Naum Gabo

Naum Gabo, KBE nace Naum Neemia Pevsner (5 de agosto [O.S. 24 de julio] 1890 -23 de agosto de 1977) (hebreo: נחום נחמיה פבזנר), fue un influyente escultor, teórico y figura clave en la vanguardia rusa posrevolucionaria y El posterior desarrollo de la escultura del siglo XX. Su obra combinó la abstracción geométrica con una organización dinámica de la forma en pequeños relieves y construcciones, escultura pública monumental y obras cinéticas pioneras que asimilaron nuevos materiales como el nailon, el alambre, la lucita y materiales semitransparentes, el vidrio y el metal. En respuesta a las revoluciones científicas y políticas de su época, Gabo llevó una vida agitada y itinerante, trasladándose a Berlín, París, Oslo, Moscú, Londres y finalmente a los Estados Unidos, y dentro de los círculos de los principales movimientos de vanguardia del siglo XIX. día, incluyendo el cubismo, el futurismo, el constructivismo, la Bauhaus, de Stijl y el grupo Abstraction-Création. Dos preocupaciones, exclusivas de Gabo, fueron su interés por representar el espacio negativo –"liberado de cualquier volumen cerrado" o masa—y tiempo. Es famoso por explorar la primera idea en sus obras Construcción lineal (1942-1971): utilizó filamentos de nailon para crear vacíos o espacios interiores a modo de "hormigón" como los elementos de la masa sólida, y este último en su obra pionera, Escultura cinética (ondas estacionarias) (1920), a menudo considerada la primera obra de arte cinética.

Gabo elaboró muchas de sus ideas en el Manifiesto Realista constructivista, que publicó con su hermano, el escultor Antoine Pevsner, como folleto que acompañaba su exposición al aire libre de 1920 en Moscú. En él, buscaba superar el cubismo y el futurismo, renunciando a lo que consideraba el uso estático y decorativo del color, la línea, el volumen y la masa sólida en favor de un nuevo elemento que llamó "los ritmos cinéticos (...) formas básicas de nuestra percepción del tiempo real." Gabo tenía una creencia utópica en el poder de la escultura, específicamente la escultura constructivista abstracta, para expresar la experiencia humana y la espiritualidad en sintonía con la modernidad, el progreso social y los avances en la ciencia y la tecnología. Después de trabajar a menor escala en Inglaterra durante los años de la guerra (1936-1946), Gabo se trasladó a Estados Unidos, donde recibió varios encargos de escultura pública, de los cuales sólo completó algunos. Entre ellos se incluyen Constructie, un monumento conmemorativo de 25 metros de altura frente a los grandes almacenes Bijenkorf (1954, inaugurado en 1957) en Rotterdam, y Revolving Torsion, un gran fuente fuera de St Thomas' Hospital de Londres. La Tate Gallery, en Millbank, Londres, celebró una importante retrospectiva de la obra de Gabo en 1966 y conserva muchas obras clave en su colección, al igual que el Museo de Arte Moderno y el Museo Guggenheim de Nueva York. La obra de Gabo también se incluye en el Rockefeller Center de la ciudad de Nueva York y en la Colección de Arte Empire State Plaza del Gobernador Nelson A. Rockefeller en Albany, Nueva York, EE. UU.

Vida temprana y educación

Gabo creció en una familia judía de seis hijos en la ciudad provincial rusa de Bryansk, donde su padre, Boris (Berko) Pevsner, trabajaba como ingeniero. El hermano mayor de Gabo era el también artista constructivista Antoine Pevsner, lo que llevó a Gabo a cambiar su nombre para evitar confusiones. Hablaba con fluidez alemán, francés e inglés, además de su ruso nativo. El dominio de varios idiomas contribuyó en gran medida a la movilidad de Gabo a lo largo de su carrera.

En 1910, después de la escuela en Kursk, Gabo entró en la Universidad de Munich para estudiar medicina. Luego cambió a la ciencia natural, así como habiendo asistido a conferencias de historia del arte por el historiador Heinrich Wölfflin. En 1912, Gabo se trasladó a una escuela de ingeniería en Munich, donde descubrió arte abstracto y conoció al notable pintor Wassily Kandinsky. Un año después, Gabo se trasladó a París para unirse a Antoine, que ya estaba establecido como pintor. El entrenamiento de ingeniería fue clave para el desarrollo del trabajo escultórico de Gabo que a menudo integra elementos mecanizados. Durante este tiempo, fue muy aclamado por muchos críticos y ganó premios como la Medalla Logan de las Artes (1954) y las conferencias A. W. Mellon en las Bellas Artes (1959).

