Orquesta

Orchestre nacional du Capitole de Toulouse en representación pública en el Grain Hall de Toulouse

Una orquesta (italiano: [orˈkɛstra]) es un gran conjunto instrumental típico de la música clásica, que combina instrumentos de diferentes familias. Por lo general, hay cuatro secciones principales de instrumentos:

• instrumentos de cuerda inclinada, como el violín, viola, cello y bajo doble
• vientos de madera, como la flauta, oboe, clarinete, saxofón y baszón
• Instrumentos de bronce, como el cuerno, trompeta, trombón, cornet y tuba
• instrumentos de percusión, como los instrumentos de timpani, tambor de la cara, batería de bajo, címbalos, triángulo, tambourine y percusión de la malla

Otros instrumentos como el piano, el clavicémbalo y la celesta pueden aparecer a veces en una quinta sección de teclado o pueden estar solos como instrumentos solistas, al igual que el arpa de concierto y, para interpretaciones de algunas composiciones modernas, instrumentos electrónicos y guitarras.

Una orquesta occidental de tamaño completo a veces se denomina orquesta sinfónica o orquesta filarmónica (del griego phil-, "amar" y "armonía&# 34;). El número real de músicos empleados en una actuación determinada puede variar de setenta a más de cien músicos, según la obra que se interprete y el tamaño del lugar. Una orquesta de cámara (a veces orquesta de concierto) es un conjunto más pequeño de no más de unos cincuenta músicos. Las orquestas que se especializan en la música barroca de, por ejemplo, Johann Sebastian Bach y George Frideric Handel, o en el repertorio clásico, como la de Haydn y Mozart, tienden a ser más pequeñas que las orquestas que interpretan un repertorio de música romántica, como las sinfonías de Ludwig van. Beethoven y Johanes Brahms. La orquesta típica creció en tamaño a lo largo de los siglos XVIII y XIX, alcanzando su punto máximo con las grandes orquestas (de hasta 120 jugadores) requeridas en las obras de Richard Wagner y, más tarde, Gustav Mahler.

Las orquestas suelen estar dirigidas por un director de orquesta que dirige la actuación con movimientos de manos y brazos, que a menudo se hacen más fáciles de ver para los músicos mediante el uso de la batuta de un director de orquesta. El director unifica la orquesta, establece el tempo y da forma al sonido del conjunto. El director también prepara a la orquesta dirigiendo ensayos antes del concierto público, en los que el director da instrucciones a los músicos sobre su interpretación de la música que se está interpretando.

El líder de la sección de primeros violines, comúnmente llamado concertino, también juega un papel importante en la dirección de los músicos. En la era de la música barroca (1600-1750), las orquestas solían estar dirigidas por el concertino o por un músico que tocaba los acordes interpretando las partes del bajo continuo en un clavicémbalo o un órgano de tubos, una tradición que algunos conjuntos de música antigua del siglo XX y del siglo XXI Seguir. Las orquestas tocan una amplia gama de repertorio, que incluye sinfonías, oberturas de ópera y ballet, conciertos para instrumentos solistas y conjuntos de foso para óperas, ballets y algunos tipos de teatro musical (por ejemplo, operetas de Gilbert y Sullivan).

Las orquestas amateur incluyen aquellas conformadas por estudiantes de una escuela primaria o secundaria, orquestas juveniles y orquestas comunitarias; los dos últimos suelen estar compuestos por músicos aficionados de una ciudad o región en particular.

El término orquesta deriva del griego ὀρχήστρα (orchestra), el nombre del área frente a un escenario en el antiguo teatro griego reservado para el coro griego.

Historia

Épocas barroca y clásica

En la era barroca, el tamaño y la composición de una orquesta no estaban estandarizados. Había grandes diferencias en tamaño, instrumentación y estilos de interpretación (y, por lo tanto, en paletas y paisajes sonoros orquestales) entre las diversas regiones europeas. La orquesta barroca abarcaba desde orquestas (o conjuntos) más pequeñas con un intérprete por parte hasta orquestas de mayor escala con muchos intérpretes por parte. Ejemplos de la variedad más pequeña fueron las orquestas de Bach, por ejemplo en Koethen, donde tuvo acceso a un conjunto de hasta 18 jugadores. Ejemplos de orquestas barrocas a gran escala incluirían la orquesta de Corelli en Roma, que osciló entre 35 y 80 jugadores para las actuaciones del día a día, y se amplió a 150 jugadores para ocasiones especiales.

En la era clásica, la orquesta se estandarizó más con una sección de cuerdas de tamaño pequeño a mediano y una sección central de vientos que constaba de pares de oboes, flautas, fagotes y trompetas, a veces complementados con percusión y pares de clarinetes y trompetas.

