Neoclasicismo

El neoclasicismo (también escrito como neoclásico) fue un movimiento cultural occidental en las artes decorativas y visuales, la literatura, el teatro, la música y la arquitectura que se inspiró en el arte y la cultura de la antigüedad clásica. El neoclasicismo nació en Roma en gran parte gracias a los escritos de Johann Joachim Winckelmann, en el momento del redescubrimiento de Pompeya y Herculano, pero su popularidad se extendió por toda Europa cuando una generación de estudiantes de arte europeos terminó su Gran Tour y regresó de Italia a su países de origen con ideales grecorromanos recientemente redescubiertos.El principal movimiento neoclásico coincidió con el Siglo de las Luces del siglo XVIII y continuó hasta principios del siglo XIX, compitiendo lateralmente con el romanticismo. En arquitectura, el estilo continuó durante los siglos XIX, XX y hasta el XXI.

El neoclasicismo europeo en las artes visuales comenzó c. 1760 en oposición al estilo rococó entonces dominante. La arquitectura rococó enfatiza la gracia, la ornamentación y la asimetría; La arquitectura neoclásica se basa en los principios de la simplicidad y la simetría, que se consideraban virtudes de las artes de Roma y la Grecia antigua, y se extrajeron más inmediatamente del clasicismo renacentista del siglo XVI. Cada "neo"-clasicismo selecciona algunos modelos entre la gama de posibles clásicos que tiene a su disposición, e ignora otros. Los escritores y conversadores neoclásicos, mecenas y coleccionistas, artistas y escultores de 1765–1830 rindieron homenaje a una ideade la generación de Fidias, pero los ejemplos escultóricos que en realidad adoptaron probablemente fueran copias romanas de esculturas helenísticas. Ignoraron tanto el arte griego arcaico como las obras de la Antigüedad tardía. El arte "rococó" de la antigua Palmyra llegó como una revelación, a través de grabados en The Ruins of Palmyra de Wood. Incluso Grecia estaba casi sin visitar, un remanso accidentado del Imperio Otomano, peligroso para explorar, por lo que la apreciación de la arquitectura griega por parte de los neoclásicos estuvo mediada a través de dibujos y grabados, que sutilmente suavizaron y regularizaron, "corregieron" y "restauraron" los monumentos. de Grecia, no siempre conscientemente.

El estilo Imperio, una segunda fase del Neoclasicismo en arquitectura y artes decorativas, tuvo su centro cultural en París en la época napoleónica. Especialmente en la arquitectura, pero también en otros campos, el neoclasicismo siguió siendo una fuerza mucho después de principios del siglo XIX, con oleadas periódicas de renacimiento en el siglo XX e incluso en el XXI, especialmente en los Estados Unidos y Rusia.

Historia

El neoclasicismo es un renacimiento de los muchos estilos y el espíritu de la antigüedad clásica inspirado directamente en el período clásico, que coincidió y reflejó los desarrollos en la filosofía y otras áreas del Siglo de las Luces, y fue inicialmente una reacción contra los excesos del estilo rococó anterior.. Si bien el movimiento a menudo se describe como la contraparte opuesta del romanticismo, esta es una gran simplificación excesiva que tiende a no ser sostenible cuando se consideran artistas u obras específicas. El caso del supuesto principal paladín del neoclasicismo tardío, Ingres, lo demuestra especialmente bien. El renacimiento se remonta al establecimiento de la arqueología formal.

Los escritos de Johann Joachim Winckelmann fueron importantes para dar forma a este movimiento tanto en la arquitectura como en las artes visuales. Sus libros Pensamientos sobre la imitación de las obras griegas en la pintura y la escultura (1750) y Geschichte der Kunst des Alterthums ("Historia del arte antiguo", 1764) fueron los primeros en distinguir claramente entre el arte griego antiguo y el romano, y definir períodos dentro del arte griego. arte, trazando una trayectoria desde el crecimiento hasta la madurez y luego la imitación o la decadencia que continúa teniendo influencia hasta el día de hoy. Winckelmann creía que el arte debería apuntar a la "noble simplicidad y la grandeza tranquila",y elogió el idealismo del arte griego, en el que dijo que encontramos "no sólo la naturaleza en su forma más bella, sino también algo más allá de la naturaleza, a saber, ciertas formas ideales de su belleza, que, como nos enseña un antiguo intérprete de Platón, provienen de imágenes creado solo por la mente". La teoría distaba mucho de ser nueva en el arte occidental, pero su énfasis en la copia cercana de los modelos griegos fue: "La única forma de que seamos grandes o, si es posible, inimitables, es imitar a los antiguos".

Con la llegada del Grand Tour, comenzó una moda de coleccionar antigüedades que sentó las bases de muchas grandes colecciones que difundieron un renacimiento neoclásico en toda Europa. El "neoclasicismo" en cada arte implica un canon particular de un modelo "clásico".

En inglés, el término "neoclasicismo" se usa principalmente para las artes visuales; el movimiento similar en la literatura inglesa, que comenzó considerablemente antes, se llama literatura de Augusto. Esto, que había sido dominante durante varias décadas, estaba comenzando a declinar cuando el neoclasicismo en las artes visuales se puso de moda. Aunque los términos difieren, la situación en la literatura francesa era similar. En música, el período vio el surgimiento de la música clásica, y el "neoclasicismo" se usa para los desarrollos del siglo XX. Sin embargo, las óperas de Christoph Willibald Gluck representaron un enfoque específicamente neoclásico, explicado en detalle en su prefacio a la partitura publicada de Alceste.(1769), que tenía como objetivo reformar la ópera eliminando la ornamentación, aumentando el papel del coro en línea con la tragedia griega y utilizando líneas melódicas más simples y sin adornos.

El término "neoclásico" no se inventó hasta mediados del siglo XIX, y en ese momento el estilo se describía con términos como "el verdadero estilo", "reformado" y "renacimiento"; lo que se consideraba revivido variaba considerablemente. Ciertamente, los modelos antiguos estaban muy involucrados, pero el estilo también podría considerarse como un renacimiento del Renacimiento, y especialmente en Francia como un retorno al barroco más austero y noble de la época de Luis XIV, por el cual se había desarrollado una nostalgia considerable. cuando la posición militar y política dominante de Francia comenzó un grave declive. El retrato de coronación de Ingres de Napoleón incluso tomó prestados dípticos consulares de la Antigüedad tardía y su renacimiento carolingio, para desaprobación de los críticos.

El neoclasicismo fue más fuerte en la arquitectura, la escultura y las artes decorativas, donde los modelos clásicos en el mismo medio eran relativamente numerosos y accesibles; ejemplos de pintura antigua que demostraron las cualidades que la escritura de Winckelmann encontró en la escultura estaban y están ausentes. Winckelmann participó en la difusión del conocimiento de las primeras grandes pinturas romanas que se descubrieron, en Pompeya y Herculano y, como la mayoría de los contemporáneos, excepto Gavin Hamilton, no quedó impresionado por ellas, citando los comentarios de Plinio el Joven sobre el declive de la pintura en su período..