Constructivismo

Después del estallido de la guerra, Gabo se mudó primero a Copenhague y luego a Oslo con su hermano mayor Alexei, realizando sus primeras construcciones bajo el nombre de Naum Gabo en 1915. Estas primeras construcciones originalmente en cartón o madera eran figurativas como el Cabeza nº 2 de la colección Tate. Regresó a Rusia en 1917 para involucrarse en la política y el arte, y pasó cinco años en Moscú con su hermano Antoine.

Gabo contribuyó a las exposiciones al aire libre de Agit-prop y enseñó en 'VKhUTEMAS' el Taller de Arte Superior y Técnica, con Tatlin, Kandinsky y Rodchenko. Durante este período los relieves y la construcción se volvieron más geométricos y Gabo comenzó a experimentar con la escultura cinética aunque la mayor parte de la obra se perdió o fue destruida. Los diseños de Gabo se habían vuelto cada vez más monumentales pero había pocas oportunidades de aplicarlos; como comentó: "Era el apogeo de la guerra civil, el hambre y el desorden en Rusia". Encontrar cualquier pieza de maquinaria... era casi imposible". Gabo escribió y publicó junto con Antoine Pevsner en agosto de 1920 un "Manifiesto realista" proclamando los principios del constructivismo puro: la primera vez que se utilizó el término. En el manifiesto, Gabo criticó el cubismo y el futurismo por no convertirse en artes plenamente abstractas y afirmó que la experiencia espiritual era la raíz de la producción artística. Gabo y Pevsner promovieron el manifiesto organizando una exposición en un quiosco de música del bulevar Tverskoy de Moscú y publicaron el manifiesto en vallas publicitarias por toda la ciudad.

En Alemania Gabo entró en contacto con los artistas de Stijl y enseñó en la Bauhaus en 1928. Durante este período realizó un diseño para una fuente en Dresde (después destruida). Gabo y Antoine Pevsner tuvieron una exposición conjunta en la Galerie Percier de París en 1924 y la pareja diseñó el decorado y el vestuario para el ballet de Diaghilev La Chatte (1926) que realizó una gira por París y Londres. Para escapar del ascenso de los nazis en Alemania, la pareja permaneció en París entre 1932 y 1935 como miembros del grupo Abstracción-Creación con Piet Mondrian.

Gabo visitó Londres en 1935 y se instaló en 1936, donde encontró un "espíritu de optimismo y simpatía por su posición como artista abstracto". Al estallar la Segunda Guerra Mundial siguió a sus amigos Barbara Hepworth y Ben Nicholson a St Ives en Cornwall, donde se quedó inicialmente con el crítico de arte Adrian Stokes y su esposa Margaret Mellis. Mientras estuvo en Cornwall, continuó trabajando, aunque en menor escala. Su influencia fue importante para el desarrollo del modernismo dentro de St Ives, y se puede ver de manera más notoria en las pinturas y construcciones de John Wells y Peter Lanyon, quienes desarrollaron una forma más suave y pastoral de constructivismo.

En 1946 Gabo, su esposa y su hija emigraron a los Estados Unidos, donde residieron primero en Woodbury y luego en Middlebury, Connecticut. Gabo murió en Waterbury, Connecticut, en 1977 y su esposa en 1993.

La teoría del arte de Gabo

La esencia del arte de Gabo era la exploración del espacio, que creía que podía hacerse sin tener que representar la masa. Sus primeras construcciones como Head No.2 fueron experimentos formales en la representación del volumen de una figura sin llevar su masa. La otra preocupación de Gabo como se describe en el Manifiesto realista era que el arte necesitaba existir activamente en cuatro dimensiones incluyendo el tiempo.