La influencia de Beethoven

El llamado "complemento estándar" de vientos dobles y metales en la orquesta iniciada a fines del siglo XVIII y consolidada durante la primera mitad del siglo XIX se atribuye generalmente a las fuerzas que Beethoven exigió después de Haydn y Mozart. La instrumentación de Beethoven casi siempre incluía flautas, oboes, clarinetes, fagotes, trompas y trompetas. Las excepciones a esto son su Sinfonía n. ° 4, Concierto para violín y Concierto para piano n. ° 4, cada uno de los cuales especifica una sola flauta. Beethoven calculó cuidadosamente la expansión de esta "paleta" tímbrica particular; en las sinfonías 3, 5, 6 y 9 para lograr un efecto innovador. El tercer cuerno en la "Eroica" Symphony llega para proporcionar no solo cierta flexibilidad armónica, sino también el efecto de "coral" latón en el movimiento Trio. El flautín, el contrafagot y los trombones se suman al final triunfal de su Sinfonía n.º 5. Un flautín y un par de trombones ayudan a producir el efecto de tormenta y sol en la Sexta, también conocida como la Sinfonía Pastoral. La Novena pide un segundo par de cuernos, por razones similares a las de "Eroica" (desde entonces, cuatro cuernos se han convertido en estándar); El uso de Beethoven de flautín, contrafagot, trombones y percusión desafinada, además de coros y solistas vocales, en su final, es su primera sugerencia de que los límites tímbricos de la sinfonía podrían expandirse. Durante varias décadas después de su muerte, la instrumentación sinfónica fue fiel al modelo bien establecido de Beethoven, con pocas excepciones.

Tecnología instrumental

Stokowski y la Orquesta de Filadelfia en el estreno americano 2 de marzo de 1916 de la 8a Sinfonía de Mahler

La invención del pistón y la válvula rotatoria por Heinrich Stölzel y Friedrich Blühmel, ambos de Silesia, en 1815, fue la primera de una serie de innovaciones que afectaron a la orquesta, incluido el desarrollo de un teclado moderno para la flauta de Theobald Boehm y las innovaciones de Adolphe Sax en los instrumentos de viento de madera, en particular la invención del saxofón. Estos avances llevarían a Héctor Berlioz a escribir un libro histórico sobre instrumentación, que fue el primer tratado sistemático sobre el uso del sonido instrumental como elemento expresivo de la música.

La influencia de Wagner

La siguiente gran expansión de la práctica sinfónica vino de la orquesta de Bayreuth de Richard Wagner, fundada para acompañar sus dramas musicales. Las obras teatrales de Wagner se compusieron con un alcance y una complejidad sin precedentes: de hecho, su partitura para Das Rheingold requiere seis arpas. Por lo tanto, Wagner imaginó un papel cada vez más exigente para el director de la orquesta de teatro, como explicó en su influyente obra Sobre la dirección. Esto provocó una revolución en la composición orquestal y marcó el estilo de la interpretación orquestal durante los siguientes ochenta años. Las teorías de Wagner reexaminaron la importancia del tempo, la dinámica, el arco de los instrumentos de cuerda y el papel de los principales en la orquesta.

Orquesta del siglo XX

A principios del siglo XX, las orquestas sinfónicas eran más grandes, mejor financiadas y mejor capacitadas que antes; en consecuencia, los compositores podían componer obras más grandes y ambiciosas. Las obras de Gustav Mahler fueron particularmente innovadoras; en sus últimas sinfonías, como la gigantesca Sinfonía n.° 8, Mahler supera los límites del tamaño de la orquesta, empleando enormes fuerzas. A finales de la era romántica, las orquestas podían soportar las formas más enormes de expresión sinfónica, con enormes secciones de cuerdas, enormes secciones de metales y una gama ampliada de instrumentos de percusión. Con el comienzo de la era de la grabación, los estándares de interpretación se llevaron a un nuevo nivel, porque una sinfonía grabada se podía escuchar de cerca y los críticos podían escuchar incluso pequeños errores en la entonación o el conjunto, que podrían no ser perceptibles en una interpretación en vivo.. A medida que las tecnologías de grabación mejoraron durante los siglos XX y XXI, eventualmente se pudieron "corregir"pequeños errores en una grabación. mediante edición de audio o sobregrabación. Algunos directores y compositores mayores podrían recordar una época en la que simplemente "atravesar" la música lo mejor posible era el estándar. Combinado con la audiencia más amplia que hizo posible la grabación, esto condujo a un enfoque renovado en directores estrella particulares y en un alto nivel de ejecución orquestal.

Instrumentación

La orquesta sinfónica típica consta de cuatro grupos de instrumentos musicales relacionados llamados vientos de madera, metales, percusión y cuerdas. Otros instrumentos, como el piano y la celesta, a veces pueden agruparse en una quinta sección, como una sección de teclado, o pueden estar solos, al igual que el arpa de concierto y los instrumentos eléctricos y electrónicos. La orquesta, dependiendo del tamaño, contiene casi todos los instrumentos estándar de cada grupo.

En la historia de la orquesta, su instrumentación se ha ampliado con el tiempo, a menudo se acepta que fue estandarizada por el período clásico y la influencia de Ludwig van Beethoven en el modelo clásico. En los siglos XX y XXI, las nuevas exigencias del repertorio ampliaron la instrumentación de la orquesta, lo que resultó en un uso flexible de los instrumentos de modelo clásico y de instrumentos eléctricos y electrónicos recientemente desarrollados en diversas combinaciones.

Los términos orquesta sinfónica y orquesta filarmónica pueden utilizarse para distinguir diferentes conjuntos de la misma localidad, como la Orquesta Sinfónica de Londres y la Orquesta Filarmónica de Londres. Una orquesta sinfónica o filarmónica suele tener más de ochenta músicos en su lista, en algunos casos más de cien, pero el número real de músicos empleados en una actuación en particular puede variar según la obra que se interprete y el tamaño del lugar.

