Música microtonal

Compositor Charles Ives eligió el acorde arriba como un buen candidato para un acorde "fundamental" en la escala de tono trimestral, similar no al tónico sino al acorde mayor de la tonalidad tradicional

Dos ejemplos de un acorde fundamental con tonos trimestrales

Música microtonal o microtonalidad es el uso en música de microtonos, intervalos más pequeños que un semitono, también llamados "microintervalos". También puede ampliarse para incluir cualquier música que utilice intervalos que no se encuentran en la afinación occidental habitual de doce intervalos iguales por octava. En otras palabras, se puede pensar en un microtono como una nota que cae entre las teclas de un piano afinado con el mismo temperamento.

Terminología

Microtono

Trimestral tono accidental residente fuera del semitone occidental:
tono de cuarto afilado, agudo, tres cuartos de tonos afilados;
cuarto de tono plano, plano, (dos variantes de) tres cuartos de tonos plano

Música microtonal puede referirse a cualquier música que contenga microtonos. Las palabras "microtono" y "microtonal" fueron acuñados antes de 1912 por Maud MacCarthy Mann para evitar el nombre inapropiado de "cuarto de tono" cuando se habla de los srutis de la música india. Antes de este momento, el término "cuarto de tono" se usó, de manera confusa, no solo para un intervalo en realidad de la mitad del tamaño de un semitono, sino también para todos los intervalos (considerablemente) más pequeños que un semitono. Puede haber sido incluso un poco antes, quizás ya en 1895, que el compositor mexicano Julián Carrillo, escribiendo en español o francés, acuñó los términos microtono/micro-ton y microtonalismo/microtonalité.

En francés, el término habitual es algo más autoexplicativo micro-intervalle, y las fuentes francesas dan los términos equivalentes en alemán e inglés como Mikrointervall (o Kleinintervall) y micro intervalo (o microtono), respectivamente. "Microintervalo" es una alternativa frecuente en inglés, especialmente en traducciones de escritos de autores franceses y en discusiones sobre música de compositores franceses. En inglés, los dos términos "microtone" y "microintervalo" son sinónimos. Sin embargo, el análogo en inglés del término francés relacionado, micro-intervalité, es raro o inexistente, y normalmente se traduce como "microtonalidad"; en francés, los términos micro-ton, microtonal (o micro-tonal) y microtonalité también se usado, ocasionalmente mezclado en el mismo pasaje con micro-intervale y micro-intervalité.

Ezra Sims, en el artículo "Microtone" en la segunda edición del Harvard Dictionary of Music define "microtono" como "un intervalo menor que un semitono", lo que corresponde con el uso que hace Aristóxeno del término diesis. Sin embargo, el artículo sin firmar "Coma, Schisma" en la misma fuente de referencia llama coma, schisma y diaschisma "microintervals" pero no "microtonos", y en la cuarta edición de la misma referencia (que conserva el artículo de Sims sobre "Microtono") un nuevo "Comma, Schisma" artículo de André Barbera los llama simplemente "intervalos". En la segunda edición de The New Grove Dictionary of Music and Musicians, Paul Griffiths, Mark Lindley e Ioannis Zannos definen "microtono" como una entidad musical más que acústica: "cualquier intervalo musical o diferencia de tono claramente menor que un semitono", incluyendo "los pequeños intervalos melódicos enarmónicos de la antigua Grecia, las diversas divisiones de la octava en más de 12 partes, y varias discrepancias entre los intervalos de entonación justa o entre un sostenido y su bemol emparejado enarmónicamente en varias formas de temperamento de tono medio, así como el sruti indio y pequeños intervalos utilizados en el canto bizantino, La teoría de la música árabe desde el siglo X en adelante, y de manera similar para la música tradicional persa y la música turca y varias otras tradiciones musicales del Cercano Oriente, pero en realidad no nombran la "matemática" términos schisma, coma y diaschisma.

"Microtono" también se usa a veces para referirse a notas individuales, "tonos microtonales" agregados y distintos de las doce notas familiares de la escala cromática, como "microtonos enarmónicos", por ejemplo.

