Musica de la india

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Panorama general de las tradiciones musicales en la India

Debido a la inmensidad y diversidad de India, la música india abarca numerosos géneros en múltiples variedades y formas que incluyen música clásica, folk (Bollywood), rock y pop. Tiene una historia que abarca varios milenios y se desarrolló en varias ubicaciones geográficas que abarcan el subcontinente. La música en India comenzó como una parte integral de la vida socio-religiosa.

Historia

Dancing Girl escultura de la civilización del Valle de Indus (hace 4.500 años)

Prehistoria

Paleolítico

Las pinturas rupestres paleolíticas y neolíticas de 30 000 años de antigüedad en los refugios rocosos de Bhimbetka en Madhya Pradesh, declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, muestran un tipo de danza. El arte rupestre mesolítico y calcolítico de Bhimbetka ilustra instrumentos musicales como gongs, Bowed Lyre, daf, etc.

Neolítico

Era calcolítica (4000 a. C. en adelante) hachas de piedra pulida en forma de barra estrecha como instrumentos musicales, uno de los primeros instrumentos musicales en la India, fueron excavados en Sankarjang en el distrito de Angul de Odisha. Existe evidencia histórica en forma de evidencia escultórica, es decir, instrumentos musicales, posturas de canto y baile de doncellas en las cuevas de Ranigumpha en Khandagiri y Udayagiri en Bhubaneswar.

Civilización del valle del río Indo

La escultura de la niña bailarina (2500 a. C.) se encontró en el sitio de la civilización del valle del Indo (IVC). Hay pinturas de la era IVC en cerámica de un hombre con un dhol colgando de su cuello y una mujer sosteniendo un tambor debajo del brazo izquierdo.

Era védica y antigua

Los Vedas (c. 1500 - c. 800 a. C. período védico) documentan rituales con artes escénicas y juegos. Por ejemplo, Shatapatha Brahmana (~800–700 a. C.) tiene versos en el capítulo 13.2 escritos en forma de una obra de teatro entre dos actores. Tala o taal es un concepto musical antiguo que se remonta a los textos de la era védica del hinduismo, como el Samaveda y los métodos para cantar los himnos védicos. Los textos hindúes posvédicos de Smriti (500 a. C. a 100 a. C.) incluyen el Ramayana de Valmiki (500 a. C. a 100 a. C.) que menciona la danza y la música (danza de Apsaras como Urvashi, Rambha, Menaka, Tilottama Panchāpsaras y Ravana&# Las esposas de 39 sobresalen en nrityageeta o "cantar y bailar" y nritavaditra o "tocar instrumentos musicales"), música y canto de Gandharvas, varios instrumentos de cuerda (vina, tantri, bīn, vipanci y vallaki similar a veena), instrumentos de viento (shankha, venu y venugana – probablemente una armónica hecha atando varias flautas juntas), raga (incluyendo kaushika como raag kaushik dhwani), registros vocales (siete svara o sur, ana o ekashurti nota de arrastre, murchana la subida y bajada regulada de la voz en matra y tripramana triple teen taal laya como drut o rápido, madhya o medio, y vilambit o lento), poesía rec itación en Bala Kanda y también en Uttara Kanda de Luv y Kusha en estilo marga.

A partir de la obra más antigua conocida Tholkappiyam (500 a. C.), hay varias referencias a la música y Panns en la literatura antigua pre-Sangam y Sangam a partir de la obra más antigua conocida Tholkappiyam (500 a. C.). Entre la literatura Sangam, Mathuraikkanci se refiere a las mujeres que cantan sevvazhi pann para invocar la misericordia de Dios durante el parto. En Tolkappiyam, los cinco paisajes de la literatura Sangam tenían cada uno un Pann asociado, cada uno describiendo el estado de ánimo de la canción asociada con ese paisaje. Entre los numerosos panns que se mencionan en la antigua literatura tamil se encuentran Ambal Pann, que es adecuado para tocar en la flauta, sevvazhi pann en el Yazh (laúd), Nottiram y Sevvazhi expresando patetismo, el cautivador Kurinji pann y el vigorizante Murudappann. Pann (tamil: பண்) es el modo melódico utilizado por el pueblo tamil en su música desde la antigüedad. Los antiguos panns a lo largo de los siglos evolucionaron primero a una escala pentatónica y luego a la de siete notas Carnatic Sargam. Pero desde los primeros tiempos, la música tamil es heptatónica y se conoce como Ezhisai (ஏழிசை).

El santo-poeta sánscrito Jayadeva, quien fue el gran compositor e ilustre maestro de la música clásica, dio forma a la música de estilo Odra-Magadhi y tuvo una gran influencia en Odissi Sangita.

Śārṅgadeva compuso Sangita-Ratnakara, uno de los textos musicológicos en sánscrito más importantes de la India, que se considera el texto definitivo tanto en la música indostaní como en las tradiciones musicales carnáticas de la música clásica india.

El poeta asamés Madhava Kandali, escritor de Saptakanda Ramayana, enumera varios instrumentos en su versión de "Ramayana", como mardala, khumuchi, bhemachi, dagar, gratal, ramtal, tabal, jhajhar, jinjiri, bheri mahari, tokari, dosari, kendara, dotara, vina, rudra-vipanchi, etc. (lo que significa que estos instrumentos existían desde su época en el siglo XIV o antes). El sistema indio de notación es quizás el más antiguo y elaborado del mundo.

Época medieval

A principios del siglo XIV, bajo los Khiljis, hubo conciertos y competencias entre músicos indostaníes y carnáticos.

Desde el siglo XVI en adelante, los tratados de música fueron Sangitamava Chandrika, Gita Prakasha, Sangita Kalalata y Natya Manorama.