Una orquesta de cámara suele ser un conjunto más pequeño; una gran orquesta de cámara puede emplear hasta cincuenta músicos, pero algunos son mucho más pequeños. Orquesta de concierto es un término alternativo, como en la Orquesta de concierto de la BBC y la Orquesta de concierto de RTÉ.

Instrumentación ampliada

Además del complemento orquestal central, ocasionalmente se requieren varios otros instrumentos. Estos incluyen el fliscorno y la corneta. Los saxofones y las guitarras clásicas, por ejemplo, aparecen en algunas partituras de los siglos XIX al XXI. Si bien aparecen solo como instrumentos solistas destacados en algunas obras, por ejemplo, la orquestación de Maurice Ravel de Pictures at an Exhibition de Modest Mussorgsky y Danzas sinfónicas de Sergei Rachmaninoff , el saxofón se incluye en otras obras, como Boléro de Ravel, Romeo and Juliet Suites 1 y 2 de Sergei Prokofiev, Vaughan Williams' Sinfonías n.° 6 y n.° 9, Belshazzar's Feast de William Walton y muchas otras obras como miembro del conjunto orquestal. El bombardino aparece en algunas obras del romanticismo tardío y del siglo XX, generalmente interpretando partes marcadas como 'tuba tenor', incluidas The Planets de Gustav Holst y Richard Strauss&#39.;s Ein Heldenleben. La tuba de Wagner, un miembro modificado de la familia de las trompetas, aparece en el ciclo Der Ring des Nibelungen de Richard Wagner y en varias otras obras de Strauss, Igor Stravinsky (como aparece en La consagración de la primavera), Béla Bartók, y otros; también tiene un papel notablemente destacado en la Sinfonía n.° 7 en mi mayor de Anton Bruckner. Las cornetas aparecen en el ballet Swan Lake de Pyotr Ilyich Tchaikovsky, en La Mer de Claude Debussy y en varias obras orquestales de Hector Berlioz. A menos que estos instrumentos sean tocados por miembros "duplicando" en otro instrumento (por ejemplo, un trombón que cambia a bombardino o un fagotista que cambia a contrafagot para un pasaje determinado), las orquestas suelen contratar músicos independientes para aumentar su conjunto habitual.

La orquesta del siglo XX era mucho más flexible que sus predecesoras. En la época de Beethoven y Felix Mendelssohn, la orquesta estaba compuesta por un núcleo de instrumentos bastante estándar, que los compositores rara vez modificaban. A medida que pasaba el tiempo y el período romántico vio cambios en la modificación aceptada con compositores como Berlioz y Mahler; algunos compositores utilizaron múltiples arpas y efectos de sonido como la máquina de viento. Durante el siglo XX, la orquesta moderna generalmente se estandarizó con la instrumentación moderna que se detalla a continuación. Sin embargo, a mediados o finales del siglo XX, con el desarrollo de la música clásica contemporánea, el compositor prácticamente podía seleccionar manualmente la instrumentación (por ejemplo, para agregar instrumentos eléctricos como guitarra eléctrica, instrumentos electrónicos como sintetizadores, instrumentos no occidentales). instrumentos u otros instrumentos no utilizados tradicionalmente en orquesta).

Con esta historia en mente, la orquesta se puede analizar en cinco eras: la era barroca, la era clásica, la era de la música romántica temprana/media, la era romántica tardía y las eras modernas/posmodernas combinadas. La primera es una orquesta barroca (es decir, J.S. Bach, Handel, Vivaldi), que generalmente tenía un número menor de intérpretes, y en la que uno o más instrumentos de acordes, el grupo de bajo continuo (por ejemplo, clavicémbalo u órgano de tubos y una variedad de instrumentos de bajo para realizar la línea de bajo), jugaron un papel importante; la segunda es una orquesta típica del período clásico (por ejemplo, los primeros Beethoven junto con Mozart y Haydn), que utilizó un grupo más pequeño de intérpretes que una orquesta de música romántica y una instrumentación bastante estandarizada; el tercero es típico de una era romántica temprana/media (por ejemplo, Schubert, Berlioz, Schumann, Brahms); la cuarta es una orquesta del romanticismo tardío/principios del siglo XX (p. ej., Wagner, Mahler, Stravinsky), al complemento común de una orquesta moderna de la era de 2010 (p. ej., Adams, Barber, Aaron Copland, Glass, Penderecki).

Orquesta del Barroco Tardío

Orquesta clásica

Orquesta romántica temprana

Orquesta del Romántico Tardío

Orquesta moderna/posmoderna

Organización

Dirigiendo una orquesta

Entre los grupos de instrumentos y dentro de cada grupo de instrumentos, existe una jerarquía generalmente aceptada. Cada grupo (o sección) instrumental tiene un principal que es generalmente responsable de dirigir el grupo y tocar los solos orquestales. Los violines se dividen en dos grupos, primer violín y segundo violín, con los segundos violines tocando en registros más bajos que los primeros violines, tocando una parte de acompañamiento o armonizando la melodía tocada por los primeros violines. El primer violín principal se denomina concertino (o "líder" de orquesta en el Reino Unido) y no solo se considera el líder de la sección de cuerdas, sino el segundo al mando de toda la orquesta, solo por detrás del conductor. El concertino lidera la afinación previa al concierto y se encarga de los aspectos musicales de la dirección de la orquesta, como determinar los arcos de los violines o de toda la sección de cuerdas. El concertino generalmente se sienta a la izquierda del director, más cerca de la audiencia. También hay un segundo violín principal, una viola principal, un violonchelo principal y un bajo principal.

