Pelicula de guerra
Película de guerra es un género cinematográfico relacionado con la guerra, generalmente sobre batallas navales, aéreas o terrestres, con escenas de combate centrales en el drama. Se ha asociado fuertemente con el siglo XX. La naturaleza fatídica de las escenas de batalla significa que las películas de guerra a menudo terminan con ellas. Los temas explorados incluyen el combate, la supervivencia y el escape, la camaradería entre los soldados, el sacrificio, la futilidad y la inhumanidad de la batalla, los efectos de la guerra en la sociedad y los problemas morales y humanos que plantea la guerra. Las películas de guerra a menudo se clasifican por su entorno, como la Guerra de Corea; el tema más popular es la Segunda Guerra Mundial. Las historias contadas pueden ser ficción, drama histórico o biográfico. Los críticos han notado similitudes entre el western y la película de guerra.
Naciones como China, Indonesia, Japón y Rusia tienen sus propias tradiciones de películas de guerra, centradas en sus propias guerras revolucionarias pero que toman formas variadas, desde acción y drama histórico hasta romance de guerra.
Los subgéneros, no necesariamente distintos, incluyen la lucha contra la guerra, la comedia, la propaganda y el documental. Hay subgéneros similares de la película de guerra en teatros específicos como el desierto occidental del norte de África y el Pacífico en la Segunda Guerra Mundial, Vietnam o la guerra soviético-afgana; y películas ambientadas en dominios específicos de la guerra, como la infantería, el aire, el mar, en submarinos o en campos de prisioneros de guerra.
Género
El género de las películas de guerra no está necesariamente bien definido: el American Film Institute, por ejemplo, habla de "películas para lidiar con la Gran Guerra" sin intentar clasificarlos. Sin embargo, algunos directores y críticos han ofrecido al menos definiciones tentativas. El director Sam Fuller definió el género diciendo que "el objetivo de una película de guerra, sin importar cuán personal o emocional sea, es hacer que el espectador sienta la guerra". John Belton identificó cuatro elementos narrativos de la película de guerra dentro del contexto de la producción de Hollywood: a) la suspensión de la moralidad civil durante tiempos de guerra, b) la primacía de los objetivos colectivos sobre las motivaciones individuales, c) la rivalidad entre hombres en grupos predominantemente masculinos también como marginación y cosificación de la mujer, y d) representación de la reinserción de los veteranos.
El crítico de cine Stephen Neale sugiere que, en su mayor parte, el género está bien definido y es indiscutible, ya que las películas de guerra son simplemente aquellas sobre la guerra que se libra en el siglo XX, con escenas de combate centrales en el drama. Sin embargo, señala Neale, las películas ambientadas en la Guerra Civil Estadounidense o las Guerras Indígenas Estadounidenses del siglo XIX se llamaban películas de guerra en la época anterior a la Primera Guerra Mundial. El crítico Julian Smith argumenta, por el contrario, que el cine bélico carece de los límites formales de un género como el western, pero que en la práctica, "exitosa e influyente" Las películas de guerra tratan sobre las guerras modernas, en particular la Segunda Guerra Mundial, con la combinación de fuerzas móviles y asesinatos en masa. La estudiosa del cine Kathryn Kane señala algunas similitudes entre el género cinematográfico bélico y el western. Ambos géneros utilizan conceptos opuestos como guerra y paz, civilización y salvajismo. Las películas bélicas suelen enmarcar la Segunda Guerra Mundial como un conflicto entre "buenos" y "maldad" representado por las fuerzas aliadas y la Alemania nazi, mientras que el occidental retrata el conflicto entre los colonos civilizados y los pueblos indígenas salvajes. James Clarke señala la similitud entre un western como The Wild Bunch de Sam Peckinpah y "escapadas de películas de guerra" como La Docena Sucia.
La historiadora de cine Jeanine Basinger afirma que partió de una idea preconcebida de lo que sería el género cinematográfico bélico, a saber:
Lo que sabía de antemano era lo que presumiblemente todos los miembros de nuestra cultura sabrían sobre las películas de combate de la Segunda Guerra Mundial, que contenían un héroe, un grupo de tipos mixtos [de personas] y un objetivo militar de algún tipo. Tienen lugar en las zonas de combate reales de la Segunda Guerra Mundial, contra los enemigos establecidos, sobre el suelo, el mar o en el aire. Contienen muchos eventos repetidos, como llamadas por correo, todos presentados visualmente con uniformes, equipos e iconografía adecuados de batalla.
Además, Basinger considera que Bataan proporciona una definición por ejemplo de "la película de combate de la Segunda Guerra Mundial", en la que un grupo diverso y aparentemente inadecuado de "voluntarios reunidos apresuradamente" mantener a raya a un grupo mucho más grande de enemigos gracias a su "valentía y tenacidad". Ella argumenta que la película de combate no es un subgénero sino el único tipo genuino de película de guerra. Dado que señala que, de hecho, solo se realizaron cinco películas de combate real durante la Segunda Guerra Mundial, en su opinión, estas pocas películas, fundamentales para el género, se ven superadas por las muchas otras películas que son solo películas de guerra. Sin embargo, otros críticos, como Russell Earl Shain, proponen una definición mucho más amplia de cine de guerra, para incluir películas que aborden 'los roles de civiles, agentes de espionaje y soldados en cualquiera de los aspectos de la guerra (es decir, preparación, causa)., prevención, conducta, vida cotidiana y consecuencias o secuelas.)" Neale señala que los géneros se superponen, con escenas de combate con diferentes propósitos en otros tipos de películas, y sugiere que las películas de guerra se caracterizan por el combate que "determina el destino de los personajes principales". Esto, a su vez, lleva las escenas de combate a los extremos culminantes de las películas de guerra. Tampoco todos los críticos están de acuerdo en que las películas de guerra deben tratar sobre las guerras del siglo XX. James Clarke incluye Glory (1990), ganadora del Oscar, de Edward Zwick entre las películas de guerra que analiza en detalle; está ambientada en la Guerra Civil Estadounidense, y enumera otras seis películas sobre esa guerra que considera "notable". El guionista y erudito Eric R. Williams identifica las películas de guerra como uno de los once supergéneros en sus guionistas & # 39; taxonomía, afirmando que todos los largometrajes narrativos pueden clasificarse como pertenecientes a uno de ellos.