Los años formativos de Gabo estuvieron en Munich, donde se inspiró y participó activamente en los debates artísticos, científicos y filosóficos de los primeros años del siglo XX. Debido a su participación en estos debates intelectuales, Gabo se convirtió en una figura líder en la vanguardia de Moscú, en Rusia post-revolución. Fue en Munich que Gabo asistió a las conferencias del historiador de arte Heinrich Wölfflin y obtuvo conocimiento de las ideas de Einstein y sus compañeros innovadores de la teoría científica, así como el filósofo Henri Bergson. Como estudiante de medicina, ciencia natural e ingeniería, su comprensión del orden presente en el mundo natural vincula misticamente toda la creación en el universo. Justo antes del comienzo de la Primera Guerra Mundial en 1914, Gabo descubrió el arte contemporáneo, leyendo Kandinsky Sobre lo Espiritual en el Arte, que afirma los principios del arte abstracto.

La visión de Gabo es imaginativa y apasionada. A lo largo de los años, sus exposiciones han generado un inmenso entusiasmo por el poder emocional presente en su escultura. Gabo se describió a sí mismo como "haciendo imágenes para comunicar mis sentimientos sobre el mundo". En su obra, Gabo utilizó el tiempo y el espacio como elementos constructivos y en ellos la materia sólida se despliega y se vuelve maravillosamente surrealista y de otro mundo. Sus esculturas inician una conexión entre lo tangible y lo intangible, entre lo simplista en su realidad y las posibilidades ilimitadas de la imaginación intuitiva. Por muy imaginativo que fuera Gabo, su practicidad se prestó a la concepción y producción de sus obras. Ideó sistemas de construcción que no sólo se utilizaron para sus esculturas elegantemente elaboradas sino que también fueron viables para la arquitectura. También fue innovador en sus obras, utilizando una amplia variedad de materiales, incluidos los primeros plásticos, hilo de pescar, bronce, láminas de metacrilato y cantos rodados. En ocasiones incluso utilizó motores para mover la escultura.

Caroline Collier, una autoridad en el trabajo de Gabo, dijo: "La verdadera esencia del arte de Gabo no son sus materiales físicos, sino su percepción del espacio, el tiempo y el movimiento". En la calma en el "centro quieto" de incluso sus obras más pequeñas, sentimos la inmensidad del espacio, la enormidad de su concepción, el tiempo como crecimiento continuo." De hecho, el elemento de movimiento en la escultura de Gabo está conectado a un ritmo fuerte, más implícito y más profundo que los patrones caóticos de la vida misma. La exactitud de la forma lleva al espectador a imaginar un viaje hacia, a través, sobre y alrededor de sus esculturas.

Gabo escribió su Manifiesto Realista, en el que atribuye su filosofía a su arte constructivo y su alegría por las oportunidades abiertas por la Revolución Rusa. Gabo vio la Revolución como el comienzo de una renovación de los valores humanos. En 1920 se exhibieron en las calles de Moscú cinco mil ejemplares del manifiesto.

Gabo había vivido una revolución y dos guerras mundiales; también era judío y había huido de la Alemania nazi. La aguda conciencia de Gabo sobre la agitación buscó consuelo en la tranquilidad que tan plenamente se realizaba en sus formas de arte “ideales”. Fue en su escultura donde evadió todo el caos, la violencia y la desesperación a la que había sobrevivido. Gabo eligió mirar más allá de todo lo oscuro en su vida, creando esculturas que, aunque frágiles, están equilibradas para darnos una idea de las construcciones que mantienen a raya la confusión con delicadeza.

Grabado

Gabo comenzó a grabar en 1950, cuando William Ivins, ex curador de grabados del Museo Metropolitano de Arte Moderno de Nueva York, lo convenció de probar el medio. Su primera impresión fue un grabado en madera en una sección de madera extraída de un mueble e impresa en un trozo de papel higiénico. Continuó produciendo una importante y variada obra gráfica, incluidas composiciones líricas y mucho más elaboradas, hasta su muerte en 1977.

Rechazando la noción tradicional de que las impresiones deberían realizarse en ediciones de impresiones idénticas, Gabo prefirió utilizar el formato monoimpresión como vehículo para la experimentación artística.

Retos de la conservación del arte

Gabo fue pionero en el uso de plásticos, como el acetato de celulosa, en sus esculturas. La Tate Gallery de Londres, que tiene la colección más grande del mundo de sus primeras obras, está luchando contra su degradación química. Han encargado réplicas de algunas esculturas para preservar un registro visual de sus apariciones.

Escritos

• Of Divers Arts (1962). Nueva York: Faber y Faber. ISBN 978-0-571-05231-8