Siglo XX

A principios de la década de 1960, los pioneros del jazz, como John Coltrane y George Harrison, colaboraron con instrumentistas indios y comenzaron a utilizar instrumentos indios como el sitar en sus canciones. A fines de la década de 1970 y principios de la de 1980, las fusiones del rock and roll con la música india eran bien conocidas en toda Europa y América del Norte. A fines de la década de 1980, los artistas indio-británicos fusionaron las tradiciones indias y occidentales para crear el underground asiático. En el nuevo milenio, el hip-hop estadounidense ha presentado filmi y bhangra indios. Los principales artistas de hip-hop han probado canciones de películas de Bollywood y han colaborado con artistas indios, como "Indian Flute&#34 de Timbaland;

En 2010, Laura Marling y Mumford and Sons colaboraron con el Proyecto Dharohar.

Música clásica

Las dos tradiciones principales de la música clásica india son la música carnática, que se practica predominantemente en las regiones peninsulares (sur), y la música indostaní, que se encuentra en las regiones norte, este y central. Los conceptos básicos de esta música incluyen Shruti (microtonos), Swaras (notas), Alankar (ornamentaciones), Raga (melodías improvisadas a partir de gramáticas básicas), y Tala (patrones rítmicos utilizados en percusión). Su sistema tonal divide la octava en 22 segmentos llamados Shrutis, no todos iguales pero cada uno aproximadamente igual a un cuarto de tono entero de la música occidental. Tanto la música clásica se basan en los fundamentos de las siete notas de la música clásica india. Estas siete notas también se llaman Sapta svara o Sapta Sur. Estos siete svaras son Sa, Re, Ga, Ma, Pa, Dha y Ni respectivamente. Estos Sapta Svaras se escriben como Sa, Re, Ga, Ma, Pa, Dha y Ni, pero son formas abreviadas de Shadja (षड्ज), Rishabha (ऋषभ), Gandhara (गान्धार), Madhyama (मध्यम), Panchama (पंचम), Dhaivata (धैवत) y Nishada (निषाद) respectivamente. Estos también son equivalentes a Do, Re, Mi, Fa, So, La, Ti. Solo estos siete svaras construyeron la música clásica indostaní y la música clásica carnática. Estos siete svaras son los fundamentos de un raga. Estos siete svaras sin ninguna variación en ellos, se denominan Shuddha svaras. Las variaciones en estos svaras hacen que sean Komal y Tivra svaras. Todos los demás svaras excepto Sadja (Sa) y Pancham (Pa) pueden ser Komal o Tivra svaras pero Sa y Pa siempre son Shuddha svaras. Y por lo tanto, los svaras Sa y Pa se llaman Achal Svaras, ya que estos svaras no se mueven de su posición original, mientras que los svaras Ra, Ga, Ma, Dha, Ni se llaman Chal Svaras, ya que estos svaras se mueven de su posición original. 

 Sa, Re, Ga, Ma, Pa, Dha, Ni... Shuddha Svaras Re, Ga, Dha, Ni - Komal Svaras Ma... Tivra Svaras

La Academia Sangeet Natak reconoce ocho formas clásicas de danza y música, a saber, Bharatanatyam, Kathak, Kuchipudi, Odissi, Kathakali, Sattriya, Manipuri y Mohiniyattam. Además, el Ministerio de Cultura de la India también incluye a Chhau en su lista clásica.

Música carnática

La música carnática se remonta a los siglos XIV y XV d. C. y posteriormente. Se originó en el sur de la India durante el gobierno del Imperio Vijayanagar a través de los Keerthanas compuestos por Purandara Dasa. Al igual que la música indostaní, es melódica, con variaciones improvisadas, pero tiende a tener composiciones más fijas. Consiste en una composición con adornos improvisados añadidos a la pieza en forma de Raga Alapana, Kalpanaswaram, Neraval y, en el caso de más estudiantes avanzados, Ragam Thanam Pallavi. El énfasis principal está en las voces, ya que la mayoría de las composiciones están escritas para ser cantadas, e incluso cuando se tocan con instrumentos, están destinadas a ser interpretadas en un estilo de canto (conocido como gāyaki). Alrededor de 300 ragams están en uso hoy en día. Annamayya es la primera compositora conocida de música carnática. Es ampliamente considerado como el Andhra Pada kavitā Pitāmaha (padrino de la composición de canciones en telugu). Purandara Dasa es considerado el padre de la música carnática, mientras que los músicos posteriores Tyagaraja, Shyama Shastry y Muthuswami Dikshitar son considerados la trinidad de la música carnática.

Los artistas destacados de la música carnática incluyen a Tiger Varadachariyar, M D Ramanathan, Ariyakudi Ramanuja Iyengar (el padre del formato de concierto actual), Palghat Mani Iyer, Madurai Mani Iyer, Semmangudi Srinivasa Iyer, Nedunuri Krishnamurthy Alathur Brothers, MS Subbulakshmi, Lalgudi Jayaraman, Balamuralikrishna, TN Seshagopalan, KJ Yesudas, N. Ramani, Umayalpuram K. Sivaraman, Sanjay Subrahmanyan, TM Krishna, Bombay Jayashri, T S Nandakumar, Aruna Sairam, Mysore Manjunath,

Cada diciembre, la ciudad de Chennai, en la India, tiene su temporada musical de ocho semanas de duración, que es el evento cultural más grande del mundo.

La música carnática ha servido como base para la mayoría de la música en el sur de la India, incluida la música folclórica, la música de festival y también ha extendido su influencia a la música de cine en los últimos 100 a 150 años más o menos.