El historiador militar británico Antony Beevor "desesperación[s]" sobre cómo los cineastas de Estados Unidos y Gran Bretaña "juegan rápido y suelto con los hechos", pero dan a entender que "su versión es tan buena como la verdad". Por ejemplo, llama a la película estadounidense de 2000 U-571 un "engaño desvergonzado" por fingir que un buque de guerra estadounidense había ayudado a ganar la Batalla del Atlántico, siete meses antes de que Estados Unidos entrara en guerra. Es igualmente crítico con la película Dunkerque de Christopher Nolan de 2017 con sus playas vacías sin precedentes, combates aéreos a baja altura sobre el mar y rescates principalmente por parte de los 'pequeños barcos'.. Beevor cree, sin embargo, que los cineastas de Europa continental suelen ser "mucho más escrupulosos"; por ejemplo, en su opinión, la película alemana de 2004 Downfall representó con precisión los eventos históricos de los últimos días de Hitler en su búnker de Berlín, y considera que la película francesa de 1965 The 317th Platoon, ambientada en Vietnam, "la mejor película de guerra jamás realizada". La película de 1966 La batalla de Argel es, argumenta, un segundo cercano.
Historia
Guerra Civil Americana
La guerra más costosa en la historia de los EE. UU. en términos de la vida estadounidense, esta guerra ha sido el tema o el telón de fondo de numerosas películas, documentales y miniseries. Una de las primeras películas que utilizó la Guerra Civil como tema fue D.W. La película muda de 1910 de Griffith, El fugitivo. Las películas que tienen la guerra como tema principal, o sobre un determinado aspecto de la guerra, incluyen la película de 1989 Glory, sobre la primera unidad formal del Ejército de la Unión durante la Guerra Civil Estadounidense que se compuso. íntegramente de hombres negros. Algunas películas como Gettysburg se centraron en una sola batalla durante la guerra, o incluso en un solo incidente, como el cortometraje francés La Rivière du Hibou (An Occurrence en el puente Owl Creek). Otras, como la miniserie de 1993 Norte y Sur, abarcaron toda la guerra. Algunas películas tratan los aspectos humanos de la guerra, como The Red Badge of Courage (1951), o Shenandoah (1965), sobre la tragedia que la guerra infligió a la población civil. The Civil War de Ken Burns es el documental más visto en la historia de PBS.
La Guerra Hispanoamericana
Las primeras películas de guerra provienen de la Guerra Hispanoamericana de 1898. Breves "actualities"—clips de películas documentales—incluidos Burial of the Maine Victims, Blanket -Lanzamiento de un nuevo recluta y Soldados lavando platos. Estas películas que no eran de combate iban acompañadas de "recreaciones" de lucha, como 'Rough Riders' de Theodore Roosevelt; en la acción contra los españoles, escenificada en los Estados Unidos.
Primera Guerra Mundial
Durante la Primera Guerra Mundial, se hicieron muchas películas sobre la vida en la guerra. Los temas incluyeron prisioneros de guerra, operaciones encubiertas y entrenamiento militar. Tanto las potencias centrales como los aliados produjeron documentales de guerra. Las películas también se utilizaron como propaganda en países neutrales como Estados Unidos. Entre ellos se encontraba una película filmada en el frente oriental por el fotógrafo de guerra oficial de las potencias centrales, Albert K. Dawson: La batalla y caída de Przemysl (1915), que representa el asedio de Przemyśl, desastroso para el austriacos, con incidentes recreados utilizando soldados como extras.
La película australiana de 1915 Within Our Gates (también conocida como Deeds that Won Gallipoli) de Frank Harvey fue descrita por Motion Picture News como "una muy buena historia de guerra, que es excepcional".
La película británica de 1916 La batalla del Somme, de dos directores de fotografía oficiales, Geoffrey Malins y John McDowell, combinó documental y propaganda, buscando dar al público una impresión de cómo era la guerra de trincheras. Gran parte de la película se rodó en locaciones del Frente Occidental en Francia; tuvo un poderoso impacto emocional. Fue vista por unos 20 millones de personas en Gran Bretaña en sus seis semanas de exhibición, lo que la convirtió en lo que la crítica Francine Stock llamó "una de las películas más exitosas de todos los tiempos".
La película estadounidense de 1925 The Big Parade mostraba elementos poco glamurosos de la guerra: el protagonista pierde la pierna y sus amigos mueren. Wings (1927) de William A. Wellman mostraba el combate aéreo durante la guerra y se realizó en cooperación con el Army Air Corps. Resultó ser una poderosa herramienta de reclutamiento. Se convirtió en la primera película (en cualquier género) en recibir un Oscar a la mejor película. Películas posteriores de variados géneros que tratan sobre la Primera Guerra Mundial incluyen la 'épica colosal' de David Lean, tanto una película de guerra como una película biográfica Lawrence de Arabia (1962), rodada en el entonces desconocido y emocionante Technicolor de 70 mm, y descrito por Steven Spielberg como "quizás el mejor guión jamás escrito para el medio cinematográfico"; La comedia musical satírica contra la guerra de Richard Attenborough basada en la obra del mismo nombre de Joan Littlewood, Oh! Qué hermosa guerra (1969); El drama bélico de Spielberg de 2011 War Horse se basó en la novela infantil del mismo nombre de Michael Morpurgo.
Muchas de las películas promocionadas como "documentales" agregó contexto a las escenas auténticas del campo de batalla al organizar eventos críticos e inventó episodios y diálogos para aumentar la emoción a costa de la autenticidad.