En cuanto a la pintura, la pintura griega se perdió por completo: los pintores neoclásicos la revivieron imaginativamente, en parte a través de frisos en bajorrelieve, mosaicos y pintura de cerámica, y en parte a través de los ejemplos de pintura y decoración del Alto Renacimiento de la generación de Rafael, frescos en la Domus Aurea de Nerón., Pompeya y Herculano, y por una renovada admiración por Nicolás Poussin. Gran parte de la pintura "neoclásica" es más clasicista en el tema que en cualquier otra cosa. Una disputa feroz, pero a menudo muy mal informada, se desató durante décadas sobre los méritos relativos del arte griego y romano, con Winckelmann y sus compañeros helenistas generalmente en el lado ganador.

Pintura y grabado

Es difícil recuperar la naturaleza radical y emocionante de la pintura neoclásica temprana para el público contemporáneo; ahora les parece "insípido" y "casi completamente carente de interés para nosotros" incluso a los escritores que se inclinan favorablemente hacia él: algunos de los comentarios de Kenneth Clark sobre el ambicioso Parnassus de Anton Raphael Mengs en la Villa Albani, del artista a quien su amigo Winckelmann describió como " el mayor artista de su época, y quizás de épocas posteriores". Los dibujos, posteriormente convertidos en grabados, de John Flaxman utilizaron dibujos lineales muy simples (considerados como el medio clásico más puro) y figuras principalmente de perfil para representar La Odisea y otros temas, y una vez "dispararon a la juventud artística de Europa", pero son ahora "mientras que las pinturas de historia de Angelica Kauffman, principalmente retratista, son descritas por Fritz Novotny como de "una untuosa suavidad y tedio". La frivolidad rococó y el movimiento barroco habían sido eliminados, pero muchos artistas se esforzaron por poner algo en su lugar y, en ausencia de ejemplos antiguos para la pintura de historia, además de los jarrones griegos utilizados por Flaxman, Rafael tendía a ser utilizado como modelo sustituto. como recomienda Winckelmann.

La obra de otros artistas, que difícilmente podría calificarse de insípida, combina aspectos del romanticismo con un estilo generalmente neoclásico, y forma parte de la historia de ambos movimientos. El pintor germano-danés Asmus Jacob Carstens terminó muy pocas de las grandes obras mitológicas que planeó, dejando principalmente dibujos y estudios de color que a menudo logran acercarse a la receta de Winckelmann de "noble simplicidad y grandeza tranquila". A diferencia de los esquemas no realizados de Carstens, los grabados de Giovanni Battista Piranesi fueron numerosos y rentables, y los que hicieron el Gran Tour por todas partes de Europa los recuperaron. Su tema principal eran los edificios y las ruinas de Roma, y ​​lo antiguo lo estimulaba más que lo moderno. El ambiente algo inquietante de muchos de sus Vedute(vistas) se vuelve dominante en su serie de 16 grabados de Carceri d'Invenzione ("Prisiones imaginarias") cuya "arquitectura ciclópea opresiva" transmite "sueños de miedo y frustración". Johann Heinrich Füssli, nacido en Suiza, pasó la mayor parte de su carrera en Inglaterra y, aunque su estilo fundamental se basó en los principios neoclásicos, sus temas y su tratamiento reflejaban más a menudo la corriente "gótica" del romanticismo y buscaban evocar drama y emoción.

El neoclasicismo en la pintura ganó un nuevo sentido de dirección con el sensacional éxito del Juramento de los Horacios de Jacques-Louis David.en el Salón de París de 1785. A pesar de su evocación de las virtudes republicanas, este fue un encargo del gobierno real, que David insistió en pintar en Roma. David logró combinar un estilo idealista con dramatismo y contundencia. La perspectiva central es perpendicular al plano del cuadro, acentuada por la tenue arcada trasera, contra la que se disponen las figuras heroicas como en un friso, con un toque de iluminación artificial y puesta en escena de ópera, y el colorido clásico de Nicolas Poussin.. David se convirtió rápidamente en el líder del arte francés y, después de la Revolución Francesa, se convirtió en un político con el control de gran parte del patrocinio del gobierno en el arte. Consiguió conservar su influencia en el período napoleónico, recurriendo a obras francamente propagandísticas, pero tuvo que abandonar Francia para exiliarse en Bruselas con la Restauración borbónica.

Los muchos estudiantes de David incluyeron a Jean-Auguste-Dominique Ingres, quien se vio a sí mismo como un clasicista a lo largo de su larga carrera, a pesar de un estilo maduro que tiene una relación equívoca con la corriente principal del neoclasicismo, y muchas desviaciones posteriores hacia el orientalismo y el estilo trovador que son difícil de distinguir de los de sus contemporáneos descaradamente románticos, excepto por la primacía que sus obras siempre dan al dibujo. Expuso en el Salón durante más de 60 años, desde 1802 hasta los inicios del impresionismo, pero su estilo, una vez formado, cambió poco.

• Vista de Fantasía con el Panteón y otros Monumentos de la Antigua Roma; de Giovanni Paolo Panini; 1737; óleo sobre lienzo; 98,9 x 137,49 cm; Museo de Bellas Artes (Houston, EE. UU.)
• El antiguo Capitolio ascendía por aproximadamente cien escalones... ; de Giovanni Battista Piranesi; C. 1750; grabando; tamaño de toda la hoja: 33,5 × 49,4 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Un filósofo disertando sobre el Orrery; por Joseph Wright de Derby; C. 1766; óleo sobre lienzo; 1,47 x 2,03 m; Derby Museum and Art Gallery (Derby, Inglaterra)
• Los Atributos de las Artes; por Anne Vallayer-Coster; 1769; óleo sobre lienzo; 90 x 121 cm; Lumbrera
• Ariadna Abandonada; de Angélica Kauffmann; antes de 1782; óleo sobre lienzo; 88 x 70,5 cm; Gemäldegalerie Alte Meister (Dresde, Alemania)
• Autorretrato con arpa; de Rose-Adélaïde Ducreux; 1791; óleo sobre lienzo; 193 x 128,9 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Julie Lebrun como Flora; de Élisabeth Vigée Le Brun; C. 1799; óleo sobre lienzo; 129,5 x 97,8 cm; Museo de Bellas Artes (San Petersburgo, Florida, EE. UU.)
• Retrato de Charlotte du Val d'Ognes; de Marie-Denise Villers; 1801; óleo sobre lienzo; 161,3 x 128,6 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Napoleón I en su trono imperial; de Jean-Auguste-Dominique Ingres; 1806; óleo sobre lienzo; 2,62 x 1,62 m; Museo del Ejército (París)
• 11 de febrero de 1866 - Rumanía moderna; de Gheorghe Tattarescu; 1866; óleo sobre cartón; 31,4 x 24 cm; Colección privada

Escultura

Si la pintura neoclásica sufría de falta de modelos antiguos, la escultura neoclásica tendía a sufrir un exceso de ellos, aunque los ejemplos de escultura griega real del "período clásico" que comenzó alrededor del 500 a. C. eran entonces muy pocos; las obras más apreciadas eran en su mayoría copias romanas.Los principales escultores neoclásicos disfrutaron de una gran reputación en su época, pero ahora son menos considerados, con la excepción de Jean-Antoine Houdon, cuyo trabajo consistía principalmente en retratos, muy a menudo como bustos, que no sacrifican una fuerte impresión de la personalidad del retratado. idealismo. Su estilo se volvió más clásico a medida que continuaba su larga carrera, y representa una progresión bastante suave desde el encanto rococó hasta la dignidad clásica. A diferencia de algunos escultores neoclásicos, no insistió en que sus modelos usaran vestimenta romana o estuvieran desnudos. Retrató a la mayoría de las figuras notables de la Ilustración y viajó a Estados Unidos para producir una estatua de George Washington, así como bustos de Thomas Jefferson, Ben Franklin y otros fundadores de la nueva república.