El trombón principal se considera el líder de la sección de metales bajos, mientras que la trompeta principal generalmente se considera el líder de toda la sección de metales. Si bien el oboe a menudo proporciona la nota de afinación para la orquesta (debido a una convención de 300 años), generalmente no hay un director designado para la sección de viento de madera (aunque en los conjuntos de viento de madera, la flauta suele ser el líder presunto). En cambio, cada el principal consulta con los demás como iguales en el caso de diferencias musicales de opinión. La mayoría de las secciones también tienen un asistente principal (o codirector o director asociado), o en el caso de los primeros violines, un asistente de concertino, que a menudo toca una parte de tutti además de reemplazar al principal en su ausencia.

Un ejecutante de cuerdas de una sección toca al unísono con el resto de la sección, excepto en el caso de partes divididas (divisi), donde las partes superior e inferior de la música a menudo se asignan a "afuera" (más cerca del público) y "adentro" jugadores sentados. Cuando se requiere una parte solista en una sección de cuerdas, el líder de la sección invariablemente toca esa parte. El líder de sección (o principal) de una sección de cuerdas también es responsable de determinar las inclinaciones, a menudo en función de las inclinaciones establecidas por el concertino. En algunos casos, el director de una sección de cuerdas puede usar un arco ligeramente diferente al del concertino, para adaptarse a los requisitos de tocar su instrumento (por ejemplo, la sección de contrabajo). Los directores de una sección de cuerdas también dirigirán las entradas de su sección, generalmente levantando el arco antes de la entrada, para garantizar que la sección toque en conjunto. Los músicos de viento y metal Tutti generalmente juegan un papel único pero no solista. Los percusionistas de sección interpretan las partes que les asigna el percusionista principal.

En los tiempos modernos, los músicos suelen estar dirigidos por un director, aunque las primeras orquestas no tenían uno, dando este papel al concertino o al clavecinista que toca el continuo. Algunas orquestas modernas también prescinden de los directores, en particular las orquestas más pequeñas y las que se especializan en interpretaciones históricamente precisas (llamadas de "período") de música barroca y anterior.

El repertorio interpretado con más frecuencia para una orquesta sinfónica es la música u ópera clásica occidental. Sin embargo, las orquestas se utilizan a veces en la música popular (por ejemplo, para acompañar a una banda de rock o pop en un concierto), ampliamente en la música de películas y cada vez más en la música de los videojuegos. Las orquestas también se utilizan en el género del metal sinfónico. El término "orquesta" también se puede aplicar a un conjunto de jazz, por ejemplo, en la interpretación de música de big band.

Selección y nombramiento de miembros

En la década de 2000, todos los miembros titulares de una orquesta profesional normalmente audicionan para puestos en el conjunto. Los intérpretes suelen tocar una o más piezas solistas de la elección del audicionado, como un movimiento de un concierto, un movimiento de Bach solo y una variedad de extractos de la literatura orquestal que se anuncian en el cartel de la audición (para que los audicionados puede preparar). Los extractos suelen ser las partes y solos técnicamente más desafiantes de la literatura orquestal. Las audiciones orquestales generalmente se llevan a cabo frente a un panel que incluye al director, el concertino, el jugador principal de la sección para la que se postula el audicionado y posiblemente otros jugadores principales.

Los candidatos más prometedores de la primera ronda de audiciones están invitados a regresar para una segunda o tercera ronda de audiciones, lo que permite que el director y el panel comparen a los mejores candidatos. Se les puede pedir a los artistas intérpretes o ejecutantes que lean a primera vista música orquestal. La etapa final del proceso de audición en algunas orquestas es una semana de prueba, en la que el intérprete toca con la orquesta durante una semana o dos, lo que le permite al director y a los principales intérpretes ver si el individuo puede desempeñarse. bien en un entorno real de ensayo y actuación.

Existe una variedad de acuerdos de empleo diferentes. Los puestos más buscados son los puestos permanentes y permanentes en la orquesta. Las orquestas también contratan músicos por contrato, que van desde un solo concierto hasta una temporada completa o más. Se pueden contratar intérpretes contratados para conciertos individuales cuando la orquesta está realizando una obra orquestal excepcionalmente grande de la era romántica tardía, o para sustituir a un miembro permanente que está enfermo. Un músico profesional que es contratado para actuar en un solo concierto a veces se denomina "sub". Algunos músicos contratados pueden ser contratados para reemplazar a los miembros permanentes durante el período en que el miembro permanente esté de licencia por paternidad o discapacidad.

Historia del género en conjuntos

Históricamente, las principales orquestas profesionales han estado compuestas en su mayoría o en su totalidad por hombres. Las primeras mujeres integrantes contratadas en orquestas profesionales han sido arpistas. La Filarmónica de Viena, por ejemplo, no aceptó mujeres como miembros permanentes hasta 1997, mucho más tarde que otras orquestas comparables (las otras orquestas figuraron entre las cinco mejores del mundo según Gramophone en 2008). La última gran orquesta en nombrar a una mujer para un puesto permanente fue la Filarmónica de Berlín. En febrero de 1996, el flautista principal de la Filarmónica de Viena, Dieter Flury, le dijo a Westdeutscher Rundfunk que aceptar mujeres sería "jugar con la unidad emocional (emotionelle Geschlossenheit) que este organismo tiene actualmente". En abril de 1996, el secretario de prensa de la orquesta escribió que "compensar las excedencias esperadas" de la licencia de maternidad sería un problema.