Música hindú

La tradición de la música indostaní se remonta a la época védica, cuando los himnos del Sama Veda, un antiguo texto religioso, se cantaban como Samagana y no se cantaban. Se separó de la música carnática alrededor de los siglos XIII y XIV d.C., principalmente debido a las influencias islámicas. Desarrollando una tradición fuerte y diversa durante varios siglos, tiene tradiciones contemporáneas establecidas principalmente en India pero también en Pakistán y Bangladesh. A diferencia de la música carnática, la otra tradición principal de música clásica india que se originó en el sur, la música indostaní no solo estuvo influenciada por las antiguas tradiciones musicales hindúes, la filosofía védica histórica y los sonidos indios nativos, sino que también se enriqueció con las prácticas interpretativas persas de los mogoles. Los géneros clásicos son dhrupad, dhamar, khyal, tarana y sadra, y también hay varias formas semiclásicas.

La raíz del nombre C(K)arnatic music se deriva del sánscrito. Karnam significa orejas y Atakam significa lo que es dulce o lo que persiste.

Música clásica ligera

Hay muchos tipos de música que entran en la categoría de música clásica ligera o semiclásica. Algunas de las formas son Thumri, Dadra, Bhajan, Ghazal, Chaiti, Kajri, Tappa, Natya Sangeet y Qawwali. Estas formas ponen énfasis en buscar explícitamente la emoción de la audiencia, a diferencia de las formas clásicas.

Música folclórica

Hira Devi Waiba, pionera de canciones populares de Nepal en India

Taman Selo

Navneet Aditya Waiba- Folk cantante

Este es un género musical del pueblo Tamang y popular entre la comunidad de habla nepalí en Bengala Occidental, Sikkim, India y en todo el mundo. Se acompaña de instrumentos Tamang, el Madal, Damphu y Tungna, aunque en la actualidad los músicos se han aficionado a los instrumentos modernos. Un Tamang Selo puede ser pegadizo y animado o lento y melodioso, y generalmente se canta para transmitir tristeza, amor, felicidad o incidentes cotidianos e historias del folclore.

Hira Devi Waiba es aclamada como la pionera de las canciones populares nepalíes y Tamang Selo. Su canción 'Chura ta Hoina Astura' (चुरा त होइन अस्तुरा) se dice que es el primer Tamang Selo jamás registrado. Ha cantado casi 300 canciones a lo largo de su carrera musical que abarca 40 años. Después de la muerte de Waiba en 2011, su hijo Satya Aditya Waiba (productor/gerente) y Navneet Aditya Waiba (cantante) colaboraron y volvieron a grabar sus canciones más emblemáticas y lanzaron un álbum titulado Ama Lai Shraddhanjali (आमालाई श्रद्धाञ्जली-Homenaje a la Madre). El dúo son las únicas personas en el género de música folclórica nepalí que producen auténticas canciones folclóricas tradicionales nepalíes sin adulteración ni modernización.

Bhangra y Giddha

Bhangra (Punjabi: ਭੰਗੜਾ) es una forma de música folclórica de Punjab orientada a la danza. El musical actual

Tamak' (r.) y Tumdak' (l.) - tambores típicos del pueblo Santhal, fotografiados en un pueblo en el distrito de Dinajpur, Bangladesh.

El estilo se deriva del acompañamiento musical no tradicional de los riffs de Punjab llamados con el mismo nombre. La danza femenina de la región de Punjab se conoce como Giddha (Punjabi: ਗਿੱਧਾ).

Bihu y Borgeet

Jóvenes assameses que realizan Bihu.

Bihu (asamés: বিহু) es la festividad del Año Nuevo de Assam que se celebra a mediados de abril. Este es un festival de la naturaleza y la madre tierra donde el primer día es para las vacas y los búfalos. El segundo día del festival es para el hombre. Las danzas y canciones bihu acompañadas de tambores tradicionales e instrumentos de viento son parte esencial de este festival. Las canciones de Bihu son enérgicas y con ritmo para dar la bienvenida a la primavera festiva. Los tambores asameses (dhol), Pepa (generalmente hechos de cuerno de búfalo), Gogona son los principales instrumentos utilizados.

Borgeets (asamés: বৰগীত) son canciones líricas que se configuran en ragas específicos, pero no necesariamente en cualquier tala. Estas canciones, compuestas por Srimanta Sankardeva y Madhavdeva en los siglos XV y XVI, se utilizan para comenzar los servicios de oración en los monasterios, p. Satra y Namghar asociados con el Ekasarana Dharma; y también pertenecen al repertorio de Música de Assam fuera del contexto religioso. Son una tensión lírica que expresa los sentimientos religiosos de los poetas que reaccionan ante diferentes situaciones y difieren de otras letras asociadas con el Ekasarana Dharma.

Grupo de músicos populares Dharohar interpretando en Mehrangarh Fort, Jodhpur, India

Los instrumentos destacados utilizados en borgeets son Negera,Taal, Khols, etc.

Dandiya

Dandiya o Raas es una forma de danza cultural gujarati que se realiza con palos. El estilo musical actual se deriva del acompañamiento musical tradicional de la danza folclórica. Se practica principalmente en el estado de Gujarat. También hay otro tipo de baile y música asociado con Dandiya/Raas llamado Garba.

Gaana

Gaana es una "colección de ritmos, ritmos y sensibilidades nativos de los dalit de Chennai, similar al rap." Evolucionó durante los últimos dos siglos, combinando influencias de los siddhars (adeptos tántricos) de los antiguos tamilakam, santos tamiles sufíes y más. Las canciones de Gaana se interpretan en bodas, espectáculos teatrales, mítines políticos y funerales. Los artistas cantan sobre una amplia gama de temas, pero se dice que la esencia de gaana es "angustia y melancolía" basado en las luchas de la vida. En las últimas décadas, el género ha entrado en la música de la industria cinematográfica tamil convencional y ha ganado popularidad. Bandas contemporáneas de gaana como The Casteless Collective están llevando el género a nuevas audiencias mientras lo usan para el activismo social, especialmente contra la discriminación de castas.