Antonio Canova y el danés Bertel Thorvaldsen tenían su sede en Roma y, además de los retratos, produjeron muchas figuras y grupos ambiciosos de tamaño natural; ambos representaban la fuerte tendencia idealizadora de la escultura neoclásica. Canova tiene ligereza y gracia, donde Thorvaldsen es más severo; la diferencia se ejemplifica en sus respectivos grupos de las Tres Gracias. Todos estos, y Flaxman, todavía estaban activos en la década de 1820, y el romanticismo tardó en impactar la escultura, donde las versiones del neoclasicismo siguieron siendo el estilo dominante durante la mayor parte del siglo XIX.

Uno de los primeros neoclásicos en escultura fue el sueco Johan Tobias Sergel. John Flaxman también fue, o principalmente, escultor, y en su mayoría produjo relieves severamente clásicos que son comparables en estilo a sus grabados; también diseñó y modeló cerámica neoclásica para Josiah Wedgwood durante varios años. Johann Gottfried Schadow y su hijo Rudolph, uno de los pocos escultores neoclásicos que murieron jóvenes, fueron los principales artistas alemanes, con Franz Anton von Zauner en Austria. El difunto escultor austriaco del barroco Franz Xaver Messerschmidt recurrió al neoclasicismo a mitad de su carrera, poco antes de que aparentemente sufriera algún tipo de crisis mental, después de lo cual se retiró al campo y se dedicó a las muy distintivas "cabezas de personajes" de figuras calvas. tirando de expresiones faciales extremas. como Piranesi'Carceri, éstos disfrutaron de un gran resurgimiento de interés durante la era del psicoanálisis a principios del siglo XX. El escultor neoclásico holandés Mathieu Kessels estudió con Thorvaldsen y trabajó casi exclusivamente en Roma.

Dado que antes de la década de 1830, Estados Unidos no tenía una tradición escultórica propia, salvo en las áreas de lápidas, veletas y mascarones de proa de barcos, allí se adoptó el estilo neoclásico europeo, que prevalecería durante décadas y se ejemplifica en las esculturas de Horatio Greenough, Harriet Hosmer, Hiram Powers, Randolph Rogers y William Henry Rinehart.

• The Hanged Man (n. ° 25 en una serie de personajes principales); de Franz Xaver Messerschmidt; después de 1770; alabastro; altura: 38 cm; Österreichische Galerie Belvedere (Viena, Austria)
• Mercurio o El Comercio; de Agustín Pajou; 1780; mármol; altura: 196 cm; Lumbrera
• el invierno; de Jean-Antoine Houdon; 1783; mármol; altura: 145 cm; Museo Fabre (Montpellier, Francia)
• Céfalo y Aurora; por John Flaxman; 1789-1790; probablemente mármol; dimensiones desconocidas; Galería de Arte Lady Lever (Merseyside, Inglaterra)
• Venus Victrix; de Antonio Canova; 1804–1808; mármol; longitud: 200 cm; Galería Borghese (Roma)

La arquitectura y las artes decorativas

El arte neoclásico era tradicional y nuevo, histórico y moderno, conservador y progresista, todo al mismo tiempo.

El neoclasicismo primero ganó influencia en Inglaterra y Francia, a través de una generación de estudiantes de arte franceses formados en Roma e influenciados por los escritos de Winckelmann, y fue rápidamente adoptado por círculos progresistas en otros países como Suecia, Polonia y Rusia. Al principio, la decoración clasicista se injertó en formas europeas familiares, como en los interiores del amante de Catalina II, el Conde Orlov, diseñados por un arquitecto italiano con un equipo de estucadores italianos: solo los medallones ovales aislados como camafeos y el bajorrelieve de las puertas exteriores insinúan del Neoclasicismo; los muebles son completamente rococó italianos.

Una segunda ola neoclásica, más severa, más estudiada (a través de grabados) y más conscientemente arqueológica, se asocia con el apogeo del Imperio Napoleónico. En Francia, la primera fase del Neoclasicismo se expresó en el "estilo Luis XVI", y la segunda en los estilos denominados "Directorio" o Imperio. El estilo rococó siguió siendo popular en Italia hasta que los regímenes napoleónicos trajeron el nuevo clasicismo arqueológico, que fue adoptado como una declaración política por los italianos jóvenes, progresistas y urbanos con inclinaciones republicanas.

En las artes decorativas, el neoclasicismo se ejemplifica en los muebles Empire fabricados en París, Londres, Nueva York, Berlín; en muebles Biedermeier hechos en Austria; en los museos de Karl Friedrich Schinkel en Berlín, el Banco de Inglaterra de Sir John Soane en Londres y el "capitolio" recién construido en Washington, DC; y en los bajorrelieves y jarrones de "basaltos negros" de Wedgwood. El estilo era internacional; El arquitecto escocés Charles Cameron creó interiores palaciegos de estilo italiano para Catalina II la Grande, nacida en Alemania, en el San Petersburgo ruso.

En el interior, el Neoclasicismo hizo un descubrimiento del auténtico interior clásico, inspirado en los redescubrimientos de Pompeya y Herculano. Estos habían comenzado a fines de la década de 1740, pero solo lograron una amplia audiencia en la década de 1760, con los primeros volúmenes lujosos de distribución estrictamente controlada de Le Antichità di Ercolano (Las antigüedades de Herculano).). Las antigüedades de Herculano demostraron que incluso los interiores más clasicistas del barroco, o las habitaciones más "romanas" de William Kent, se basaban en la arquitectura exterior de basílicas y templos invertida, de ahí su aspecto a menudo rimbombante a los ojos modernos: marcos de ventanas con frontones vueltos en espejos dorados, chimeneas coronadas con frentes de templos. Los nuevos interiores buscaban recrear un vocabulario auténticamente romano y genuinamente interior.