Guerra Civil Finlandesa
Aunque la guerra civil finlandesa de 1918 entre blancos y rojos siguió siendo un tema controvertido un siglo después en Finlandia, muchos cineastas finlandeses han retomado el tema, a menudo basando su trabajo en un libro. En 1957, 1918 de Toivo Särkkä, basada en la obra de teatro y la novela de Jarl Hemmer, se proyectó en el 7º Festival Internacional de Cine de Berlín. Películas recientes incluyen The Border de 2007 de Lauri Törhönen y Tears of April de 2008 de Aku Louhimies, basada en la novela de Leena Lander. Quizás la película más famosa sobre la guerra civil finlandesa es Aquí, bajo la estrella polar de Edvin Laine de 1968, basada en los dos primeros libros de Bajo la luz de Väinö Linna. trilogía Estrella del Norte; describe la guerra civil desde el bando perdedor, la Guardia Roja de Finlandia.
Guerra Civil Española
La Guerra Civil Española ha atraído a directores de diferentes países. Por quién doblan las campanas (1943) de Sam Wood, basada en el libro del mismo nombre de Ernest Hemingway, retrata el romance predestinado entre un estadounidense interpretado por Gary Cooper y un partisano. interpretada por Ingrid Bergman en el contexto de la guerra civil. La épica película de 168 minutos con sus paisajes filmados en Technicolor y un "hermoso" La partitura orquestal fue un éxito tanto de público como de crítica. Guernica (1950) de Alain Resnais usa la pintura de Picasso de 1937 del mismo nombre para protestar contra la guerra. La Caza (The Hunt, 1966) de Carlos Saura utiliza la metáfora de la caza para criticar la agresividad del fascismo español. Ganó el Oso de Plata al Mejor Director en el 16º Festival Internacional de Cine de Berlín en 1966. Land and Freedom (Tierra y Libertad, 1995) de Ken Loach, vagamente basado en Homenaje a Cataluña de George Orwell, sigue a un comunista británico a través de la guerra para revelar las dolorosas contradicciones dentro del lado republicano antifascista.
Guerra de Corea
El casco de acero (1951) de Samuel Fuller se realizó durante la Guerra de Corea (1950-1953). El crítico Guy Westwell señala que cuestionó la conducción de la guerra, al igual que películas posteriores como The Bridges at Toko-Ri (1954) y Pork Chop Hill (1959). Fuller estuvo de acuerdo en que todas sus películas eran contra la guerra. Ninguna película de Hollywood sobre la Guerra de Corea tuvo buenos resultados en taquilla; el historiador Lary May sugirió en 2001 que recordaban a los espectadores estadounidenses "la única guerra que hemos perdido".
En 1955, después de los combates, la exitosa película de acción surcoreana Piagol sobre las atrocidades de la guerrilla izquierdista alentó a otros cineastas. El gobierno militar de la década de 1960 castigó a los cineastas procomunistas y otorgó los premios Grand Bell a las películas con el mensaje anticomunista más fuerte. The Taebaek Mountains (1994) trataba sobre izquierdistas del sur que luchaban por los comunistas, mientras que Silver Stallion (1991) y Spring in My Hometown (1998) mostró el impacto destructivo de la presencia militar estadounidense en la vida del pueblo. Las violentas películas de acción Shiri (1999) y Joint Security Area (2000) presentaron a Corea del Norte bajo una luz favorable.
Las películas en Corea del Norte fueron realizadas por estudios de cine del gobierno y tenían mensajes políticos claros. El primero fue My Home Village (1949), sobre la liberación de Corea de los japoneses, presentado como obra de Kim Il Sung sin la ayuda de los estadounidenses. Del mismo modo, las películas del país sobre la Guerra de Corea muestran la victoria sin la ayuda de los chinos. El estudioso del cine Johannes Schönherr concluye que el propósito de estas películas es "retratar a Corea del Norte como un país sitiado", y que dado que EE. UU. y su "títere" Corea del Sur invadió el Norte una vez, lo volverían a hacer.
Guerra de Argelia
La dramática Batalla de Argel de Gillo Pontecorvo ((italiano: La battaglia di Algeri; árabe: معركة الجزائر; francés: La Bataille d'Alger), 1966) retrató los acontecimientos de la guerra de Argelia (1954-1956). Se rodó en exteriores como una coproducción ítalo-argelina. Tenía el estilo de noticiero en blanco y negro del neorrealismo italiano, y muestra imparcialmente la violencia en ambos lados. Ganó varios premios, incluido el León de Oro en el Festival de Cine de Venecia. Fue atacada por la crítica francesa y prohibida en Francia durante cinco años, al igual que Jamila, la argelina (1958).
Guerra de Vietnam
Pocas películas anteriores a fines de la década de 1970 sobre la guerra de Vietnam mostraban realmente el combate; las excepciones incluyen Los boinas verdes (1968). Críticos como Basinger explican que Hollywood evitó el tema debido a la oposición a la participación de Estados Unidos en la Guerra de Vietnam, lo que genera división en el tema; además, la industria cinematográfica estaba en crisis y el ejército no deseaba ayudar en la realización de películas contra la guerra.
Desde finales de la década de 1970, las películas financiadas y producidas de forma independiente le mostraron a Hollywood que Vietnam podía tratarse en una película. Las representaciones exitosas pero muy diferentes de la guerra en la que Estados Unidos había sido derrotado incluyeron The Deer Hunter (1978) de Michael Cimino y Apocalypse Now de Francis Ford Coppola. yo> (1979). Con el cambio en la política estadounidense hacia la derecha en la década de 1980, el éxito militar podría volver a mostrarse en películas como Pelotón de Oliver Stone (1986), de Stanley Kubrick Full Metal Jacket (1987) y Hamburger Hill de John Irvin (1987).
El director vietnamita Nguyễn Hồng Sến's El Abandoned Field: Free Fire Zone (Cánh đồng hoang, 1979) ofrece una "inquietante y convincente... visión subjetiva de la cámara" de vida bajo fuego de helicópteros en el delta del Mekong durante la Guerra de Vietnam. La película muestra una "vista de helicóptero" (estadounidense), que contrasta dolorosamente con la ternura humana vista anteriormente.
Guerras posteriores
La nueva versión de Dino Mustafić (2003), escrita por Zlatko Topčić, cuenta las historias paralelas sobre la mayoría de edad de un padre que vive en Sarajevo durante la Segunda Guerra Mundial y su hijo que vive el asedio de Sarajevo durante la guerra de Bosnia. Según Topčić, la historia se basa en incidentes de su propia vida.