En inglés, la palabra "microtonalidad" es mencionado en 1946 por Rudi Blesh quien lo relacionó con inflexiones microtonales de las llamadas "escalas de blues". En el Análisis microtonal de las "notas de blues" y la escala de blues de Court B. Cutting de 2019, afirma que los estudios académicos de los primeros blues coinciden en que su escala de tono contiene tres "blues" microtonales. notas” que no se encuentran en la entonación de temperamento igual de 12 tonos. Fue utilizado aún antes por W. McNaught con referencia a los desarrollos en el "modernismo" en una reseña de registro de 1939 de la Historia de la música de Columbia, vol. 5. En alemán, el término Mikrotonalität empezó a utilizarse al menos en 1958, aunque "Mikrointervall" todavía es común hoy en día en contextos donde se describen intervalos muy pequeños de la tradición europea temprana (diesis, coma, etc.), como p. en la nueva Geschichte der Musiktheorie mientras que "Mikroton" parece prevalecer en las discusiones sobre la música de vanguardia y la música de tradición oriental. El término "microintervalo" se usa junto con "microtono" por la musicóloga estadounidense Margo Schulter en sus artículos sobre música medieval.

Microtonal

El término "música microtonal" generalmente se refiere a música que contiene intervalos muy pequeños, pero puede incluir cualquier afinación que difiera del temperamento igual de doce tonos occidental. Sistemas indios tradicionales de 22 śruti; música de gamelán de Indonesia; La música tailandesa, birmana y africana, y la música que usa entonación justa, temperamento de tono medio u otras afinaciones alternativas pueden considerarse microtonales. La variación microtonal de los intervalos es una práctica estándar en las formas musicales afroamericanas de los espirituales, el blues y el jazz.

Se han propuesto muchas divisiones microtonales iguales de la octava, generalmente (pero no siempre) para lograr una aproximación a los intervalos de entonación justa.

Terminología distinta de "microtonal" ha sido utilizado o propuesto por algunos teóricos y compositores. En 1914, A. H. Fox Strangways objetó que "'heterotono' sería un nombre mejor para śruti que la traducción habitual 'microtono'". Los investigadores indios modernos aún escriben: "intervalos microtonales llamados shrutis". En Alemania, Austria y Checoslovaquia en las décadas de 1910 y 1920, el término habitual seguía siendo Viertelton-Musik (música de cuarto de tono), y el tipo de estructura interválica que se encontraba en esa música se denominaba Vierteltonsystem, que era (en la región mencionada) considerado como el término principal para referirse a la música con microintervalos, aunque ya en 1908 Georg Capellan había calificado su uso de "cuarto de tono" con el término alternativo "Bruchtonstufen (Viertel- und Dritteltöne)" (grados fraccionarios (cuarto y tercer tono)). A pesar de la inclusión de otras fracciones de un tono entero, esta música continuó describiéndose bajo el título "Vierteltonmusik" hasta al menos la década de 1990, por ejemplo en la duodécima edición del Riemann Musiklexikon, y en la segunda edición del popular Brockhaus Riemann Musiklexikon.

Ivan Wyschnegradsky usó el término ultracromático para intervalos más pequeños que el semitono e infracromático para intervalos más grandes que el semitono; este mismo término ha sido utilizado desde 1934 por el etnomusicólogo Victor Belaiev (Belyaev) en sus estudios sobre Azerbaiyán y la música tradicional turca. Un término similar, subcromático, ha sido utilizado por el teórico Marek Žabka. Ivor Darreg propuso el término xenharmonic; ver música xenarmónica. El compositor austríaco Franz Richter Herf y el teórico de la música Rolf Maedel, colega de Herf en el Mozarteum de Salzburgo, prefirieron usar la palabra griega ekmelic para referirse a "todas las notas situadas fuera del sistema tradicional de doce tonos". Algunos autores en Rusia y algunas disertaciones de musicología difunden el término микрохроматика (microcromática), acuñado en la década de 1970 por Yuri Kholopov, para describir una especie de 'género interválico' (интервальный род) para todas las estructuras microtonales posibles, tanto antiguas (como género enarmónico —γένος ἐναρμόνιον— de los griegos) como modernas (como escalas de cuartos de tono de Alois Haba); este término de generalización permitió también evitar derivados como микротональность (microtonalidad, que podría entenderse en ruso como una subtonalidad, que está subordinada a la tonalidad dominante, especialmente en el contexto de la música europea del siglo siglo XIX) y микротоника (microtónico, "un tónico apenas perceptible"; véase una aclaración en Kholopov [2000]). Otros autores rusos usan el adjetivo más internacional 'microtonal' y lo tradujo al ruso como 'микротоновый', pero no como 'microtonalidad' ('микротональность'). Sin embargo, los términos 'микротональность' y 'mikrotonika' también se utilizan. Algunos autores que escriben en francés han adoptado el término "micro-intervallique" para describir esa música. El musicólogo italiano Luca Conti dedicó dos de sus monografías al microtonalismo, que es el término habitual en italiano, y también en español (por ejemplo, como se encuentra en el título de Rué [2000]). La forma inglesa análoga, "microtonalism", también se encuentra ocasionalmente en lugar de "microtonalidad", por ejemplo, "En el momento en que el serialismo y el neoclasicismo aún eran incipientes, surgió un tercer movimiento: microtonalismo".

