosas en las décadas de 1970 y 1980. Las películas de Masala convirtieron a Amitabh Bachchan en la mayor estrella de cine de Bollywood de las décadas de 1970 y 1980. Un hito para el género cinematográfico masala fue Amar Akbar Anthony (1977), dirigida por Manmohan Desai y escrita por Kader Khan. Manmohan Desai pasó a explotar con éxito el género en las décadas de 1970 y 1980.
Junto con Bachchan, otros actores populares de esta era incluyeron a Feroz Khan, Mithun Chakraborty, Naseeruddin Shah, Jackie Shroff, Sanjay Dutt, Anil Kapoor y Sunny Deol. Las actrices de esta época incluyeron a Hema Malini, Jaya Bachchan, Raakhee, Shabana Azmi, Zeenat Aman, Parveen Babi, Rekha, Dimple Kapadia, Smita Patil, Jaya Prada y Padmini Kolhapure.
Nueva Bollywood (1990-presente)
(feminine)A fines de la década de 1980, el cine hindi experimentó otro período de estancamiento, con una disminución en la participación de taquilla debido al aumento de la violencia, la disminución de la calidad melódica musical y el aumento de la piratería de videos, lo que provocó que el público familiar de clase media abandonara los cines.. El punto de inflexión llegó con Qayamat Se Qayamat Tak (1988), dirigida por Mansoor Khan, escrita y producida por su padre Nasir Hussain, y protagonizada por su primo Aamir Khan con Juhi Chawla. Su combinación de juventud, entretenimiento sano, cocientes emocionales y melodías fuertes atrajo al público familiar de regreso a la pantalla grande. Estableció una nueva plantilla para las películas románticas musicales de Bollywood que definieron el cine hindi en la década de 1990.
El período del cine hindi a partir de la década de 1990 se conoce como "Nuevo Bollywood" cine, vinculado a la liberalización económica en la India a principios de la década de 1990. A principios de la década de 1990, el péndulo había vuelto a girar hacia los musicales románticos centrados en la familia. Qayamat Se Qayamat Tak fue seguido por éxitos de taquilla como Maine Pyar Kiya (1989), Chandni (1989), Hum Aapke Hain Kaun (1994), Dilwale Dulhania Le Jayenge (1995), Raja Hindustani (1996), Dil To Pagal Hai (1997), Pyaar To Hona Hi Tha (1998) y Kuch Kuch Hota Hai (1998). Surgió una nueva generación de actores populares, como Aamir Khan, Aditya Pancholi, Ajay Devgan, Akshay Kumar, Salman Khan (el hijo de Salim Khan) y Shahrukh Khan, y actrices como Madhuri Dixit, Sridevi, Juhi Chawla, Meenakshi Seshadri, Manisha Koirala, Kajol y Karisma Kapoor.
Desde la década de 1990, las tres estrellas más grandes del cine de Bollywood han sido los 'Tres Khans': Aamir Khan, Shah Rukh Khan y Salman Khan. Combinados, han protagonizado la mayoría de las diez películas de Bollywood más taquilleras. Los tres Khan han tenido carreras exitosas desde fines de la década de 1980 y han dominado la taquilla india desde la década de 1990, durante tres décadas.
Influencia en las películas occidentales (2000-presente)
Baz Luhrmann afirmó que su exitosa película musical Moulin Rouge! (2001) se inspiró directamente en los musicales de Bollywood. La película rinde homenaje a la India, incorporando una obra de teatro de temática india y una secuencia de baile al estilo de Bollywood con una canción de la película China Gate. El éxito crítico y financiero de Moulin Rouge! renovó el interés en el entonces moribundo género musical occidental de acción en vivo y, posteriormente, en películas como Chicago, The Producers, Rent, Dreamgirls y Hairspray, lo que impulsó un renacimiento del género.
The Guru y The 40-Year-Old Virgin también presentan secuencias de canciones y bailes al estilo indio; el musical de Bollywood Lagaan (2001) fue nominado al Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera; otras dos películas de Bollywood Devdas (2002) y Rang De Basanti (2006) fueron nominadas al premio BAFTA a la mejor película que no está en idioma inglés; y Slumdog Millionaire (2008), ganadora del Premio de la Academia de Danny Boyle, también presenta un número de canto y baile al estilo de Bollywood durante los créditos finales de la película.