En 1997, la Filarmónica de Viena "enfrentaba protestas durante una gira [por Estados Unidos]" por la Organización Nacional de Mujeres y la Alianza Internacional de Mujeres en la Música. Finalmente, "después de ser ridiculizados cada vez más incluso en la Austria socialmente conservadora, los miembros de la orquesta se reunieron [el 28 de febrero de 1997] en una reunión extraordinaria la víspera de su partida y acordaron admitir a una mujer, Anna Lelkes, como arpista." A partir de 2013, la orquesta tiene seis integrantes femeninas; una de ellas, la violinista Albena Danailova, se convirtió en una de las concertinos de la orquesta en 2008, la primera mujer en ocupar ese cargo en esa orquesta. En 2012, las mujeres constituían el 6% de los miembros de la orquesta. El presidente de VPO, Clemens Hellsberg, dijo que VPO ahora usa audiciones a ciegas completamente evaluadas.

En 2013, un artículo en Mother Jones afirmaba que si bien "[m]uchas orquestas prestigiosas tienen una cantidad significativa de miembros femeninos, las mujeres superan en número a los hombres en la sección de violines de la Filarmónica de Nueva York. — y varios conjuntos de renombre, entre ellos la Orquesta Sinfónica Nacional, la Sinfónica de Detroit y la Sinfónica de Minnesota, están dirigidos por mujeres violinistas", las secciones de contrabajo, metales y percusión de las principales orquestas "... son sigue siendo predominantemente masculino." Un artículo de la BBC de 2014 declaró que la "... introducción de 'ciegos' Las audiciones, en las que un posible instrumentista actúa detrás de una pantalla para que el panel de jueces no ejerza prejuicios raciales o de género, han visto cambiar gradualmente el equilibrio de género de las orquestas sinfónicas tradicionalmente dominadas por hombres.

Conjuntos de aficionados

También hay una variedad de orquestas de aficionados:

Orquestas escolares

Estas orquestas consisten en estudiantes de primaria o secundaria. Pueden ser estudiantes de una clase de música o programa o pueden ser extraídos de todo el cuerpo escolar. Las orquestas escolares suelen ser dirigidas por un profesor de música. En algunos casos, las orquestas escolares son orquestas de cuerda, compuestas sólo por estudiantes que tocan instrumentos de cuerda, con estudiantes que tocan vientos de madera, latón y la percusión agrupadas como banda de conciertos.

Orquestas universitarias o conservatorias

Estas orquestas consisten en estudiantes de un conservatorio universitario o musical. En algunos casos, las orquestas universitarias están abiertas a todos los estudiantes de una universidad, de todos los programas. Las universidades más grandes pueden tener dos o más orquestas universitarias: una o más orquestas compuestas por grandes músicos (o, para grandes programas de música, varios niveles de orquestas principales, clasificadas por nivel de habilidad) y una segunda orquesta abierta a estudiantes universitarios de todos los programas académicos (por ejemplo, ciencia, negocios, etc.) que tienen experiencia musical clásica previa en un instrumento orquestal. Las orquestas universitarias y conservatorias están dirigidas por un director que suele ser profesor o instructor en la universidad o en el conservatorio.

Orquestas juveniles

Estas orquestas consisten en adolescentes y adultos jóvenes procedentes de toda una ciudad o región. El rango de edad en orquestas juveniles varía entre diferentes conjuntos. En algunos casos, las orquestas juveniles pueden consistir en adolescentes o adultos jóvenes de todo un país (por ejemplo, la Orquesta Nacional Juvenil de Canadá).

Orquestas comunitarias

Estas orquestas consisten en intérpretes amateurs de toda una ciudad o región. Las orquestas comunitarias suelen consistir principalmente de músicos amateurs adultos. Las orquestas comunitarias van desde orquestas de primer nivel que ensayan la música sin hacer actuaciones formales frente a un público hasta conjuntos de nivel intermedio a grupos amateur avanzados que juegan repertorio de orquesta profesional estándar. En algunos casos, los estudiantes universitarios o conservadores también pueden ser miembros de orquestas comunitarias. Mientras que los miembros de la orquesta comunitaria son en su mayoría aficionados no remunerados, en algunas orquestas, un pequeño número de profesionales pueden ser contratados para actuar como protagonistas y líderes de sección.

Repertorio y actuaciones

Las orquestas tocan una amplia gama de repertorio que va desde suites de danza del siglo XVII, divertimentos del siglo XVIII hasta bandas sonoras de películas del siglo XX y sinfonías del siglo XXI. Las orquestas se han convertido en sinónimo de sinfonía, una composición musical extendida en la música clásica occidental que normalmente contiene múltiples movimientos que proporcionan claves y tempos contrastantes. Las sinfonías se anotan en una partitura musical, que contiene todas las partes del instrumento. El director usa la partitura para estudiar la sinfonía antes de los ensayos y decidir sobre su interpretación (por ejemplo, tempos, articulación, fraseo, etc.), y para seguir la música durante los ensayos y conciertos, mientras dirige el conjunto. Los músicos orquestales tocan a partir de partes que contienen solo la música anotada para su instrumento. Un pequeño número de sinfonías también contienen partes vocales (por ejemplo, la Novena Sinfonía de Beethoven).