La guerra de Irak sirvió como historia de fondo de películas estadounidenses, como The Hurt Locker de 2008, Green Zone de 2010 y American Sniper a partir de 2014.
La guerra en Afganistán desde 2001 fue representada en varias películas, entre ellas Restrepo en 2010 y Lone Survivor de 2013.
Segunda Guerra Mundial
Fabricado por los aliados occidentales
Las primeras películas populares de guerra aliadas realizadas durante la Segunda Guerra Mundial procedían de Gran Bretaña y combinaban las funciones de documental y propaganda. Películas como The Lion Has Wings y Target for Tonight se realizaron bajo el control de la División de Cine del Ministerio de Información. La industria cinematográfica británica comenzó a combinar técnicas documentales con historias de ficción en películas como In Which We Serve (1942) de Noël Coward y David Lean, la película británica más exitosa del siglo. años de guerra: Millones como nosotros (1943), y El camino por delante (1944).
En Estados Unidos, los documentales se produjeron de varias formas: el general Marshall encargó la serie de propaganda Por qué luchamos a Frank Capra; la División de Información y Educación del Departamento de Guerra comenzó haciendo películas de entrenamiento para la Fuerza Aérea y la Marina de los EE. UU.; el ejército hizo lo suyo a través del U.S. Signal Corps, incluido The Battle of San Pietro de John Huston. Hollywood hizo películas con mensajes de propaganda sobre los aliados de Estados Unidos, como Mrs. Miniver (1942), que retrata a una familia británica en el frente interno; Edge of Darkness (1943) mostraba a los combatientes de la resistencia noruega, y The North Star (1943) mostraba a la Unión Soviética y su Partido Comunista. Hacia el final de la guerra, los libros populares proporcionaron historias más serias y de mayor calidad para películas como Diario de Guadalcanal (1943), Treinta segundos sobre Tokio de Mervyn LeRoy (1944) y Eran prescindibles de John Ford (1945).
La Unión Soviética también apreció el valor propagandístico del cine, para dar a conocer tanto las victorias como las atrocidades alemanas. El documental de Ilya Kopalin Moscú contraataca (en ruso: Разгром немецких войск под Москвой, literalmente "La derrota de las tropas alemanas cerca Moscú"), se realizó durante la Batalla de Moscú entre octubre de 1941 y enero de 1942. Representaba a civiles que ayudaban a defender la ciudad, el desfile en la Plaza Roja y el discurso de Stalin que incitaba al pueblo ruso a la batalla, combates reales, alemanes rindiéndose y muertos, y atrocidades que incluyen niños asesinados y civiles ahorcados. Ganó un premio de la Academia en 1943 al mejor documental. Cámaras de noticieros fueron trasladadas de manera similar a Stalingrado a principios de 1943 para grabar "el espectáculo que recibió a los soldados rusos": la hambruna de los prisioneros de guerra rusos en el campo de Voropovono por parte del Sexto Ejército alemán, derrotado en la batalla de Stalingrado..
Los largometrajes realizados en Occidente durante la guerra estaban sujetos a censura y no siempre eran de naturaleza realista. Uno de los primeros en intentar representar la violencia, y que fue elogiado en su momento por su "realismo descarnado", fue Bataan (1943) de Tay Garnett. La representación en realidad permaneció estilizada. Jeanine Basinger pone como ejemplo la "peor imagen de violencia descarnada" cuando un soldado japonés decapita a un estadounidense: la víctima muestra dolor y sus labios se congelan en un grito, pero no brota sangre y su cabeza no se cae. Basinger señala que si bien esto es físicamente poco realista, puede que no lo haya sido psicológicamente. El público de la época de la guerra, señala, era muy consciente de los amigos y parientes que habían muerto o que habían vuelto a casa heridos.
Fabricado por las potencias del Eje
Las potencias del Eje también hicieron películas durante la Segunda Guerra Mundial, con fines propagandísticos y de otro tipo. En Alemania, el alto mando del ejército sacó a la luz Sieg im Westen ("Victoria en Occidente", 1941). Otras películas de propaganda nazi tenían temas variados, como Kolberg (1945), que describe la obstinada resistencia prusiana en el Sitio de Kolberg (1807) contra las tropas invasoras francesas bajo el mando de Napoleón. El ministro de propaganda Joseph Goebbels eligió el tema histórico como adecuado para el empeoramiento de la situación que enfrenta la Alemania nazi cuando se filmó desde octubre de 1943 hasta agosto de 1944. Más de ocho millones de marcos, utilizando miles de soldados como extras y 100 vagones de ferrocarril llenos de sal para simular nieve., fue la película alemana más costosa realizada durante la guerra. El sitio real terminó con la rendición de la ciudad; en la película, los generales franceses abandonan el asedio.
Para Japón, la guerra comenzó con la guerra no declarada y la invasión de China en 1937, que las autoridades japonesas llamaron "El incidente de China". El gobierno envió una "brigada de correos" escribir y filmar la acción en China con "valores humanistas". Por ejemplo, Mud and Soldiers (1939) de Tomotaka Tasaka, rodada en China, Legend of Tank Commander Nishizumi de Kōzaburō Yoshimura y Sato Takeshi& #39;s Chocolate and Soldiers (1938) muestran al soldado japonés común como un individuo y como un hombre de familia, e incluso los soldados chinos enemigos se presentan como individuos, a veces luchando con valentía. Una vez que se declaró la guerra con los Estados Unidos, el conflicto japonés se conoció como la Guerra del Pacífico. A los críticos de cine japoneses les preocupaba que, incluso con las técnicas cinematográficas occidentales, su producción cinematográfica no representara los valores nativos japoneses. El historiador John Dower descubrió que las películas japonesas de guerra se habían olvidado en gran medida, ya que "los perdedores no tienen reposiciones", pero eran tan sutiles y hábiles que Frank Capra pensó que Chocolate and Soldiers era imbatible.. Los héroes eran típicamente oficiales de bajo rango, no samuráis, tranquilamente dedicados a sus hombres y su país. Estas películas no personalizaban al enemigo y, por lo tanto, carecían de odio, aunque Gran Bretaña podría figurar como el "enemigo cultural". Para los cineastas japoneses, la guerra no era una causa, sino más bien un desastre natural, y "lo que importaba no era contra quién se luchaba sino qué tan bien". Los enemigos asiáticos, especialmente los chinos, a menudo se presentaban como compañeros redimibles e incluso posibles para el matrimonio. Las películas japonesas de tiempos de guerra no glorifican la guerra, pero presentan al estado japonés como una gran familia y al pueblo japonés como un "pueblo inocente, sufriente y abnegado". Dower comenta que la perversidad de esta imagen "es obvia: no reconoce que, en todos los niveles, los japoneses también victimizaron a otros".