Películas musicales españolas
España tiene una historia y tradición de películas musicales que se hicieron independientemente de la influencia de Hollywood. Las primeras películas surgen durante la Segunda República Española de los años 30 y el advenimiento del cine sonoro. Algunas zarzuelas (opereta española) incluso se adaptaron como guiones durante la era muda. Los inicios del musical español se centraron en los arquetipos románticos españoles: pueblos y paisajes andaluces, gitanos, "bandoleros", copla y otras canciones populares incluidas en el desarrollo de la historia. Estas películas tuvieron incluso más éxito de taquilla que los estrenos de Hollywood en España. Las primeras estrellas del cine español procedían del género musical: Imperio Argentina, Estrellita Castro, Florián Rey (director) y, más tarde, Lola Flores, Sara Montiel y Carmen Sevilla. El musical español comenzó a expandirse y crecer. Aparecen estrellas juveniles y encabezan la taquilla. Marisol, Joselito, Pili & Mili y Rocío Dúrcal fueron las principales figuras del cine musical de los años 60 y 70. Con la transición española a la democracia y el auge de la "cultura movida", el género musical cayó en producción y taquilla, solo salvado por Carlos Saura y sus películas musicales flamencas.
Película musical soviética bajo Stalin
A diferencia de las películas musicales de Hollywood y Bollywood, popularmente identificadas con el escapismo, el musical soviético fue ante todo una forma de propaganda. Vladimir Lenin dijo que el cine era "la más importante de las artes". Su sucesor, Joseph Stalin, también reconoció el poder del cine en la difusión eficiente de la doctrina del Partido Comunista. Las películas eran muy populares en la década de 1920, pero era el cine extranjero el que dominaba el mercado cinematográfico soviético. Las películas de Alemania y Estados Unidos resultaron más entretenidas que los dramas históricos del director soviético Sergei Eisenstein. En la década de 1930, estaba claro que si el cine soviético iba a competir con sus contrapartes occidentales, tendría que darle al público lo que quería: el glamour y la fantasía que obtuvo de Hollywood. La película musical, que surgió en ese momento, encarnó la combinación ideal de entretenimiento e ideología oficial.
Una lucha entre la risa por reír y el entretenimiento con un claro mensaje ideológico definiría la época dorada del musical soviético de las décadas de 1930 y 1940. El entonces director de la industria cinematográfica, Boris Shumyatsky, trató de emular el método de producción de la cinta transportadora de Hollywood, llegando incluso a sugerir el establecimiento de un Hollywood soviético.
Las compañeras alegres
(feminine)En 1930, el estimado director de cine soviético Sergei Eisenstein viajó a los Estados Unidos con su compañero director Grigori Aleksandrov para estudiar el proceso cinematográfico de Hollywood. Las películas estadounidenses impactaron mucho a Aleksandrov, particularmente los musicales. Regresó en 1932 y en 1934 dirigió The Jolly Fellows, el primer musical soviético. La película fue ligera en la trama y se centró más en la comedia y los números musicales. Los funcionarios del partido al principio recibieron la película con gran hostilidad. Aleksandrov defendió su trabajo argumentando la noción de la risa por la risa. Finalmente, cuando Aleksandrov le mostró la película a Stalin, el líder decidió que los musicales eran un medio eficaz para difundir la propaganda. Mensajes como la importancia del trabajo colectivo y las historias de la pobreza a la riqueza se convertirían en las tramas de la mayoría de los musicales soviéticos.
"Películas para millones"
El éxito de The Jolly Fellows aseguró un lugar en el cine soviético para el formato musical, pero inmediatamente Shumyatsky estableció pautas estrictas para asegurarse de que las películas promovieran los valores comunistas. El decreto de Shumyatsky 'Películas para millones' exigió tramas, personajes y montajes convencionales para retratar con éxito el realismo socialista (la glorificación de la industria y la clase trabajadora) en una película.