Las técnicas empleadas en el estilo incluían motivos más planos y livianos, esculpidos en bajorrelieve similar a un friso o pintados en monótonos en camaïeu ("como camafeos"), medallones aislados o jarrones o bustos o bucrania u otros motivos, suspendidos en guirnaldas de laurel o cinta, con esbeltos arabescos sobre fondos, quizás, de "rojo pompeyano" o tintes pálidos, o colores piedra. El estilo en Francia fue inicialmente un estilo parisino, el Goût grec("estilo griego"), no un estilo de corte; cuando Luis XVI accedió al trono en 1774, María Antonieta, su reina amante de la moda, llevó el estilo "Luis XVI" a la corte. Sin embargo, no hubo ningún intento real de emplear las formas básicas de los muebles romanos hasta alrededor del cambio de siglo, y era más probable que los fabricantes de muebles tomaran prestado de la arquitectura antigua, al igual que los plateros tenían más probabilidades de tomar de la cerámica y la piedra antiguas. tallado que metalistería: "Diseñadores y artesanos... parecen haber tenido un placer casi perverso en transferir motivos de un medio a otro".

Aproximadamente desde 1800, una nueva afluencia de ejemplos arquitectónicos griegos, vistos a través de aguafuertes y grabados, dio un nuevo impulso al neoclasicismo, el renacimiento griego. Al mismo tiempo, el estilo Imperio fue una ola más grandiosa de neoclasicismo en la arquitectura y las artes decorativas. Basado principalmente en estilos imperiales romanos, se originó y tomó su nombre del gobierno de Napoleón en el Primer Imperio Francés, donde se pretendía idealizar el liderazgo de Napoleón y el estado francés. El estilo corresponde al estilo Biedermeier más burgués en los países de habla alemana, al estilo federal en los Estados Unidos, al estilo Regencia en Gran Bretaña y al estilo Napoleón.en Suecia. Según el historiador de arte Hugh Honor, "lejos de ser, como a veces se supone, la culminación del movimiento neoclásico, el Imperio marca su rápido declive y se transforma una vez más en un mero renacimiento antiguo, vaciado de todas las ideas nobles". y fuerza de convicción que había inspirado sus obras maestras". Una fase anterior del estilo se denominó estilo Adam en Gran Bretaña y "Louis Seize", o Luis XVI, en Francia.

El neoclasicismo continuó siendo una fuerza importante en el arte académico durante el siglo XIX y más allá, una antítesis constante del romanticismo o los renacimientos góticos, aunque desde finales del siglo XIX en adelante se lo había considerado a menudo antimoderno, o incluso reaccionario, en influyentes críticos. círculos Los centros de varias ciudades europeas, en particular San Petersburgo y Múnich, llegaron a parecerse mucho a museos de arquitectura neoclásica.

La arquitectura del renacimiento gótico (a menudo vinculada con el movimiento cultural romántico), un estilo que se originó en el siglo XVIII y que creció en popularidad a lo largo del siglo XIX, contrastaba con el neoclasicismo. Mientras que el neoclasicismo se caracterizó por estilos, líneas geométricas y orden de influencia griega y romana, la arquitectura del renacimiento gótico hizo hincapié en los edificios de aspecto medieval, a menudo hechos para tener una apariencia rústica y "romántica".

Francia

Estilo Luis XVI (1760-1789)

Marca la transición del Rococó al Clasicismo. A diferencia del clasicismo de Luis XIV, que transformaba los ornamentos en símbolos, el estilo Luis XVI los representa de la forma más realista y natural posible, es decir, las ramas de laurel son realmente ramas de laurel, las rosas lo mismo, etc. Uno de los principales principios decorativos es la simetría. En interiores, los colores utilizados son muy brillantes, incluyendo blanco, gris claro, azul brillante, rosa, amarillo, lila muy claro y dorado. Se evitan los excesos de ornamentación.La vuelta a la antigüedad es sinónimo sobre todo de vuelta a las líneas rectas: las estrictas verticales y horizontales estaban a la orden del día. Ya no se toleraban los serpentinos, salvo el semicírculo u óvalo ocasional. La decoración de interiores también hizo honor a este gusto por el rigor, con el resultado de que las superficies planas y los ángulos rectos volvieron a estar de moda. El ornamento se utilizó para mediar en esta severidad, pero nunca interfirió con las líneas básicas y siempre se dispuso simétricamente alrededor de un eje central. Aun así, los ébénistes a menudo inclinaban los ángulos delanteros para evitar una rigidez excesiva.

Los motivos decorativos del estilo Luis XVI se inspiraron en la antigüedad, el estilo Luis XIV y la naturaleza. Elementos característicos del estilo: antorcha atravesada por una vaina con flechas, discos imbricados, guilloché, lazos dobles, braseros humeantes, repeticiones lineales de pequeños motivos (rosetas, cuentas, oves), medallones trofeo o florales colgados de una cinta anudada, hojas de acanto, gallinero, entrelazado, meandros, cornucopias, mascarones, urnas antiguas, trípodes, quemaperfumes, delfines, cabezas de carnero y león, quimeras y grifos. También son muy utilizados los motivos arquitectónicos grecorromanos: estriados, pilastras (estriadas y no estriadas), balaustres estriados (torcidos y rectos), columnas (acopladas y desacopladas, a veces sustituidas por cariátides), ménsulas de volutas, triglifos con guttae (en relieve y trampantojos). -l'œil).

• Pabellón central de la École Militaire (París), 1752, de Ange-Jacques Gabriel
• Panteón (París), 1758–1790, por Jacques-Germain Soufflot (1713-1780) y Jean-Baptiste Rondelet (1743-1829)
• Hôtel de la Marine (París), 1761-1770, de Ange-Jacques Gabriel
• Cómoda de Madame du Barry; por Martin Carlin (atribución); 1772; base de roble enchapada con peral, palo de rosa y amaranto, porcelana de Sèvres de pasta blanda, bronce dorado, mármol blanco; 87 x 119 cm; Lumbrera
• Hôtel du Châtelet (París), 1776
• Escalera del Gran Teatro de Burdeos (Burdeos, Francia), 1777-1780, de Victor Louis
• Mueble esquinero parisino; de Jean-Henri Riesener; 1780–1790; monturas de roble, caoba, mármol y ormolu; 94,3 × 81,3 × 55,9 cm; Instituto de Arte de Chicago (Estados Unidos)
• florero grande; 1783; porcelana dura y bronce dorado; altura: 2 m, diámetro: 0,90 m; Lumbrera
• El Gabinete Doré de María Antonieta en el Palacio de Versalles (Versalles, Francia), 1783, de los hermanos Rousseau
• Escritorio enrollable de María Antonieta; de Jean-Henri Riesener; 1784; estructura de roble y pino, chapa de sicómoro, amaranto y palo de rosa, bronce dorado; 103,6 x 113,4 cm; Lumbrera
• Escritorio de María Antonieta; de Adam Weisweiler; 1784; chapa de roble, ébano y sicómoro, laca japonesa, acero, bronce dorado; 73,7 x 81,2 cm; Lumbrera
• Aguamanil; 1784-1785; plata; altura: 32,9 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Taburete plegable (flexible); 1786; madera de haya tallada y pintada, cubierta de seda rosa; 46,4 × 68,6 × 51,4 cm; Museo Metropolitano de Arte
• par de jarrones; 1789; porcelana de pasta dura, bronce dorado, mármol; altura (cada uno): 23 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Sillón (fauteuil) del Salon des Jeux de Louis XVI en Saint Cloud; 1788; nogal tallado y dorado, seda brocada dorada (no original); total: 100 × 74,9 × 65,1 cm; Museo Metropolitano de Arte