Las orquestas también interpretan oberturas, un término originalmente aplicado a la introducción instrumental de una ópera. Durante la era romántica temprana, compositores como Beethoven y Mendelssohn comenzaron a utilizar el término para referirse a obras programáticas e instrumentales independientes y autoexistentes que presagiaban géneros como el poema sinfónico, una forma ideada por Franz Liszt en varias obras que comenzaron como propuestas dramáticas. Estos fueron "al principio, sin duda, destinados a ser jugados a la cabeza de un programa". En la década de 1850, la obertura de concierto comenzó a ser reemplazada por el poema sinfónico.

Las orquestas también tocan con solistas instrumentales en conciertos. Durante los conciertos, la orquesta desempeña un papel de acompañamiento del solista (por ejemplo, un violinista solista o un pianista) y, en ocasiones, introduce temas musicales o interludios mientras el solista no está tocando. Las orquestas también tocan durante óperas, ballets, algunas obras de teatro musical y algunas obras corales (tanto obras sacras como Misas como obras profanas). En óperas y ballets, la orquesta acompaña a los cantantes y bailarines, respectivamente, y ejecuta oberturas e interludios donde las melodías interpretadas por la orquesta toman protagonismo.

Actuaciones

En la era barroca, las orquestas actuaban en una variedad de lugares, incluso en las elegantes casas de los aristócratas, en los teatros de ópera y en las iglesias. Algunos aristócratas adinerados tenían una orquesta en residencia en su finca, para entretenerlos a ellos y a sus invitados con actuaciones. Durante la era clásica, a medida que los compositores buscaban cada vez más el apoyo financiero del público en general, los conciertos de orquesta se realizaban cada vez más en salas de conciertos públicas, donde los amantes de la música podían comprar entradas para escuchar a la orquesta. El patrocinio aristocrático de las orquestas continuó durante la era clásica, pero esto continuó junto con los conciertos públicos. En los siglos XX y XXI, las orquestas encontraron un nuevo mecenas: los gobiernos. Muchas orquestas en América del Norte y Europa reciben parte de su financiación de gobiernos nacionales, regionales (por ejemplo, gobiernos estatales en los EE. UU.) o gobiernos municipales. Estos subsidios gubernamentales forman parte de los ingresos de la orquesta, junto con la venta de entradas, las donaciones benéficas (si la orquesta está registrada como organización benéfica) y otras actividades de recaudación de fondos. Con la invención de tecnologías sucesivas, incluida la grabación de sonido, la transmisión de radio, la transmisión de televisión y la transmisión y descarga de videos de conciertos a través de Internet, las orquestas han podido encontrar nuevas fuentes de ingresos.

Problemas en el rendimiento

Fingir

Uno de los "grandes [temas] innombrables de la interpretación orquestal" es "falsificar", el proceso mediante el cual un músico orquestal da la falsa "... impresión de tocar cada nota tal como está escrita", generalmente para un pasaje muy desafiante que es muy alto o muy alto. rápido, sin tocar las notas que están en la parte de música impresa. Un artículo en The Strad afirma que todos los músicos orquestales, incluso los de las mejores orquestas, falsifican ocasionalmente ciertos pasajes. Una de las razones por las que los músicos fingen es porque no hay suficientes ensayos. Otro factor son los desafíos extremos en las piezas contemporáneas de los siglos XX y XXI; algunos profesionales dijeron "fingiendo" era "necesario en cualquier cosa, desde el diez hasta casi el noventa por ciento de algunas obras modernas". Los músicos profesionales que fueron entrevistados coincidieron en que fingir puede ser aceptable cuando una parte no está bien escrita para el instrumento, pero fingir "solo porque no has practicado" la música no es aceptable.

Contrarrevolución

Con el advenimiento del movimiento de la música antigua, las orquestas más pequeñas en las que los músicos trabajaban en la ejecución de obras en estilos derivados del estudio de tratados antiguos sobre interpretación se volvieron comunes. Estos incluyen la Orquesta del Siglo de las Luces, los London Classical Players bajo la dirección de Sir Roger Norrington y la Academia de Música Antigua bajo la dirección de Christopher Hogwood, entre otros.

Tendencias recientes en Estados Unidos

En los Estados Unidos, a finales del siglo XX se produjo una crisis de financiación y apoyo a las orquestas. El tamaño y el costo de una orquesta sinfónica, en comparación con el tamaño de la base de simpatizantes, se convirtió en un tema que golpeó el núcleo de la institución. Pocas orquestas podían llenar los auditorios, y el tradicional sistema de suscripción de temporada se volvió cada vez más anacrónico, ya que más y más oyentes compraban boletos ad-hoc para eventos individuales. Las dotaciones orquestales y, más centralmente para la operación diaria de las orquestas estadounidenses, los donantes orquestales han visto cómo se reducen las carteras de inversión o producen rendimientos más bajos, lo que reduce la capacidad de los donantes para contribuir; además, ha habido una tendencia a que los donantes encuentren otras causas sociales más convincentes. Si bien la financiación del gobierno es menos central para las orquestas estadounidenses que para las europeas, los recortes en dicha financiación siguen siendo significativos para los conjuntos estadounidenses. Finalmente, la drástica caída de los ingresos discográficos, relacionada con los cambios en la propia industria discográfica, inició un período de cambios que aún no llega a su fin.