Haryanvi

Video of Dhol, string instrument (Ektara) and Been musicians at Surajkund International Crafts Mela (c. 12 Feb 2012).

La música folclórica de Haryana tiene dos formas principales: la música folclórica clásica de Haryana y la música folclórica desi de Haryana (música country de Haryana). Toman la forma de baladas y dolores de despedida de amantes, valor y valentía, cosecha y felicidad. Haryana es rica en tradición musical e incluso los lugares han recibido nombres de ragas, por ejemplo, el distrito de Charkhi Dadri tiene muchas aldeas llamadas Nandyam, Sarangpur, Bilawala, Brindabana, Todi, Asaveri, Jaisri, Malakoshna, Hindola, Bhairvi y Gopi Kalyana.

Himachalí

La música folclórica de Himachal varía según el evento o el festival. Uno de los estilos de música más populares es Nati Music, donde nati es el baile tradicional que se realiza en la canción. Nati Music suele ser de celebración y se realiza en ferias u otras ocasiones, como matrimonios.

Jhumair y Domkach

Jhumair y Domkach son música folclórica de Nagpuri. Los instrumentos musicales utilizados en la música y la danza folclórica son Dhol, Mandar, Bansi, Nagara, Dhak, Shehnai, Khartal, Narsinga, etc.

Lavani

Lavani proviene de la palabra Lavanya que significa "belleza". Esta es una de las formas más populares de danza y música que se practica en todo Maharashtra. De hecho, se ha convertido en una parte necesaria de los espectáculos de danza folclórica de Maharashtra. Tradicionalmente, las canciones son cantadas por artistas femeninas, pero los artistas masculinos pueden cantar ocasionalmente Lavanis. El formato de baile asociado con Lavani se conoce como Tamasha. Lavani es una combinación de canciones y bailes tradicionales, que se ejecutan particularmente al ritmo encantador de 'Dholaki', un instrumento parecido a un tambor. El baile es realizado por mujeres atractivas que visten saris de nueve yardas. Se cantan en un tempo rápido. Lavani se originó en la región árida de Maharashtra y Madhya Pradesh.

Manipuri

Gandharva como bailarines se encuentran esculpidos en templos medievales tempranos del sudeste asiático, Asia oriental, Siberia, Micronesia, Polinesia y el Ártico. Los Meiteis creen que son los Gandharvas.

La música de Manipur y la danza de Manipuri son herencia del pueblo de Manipuri. Según la tradición de la gente de Manipuri en las estribaciones y valles del Himalaya que conectan la India con Birmania, son los Gandharvas (músicos y bailarines celestiales) en los textos védicos, y los textos históricos de la gente de Manipuri llaman a la región como Gandharva-desa. La Usha védica, la diosa del amanecer, es un motivo cultural para las mujeres manipuri y, en la tradición india, fue Usha quien creó y enseñó el arte de la danza femenina. a las niñas Esta tradición oral de baile de mujeres se celebra como Chingkheirol en la tradición de Manipuri.

Los textos sánscritos antiguos, como la epopeya del Mahabharata, mencionan Manipur, donde Arjuna conoce y se enamora de Chitragada. La danza se llama Jagoi en una de las principales lenguas meitei de la región y tiene una larga tradición en Manipur. La danza Lai Haraoba probablemente tiene raíces antiguas y comparte muchas similitudes con las posturas de danza de Nataraja y su legendario discípulo llamado Tandu (llamado localmente Tangkhu). Del mismo modo, al igual que la danza relacionada con el plebeyo Khamba y la princesa Thoibi, que actúan como pan-indios Shiva y Parvati, en la legendaria y trágica historia de amor de Khamba-Thoibi que se encuentra en la epopeya de Manipuri Moirang Parba.

Música María

Hadrani Marfa, o simplemente música Marfa, introducida durante el siglo XVIII en el estado de Hyderabad por la comunidad Siddi de África Oriental a partir de la música afroárabe de Hadhramawt en Yemen, es una forma de música y danza rítmica de celebración entre los musulmanes de Hyderabad, tocada con tempo alto usando el instrumento Marfa, daff, Dhol, palos, ollas de acero y listones de madera llamados thapi.

Mizo

La música Mizo se originó cuando se desarrollaron coplas durante el asentamiento de Thantlang en Birmania entre 1300 y 1400 EC, y las canciones populares desarrolladas durante este período fueron dar hla (canciones en gong); Bawh hla (Cantos de guerra), Hlado (Cantos de caza); Nauawih hla (Canciones de cuna) Se puede observar un mayor desarrollo de las canciones desde el asentamiento de Lentlang en Birmania, estimado entre finales del siglo XV y XVII d.C. Los Mizo ocuparon el actual Mizoram desde finales del siglo XVII. El período precolonial, es decir, del siglo XVIII al XIX, fue otra época importante en la historia de la literatura popular mizo. Antes de la anexión por parte del gobierno británico, Mizo ocupó el actual Mizoram durante dos siglos. En comparación con las canciones populares de los asentamientos de Thantlang y Lentlang, las canciones de este período están más desarrolladas en su número, forma y contenido. Los idiomas están más pulidos y los flujos también son mejores. La mayoría de las canciones de este período llevan el nombre de los compositores.

Odissi

Muestra de arte de performance de Odissi con el 17o Canto del poeta Odia del siglo XVII que se canta "Baidehisha Bilasa" de Upendra Bhanja. Las tradiciones teatrales de Odissi y Kathakali han tenido una influencia importante en las tradiciones narrativas de la India.