El término "macrotonal" se ha utilizado para intervalos más anchos que el temperamento igual de doce tonos, o donde hay "menos de doce notas por octava", aunque "este término no es muy satisfactorio y se usa solo porque parece haber no ser otro". El término "macrotonal" también se ha utilizado para la forma musical.

Ejemplos de esto se pueden encontrar en varios lugares, desde las armonías impresionistas de Claude Debussy hasta los acordes de quintas superpuestas de Aaron Copland, pasando por John Luther Adams. Clouds of Forgetting, Clouds of Unknowing (1995), que gradualmente expande acordes de intervalos apilados que van desde 2nds menores hasta 7thsm mayor. De Staat de Louis Andriessen (1972–1976) contiene una serie de "aumentadas" modos que se basan en escalas griegas pero son asimétricos a la octava.

Historia

Modo dorian griego (geno enharmónico) en E, dividido en dos tetrachords.

Las civilizaciones helénicas de la antigua Grecia dejaron registros fragmentarios de su música, como los Himnos de Delfos. Los antiguos griegos abordaron la creación de diferentes intervalos y modos musicales dividiendo y combinando tetracordios, reconociendo tres géneros de tetracordios: el enarmónico, el cromático y el diatónico. Los intervalos de la Grecia antigua eran de muchos tamaños diferentes, incluidos los microtonos. El género enarmónico en particular presentaba intervalos de un distintivo "microtonal" naturaleza, que a veces eran más pequeños que 50 centavos, menos de la mitad del semitono occidental contemporáneo de 100 centavos. En el género enarmónico griego antiguo, el tetracordio contenía un semitono de diferentes tamaños (aproximadamente 100 centavos) dividido en dos intervalos iguales llamados dieses (única "diesis", δίεσις); junto con un intervalo más grande de aproximadamente 400 centavos, estos intervalos comprendían el cuarto perfecto (aproximadamente 498 centavos, o la proporción de 4/3 en entonación justa). La teoría generalmente describía varios géneros diatónicos y cromáticos (algunos como chroai, 'coloración' de un tipo interválico específico), pero el género enarmónico siempre fue el único (argumentado como uno con los intervalos más pequeños posibles).

Archicembalo de Vicentino en centavos

'Chromatic Chanson' de Guillaume Costeley, 'Seigneur Dieu ta pitié' de 1558 usó 1/3 coma de significado y exploró la brújula completa de 19 tonos en la octava.

El compositor y teórico del Renacimiento italiano Nicola Vicentino (1511–1576) trabajó con intervalos microtonales y construyó un teclado con 36 teclas por octava conocido como archicembalo. Si bien en teoría era una interpretación de la teoría tetracordal griega antigua, en realidad Vicentino presentó un sistema circulante de cuartos de coma en medio tono, manteniendo los tercios mayores afinados en entonación justa en todas las tonalidades.

En 1760, el flautista francés Charles de Lusse [de] publicó un tratado, L'Art de la flute traversiere, todas las copias supervivientes de las cuales concluyen con una composición (posiblemente agregada uno o dos años después de la publicación real del volumen) que incorpora varios cuartos de tono, titulada Air à la grecque, acompañado de notas explicativas que lo relacionan con la realización del género enarmónico griego y un cuadro de digitaciones de cuartos de tono para todo el rango de la flauta de una tecla. Poco después, en una carta publicada en el Mercure de France en septiembre de 1764, el célebre flautista Pierre-Gabriel Buffardin menciona esta pieza y manifiesta su interés por los cuartos de tono para flauta.