Estados Unidos las orquestas que han entrado en bancarrota del Capítulo 11 incluyen la Orquesta de Filadelfia (abril de 2011) y la Orquesta de Louisville (diciembre de 2010); Las orquestas que entraron en bancarrota del Capítulo 7 y cesaron sus operaciones incluyen la Orquesta de Cámara del Noroeste en 2006, la Orquesta de Honolulu en marzo de 2011, la Orquesta Sinfónica de Nuevo México en abril de 2011 y la Sinfónica de Syracuse en junio de 2011. El Festival de Orquestas de Orlando, Florida, cesó sus operaciones a fines de marzo de 2011.

Una fuente de dificultades financieras que recibió atención y críticas fueron los altos salarios de los directores musicales de las orquestas estadounidenses, lo que llevó a varios directores de alto perfil a aceptar recortes salariales en los últimos años. Administradores de música como Michael Tilson Thomas y Esa-Pekka Salonen argumentaron que la nueva música, los nuevos medios para presentarla y una relación renovada con la comunidad podrían revitalizar la orquesta sinfónica. El crítico estadounidense Greg Sandow ha argumentado en detalle que las orquestas deben revisar su enfoque de la música, la interpretación, la experiencia del concierto, el marketing, las relaciones públicas, la participación comunitaria y la presentación para alinearlos con las expectativas del público del siglo XXI inmerso en la cultura popular..

No es raro que los compositores contemporáneos utilicen instrumentos no convencionales, incluidos varios sintetizadores, para lograr los efectos deseados. Muchos, sin embargo, encuentran una configuración orquestal más convencional para brindar mejores posibilidades de color y profundidad. Compositores como John Adams a menudo emplean orquestas de tamaño romántico, como en Adams' ópera Nixon en China; Philip Glass y otros pueden ser más libres, pero aun así identifican límites de tamaño. Glass, en particular, ha recurrido recientemente a las orquestas convencionales en obras como el Concierto para violonchelo y orquesta y el Concierto para violín n.º 2.

Junto con una disminución en la financiación, algunas orquestas de EE. UU. han reducido su personal general, así como la cantidad de músicos que aparecen en las presentaciones. Los números reducidos en el rendimiento generalmente se limitan a la sección de cuerdas, ya que los números aquí han sido tradicionalmente flexibles (ya que varios jugadores suelen tocar desde la misma parte).

Papel del conductor

Apo Hsu, utilizando una batuta, lleva a cabo la Orquesta Sinfónica NTNU en Taipei, República de China

La dirección es el arte de dirigir una actuación musical, como un concierto orquestal o coral. Los deberes principales del director son establecer el tempo, garantizar las entradas correctas de varios miembros del conjunto y "formar" la redacción en su caso. Para transmitir sus ideas e interpretación, un director se comunica con sus músicos principalmente a través de gestos con las manos, generalmente (aunque no invariablemente) con la ayuda de una batuta, y puede usar otros gestos o señales, como el contacto visual con los artistas relevantes. Las instrucciones de un director casi invariablemente se complementarán o reforzarán con instrucciones verbales o sugerencias a sus músicos en el ensayo previo a la actuación.

El director normalmente se para en un podio elevado con un gran atril para la partitura completa, que contiene la notación musical de todos los instrumentos y voces. Desde mediados del siglo XVIII, la mayoría de los directores no han tocado un instrumento cuando dirigían, aunque en períodos anteriores de la historia de la música clásica, era común dirigir un conjunto mientras tocaba un instrumento. En la música barroca de los años 1600 a 1750, el grupo normalmente estaría dirigido por el clavecinista o el primer violinista (ver concertino), un enfoque que en los tiempos modernos ha sido revivido por varios directores musicales para la música de este período. La dirección mientras se toca un piano o un sintetizador también se puede hacer con orquestas de teatro musical. La comunicación suele ser no verbal durante una actuación (este es estrictamente el caso en la música de arte, pero en las grandes bandas de jazz o los grandes conjuntos de pop, puede haber instrucciones habladas ocasionales, como un 'cuenta atrás'). Sin embargo, en los ensayos, las interrupciones frecuentes permiten al director dar instrucciones verbales sobre cómo se debe tocar o cantar la música.

Los directores actúan como guías de las orquestas o coros que dirigen. Eligen las obras que se interpretarán y estudian sus partituras, a las que pueden hacer ciertos ajustes (por ejemplo, con respecto al tempo, la articulación, el fraseo, las repeticiones de secciones, etc.), elaboran su interpretación y transmiten su visión a los intérpretes.. También pueden ocuparse de asuntos organizativos, como programar ensayos, planificar una temporada de conciertos, escuchar audiciones y seleccionar miembros, y promocionar su conjunto en los medios. Las orquestas, los coros, las bandas de concierto y otros conjuntos musicales importantes, como las grandes bandas, suelen estar dirigidos por directores.