Estilo imperio (1804-1815)

Es representante de la nueva sociedad francesa que ha salido de la revolución que marcó la pauta en todos los campos de la vida, incluido el arte. En esta época se inventa la máquina Jacquard (que revoluciona todo el sistema de costura, hasta entonces manual). Uno de los colores dominantes es el rojo, decorado con bronce dorado. También se utilizan colores vivos, como el blanco, el crema, el violeta, el marrón, el azul, el rojo oscuro, con pequeños adornos de bronce dorado. La arquitectura interior incluye paneles de madera decorados con relieves dorados (sobre un fondo blanco o de color). Los motivos se colocan geométricamente. Las paredes están cubiertas de estucos, papel tapiz o telas. Las repisas de las chimeneas están hechas de mármol blanco, con cariátides en sus esquinas u otros elementos: obeliscos, esfinges, leones alados, etc. En la parte superior se colocaron objetos de bronce, incluidos relojes de sobremesa. Las puertas consisten en simples paneles rectangulares, decorados con una figura central de inspiración pompeyana. Los tejidos imperio son los damascos con fondo azul o marrón, los satenes con fondo verde, rosa o morado, los terciopelos de los mismos colores, los broches brocados con oro o plata y los tejidos de algodón. Todos estos se utilizaban en interiores para cortinas, para revestir determinados muebles, para cojines o tapicería (el cuero también se utiliza para tapizar).

Toda la ornamentación imperio se rige por un riguroso espíritu de simetría que recuerda al estilo Luis XIV. Generalmente, los motivos de los lados derecho e izquierdo de una pieza se corresponden entre sí en cada detalle; cuando no lo hacen, los motivos individuales en sí son completamente simétricos en su composición: cabezas antiguas con trenzas idénticas que caen sobre cada hombro, figuras frontales de la Victoria con túnicas dispuestas simétricamente, rosetas idénticas o cisnes que flanquean una placa de bloqueo, etc. Como Luis XIV, Napoleón tenía un conjunto de emblemas inequívocamente asociados con su gobierno, sobre todo el águila, la abeja, las estrellas y las iniciales I (de Imperator) y N (de Napoleón).), que solían estar inscritos dentro de una corona de laurel imperial. Los motivos utilizados incluyen: figuras de la Victoria con ramas de palma, bailarinas griegas, mujeres desnudas y vestidas, figuras de carros antiguos, putti alados, mascarones de Apolo, Hermes y la Gorgona, cisnes, leones, cabezas de bueyes, caballos y bestias salvajes, mariposas, garras, quimeras aladas, esfinges, bucrania, caballitos de mar, coronas de roble anudadas con finas cintas que se arrastran, vides trepadoras, rinceaux de amapola, rosetas, ramas de palma y laurel. Grecorromanas hay muchas: hojas de acanto rígidas y planas, palmetas, cornucopias, cuentas, ánforas, trípodes, discos imbricados, caduceos de Mercurio, jarrones, yelmos, antorchas encendidas, trompetistas alados e instrumentos musicales antiguos (tubas, cascabeles y especialmente liras). A pesar de su derivación antigua, se abandonan las estrías y los triglifos que prevalecieron bajo Luis XVI. Los motivos del Renacimiento egipcio son especialmente comunes al comienzo del período: escarabajos, capiteles de loto, discos alados, obeliscos, pirámides, figuras que visten némesis, cariátides.en gaine sostenido por los pies descalzos y con tocados de mujeres egipcias.

• Cafetera; 1797–1809; plata dorada; altura: 33,3 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Dormitorio de la emperatriz Joséfina en el castillo de Malmaison (Rueil-Malmaison, Francia), 1800-1802, de Charles Percier y Pierre-François-Léonard Fontaine
• Lavabo (athénienne o lavabo); 1800–1814; patas, base y estante de madera de tejo, monturas de bronce dorado, placa de hierro debajo del estante; alto: 92,4 cm, ancho: 49,5 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Pórtico del Palais Bourbon (París), 1806-1808, de Bernard Poyet
• La Madeleine (París), 1807-1842, de Pierre-Alexandre Vignon
• Florero; 1809; manijas de porcelana de pasta dura y bronce dorado; altura: 74,9 cm, diámetro: 35,6 cm; Wadsworth Atheneum (Hartford, Connecticut, EE. UU.)
• Gabinete de monedas del Renacimiento egipcio; de François-Honoré-Georges Jacob-Desmalter; 1809–1819; caoba (probablemente Swietenia mahagoni), con plata aplicada e incrustada; 90,2 x 50,2 x 37,5 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Reloj con Marte y Venus; alrededor de 1810; bronce dorado y patinado; altura: 90cm; Lumbrera
• Cuna del Rey de Roma; de Pierre-Paul Prud'hon, Henri Victor Roguier, Jean-Baptiste-Claude Odiot y Pierre-Philippe Thomire; 1811; madera, plata dorada, nácar, láminas de cobre recubiertas de terciopelo, seda y tul, decoradas con hilos de plata y oro; altura: 216 cm; Kunsthistorisches Museum (Viena, Austria)
• Alfombra; 1814–1830; 309,9 × 246,4 cm; Museo Metropolitano de Arte

El Reino Unido

El estilo Adam fue creado por dos hermanos, Adam y James, quienes publicaron en 1777 un volumen de aguafuertes con ornamentación interior. En la decoración interior realizada según los dibujos de Robert Adam, las paredes, techos, puertas y cualquier otra superficie, se dividen en grandes paneles: rectangulares, redondos, cuadrados, con estucos y motivos grecorromanos en los bordes. Los adornos utilizados incluyen festones, perlas, bandas de huevos y dardos, medallones y cualquier otro motivo utilizado durante la antigüedad clásica (especialmente los etruscos). Elementos decorativos como jarrones de piedra en forma de urna, platería dorada, lámparas y estatuillas tienen la misma fuente de inspiración, la antigüedad clásica. El estilo Adam enfatiza los refinados espejos rectangulares, enmarcados como cuadros (en marcos con hojas estilizadas), o con un frontón sobre ellos, que sostiene una urna o un medallón. Otro diseño de espejos Adam tiene forma de ventana veneciana, con un gran espejo central entre otros dos más delgados y alargados. Otro tipo de espejos son los ovalados, generalmente decorados con festones. Los muebles de este estilo tienen una estructura similar a los muebles Luis XVI.

Además del estilo Adam, cuando se trata de artes decorativas, Inglaterra también es conocida por el fabricante de cerámica Josiah Wedgwood (1730-1795), quien estableció una alfarería llamada Etruria. La vajilla Wedgwood está hecha de un material llamado jasperware, un tipo de gres duro y de grano fino. Los jarrones Wedgwood suelen estar decorados con relieves en dos colores, siendo en la mayoría de los casos las figuras blancas y el fondo azul.