Posguerra
Según Andrew Pulver de The Guardian, la fascinación del público por las películas de guerra se convirtió en una "obsesión", con más de 200 películas de guerra producidas en cada década de los años 50 y 60. La producción de películas de guerra en el Reino Unido y Estados Unidos alcanzó su cénit a mediados de la década de 1950. Su popularidad en el Reino Unido se debió al éxito comercial y de crítica de The Cruel Sea (1953) de Charles Frend. Como otras de la época, El mar cruel se basó en una novela superventas, en este caso la historia de la batalla del Atlántico del excomandante naval Nicolás Monsarrat. Otros, como The Dam Busters (1954), con su emocionante historia sobre la poco ortodoxa bomba que rebota del inventor Barnes Wallis y su distintivo tema musical, eran historias reales. The Dam Busters se convirtió en la película más popular en Gran Bretaña en 1955, y siguió siendo una de las favoritas a partir de 2015 con una puntuación del 100 % en Rotten Tomatoes, aunque, en parte porque celebró un "exclusivamente británico [ victoria]", fracasó en el mercado americano. En particular, se realizó una gran cantidad de películas de guerra en el período 1955-1958. Solo en 1957, Bitter Victory, Count Five and Die, The Enemy Below, Ill Met by Moonlight, Men in War, The One That Got Away y Seven Thunders, y las películas de gran éxito y aclamadas por la crítica The Bridge on the River Se estrenaron Kwai (que ganó el Premio de la Academia a la Mejor Película ese año) y Paths of Glory. Algunos, como Bitter Victory, se centraron más en la batalla psicológica entre los oficiales y el egoísmo que en los acontecimientos de la guerra. El puente sobre el río Kwai aportó una nueva complejidad al panorama bélico, con una sensación de incertidumbre moral en torno a la guerra. A finales de la década, el "sentido de logro compartido" que había sido común en las películas de guerra 'comenzó a evaporarse', según Pulver.
Las películas de Hollywood en las décadas de 1950 y 1960 podían mostrar actos heroicos o sacrificios personales espectaculares, como en la popular Sands of Iwo Jima (1949), protagonizada por John Wayne. Los marines estadounidenses consideraron Sands of Iwo Jima visualmente auténticas, pero encontraron Battle Cry (1955) de Lewis Milestone, con su atención a las vidas de los hombres, cuanto más película realista La fórmula para una película de guerra exitosa consistía, según Lawrence Suid, en un pequeño grupo de hombres étnicamente diversos; un oficial superior irrazonable; los cobardes se volvieron heroicos, o murieron. Jeanine Basinger sugiere que una película de guerra tradicional debería tener un héroe, un grupo y un objetivo, y que el grupo debería contener 'un italiano, un judío, un cínico quejoso de Brooklyn, un francotirador de las montañas, un medio oeste (apodado por su estado, 'Iowa' o 'Dakota'), y un personaje que debe ser iniciado de alguna manera". Películas basadas en misiones reales de comandos, como The Gift Horse (1952) basada en el St. Nazaire Raid, y Ill Met by Moonlight (1956) basada en la captura del comandante alemán de Creta, inspiradas en la ficción películas de aventuras como Los cañones de Navarone (1961), El tren (1964) y Donde se atreven las águilas (1968). Estos utilizaron la guerra como telón de fondo para una acción espectacular.
Darryl F. Zanuck produjo el drama documental de 178 minutos The Longest Day (1962), basado en el primer día del desembarco del Día D, logrando éxito comercial y premios Oscar. Le siguieron películas a gran escala pero bien pensadas como Ivan's Childhood (1962) de Andrei Tarkovsky, y epopeyas cuasi-documentales filmadas en Europa como Batalla de las Ardenas (1965), Batalla de Gran Bretaña (1969), La Batalla de Neretva (1969), Midway (1976) y Un puente demasiado lejos (1977). En opinión de Lawrence Suid, The Longest Day "sirvió como modelo para todos los combates espectaculares posteriores". Sin embargo, su costo también la convirtió en la última de las películas bélicas tradicionales, mientras que la polémica en torno a la ayuda brindada por el Ejército de EE. UU. y el 'desprecio por las relaciones del Pentágono' de Zanuck's cambió la forma en que Hollywood y el ejército colaboraron.
Zanuck, por entonces ejecutivo de 20th Century Fox, montó una coproducción entre Estados Unidos y Japón para Tora! de Richard Fleischer. Torá! Tora! (1970) para describir lo que "realmente sucedió el 7 de diciembre de 1941" en el ataque sorpresa a Pearl Harbor. La película, criticada por Roger Ebert y The New York Times, fue un gran éxito en Japón. Su metraje de ataque de aspecto realista se reutilizó en películas posteriores como Midway (1976), The Final Countdown (1980) y Australia (2008).). La historia fue revisada en Pearl Harbor (2001), descrita por The New York Times como un "nuevo éxito de taquilla ruidoso, caro y muy largo", con el comentario de que "a pesar de todas sus pretensiones épicas (como si la épica fuera una cuestión de duración, música tumescente y pronunciamientos serios en off), la película funciona mejor como una película de acción explosiva".