Jayadeva, el santo poeta sánscrito del siglo XII, el gran compositor e ilustre maestro de la música clásica, tiene una inmensa contribución a la música de Odissi. Durante su tiempo, la música de estilo Odra-Magadhi tomó forma y alcanzó su estatus clásico. Indicó los ragas clásicos que prevalecían en ese momento en los que debían cantarse. Antes de eso, existía la tradición de Chhanda, que tenía un esquema musical simple. A partir del siglo XVI, los tratados de música fueron Sangitamava Chandrika, Gita Prakasha, Sangita Kalalata y Natya Manorama. Un par de tratados, a saber, Sangita Sarani y Sangi Narayana, también se escribieron a principios del siglo XIX.

Odissi Sangita comprende cuatro clases de música, a saber, Dhruvapada, Chitrapada, Chitrakala y Panchal, descritas en el Textos antiguos de música oriya. El jefe Odissi y Shokabaradi. Odissi Sangita (música) es una síntesis de cuatro clases de música, es decir, Dhruvapada, Chitrapada, Chitrakala y Panchal, descrito en los textos antes mencionados.

Los grandes exponentes de la música Odissi en los tiempos modernos son el difunto Singhari Shyamasundara Kar, Markandeya Mahapatra, Kashinath Pujapanda, Balakrushna Das, Gopal Chandra Panda, Ramhari Das, Bhubaneswari Misra, Shymamani Devi y Sunanda Patnaik, quienes han alcanzado la eminencia en la música clásica. música.

Rabindra Sangeet (música de Bengala)

Las iniciales de Bengali-language de Rabindranath Tagore se trabajan en este sello de madera "Ro-Tho", estilísticamente similar a los diseños utilizados en las tallas tradicionales de Haida. Tagore adornó sus manuscritos con tal arte.
Baile acompañado por Rabindra Sangeet

Rabindra Sangeet (bengalí: রবীন্দ্রসঙ্গীত Robindro Shonggit, Pronunciación bengalí: [ɾobindɾo ʃoŋɡit]), también conocidas como canciones de Tagore, son canciones escritas y compuestas por Rabindranath Tagore. Tienen características distintivas en la música de Bengala, popular en India y Bangladesh. "Sangeet" significa música, "Rabindra Sangeet" significa música (o más acertadamente canciones) de Rabindra.

N. Ramani y N Rajam acompañados por T S Nandakumar

Tagore escribió unas 2.230 canciones en bengalí, ahora conocido como Rabindra Sangeet, utilizando como fuentes la música clásica y la música folclórica tradicional.

Tagore escribió los himnos nacionales de India y Bangladesh e influyó en el himno nacional de Sri Lanka.

Rajastán

Rajasthan tiene una colección cultural muy diversa de castas de músicos, incluidos Langas, Sapera, Bhopa, Jogi y Manganiyar (literalmente, "los que piden/suplican"). Rajasthan Diary lo cita como una música conmovedora, a pleno pulmón con una diversidad armoniosa. Las melodías de Rajasthan provienen de una variedad de instrumentos. La variedad de cuerdas incluye Sarangi, Ravanahatha, Kamayacha, Morsing y Ektara. Los instrumentos de percusión vienen en todas las formas y tamaños, desde los enormes Nagaras y Dhols hasta los diminutos Damrus. El Daf y Chang son los favoritos de los juerguistas de Holi (el festival de los colores). Las flautas y los gaiteros vienen en sabores locales como Shehnai, Poongi, Algoza, Tarpi, Been y Bankia.

La música de Rajasthani se deriva de una combinación de instrumentos de cuerda, instrumentos de percusión e instrumentos de viento acompañados de interpretaciones de cantantes folclóricos. También disfruta de una presencia respetable en la música de Bollywood.

Folk rock sufí / Rock sufí

El folk rock sufí contiene elementos del hard rock moderno y la música folclórica tradicional con poesía sufí. Si bien fue iniciado por bandas como Junoon en Pakistán, se hizo muy popular, especialmente en el norte de la India. En 2005, el rabino Shergill lanzó una canción de rock sufí llamada 'Bulla Ki Jaana', que se convirtió en uno de los primeros lugares de las listas de éxitos en India y Pakistán. Más recientemente, la canción de folk rock sufí "Bulleya" de la película de 2016 Ae Dil Hai Mushkil se convirtió en un gran éxito.

Uttarakhandi

La música folclórica de Uttarakhandi tiene sus raíces en el regazo de la naturaleza y el terreno montañoso de la región. Los temas comunes en la música folclórica de Uttarakhand son la belleza de la naturaleza, las diversas estaciones, los festivales, las tradiciones religiosas, las prácticas culturales, las historias populares, los personajes históricos y la valentía de los antepasados. Las canciones populares de Uttarakhand son un reflejo del patrimonio cultural y la forma en que la gente vive sus vidas en el Himalaya. Los instrumentos musicales utilizados en la música de Uttarakhand incluyen Dhol, Damoun, Hudka, Turri, Ransingha, Dholki, Daur, Thali, Bhankora y Masakbhaja. Tabla y Harmonium también se usan a veces, especialmente en música folclórica grabada desde la década de 1960 en adelante. Cantantes como Mohan Upreti, Narendra Singh Negi, Gopal Babu Goswami y Chandra Singh Rahi han incorporado instrumentos musicales indios y globales genéricos en la gente popular moderna.

Música popular en India

Música de baile

La música de baile, más conocida como "música de DJ", se toca principalmente en clubes nocturnos, fiestas, bodas y otras celebraciones. Es más popular entre los jóvenes. Se basa principalmente en la música de películas indias, así como en la música pop india, las cuales tienden a tomar prestadas y modernizar las canciones de baile clásicas y folclóricas con instrumentos modernos y otras innovaciones.