• Kedleston Hall (Kedleston, Derbyshire, Inglaterra), 1760-1770, por Robert Adam
• Comedor (Osterley Park, Londres), 1761, de Robert Adam
• Syon House (Middlesex, Inglaterra), 1762, de Robert Adam
• The Hall (Osterley Park), 1767, de Robert Adam
• Alfombra; por Roberto Adán; 1770-1780; lana anudada; 505,5 x 473,1 cm; Museo Metropolitano de Arte (Nueva York)
• Apoteosis de Virgilio; por John Flaxman; C. 1776; jaspe; diámetro: 41 cm; Museo Harris (Preston, Lancashire, Reino Unido)
• Somerset House (Londres), 1776-1801, de William Chambers
• Urna sobre pedestal; circa 1780 con adiciones posteriores; por Roberto Adán; caoba con incrustaciones; altura: 49,8 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Mesa auxiliar con muchas hojas de acanto y dos bucrania; por Roberto Adán; C. 1780 con adición posterior; caoba; total: 88,6 × 141,3 × 57,1 cm; Museo Metropolitano de Arte
• Urna Wedgwood cubierta; C. 1800; artículos de jaspe con decoración en relieve; total: 19,7 cm; Museo de Arte de Cleveland (Cleveland, Ohio, EE. UU.)

Los Estados Unidos

En el continente americano, la arquitectura y la decoración de interiores han estado muy influenciadas por los estilos desarrollados en Europa. El gusto francés ha marcado mucho su presencia en los estados del sur (después de la Revolución Francesa se han mudado aquí algunos emigrantes, y en Canadá gran parte de la población es de origen francés). El espíritu práctico y la situación material de los estadounidenses en ese momento le dieron a los interiores una atmósfera típica. Todos los muebles, alfombras, vajillas, cerámicas y cubiertos americanos, con todas las influencias europeas, ya veces islámicas, turcas o asiáticas, se hicieron de conformidad con las normas, el gusto y los requisitos funcionales estadounidenses. Ha existido en Estados Unidos una época del estilo Queen Anne, y una de estilo Chippendale. Un estilo propio, el estilo Federal, se ha desarrollado por completo en el siglo XVIII y principios del XIX, y ha florecido influenciado por el gusto británico. Bajo el impulso del Neoclasicismo se han creado arquitectura, interiores y mobiliario. El estilo, aunque tiene numerosas características que difieren de un estado a otro, es unitario. Las estructuras de la arquitectura, los interiores y el mobiliario son clasicistas e incorporan influencias barrocas y rococó. Las formas utilizadas incluyen rectángulos, óvalos y medias lunas. Paneles de estuco o madera en paredes y techos reproducen motivos clasicistas. Los muebles suelen estar decorados con marquetería floral e incrustaciones de bronce o latón (a veces dorado). aunque tiene numerosas características que difieren de un estado a otro, es unitario. Las estructuras de la arquitectura, los interiores y el mobiliario son clasicistas e incorporan influencias barrocas y rococó. Las formas utilizadas incluyen rectángulos, óvalos y medias lunas. Paneles de estuco o madera en paredes y techos reproducen motivos clasicistas. Los muebles suelen estar decorados con marquetería floral e incrustaciones de bronce o latón (a veces dorado). aunque tiene numerosas características que difieren de un estado a otro, es unitario. Las estructuras de la arquitectura, los interiores y el mobiliario son clasicistas e incorporan influencias barrocas y rococó. Las formas utilizadas incluyen rectángulos, óvalos y medias lunas. Paneles de estuco o madera en paredes y techos reproducen motivos clasicistas. Los muebles suelen estar decorados con marquetería floral e incrustaciones de bronce o latón (a veces dorado).

• secretario de arce; alrededor de 1790; arce y latón; altura: 242,57 cm; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (EE. UU.)
• Candelabro; 1790-1800; caoba, abedul y varias incrustaciones; 107 x 49,21 x 48,9 cm; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles
• Escritorio; 1790-1810; madera satinada, caoba, álamo tulipán y pino; 153,67 x 90,17 x 51,44 cm; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles
• Casa Blanca (Washington, DC), 1792-1829, por James Hoban
• Edificio del Capitolio (Washington, DC), 1793-1863, por William Thornton y Thomas Ustick Walter
• Federal Hill Mansion (My Old Kentucky Home State Park, Bardstown, Kentucky), 1795
• Sillón; posiblemente por Ephraim Haines; 1805-1815; caoba y caña; alto: 84,77 cm, ancho: 52,07 cm; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles
• Mesa de cartas con pedestal de cuatro columnas con remate de piña; 1815-1820; maderas de caoba, tulipán y pino; 74,93 x 92,71 x 46,67 cm; Museo de Arte del Condado de Los Ángeles
• The Rotunda (Universidad de Virginia, Charlottesville, Virginia), por Thomas Jefferson, 1822-1826
• Casa del Estado de Carolina del Sur (Columbia, Carolina del Sur), 1855, por John Rudolph Niernsee

Jardines

En Inglaterra, la literatura de Augusto tenía un paralelo directo con el estilo de diseño de paisajes de Augusto. Los vínculos se ven claramente en la obra de Alexander Pope. Los mejores ejemplos sobrevivientes de jardines ingleses neoclásicos son Chiswick House, Stowe House y Stourhead.

Neoclasicismo y moda

En la moda, el neoclasicismo influyó en la sencillez mucho mayor de los vestidos de mujer y la moda duradera para el blanco, desde mucho antes de la Revolución Francesa, pero no fue hasta después que los intentos exhaustivos de imitar estilos antiguos se pusieron de moda en Francia. al menos para las mujeres. Durante mucho tiempo, las damas a la moda habían usado trajes clásicos que se hacían pasar por alguna figura de la mitología griega o romana en un retrato (en particular, hubo una ola de retratos de este tipo de la joven modelo Emma, ​​​​Lady Hamilton de la década de 1780), pero esos trajes solo se usaban para el retrato sentado y los bailes de máscaras hasta la época revolucionaria, y quizás, como otros estilos exóticos, como desnudez en casa. Pero los estilos usados ​​en los retratos de Juliette Récamier, Joséphine de Beauharnais, Thérésa Tallien y otras creadoras de tendencias parisinas también estaban dispuestas a salir en público. Al ver a Mme Tallien en la ópera, Talleyrand bromeó diciendo: "Il n'est pas possible de s'exposer plus somptueusement! ("Uno no podría estar más suntuosamente desnudo"). En 1788, justo antes de la Revolución, la retratista de la corte Louise Élisabeth Vigée Le Brun había celebrado una cena griega en la que las damas vestían túnicas griegas blancas lisas. Peinados clásicos más cortos, en lo posible con Los rizos, eran menos controvertidos y ampliamente adoptados, y el cabello ahora estaba descubierto incluso al aire libre; a excepción del vestido de noche, los gorros u otras coberturas se habían usado típicamente incluso antes en el interior. Se usaban cintas o filetes delgados de estilo griego para atar o decorar el cabello en cambio.