La primera combinación exitosa de mensaje social y entretenimiento fue Aleksandrov's Circus (1936). Protagonizó a su esposa, Lyubov Orlova (una cantante de ópera que también había aparecido en The Jolly Fellows) como una artista de circo estadounidense que tiene que emigrar a la URSS desde los EE. UU. porque tiene un hijo mestizo., a quien tuvo con un negro. En medio del telón de fondo de lujosas producciones musicales, finalmente encuentra el amor y la aceptación en la URSS, proporcionando el mensaje de que la tolerancia racial solo se puede encontrar en la Unión Soviética.
La influencia de la coreografía de Busby Berkeley en la dirección de Aleksandrov se puede ver en el número musical que conduce al clímax. Otra referencia más obvia a Hollywood es el imitador de Charlie Chaplin que proporciona un alivio cómico a lo largo de la película. Cuatro millones de personas en Moscú y Leningrado fueron a ver Circus durante su primer mes en los cines.
Otra de las películas más populares de Aleksandrov fue The Bright Path (1940). Esta fue una reelaboración del cuento de hadas Cenicienta ambientado en la Unión Soviética contemporánea. La Cenicienta de la historia fue nuevamente Orlova, quien en ese momento era la estrella más popular en la URSS. Era un cuento de fantasía, pero la moraleja de la historia era que una vida mejor viene del trabajo duro. Mientras que en Circus, los números musicales implicaban baile y espectáculo, el único tipo de coreografía en Bright Path es el movimiento de las máquinas de la fábrica. La música se limitó al canto de Orlova. Aquí, el trabajo proporcionaba el espectáculo.
Iván Pyriev
El otro director de películas musicales fue Ivan Pyryev. A diferencia de Aleksandrov, el foco de las películas de Pyryev era la vida en las granjas colectivas. Sus películas, Tractor Drivers (1939), The Swineherd and the Shepherd (1941), y su más famosa, Cossacks of the Kuban (1949) todos protagonizados por su esposa, Marina Ladynina. Al igual que en Bright Path de Aleksandrov, la única coreografía era el trabajo que los personajes estaban haciendo en la película. Incluso las canciones trataban sobre el placer de trabajar.
En lugar de tener un mensaje específico para cualquiera de sus películas, Pyryev promovió el eslogan de Stalin 'la vida se ha vuelto mejor, la vida se ha vuelto más alegre'. A veces, este mensaje contrastaba con la realidad de la época. Durante el rodaje de Cossacks of the Kuban, la Unión Soviética atravesaba una hambruna de posguerra. En realidad, los actores que cantaban sobre una época de prosperidad estaban hambrientos y desnutridos. Sin embargo, las películas proporcionaron escapismo y optimismo al público espectador.
Volga-Volga
La película más popular de la breve era de los musicales estalinistas fue la película Volga-Volga de Alexandrov de 1938. La estrella, nuevamente, fue Lyubov Orlova y la película presentaba cantos y bailes, que no tenían nada que ver con el trabajo. Es el más inusual de su tipo. La trama gira en torno a una historia de amor entre dos individuos que quieren tocar música. No son representativos de los valores soviéticos en el sentido de que se centran más en su música que en sus trabajos. Los gags se burlan de las autoridades locales y la burocracia. No hay glorificación de la industria ya que se lleva a cabo en un pequeño pueblo rural. Tampoco se glorifica el trabajo, ya que la trama gira en torno a un grupo de aldeanos que utilizan su tiempo de vacaciones para realizar un viaje por el Volga y el Canal de Moscú para actuar en Moscú. La película puede verse como una glorificación del canal de Moscú sin ningún indicio de que el canal fue construido por prisioneros del Gulag.
Volga-Volga siguió los principios estéticos del realismo socialista en lugar de los principios ideológicos. Se convirtió en la película favorita de Stalin y se la regaló al presidente Roosevelt durante la Segunda Guerra Mundial. Es otro ejemplo de una de las películas que reivindicaba que la vida es mejor. Lanzado en el apogeo de las purgas de Stalin, proporcionó escapismo y una ilusión reconfortante para el público.
Listas de películas musicales
- Ver Lista de películas musicales por año para una lista de películas musicales en orden cronológico.
- Ver lista de películas de Bollywood para una lista de películas musicales de Bollywood.
- Ver Lista de películas basadas en obras de teatro o musicales para una lista de películas musicales basadas en producciones teatrales.
- Ver Lista de musicales de mayor crecimiento para las películas musicales de mayor crecimiento.
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