Música de películas

La forma más importante de música popular india es el filmi, o canciones de películas indias, que representa el 72 % de las ventas de música en India. La industria cinematográfica de la India apoyó la música respetando la música clásica mientras utilizaba la orquestación occidental para apoyar las melodías indias. Compositores de música, como R. D. Burman, Shankar Jaikishan, S. D. Burman, Laxmikant–Pyarelal, Madan Mohan, Bhupen Hazarika, Naushad Ali, O. P. Nayyar, Hemant Kumar, C. Ramchandra, Salil Chowdhury, Kalyanji Anandji, Ilaiyaraaja, A. R. Rahman, Jatin–Lalit, Anu Malik, Nadeem-Shravan, Harris Jayaraj, Himesh Reshammiya, Vidyasagar, Shankar–Ehsaan–Loy, Salim–Sulaiman, Pritam, M.S. Viswanathan, K. V. Mahadevan, Ghantasala y S. D. Batish emplearon los principios de la armonía conservando el sabor clásico y folclórico. Nombres de renombre en el dominio de la música clásica india como Ravi Shankar, Vilayat Khan, Ali Akbar Khan y Ram Narayan también han compuesto música para películas. Tradicionalmente, en las películas indias, la voz de las canciones no la proporcionan los actores, sino los cantantes de reproducción profesionales, para que suenen más desarrolladas, melodiosas y conmovedoras, mientras los actores sincronizan los labios en la pantalla. En el pasado, solo un puñado de cantantes proporcionaba la voz en las películas. Estos incluyen a Kishore Kumar, K. J. Yesudas, Mohammed Rafi, Mukesh, S.P. Balasubrahmanyam, T.M. Soundararajan, Hemant Kumar, Manna Dey, P. Susheela, Lata Mangeshkar, Asha Bhonsle, K.S. Chitra, Geeta Dutt, S. Janaki, Shamshad Begum, Suraiya, Noorjahan y Suman Kalyanpur. Los cantantes de reproducción recientes incluyen a Udit Narayan, Kumar Sanu, Kailash Kher, Alisha Chinai, KK, Shaan, SPB Charan, Madhushree, Shreya Ghoshal, Nihira Joshi, Kavita Krishnamurthy, Hariharan (cantante), Ilaiyaraaja, A.R. Rahman, Sonu Nigam, Sukhwinder Singh, Kunal Ganjawala, Anu Malik, Sunidhi Chauhan, Anushka Manchanda, Raja Hasan, Arijit Singh y Alka Yagnik. Bandas de rock como Indus Creed, Indian Ocean, Silk Route y Euphoria han ganado un gran atractivo con la llegada de la televisión musical por cable.

Música popular

La música pop india se basa en una combinación de música clásica y folclórica india, y ritmos modernos de diferentes partes del mundo. La música pop realmente comenzó en la región del sur de Asia con la canción 'Ko Ko Korina' del cantante de reproducción Ahmed Rushdi en 1966, y luego con Kishore Kumar a principios de la década de 1970.

Después de eso, gran parte de la música pop india proviene de la industria cinematográfica india y, hasta la década de 1990, pocos cantantes fuera de ella como Usha Uthup, Sharon Prabhakar y Peenaz Masani eran populares. Desde entonces, los cantantes pop en este último grupo han incluido a Daler Mehndi, Baba Sehgal, Alisha Chinai, KK, Shantanu Mukherjee alias Shaan, Sagarika, Colonial Cousins (Hariharan, Lesle Lewis), Lucky Ali y Sonu Nigam, y compositores de música como Zila. Khan o Jawahar Wattal, que hizo álbumes más vendidos con Daler Mehndi, Shubha Mudgal, Baba Sehgal, Shweta Shetty y Hans Raj Hans.

Además de los mencionados anteriormente, los cantantes populares de indi-pop incluyen a Sanam (banda), Gurdas Maan, Sukhwinder Singh, Papon, Zubeen Garg, Raghav Sachar Rageshwari, Vandana Vishwas, Devika Chawla, Bombay Vikings, Asha Bhosle, Sunidhi Chauhan, Anushka Manchanda, Bombay Rockers, Anu Malik, Jazzy B, Malkit Singh, Raghav, Jay Sean, Juggy D, Rishi Rich, Udit Swaraj, Sheila Chandra, Bally Sagoo, Punjabi MC, Beno, Bhangra Knights, Mehnaz, Sanober y Vaishali Samant.

Recientemente, el pop indio ha dado un giro interesante con el "remixing" de canciones de películas indias pasadas, a las que se añaden nuevos ritmos.

Música patriótica

Los sentimientos patrióticos han sido instigados dentro de los indios a través de la música desde la era de la lucha por la libertad. A Jana Gana Mana, el himno nacional de la India de Rabindranath Tagore, se le atribuye en gran medida la unión de la India a través de la música y Vande Mataram de Bankim Chandra Chattopadhyay como la canción nacional de la India. También se escribieron canciones patrióticas en muchos idiomas regionales como Biswo Bizoyi No Zuwan en asamés. Canciones posteriores a la independencia como Aye mere watan ke logo, Mile Sur Mera Tumhara, Ab Tumhare Hawale Watan Saathiyo, Maa Tujhe Salaam de A.R. Rahman han sido responsables de consolidar sentimientos de integración nacional y unidad en la diversidad.

Adopción de música occidental en India

La música del mundo occidental se ha adoptado en la India mediante la creación de música de fusión en la India que, a su vez, ha enriquecido y creado géneros globales de la música occidental.

Goa trance

Goa trance, un estilo de música electrónica que se originó a fines de la década de 1980 en Goa, India, tiene líneas de bajo funky, parecidas a drones, similares al minimalismo techno del psytrance del siglo XXI. Trance psicodélico desarrollado a partir del trance de Goa. A fines de la década de 1960 y principios de la de 1970, Goa se hizo popular como capital hippie, lo que resultó en la evolución del trance de Goa a lo largo de la década de 1980 al mezclar la cultura espiritual de la India con elementos musicales occidentales de la música industrial, el nuevo ritmo y la música corporal electrónica (EBM)., y el estilo trance real de Goa se estableció a principios de la década de 1990.