Salvando al soldado Ryan (1998) de Steven Spielberg utiliza una cámara en mano, diseño de sonido, puesta en escena y más detalles audiovisuales para desfamiliarizar a los espectadores acostumbrados a las películas de combate convencionales, de modo que para crear lo que el historiador de cine Stuart Bender llama "realismo informado", ya sea que la representación sea genuinamente más realista o no. Jeanine Basinger señala que los críticos lo experimentaron como "innovador y antigenérico", con, en palabras de James Wolcott, un "deseo de enterrar la bola de maíz, reclutando a la leyenda del cartel de John Wayne: para hacerlo bien esta vez"; y que las películas de combate siempre han estado "basadas en la necesidad de ayudar al público a comprender y aceptar la guerra". Su éxito revivió el interés por las películas de la Segunda Guerra Mundial. Otros trataron de retratar la realidad de la guerra, como en Stalingrad (1993) de Joseph Vilsmaier, que según The New York Times "va como hasta donde puede llegar una película en la representación de la guerra moderna como una forma de masacre en masa que revuelve el estómago".
Relaciones militares-industria cinematográfica
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Muchas películas de guerra se han producido con la cooperación de las fuerzas militares de una nación. Desde la Segunda Guerra Mundial, la Marina de los Estados Unidos ha proporcionado barcos y orientación técnica para películas como Top Gun. La Fuerza Aérea de EE. UU. ayudó con The Big Lift, Strategic Air Command y A Gathering of Eagles, que se filmaron en las bases de la Fuerza Aérea; El personal de la Fuerza Aérea apareció en muchos roles. Los críticos han argumentado que el retrato sesgado hacia Estados Unidos de los acontecimientos de la película Pearl Harbor es una compensación por la asistencia técnica recibida de las fuerzas armadas estadounidenses, señalando que el estreno se llevó a cabo a bordo de un buque de la Marina estadounidense transportador. En otro caso, la Marina de los EE. UU. se opuso a elementos de Crimson Tide, especialmente un motín a bordo de un buque de guerra estadounidense, por lo que la película se produjo sin su ayuda. El historiador de cine Jonathan Rayner observa que tales películas "también han tenido la clara intención de cumplir funciones vitales de propaganda, reclutamiento y relaciones públicas".
Tradiciones nacionales
China
(feminine)Las primeras películas de guerra chinas fueron noticieros como Battle of Wuhan (1911) y Battle of Shanghai (1913). Todavía en películas como Battle Exploits (1925) de Xu Xinfu, la guerra aparece principalmente como trasfondo. Solo con la Segunda Guerra Sino-Japonesa de 1937 en adelante, el cine bélico se convirtió en un género serio en China, con películas nacionalistas como Protect Our Land (1938) de Shi Dongshan. La Guerra Civil China también atrajo películas como From Victory to Victory (1952) de Cheng Yin. Una película más humanista ambientada en el mismo período es The Cradle (1979) de Xie Jin, mientras que las películas comerciales a gran escala más recientes incluyen City of Life and Death de Lu Chuan (2009). Los directores chinos han intentado repetidamente cubrir las atrocidades cometidas por los japoneses durante la masacre de Nanking (1937-1938), con películas como el melodrama político Masacre en Nanjing, el docudrama de Mou Tun Fei Black Sun: The Nanking Massacre, y el "romance artificial chino-japonés" No llores, Nankín. La épica película china de Zhang Yimou Flowers of War (2011), basada en la novela de Geling Yan, retrata los hechos violentos a través de los ojos de una niña de 13 años.
Indonesio
Muchas películas indonesias tratan sobre la ocupación del archipiélago por parte de los japoneses durante la Segunda Guerra Mundial. Doea Tanda Mata (Mementos, literalmente "Two Eye Marks", 1985) de Teguh Karya cubre la resistencia nacionalista limitada al dominio colonial holandés en la década de 1930 Un tercer grupo de películas como Enam Djam di Jogja (Seis horas en Yogyakarta, 1951) y Serangan Fajar (Ataque al amanecer , 1983) cubre la guerra de independencia de Indonesia (1945–1949). Otras dos películas sobre el mismo período retratan el equivalente indonesio de la Larga Marcha china: Darah dan Doa de Usmar Ismail (La Larga Marcha, literalmente " Blood and Prayer", 1950) y Mereka Kembali (Regresan, 1975). Cada una de estas películas interpreta el pasado desde la perspectiva de su propio tiempo.
La trilogía más reciente Merdeka (Libertad) (2009-2011), que comienza con Merah Putih ("Rojo y blanco", los colores de la bandera de la nueva Indonesia), revisita la campaña por la independencia a través de la vida de un grupo diverso de cadetes que se convierten en guerrilleros.
Noviembre de 1828 (1979) de Karya analiza la lucha de Indonesia por la independencia a través del drama histórico sobre la guerra de Java o Diponegoro (1825-1830), aunque el enemigo colonial era lo mismo, los holandeses. Deanne Schultz lo consideró "una interpretación valiosa" de la historia de Indonesia que "encarna lo mejor del cine popular indonesio". Fue la primera película de Indonesia en ser conocida internacionalmente.
Soviética
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La guerra ha sido el género principal del cine de la Unión Soviética, llegando a ser conocido como el 'frente del cine', y sus películas de guerra iban desde representaciones sombrías de atrocidades hasta escenas sentimentales e incluso Cuentas discretamente subversivas. Leonid Lukov's popular y "hermoso" Dos guerreros (1943) representaba a dos soldados soviéticos estereotípicos, un ruso tranquilo y un sureño extrovertido de Odessa, cantando en su banquillo.
Las muchas películas soviéticas sobre la Segunda Guerra Mundial incluyen tanto epopeyas a gran escala como la Batalla de Moscú de Yury Ozerov (1985) como la más psicológica de Mikhail Kalatozov. >The Cranes are Flying (1957) sobre los crueles efectos de la guerra; ganó la Palma de Oro de 1958 en Cannes.