Orquestas sin director

En la era de la música barroca (1600-1750), la mayoría de las orquestas estaban dirigidas por uno de los músicos, normalmente el primer violín principal, llamado concertino. El concertino dirigía el tempo de las piezas levantando su arco de manera rítmica. El liderazgo también podría ser proporcionado por uno de los instrumentistas que tocan acordes tocando la parte de bajo continuo, que era el núcleo de la mayoría de las piezas del conjunto instrumental barroco. Por lo general, esto sería un jugador de clavecín, un organista de tubos, un laudista o un jugador de tiorba. Un teclista podría dirigir el conjunto con la cabeza o quitando una de las manos del teclado para dirigir un cambio de tempo más difícil. Un laudista o un tiorba podría dirigir levantando el mástil del instrumento hacia arriba y hacia abajo para indicar el tempo de una pieza, o para dirigir un ritard durante una cadencia o un final. En algunas obras que combinaban coros y conjuntos instrumentales, a veces se usaban dos líderes: un concertino para dirigir a los instrumentistas y un ejecutante de acordes para dirigir a los cantantes. Durante el período de la música clásica (c. 1720–1800), la práctica de usar instrumentos de cuerdas para tocar el bajo continuo se eliminó gradualmente y desapareció por completo en 1800. En cambio, los conjuntos comenzaron a usar directores para dirigir los tempos y el estilo de interpretación de la orquesta, mientras que el concertino desempeñaba un papel de liderazgo adicional para los músicos, especialmente los de cuerda., que imitan el golpe de arco y la forma de tocar del concertino, en la medida en que sea factible para los diferentes instrumentos de cuerda.

En 1922, la idea de una orquesta sin director revivió en la Unión Soviética posrevolucionaria. La orquesta sinfónica Persimfans se formó sin director, porque los fundadores creían que el conjunto debería seguir el modelo del estado marxista ideal, en el que todas las personas son iguales. Como tal, sus miembros sintieron que no había necesidad de ser conducidos por la batuta dictatorial de un conductor; en cambio, fueron dirigidos por un comité, que determinó los tempos y los estilos de interpretación. Aunque fue un éxito parcial dentro de la Unión Soviética, la principal dificultad del concepto radicaba en cambiar el tempo durante las representaciones, porque incluso si el comité hubiera emitido un decreto sobre dónde debía realizarse un cambio de tempo, no había ningún líder en el conjunto para guiar este cambio de tempo. La orquesta sobrevivió durante diez años antes de que la política cultural de Stalin la disolviera al quitarle su financiación.

En los países occidentales, algunos conjuntos, como la Orquesta de Cámara Orpheus, con sede en la ciudad de Nueva York, han tenido más éxito con orquestas sin director, aunque es probable que las decisiones se posterguen hasta cierto sentido de liderazgo dentro del conjunto (por ejemplo, los principales músicos de viento y cuerda, en particular el concertino). Otros han vuelto a la tradición de un jugador principal, generalmente un violinista, que es el director artístico y dirige los ensayos y dirige los conciertos. Los ejemplos incluyen la Orquesta de Cámara de Australia, Amsterdam Sinfonietta & Candida Thompson y la Orquesta de Cámara Nuevo Siglo. Además, como parte del movimiento de la música antigua, algunas orquestas de los siglos XX y XXI han revivido la práctica barroca de no tener un director en el podio para las piezas barrocas, utilizando al concertino o un intérprete de bajo continuo que toca los acordes (por ejemplo, clavecín u órgano).) para dirigir el grupo.

Múltiples conductores

Instrumentos fuera del escenario

Algunas obras orquestales especifican que se debe usar una trompeta fuera del escenario o que otros instrumentos de la orquesta se deben colocar fuera del escenario o detrás del escenario para crear un efecto místico y embrujado. Para garantizar que los instrumentistas fuera del escenario toquen a tiempo, a veces se colocará un subdirector fuera del escenario con una vista clara del director principal. Los ejemplos incluyen el final de "Neptune" de Los planetas de Gustav Holst. El director principal dirige la gran orquesta, y el subdirector transmite el tempo y los gestos del director principal al músico (o músicos) fuera del escenario. Uno de los desafíos con el uso de dos directores es que el segundo director puede perder la sincronización con el director principal, o puede malinterpretar (o malinterpretar) los gestos del director principal, lo que puede provocar que los instrumentos fuera del escenario se apaguen. de tiempo. A finales del siglo XX y principios del siglo XXI, algunas orquestas usan una cámara de video que apunta al director principal y un televisor de circuito cerrado frente a los artistas fuera del escenario, en lugar de usar dos directores.

Música contemporánea

Las técnicas del poliestilismo y la música politempo han llevado a algunos compositores de los siglos XX y XXI a escribir música en la que varias orquestas o conjuntos actúan simultáneamente. Estas tendencias han dado lugar al fenómeno de la música policonductora, en la que subdirectores independientes dirigen cada grupo de músicos. Por lo general, un conductor principal conduce a los subconductores, lo que da forma al rendimiento general. En The Warriors de Percy Grainger, que incluye tres directores: el director principal de la orquesta, un director secundario que dirige un conjunto de metales fuera del escenario y un director terciario que dirige la percusión y el arpa. Un ejemplo de la música orquestal de finales de siglo es el Gruppen de Karlheinz Stockhausen, para tres orquestas, que se sitúan alrededor del público. De esta forma, las "masas sonoras" podría ser espacializado, como en una obra electroacústica. Gruppen se estrenó en Colonia, en 1958, bajo la dirección de Stockhausen, Bruno Maderna y Pierre Boulez. Fue interpretada en 1996 por Simon Rattle, John Carewe y Daniel Harding.