Jazz y blues

Jazz in India se interpretó por primera vez con regularidad en las metrópolis de Calcuta y Bombay a principios o mediados de la década de 1920. Desde la década de 1930 hasta la década de 1950 se considera la edad de oro del jazz en la India, cuando músicos de jazz como Leon Abbey, Crickett Smith, Creighton Thompson, Ken Mac, Roy Butler, Teddy Weatherford (que grabó con Louis Armstrong) y Rudy Jackson que realizó una gira por la India para evitar la discriminación racial que enfrentaban en los Estados Unidos. En la década de 1930, los músicos de jazz tocaban en los clubes nocturnos de Bombay, como en el salón de baile del hotel Taj Mahal, muchos de estos músicos eran de Goa, la mayoría que también trabajaban en la industria cinematográfica de Bollywood y fueron responsables de la introducción de géneros como el jazz y el swing. Música de cine hindi.

El blues indio prevalece menos en la India que el jazz. El interés por el blues en India solo ha sido incidental debido a la ascendencia compartida con el jazz.

Música rock y metal

Rock indio
Nicotina jugando en 'Pedal to the Metal', TDS, Indore, India en 2014. La banda es conocida por ser el pionero de la música metálica en la India Central.

La escena de la música rock en la India es pequeña en comparación con las escenas de musicalidad de fusión o filmi. La música rock en la India tiene sus orígenes en la década de 1960, cuando estrellas internacionales como los Beatles visitaron la India y trajeron su música con ellos. Estos artistas' La colaboración con músicos indios como Ravi Shankar y Zakir Hussain ha llevado al desarrollo del raga rock. Las estaciones de radio internacionales de onda corta como The Voice of America, BBC y Radio Ceylon desempeñaron un papel importante en llevar la música pop, folk y rock occidental a las masas. Las bandas de rock indias comenzaron a ganar protagonismo mucho más tarde, a fines de la década de 1980.

Fue por esta época cuando la banda de rock Indus Creed, anteriormente conocida como The Rock Machine, se dio a conocer en el escenario internacional con éxitos como Rock N Roll Renegade. Otras bandas siguieron rápidamente. Con la introducción de MTV a principios de la década de 1990, los indios comenzaron a estar expuestos a diversas formas de rock como el grunge y el speed metal, impactando la escena nacional. Las ciudades de la región nororiental, principalmente Guwahati y Shillong, Kolkata, Delhi, Mumbai y Bangalore, se han convertido en los principales crisoles de los entusiastas del rock y el metal. Bangalore ha sido el centro del movimiento de rock y metal en la India. Algunas bandas destacadas incluyen Nicotine, Voodoo Child, Indian Ocean, Kryptos, Thermal and a Quarter, Demonic Resurrection, Motherjane, Avial, Bloodywood y Parikrama. Desde entonces, han surgido sellos específicos de rock como DogmaTone Records y Eastern Fare Music Foundation, que apoyan a los actos de rock indio.

Desde el centro de la India, Nicotine, una banda de metal con sede en Indore, ha sido reconocida como pionera en la música metal en la región.

Roca Raga

Raga rock es música rock o pop con una fuerte influencia india, ya sea en su construcción, su timbre o el uso de instrumentación, como el sitar y la tabla. Raga y otras formas de música clásica india comenzaron a influir en muchos grupos de rock durante la década de 1960; el más famoso de los Beatles. Los primeros rastros de "roca raga" se puede escuchar en canciones como "See My Friends" por los Kinks y los Yardbirds' 'Heart Full of Soul', lanzado el mes anterior, presentaba un riff parecido a un sitar del guitarrista Jeff Beck. La canción de los Beatles "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)", que apareció por primera vez en el álbum de 1965 de la banda, Rubber Soul, fue la primera canción pop occidental en incorporar el sitar (interpretado por el líder guitarrista George Harrison). Los Byrds' El sencillo de marzo de 1966 "Eight Miles High" y su cara B 'Por qué' también fueron influyentes en el origen del subgénero musical. De hecho, el término "raga rock" fue acuñado por The Byrds' publicist en los comunicados de prensa del sencillo y fue utilizado por primera vez en forma impresa por la periodista Sally Kempton en su reseña de "Eight Miles High" para La Voz del Pueblo. El interés de George Harrison por la música india popularizó el género a mediados de la década de 1960 con canciones como "Love You To", "Tomorrow Never Knows" (acreditado a Lennon-McCartney), "Dentro de ti, sin ti" y 'La luz interior'. Los actos de rock de los años sesenta influyeron a su vez en grupos británicos y estadounidenses y actos indios para desarrollar una forma posterior de rock indio.

Música clásica occidental

A pesar de más de un siglo de exposición a la música clásica occidental y dos siglos de colonialismo británico, la música clásica en la India nunca ha ganado una popularidad significativa.

Sin embargo, la educación musical clásica occidental ha mejorado con la ayuda de ciertas instituciones en la India, incluido el Conservatorio de Música KM (fundado por el compositor ganador del Oscar A.R. Rahman), la Escuela de Música de Calcuta, la Fundación de Música Eastern Fare, En 1930, Mehli Mehta creó la Orquesta Sinfónica de Bombay. Su hijo Zubin Mehta ha disfrutado de una larga carrera como director internacional. La Orquesta de Cámara de Bombay (BCO) se fundó en 1962. La Escuela de Música de Delhi, la Academia de Música de Delhi, Guitarmonk y otros que apoyan la música clásica occidental. En 2006, se fundó la Orquesta Sinfónica de la India, ubicada en el NCPA en Mumbai. Actualmente es la única orquesta sinfónica profesional de la India y presenta dos temporadas de conciertos al año, con directores y solistas de renombre mundial.