Japonesa
(feminine)Los directores japoneses han realizado películas populares como Submarine I-57 Will Not Surrender (1959), Battle of Okinawa (1971) y Japan' s Longest Day (1967) desde una perspectiva japonesa. Estos "generalmente no explican la causa de la guerra". En las décadas inmediatamente posteriores a la Segunda Guerra Mundial, las películas japonesas a menudo se centraban en la tragedia humana en lugar del combate, como The Burmese Harp (1956) y Fires on the Plain (1959).). Desde finales de la década de 1990, las películas comenzaron a tener una visión positiva de la guerra y de las acciones japonesas. Estas películas nacionalistas, incluidas Pride (1998), Merdeka 17805 (2001) y The Truth about Nanjing (2007), han enfatizado los rasgos positivos del ejército japonés y sostuvo que los japoneses fueron víctimas de la venganza y la crueldad de la posguerra. Sin embargo, tales películas han sido objeto de protestas por revisionismo. The Eternal Zero (2013) narra la historia de un piloto de caza Zero que es considerado un cobarde por sus camaradas, ya que regresa con vida de sus misiones. Rompió el récord de recaudación de una película japonesa de acción en vivo y ganó el Golden Mulberry en el Festival de Cine del Lejano Oriente de Udine, pero fue criticada por su simpatía nacionalista con los pilotos kamikaze.
Subgéneros
Documental
Las autoridades durante la guerra tanto en Gran Bretaña como en Estados Unidos produjeron una amplia variedad de documentales. Sus propósitos incluían entrenamiento militar, asesoramiento a civiles y estímulo para mantener la seguridad. Dado que estas películas a menudo llevaban mensajes, se clasifican en propaganda. De manera similar, las películas producidas comercialmente a menudo combinaban información, apoyo al esfuerzo bélico y cierto grado de propaganda. Los noticieros, aparentemente simplemente con fines informativos, se realizaron tanto en los países aliados como en los del Eje y, a menudo, se dramatizaron. Más recientemente, en la guerra Irán-Irak, la serie de televisión Ravayat-e Fath (Crónicas de la victoria) de Morteza Avini combinó imágenes de primera línea con comentarios.
Propaganda
El drama histórico de Sergei Eisenstein de 1938 Alexander Nevsky describe la derrota del príncipe Alejandro en el intento de invasión de la ciudad rusa de Novgorod por parte de los Caballeros Teutónicos. En abril de 1939, la película había sido vista por 23.000.000 de personas. En 1941, el director y otros tres recibieron el Premio Stalin por sus contribuciones. La película cuenta con una partitura musical del compositor clásico Sergei Prokofiev, considerada por artistas como el compositor André Previn la mejor escrita jamás para el cine. Russell Merritt, escribiendo en Film Quarterly, la describe como una "película de propaganda de guerra". Una encuesta de Mondadori de 1978 colocó a Alexander Nevsky entre las 100 mejores películas del mundo.
Durante la Segunda Guerra Mundial, la propaganda cinematográfica fue muy utilizada. Kenneth Clark aconsejó al gobierno británico que "si renunciáramos al interés por el entretenimiento como tal, podríamos vernos privados de un arma valiosa para transmitir nuestra propaganda"; sugirió usar documentales sobre la guerra y el esfuerzo bélico; celebraciones de lo británico; y películas sobre la vida y el carácter británicos. Michael Powell y Clark coincidieron en una historia sobre los supervivientes de la tripulación de un submarino, imbuidos de la brutal ideología nazi, que viajan por Canadá y se encuentran con varios canadienses amables, tolerantes e inteligentes, para animar a Estados Unidos a participar en la guerra. La película resultante, 49th Parallel (1941), se convirtió en la mejor película de las oficinas británicas ese año. Las películas entretenidas también pueden llevar mensajes sobre la necesidad de vigilancia, como en Went the Day Well? (1942) o evitar la "charla descuidada", como en The Pariente más cercano (1942).
En Estados Unidos, El gran dictador de Charlie Chaplin (1940) claramente satirizaba el fascismo. Casablanca (1943) de Michael Curtiz no era simplemente un romance entre los personajes interpretados por Humphrey Bogart e Ingrid Bergman, sino que vilipendiaba a los nazis y glorificaba la resistencia a ellos. La serie Por qué luchamos de Frank Capra (1942-1945) ganó el Premio de la Academia de 1942 al mejor documental, aunque fue diseñado para "influir en la opinión de las fuerzas armadas estadounidenses".
Durante la Guerra Fría, "la propaganda desempeñó un papel tan importante en los Estados Unidos' lucha con la Unión Soviética al igual que los miles de millones de dólares gastados en armamento." Face to Face with Communism (1951) dramatizó una invasión imaginaria de los Estados Unidos; otras películas retrataron amenazas como el adoctrinamiento comunista.
Submarina
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Las películas de submarinos tienen sus propios significados y convenciones particulares, relacionados específicamente con dar el efecto de una guerra submarina. Un elemento distintivo de este subgénero es la banda sonora, que intenta traer a casa la naturaleza emocional y dramática del conflicto bajo el mar. Por ejemplo, en Das Boot de Wolfgang Petersen de 1981, el diseño de sonido funciona junto con el formato de película de una hora de duración para representar una persecución prolongada con cargas de profundidad, el ping del sonar y sonidos amenazantes como como de las hélices de los destructores y torpedos enemigos. Las películas clásicas del género incluyen The Enemy Below (1957) y Run Silent, Run Deep (1958), ambas basadas en novelas de comandantes navales. Run Silent, Run Deep es una película llena de tensión, tanto con el enemigo como entre las personalidades contrastantes del comandante del submarino y su lugarteniente, interpretados por Clark Gable y Burt Lancaster.
Prisionera de guerra
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Un subgénero popular de las películas de guerra en las décadas de 1950 y 1960 fue la película de prisioneros de guerra. El género se popularizó en Gran Bretaña con películas importantes como The Colditz Story (1955) de Guy Hamilton y The Great Escape (1963) de John Sturges.). Contaron historias de fugas reales de campos de prisioneros de guerra alemanes como Stalag Luft III en la Segunda Guerra Mundial. A pesar de los episodios de peligro y tragedia humana, estas películas se deleitan en un continuo juego infantil de escape e ingenio, celebrando el coraje y el espíritu desafiante de los prisioneros de guerra y tratando la guerra como diversión. Bridge on the River Kwai (1957) de David Lean fue elegida mejor película en los premios Oscar; llevó el género de las frías prisiones alemanas al calor de un campo en Tailandia. También fue el primero en usar colores exuberantes para resaltar el rígido labio superior británico del coronel, interpretado por Alec Guinness en una actuación ganadora del Oscar. El "definitivo" La película de prisioneros de guerra ganadora de un Oscar fue Stalag 17 (1953) de Billy Wilder, mientras que las breves pero poderosas escenas del campo de prisioneros de The Deer Hunter (1978) prestan un aire de tragedia a toda esa película.