Jacques Fromental Halévy compuso una cantata "Prométhée enchaîné" para voz solista, coro y orquesta (estrenada en 1849), donde en un movimiento (Choeur des Océanides) utilizó cuartos de tono, para imitar el género enarmónico de los griegos.

En las décadas de 1910 y 1920, los cuartos de tono (24 tonos iguales por octava) recibieron la atención de compositores como Charles Ives, Julián Carrillo, Alois Hába, Ivan Wyschnegradsky y Mildred Couper.

Alexander John Ellis, quien en la década de 1880 produjo una traducción de On the Sensations of Tone de Hermann Helmholtz, propuso un conjunto elaborado de afinaciones exóticas de entonación justa y afinaciones no armónicas. Ellis también estudió las afinaciones de culturas no occidentales y, en un informe a la Royal Society, afirmó que no usaban divisiones iguales de la octava ni solo intervalos de entonación. Ellis inspiró inmensamente a Harry Partch.

Durante la Exposición Universal de 1889, Claude Debussy escuchó una interpretación de gamelán balinés y fue expuesto a afinaciones y ritmos no occidentales. Algunos estudiosos han atribuido el uso innovador posterior de Debussy de la afinación de tonos completos (seis tonos iguales por octava) en composiciones como la Fantasía para piano y orquesta y la Toccata de la suite Pour le piano a su exposición al gamelan balinés en la exposición de París, y han afirmado su rebelión en este momento "contra la regla del temperamento igual" y que el gamelán le dio "la confianza para embarcarse (después de la exposición mundial de 1900) en sus obras pianísticas maduras completamente características, con sus muchas sonoridades de campana y gong y su brillante explotación de la naturalidad del piano. resonancia". Otros han argumentado que las obras de Debussy como L'isle joyeuse, La cathédrale engloutie, Prélude à l'après-midi d& #39;un faune, La mer, Pagodes, Danseuses de Delphes y Cloches à travers les feuilles están marcados por un interés más básico en los intervalos microtonales que se encuentran entre los miembros superiores de la serie armónica, bajo la influencia de los escritos de Helmholtz. La introducción del fonógrafo por parte de Emil Berliner en la década de 1890 permitió que los compositores occidentales grabaran y escucharan mucha música no occidental, lo que estimuló aún más el uso de afinaciones no iguales.

Los principales compositores microtonales de las décadas de 1920 y 1930 incluyen a Alois Hába (cuartos de tono o 24 tonos iguales por octava y sextos tonos), Julián Carrillo (24 tonos iguales, 36, 48, 60, 72 y 96 tonos iguales a la octava incorporada en una serie de pianos especialmente construidos a la medida), Ivan Wyschnegradsky (terceros tonos, cuartos de tonos, sextos tonos y duodécimos tonos, escalas sin octavas) y las primeras obras de Harry Partch (solo entonación usando frecuencias en proporciones de números enteros primos 3, 5, 7 y 11, sus potencias y productos de esos números, desde una frecuencia central de G-196).

Entre los compositores o investigadores microtonales destacados de las décadas de 1940 y 1950 se incluyen Adriaan Daniel Fokker (31 tonos iguales por octava), Partch (que sigue construyendo su orquesta artesanal de instrumentos de entonación justa microtonal) y Eivind Groven.

Los sintetizadores digitales del Yamaha TX81Z (1987) y los sintetizadores de software económicos han contribuido a la facilidad y popularidad de la exploración de la música microtonal.

La microtonalidad en la música electrónica

La música electrónica facilita el uso de cualquier tipo de afinación microtonal y evita la necesidad de desarrollar nuevos sistemas de notación. En 1954, Karlheinz Stockhausen construyó su Studie II electrónico en una escala de 81 pasos a partir de 100 Hz con un intervalo de 5^1/25 entre pasos, y en Gesang der Jünglinge (1955-1956) utilizó varias escalas, que van desde siete hasta sesenta divisiones iguales de octava. En 1955, Ernst Krenek utilizó 13 intervalos de temperamento igual por octava en su oratorio de Pentecostés, Spiritus intelligentiae, sanctus.