Vestidos muy ligeros y holgados, generalmente blancos y a menudo con los brazos sorprendentemente desnudos, se elevaban transparentes desde el tobillo hasta justo debajo del corpiño, donde había un dobladillo delgado muy enfatizado o un lazo alrededor del cuerpo, a menudo en un color diferente. La forma ahora se conoce a menudo como la silueta del Imperio, aunque es anterior al Primer Imperio francés de Napoleón, pero su primera emperatriz Joséphine de Beauharnais influyó en su difusión por Europa. Un chal o abrigo rectangular largo, muy a menudo de color rojo liso pero con un borde decorado en los retratos, ayudaba en climas más fríos y aparentemente se colocaba alrededor del estómago cuando se estaba sentado, para lo cual se favorecían las posturas semi-recostadas. A principios del siglo XIX, estos estilos se habían extendido ampliamente por toda Europa.

La moda neoclásica para hombres fue mucho más problemática, y en realidad nunca despegó más que para el cabello, donde jugó un papel importante en los estilos más cortos que finalmente enviaron el uso de pelucas y luego polvos blancos para el cabello para hombres más jóvenes. El pantalón había sido el símbolo del bárbaro para griegos y romanos, pero fuera del taller del pintor o, sobre todo, del escultor, pocos hombres estaban dispuestos a abandonarlo. De hecho, el período vio el triunfo del pantalón puro, o pantalón, sobre el culotte.o calzones hasta la rodilla del Antiguo Régimen. Incluso cuando David diseñó un nuevo "traje nacional" francés a pedido del gobierno durante el apogeo del entusiasmo revolucionario por cambiar todo en 1792, incluía calzas bastante ajustadas debajo de un abrigo que llegaba hasta la rodilla. Una alta proporción de jóvenes acomodados pasó gran parte del período clave en el servicio militar debido a las Guerras Revolucionarias Francesas, y el uniforme militar, que comenzó a enfatizar las chaquetas que eran cortas en el frente, dando una vista completa de los pantalones ajustados. pantalones ajustados, se usaba a menudo cuando no estaba de servicio e influyó en los estilos masculinos civiles.

Los artistas habían reconocido el problema de los pantalones como una barrera para crear pinturas de historia contemporánea; al igual que otros elementos de la vestimenta contemporánea, muchos artistas y críticos los consideraban irremediablemente feos y poco heroicos. Se utilizaron varias estratagemas para evitar representarlos en escenas modernas. En James Dawkins y Robert Wood Discovering the Ruins of Palmyra (1758) de Gavin Hamilton, los dos caballeros anticuarios se muestran con túnicas árabes parecidas a togas. En Watson y el tiburón(1778) de John Singleton Copley, la figura principal podría mostrarse desnuda de manera plausible, y la composición es tal que de los otros ocho hombres que se muestran, solo uno muestra una sola pierna con calzones de manera prominente. Sin embargo, los estadounidenses Copley y Benjamin West lideraron a los artistas que demostraron con éxito que los pantalones podían usarse en escenas heroicas, con obras como The Death of General Wolfe (1770) de West y The Death of Major Peirson, 6 de enero de 1781 (1783) de Copley, aunque el pantalón todavía se evitaba cuidadosamente en La balsa de la Medusa, completada en 1819.

Los peinados masculinos de inspiración clásica incluían el Bedford Crop, posiblemente el precursor de la mayoría de los estilos masculinos modernos y sencillos, que fue inventado por el político radical Francis Russell, quinto duque de Bedford como protesta contra un impuesto sobre el polvo para el cabello; animó a sus amigos a adoptarlo apostándoles que no lo harían. Otro estilo influyente (o grupo de estilos) fue nombrado por los franceses "à la Titus" en honor a Titus Junius Brutus (de hecho no es el emperador romano Titus como se supone a menudo), con el pelo corto y en capas pero algo recogido en la coronilla, a menudo con tupés restringidos o mechones colgando; Las variantes son familiares por el cabello de Napoleón y Jorge IV del Reino Unido. Se suponía que el estilo había sido introducido por el actor François-Joseph Talma,Brutus (sobre Lucius Junius Brutus, que ordena la ejecución de su hijo Titus). En 1799, una revista de moda parisina informó que incluso los hombres calvos estaban adoptando pelucas Titus, y el estilo también lo usaban las mujeres, el Journal de Paris informó en 1802 que "más de la mitad de las mujeres elegantes usaban su cabello o peluca à la Titus.

• James Dawkins y Robert Wood descubriendo las ruinas de Palmyra, de Gavin Hamilton (1758)
• Madame Raymond de Verninac de Jacques-Louis David, con ropa y silla estilo Directorio. "Año 7": es decir, 1798-1799
• Retrato de Madame Récamier, de Jacques-Louis David, 1800
• Elizabeth Alexeievna, emperatriz de Rusia, en 1802

Neoclasicismo posterior

En la arquitectura estadounidense, el neoclasicismo fue una expresión del movimiento renacentista estadounidense, ca. 1890-1917; su última manifestación fue en la arquitectura Beaux-Arts, y sus grandes proyectos públicos finales fueron el Lincoln Memorial (muy criticado en ese momento), la Galería Nacional de Arte en Washington, DC (también fuertemente criticada por la comunidad arquitectónica por ser un pensamiento atrasado y pasado de moda en su diseño), y el Roosevelt Memorial del Museo Americano de Historia Natural. Estos se consideraron anacronismos estilísticos cuando se terminaron. En el Raj británico, la monumental planificación urbana de Sir Edwin Lutyens para Nueva Delhi marca el ocaso del neoclasicismo. La Segunda Guerra Mundial iba a hacer añicos la mayor parte del anhelo (y la imitación) de una época mítica.

Los arquitectos modernistas conservadores como Auguste Perret en Francia mantuvieron los ritmos y espacios de la arquitectura columnar incluso en los edificios de las fábricas. Donde una columnata se habría denunciado como "reaccionaria", los paneles acanalados en forma de pilastra de un edificio debajo de un friso repetido parecían "progresistas". Pablo Picasso experimentó con motivos clasicistas en los años inmediatamente posteriores a la Primera Guerra Mundial, y el estilo Art Deco que salió a la luz después de la Exposición de Artes Decorativas de París de 1925., a menudo se basó en motivos neoclásicos sin expresarlos abiertamente: cómodas severas y cuadradas de É.-J. Ruhlmann o Süe & Mare; frescos frisos de damiselas y gacelas en muy bajo relieve en todos los medios; vestidos de moda que fueron drapeados o cortados al bies para recrear líneas griegas; la danza artística de Isadora Duncan; el estilo Streamline Moderne de las oficinas de correos de EE. UU. y los edificios de los tribunales de condado construidos hasta 1950; y la moneda de diez centavos de Roosevelt.

Hubo todo un movimiento del siglo XX en las Artes que también se llamó Neoclasicismo. Abarcaba al menos la música, la filosofía y la literatura. Fue entre el final de la Primera Guerra Mundial y el final de la Segunda Guerra Mundial. (Para obtener información sobre los aspectos musicales, consulte Música clásica del siglo XX y Neoclasicismo en la música. Para obtener información sobre los aspectos filosóficos, consulte Grandes libros).