Comedia
Shoulder Arms (1918) de Charlie Chaplin marcó un estilo para las películas bélicas futuras y fue la primera comedia sobre la guerra en la historia del cine.
El cine británico en la Segunda Guerra Mundial marcó la evacuación de los niños de Londres con comedias sociales como Those Kids from Town (1942) donde los evacuados van a quedarse con un conde (un noble del país), mientras que en Cottage to Let (1941) y Went the Day Well? (1942) la campiña inglesa está plagada de espías. Gasbags (1941) ofreció "loca, irreverente, extravagante" comedia que se burla de todo, desde globos aerostáticos hasta campos de concentración. Buck Privates (1941) de Abbott y Costello tuvo éxito en Estados Unidos, lo que dio lugar a muchas otras comedias de guerra.
Animado
El hundimiento del Lusitania (1918) de Winsor McCay fue una película muda de la Primera Guerra Mundial. Con 12 minutos de duración, fue la película animada más larga realizada en ese momento. Probablemente fue la primera película animada de propaganda que se hizo; sigue siendo el primer drama animado serio que ha sobrevivido. Durante la Segunda Guerra Mundial, los cortos animados de propaganda siguieron siendo influyentes en el cine estadounidense. The Walt Disney Company, trabajando con las fuerzas armadas estadounidenses, produjo 400,000 pies de películas de propaganda de guerra entre 1942 y 1945, incluyendo Der Fuehrer's Face (1943) y Education for Death (1943).
Las películas de anime japonesas de la década de 1960 en adelante abordaron los recuerdos nacionales de la guerra. Akira (1988) pasa de la destrucción atómica de Hiroshima y Nagasaki a visiones apocalípticas del conflicto global; La tumba de las luciérnagas (1988) es elegíaco sobre el efecto de la guerra en los niños. Barefoot Gen (1983) retrata el bombardeo de Hiroshima a través de los ojos de un niño, pero los críticos la consideran una película peor hecha que La tumba de las luciérnagas con " detalle que revuelve el estómago" extrañamente emparejado con obras de arte crudas, dándole el aspecto de una "caricatura de Warner Brothers del sábado por la mañana".
Anti-guerra
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El género contra la guerra comenzó con películas sobre la Primera Guerra Mundial. Las películas del género son típicamente revisionistas, reflexionan sobre eventos pasados y, a menudo, se mezclan de manera genérica. All Quiet on the Western Front (1930) de Lewis Milestone fue sin duda poderosa, y una de las primeras películas contra la guerra, que retrata un punto de vista alemán; fue la primera película (en cualquier género) en ganar dos premios Oscar, mejor película y mejor director. Andrew Kelly, analizando All Quiet on the Western Front, definió el género como mostrando: la brutalidad de la guerra; la cantidad de sufrimiento humano; la traición a la confianza de los hombres por parte de oficiales incompetentes. Las películas de guerra y contra la guerra a menudo resultan difíciles de categorizar, ya que contienen muchas ambigüedades genéricas. Si bien muchas películas contra la guerra critican la guerra directamente a través de representaciones de combates espeluznantes en guerras pasadas, algunas películas como Penn's Alice's Restaurant criticaron la guerra indirectamente burlándose de cosas como la junta de tiro. La cantidad de películas contra la guerra producidas en Estados Unidos se redujo drásticamente durante la década de 1950 debido al macartismo y la lista negra de Hollywood. El final de la lista negra y la introducción del sistema de calificación MPAA marcaron una época de resurgimiento para películas de todo tipo, incluidas las películas contra la guerra en los Estados Unidos. Robert Eberwein nombra dos películas como clásicos contra la guerra. La primera es la obra maestra del prisionero de guerra de Jean Renoir La Grande Illusion (La Gran Ilusión, 1937). La crítica de Renoir a la política e ideología contemporáneas celebra la humanidad universal que trasciende las fronteras nacionales y raciales y el nacionalismo radical, sugiriendo que las experiencias comunes de la humanidad deberían prevalecer por encima de la división política y su extensión: la guerra. El segundo es Senderos de gloria de Stanley Kubrick (1957). El crítico David Ehrenstein escribe que Paths of Glory estableció a Kubrick como el "cineasta comercial líder de su generación" y un talento de clase mundial. Ehrenstein describe la película como un "drama de protesta exteriormente frío pero interiormente apasionado sobre una desastrosa maniobra del ejército francés y el consejo de guerra que se lleva a cabo a su paso", y la contrasta con la película "clásica". All Quiet on the Western Front'la historia de un inocente "desconcertado por los horrores de la guerra".
Géneros mixtos
La comedia dio paso a la sátira, y los cineastas de la posguerra fusionaron la comedia y el sentimiento contra la guerra en películas tan variadas como Stalag 17 (1953) y Dr Strangelove (1964). Comedias negras como Catch-22 (1970) de Mike Nichols, basada en la novela satírica de Joseph Heller sobre la Segunda Guerra Mundial, y MASH de Robert Altman (1970), ambientada en Corea, refleja las actitudes de un público cada vez más escéptico durante la guerra de Vietnam.
Otros géneros se combinaron en Patton (1970) de Franklin J. Schaffner, sobre la vida real del general George S. Patton, donde las escenas de combate se intercalaron con comentarios sobre cómo libró la guerra. mostrando los lados buenos y malos de un comando. Esta y MASH se convirtieron en las dos películas bélicas/contra la guerra más rentables realizadas hasta ese momento, y Patton ganó siete premios de la Academia.
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