En 1979–80, Easley Blackwood compuso un conjunto de Doce estudios microtonales para medios de música electrónica, un ciclo que explora todos los temperamentos iguales desde 13 notas por octava hasta 24 notas por octava. incluyendo 15-ET y 19-ET. "El proyecto," escribió, "era explorar el comportamiento tonal y modal de todas [estas] afinaciones iguales..., idear una notación para cada afinación y escribir una composición en cada afinación para ilustrar buenas progresiones de acordes y la aplicación práctica de la notación".

En 1986, Wendy Carlos experimentó con muchos sistemas microtonales, incluida la entonación justa, utilizando escalas de afinación alternativas que inventó para el álbum Beauty In the Beast. "Todo este descubrimiento formal se produjo unas semanas después de haber completado el álbum, Beauty in the Beast, que está completamente en nuevas afinaciones y timbres".

En 2016, la música electrónica compuesta con escalas microtonales arbitrarias se exploró en el álbum Radionics Radio: An Album of Musical Radionic Thought Frequencies del compositor británico Daniel Wilson, quien derivó sus composiciones' afinaciones de ejecuciones de frecuencia enviadas por los usuarios de una aplicación web personalizada que replica el equipo de producción de sonido electrónico basado en radiónica utilizado por los laboratorios De La Warr de Oxford a fines de la década de 1940, por lo que supuestamente incorpora pensamientos y conceptos dentro de las afinaciones.

El artista finlandés Aleksi Perälä (Rephlex) trabaja exclusivamente en un sistema microtonal conocido como secuencia Colundi.

Limitaciones de algunos sintetizadores

La especificación General MIDI no es compatible directamente con la música microtonal, porque cada mensaje de nota activada y desactivada solo representa un tono cromático. Sin embargo, las escalas microtonales se pueden emular mediante la flexión de tono, como en la implementación de LilyPond.

Aunque algunos sintetizadores permiten la creación de escalas microtonales personalizadas, esta solución no permite transponer composiciones. Por ejemplo, si cada nota B se eleva un cuarto de tono, entonces el "séptimo elevado" solo afectaría a una escala de do mayor.

Microtonalidad en la música rock

Album cover of Vivir en Sydney 21 por la banda australiana King Gizzard & The Lagart Wizard, con una guitarra eléctrica microtonal personalizada.

Una forma de microtono conocida como nota azul es una parte integral de la música rock y uno de sus predecesores, el blues. Las notas azules, ubicadas en las notas tercera, quinta y séptima de una escala mayor diatónica, son aplanadas por un microtono variable. Joe Monzo ha realizado un análisis microtonal de la canción "Drunken Hearted Man", escrita y grabada por el músico de delta blues Robert Johnson.

Músicos como Jon Catler han incorporado guitarras microtonales como la guitarra de temperamento igual de 31 tonos y una guitarra de entonación justa de 62 tonos en la música blues y jazz rock.

La banda de rock inglesa Radiohead ha utilizado arreglos de cuerdas microtonales en su música, como en "How to Disappear Completely" del álbum Kid A.

La banda estadounidense Secret Chiefs 3 ha estado creando su propio "microtonal" instrumentos desde mediados de la década de 1990. El sistema de afinación patentado que utilizan en su aspecto Ishraqiyun está basado en proporciones, no en temperamento igual. El líder de la banda, Trey Spruance, también de Mr. Bungle, desafía la terminología de "microtonalidad" como un desarrollo que en lugar de liberar la sensibilidad tonal a un universo de diversas posibilidades, tanto nuevas como históricas, sirve principalmente para reforzar la idea de que el estándar universal para "tono" es el semitono (occidental).

La banda australiana King Gizzard and the Lizard Wizard utiliza instrumentos microtonales, incluidas guitarras microtonales personalizadas modificadas para tocar en afinación 24-TET. Las pistas con estos instrumentos aparecen en sus álbumes de 2017 Flying Microtonal Banana y Gumboot Soup, su álbum de 2020 K.G y su álbum de 2021 L.W.

La banda estadounidense Dollshot usó cuartos de tono y otros intervalos microtonales en su álbum Lalande.

El trío instrumental estadounidense Consider the Source emplea instrumentos microtonales en su música.

En Occidente

Pioneros microtonales occidentales

Compositores microtonales occidentales modernos

Investigadores microtonales occidentales