Este movimiento neoclásico literario rechazó el romanticismo extremo de (por ejemplo) Dada, a favor de la moderación, la religión (específicamente el cristianismo) y un programa político reaccionario. Aunque TE Hulme sentó las bases de este movimiento en la literatura inglesa, los neoclásicos más famosos fueron TS Eliot y Wyndham Lewis. En Rusia, el movimiento cristalizó ya en 1910 bajo el nombre de acmeísmo, con Anna Akhmatova y Osip Mandelshtam como principales representantes.

En musica

El neoclasicismo en la música es un movimiento del siglo XX; en este caso son los estilos musicales clásicos y barrocos de los siglos XVII y XVIII, con su afición a los temas griegos y romanos, los que se estaban recuperando, no la música del mundo antiguo en sí. (A principios del siglo XX aún no se había distinguido el período barroco en la música, en el que se inspiraron principalmente los compositores neoclásicos, de lo que ahora llamamos el período clásico). El movimiento fue una reacción en la primera parte del siglo XX a la desintegración del cromatismo de el romanticismo tardío y el impresionismo, surgiendo en paralelo con el modernismo musical, que buscaba abandonar por completo la tonalidad tonal. Manifestó un deseo de limpieza y simplicidad de estilo, lo que permitió una paráfrasis bastante disonante de los procedimientos clásicos,

La suite de danza de los siglos XVII y XVIII había tenido un renacimiento menor antes de la Primera Guerra Mundial, pero los neoclásicos no estaban del todo contentos con el diatonismo sin modificar, y tendían a enfatizar la brillante disonancia de las suspensiones y ornamentos, las cualidades angulares de la armonía modal del siglo XVII y el líneas enérgicas de escritura parcial contrapuntística. Los aires y danzas ancestrales de Respighi(1917) abrió el camino para el tipo de sonido al que aspiraban los neoclásicos. Aunque la práctica de tomar prestados estilos musicales del pasado no ha sido infrecuente a lo largo de la historia musical, las músicas artísticas han pasado por períodos en los que los músicos utilizaron técnicas modernas junto con formas o armonías más antiguas para crear nuevos tipos de obras. Las características compositivas notables son: hacer referencia a la tonalidad diatónica, formas convencionales (suites de baile, concerti grossi, formas de sonata, etc.), la idea de música absoluta libre de asociaciones descriptivas o emotivas, el uso de texturas musicales ligeras y una expresión musical concisa.. En la música clásica, esto se percibió más notablemente entre las décadas de 1920 y 1950. Igor Stravinsky es el compositor más conocido que utiliza este estilo; efectivamente comenzó la revolución musical con su Octeto para instrumentos de viento al estilo de Bach (1923). Una obra individual particular que representa bien este estilo es la Sinfonía clásica n.° 1 en re de Prokofiev, que recuerda el estilo sinfónico de Haydn o Mozart. El ballet neoclásico, tal como lo innovó George Balanchine, despejó el estilo imperial ruso en términos de vestuario, pasos y narrativa, al tiempo que introdujo innovaciones técnicas.

Arquitectura en Rusia y la Unión Soviética

En 1905-1914, la arquitectura rusa pasó por un período breve pero influyente de renacimiento neoclásico; la tendencia comenzó con la recreación del estilo Imperio del período alejandrino y se expandió rápidamente a una variedad de escuelas neorrenacentistas, palladianas y modernizadas, pero reconociblemente clásicas. Fueron dirigidos por arquitectos nacidos en la década de 1870, que alcanzaron su apogeo creativo antes de la Primera Guerra Mundial, como Ivan Fomin, Vladimir Shchuko e Ivan Zholtovsky. Cuando la economía se recuperó en la década de 1920, estos arquitectos y sus seguidores continuaron trabajando en un entorno principalmente modernista; algunos (Zholtovsky) siguieron estrictamente el canon clásico, otros (Fomin, Schuko, Ilya Golosov) desarrollaron sus propios estilos modernizados.

Con la represión de la independencia de los arquitectos y la negación oficial del modernismo (1932), demostrada por el concurso internacional para el Palacio de los Sóviets, el neoclasicismo se promovió instantáneamente como una de las opciones en la arquitectura estalinista, aunque no como la única opción. Convivió con la arquitectura moderadamente modernista de Boris Iofan, lindando con el Art Deco contemporáneo (Schuko); nuevamente, los ejemplos más puros del estilo fueron producidos por la escuela de Zholtovsky, que siguió siendo un fenómeno aislado. La intervención política fue un desastre para los líderes constructivistas, pero fue bien recibida por los arquitectos de las escuelas clásicas.

El neoclasicismo fue una elección fácil para la URSS, ya que no se basaba en tecnologías de construcción modernas (estructura de acero u hormigón armado) y podía reproducirse en la mampostería tradicional. Así, los diseños de Zholtovsky, Fomin y otros viejos maestros se replicaron fácilmente en pueblos remotos bajo un estricto racionamiento de materiales. La mejora de la tecnología de la construcción después de la Segunda Guerra Mundial permitió a los arquitectos estalinistas aventurarse en la construcción de rascacielos, aunque estilísticamente estos rascacielos (incluida la arquitectura "exportada" del Palacio de la Cultura y la Ciencia, Varsovia y el Centro Internacional de Convenciones de Shanghái) comparten poco con los modelos clásicos. El neoclasicismo y el neorrenacimiento persistieron en proyectos residenciales y de oficinas menos exigentes hasta 1955, cuando Nikita Khrushchev puso fin a la costosa arquitectura estalinista.

Arquitectura en el siglo XXI

Después de una pausa durante el período de dominio de la arquitectura moderna (aproximadamente después de la Segunda Guerra Mundial hasta mediados de la década de 1980), el neoclasicismo ha experimentado un resurgimiento.

A partir de la primera década del siglo XXI, la arquitectura neoclásica contemporánea generalmente se clasifica bajo el término general de Nueva Arquitectura Clásica. A veces también se le conoce como neohistorismo o tradicionalismo. Además, una serie de piezas de arquitectura posmoderna se inspiran e incluyen referencias explícitas al Neoclasicismo, el Barrio de Antígona y el Teatro Nacional de Cataluña en Barcelona entre ellos. La arquitectura posmoderna incluye ocasionalmente elementos históricos, como columnas, capiteles o el tímpano.

Para la arquitectura de estilo tradicional sincero que se apega a la arquitectura, los materiales y la artesanía regionales, se utiliza principalmente el término Arquitectura Tradicional (o vernácula). El Premio de Arquitectura Driehaus se otorga a los principales contribuyentes en el campo de la arquitectura tradicional o clásica del siglo XXI, y viene con un premio en metálico dos veces mayor que el del Premio Pritzker modernista.

En los Estados Unidos, varios edificios públicos contemporáneos están construidos en estilo neoclásico, siendo un ejemplo el Centro Sinfónico Schermerhorn de 2006 en Nashville.

En Gran Bretaña, varios arquitectos están activos en el estilo neoclásico. Ejemplos de su trabajo incluyen dos bibliotecas universitarias: la Biblioteca Maitland Robinson de Quinlan Terry en Downing College y la Biblioteca Sackler de Robert Adam Architects.