Globalización de la música india

Según la ONU, la diáspora india es la diáspora en el extranjero más grande del mundo con 17,5 millones de inmigrantes internacionales de origen indio en todo el mundo, que ayudan a difundir el poder blando global de la India.

Influencia en otros géneros

Influencia antigua en los géneros musicales del sudeste asiático

Zona histórica de influencia cultural Indosphere de Greater India para la transmisión de elementos de elementos indios tales como los títulos honoríficos, nombres de personas, nombres de lugares, lemas de organizaciones e institutos educativos, así como la adopción del hinduismo, el budismo, la arquitectura india, las artes marciales, la música india y la danza tradicional india, un proceso que también ha sido ayudado por la continua expansión histórica de la diáspora india.

Con la expansión de la influencia cultural de la Indosfera de la Gran India, a través de la transmisión del hinduismo en el sudeste asiático y la transmisión de la Ruta de la Seda del budismo que condujo a la indianización del sudeste asiático a través de la formación de reinos indianizados nativos del sudeste asiático no indios que adoptaron el idioma sánscrito y otros Elementos indios como los títulos honoríficos, la denominación de personas, la denominación de lugares, los lemas de organizaciones e institutos educativos, así como la adopción de la arquitectura india, las artes marciales, la música y la danza indias, la vestimenta tradicional india y la cocina india, un proceso que ha también ha sido ayudado por la expansión histórica en curso de la diáspora india.

Música indonesia y malaya

En la música de Indonesia y Malasia, el Dangdut, un género de música folclórica, se deriva en parte de la música indostaní y se fusiona con ella. Es muy popular debido a su melodiosa instrumentación y voz. Dangdut presenta un ritmo de tabla y gendang. Los indonesios bailan algo similar al ghoomar mientras escuchan música dangdut, pero en una versión mucho más lenta.

Música tailandesa

La literatura y el teatro tailandeses se inspiran mucho en las artes indias y las leyendas hindúes. La epopeya del Ramayana es tan popular en Tailandia como el Ramakien. Dos de los bailes tailandeses clásicos más populares, el Khon, interpretado por hombres con máscaras feroces, y el Lakhon (Lakhon nai, Lakhon chatri y Lakhon nok), interpretado por mujeres que interpretan papeles masculinos y femeninos, se inspiran principalmente en el Ramakien. Instrumentos de percusión y Piphat, un tipo de viento de madera acompañan el baile. Nang talung, un juego de sombras tailandés inspirado en el Bommalattam del sur de la India, tiene sombras hechas de trozos de piel de vaca o búfalo de agua cortados para representar figuras humanas con brazos y piernas móviles que se arrojan en una pantalla para el entretenimiento de los espectadores.

Filipinas

Fusión con música tradicional de otras naciones

En ocasiones, la música de la India se fusiona con la música tradicional autóctona de otros países. Por ejemplo, Delhi 2 Dublin, una banda con sede en Canadá, es conocida por fusionar música india e irlandesa, y Bhangraton es una fusión de música Bhangra con reggaeton.

Música del mundo occidental

Música de cine

El compositor de cine indio A. R. Rahman escribió la música para Bombay Dreams de Andrew Lloyd Webber, y se representó en Londres una versión musical de Hum Aapke Hain Koun. 39; s West End. La película de deportes de Bollywood Lagaan (2001) fue nominada al Premio de la Academia a la Mejor Película en Lengua Extranjera, y otras dos películas de Bollywood (Devdas de 2002 y 2006&#39).;s Rang De Basanti) fueron nominados al premio BAFTA a la mejor película que no está en idioma inglés.

Slumdog Millionaire (2008) de Danny Boyle se inspiró en las películas de Bollywood.

Hip hop y reggae

Bhangraton es una fusión de música Bhangra con reggaeton, que a su vez es una fusión de hip hop, reggae y música tradicional latinoamericana.

Jazz

A principios de la década de 1960, pioneros del jazz como John Coltrane, que grabó una composición titulada 'India' durante las sesiones de noviembre de 1961 para su álbum Live at the Village Vanguard (la pista no se lanzó hasta 1963 en el álbum Impressions de Coltrane), también adoptó esta fusión. George Harrison (de los Beatles) tocó el sitar en la canción "Norwegian Wood (This Bird Has Flyn)" en 1965, lo que despertó el interés de Shankar, quien posteriormente tomó a Harrison como su aprendiz. El innovador del jazz Miles Davis grabó y actuó con músicos como Khalil Balakrishna, Bihari Sharma y Badal Roy en sus conjuntos eléctricos posteriores a 1968. El virtuoso guitarrista de jazz John McLaughlin pasó varios años en Madurai aprendiendo música carnática y la incorporó en muchos de sus actos, incluido Shakti, que contó con destacados músicos indios. Otros artistas occidentales como Grateful Dead, Incredible String Band, Rolling Stones, Move y Traffic pronto incorporaron influencias e instrumentos indios y agregaron artistas indios. El legendario líder de Grateful Dead, Jerry García, se unió al guitarrista Sanjay Mishra en su clásico CD 'Blue Incantation'. (1995). Mishra también escribió una partitura original para el director francés Eric Heumann para su película Port Djema (1996), que ganó la mejor partitura en el festival de cine de Hamptons y The Golden Bear en Berlín. en 2000 grabó Rescue con el baterista Dennis Chambers (Carlos Santana, John McLaughlin et al.) y en 2006 Chateau Benares con los invitados DJ Logic y Keller Williams (guitarra y bajo).

Película musical

Desde principios de la década de 2000, Bollywood comenzó a influir en las películas musicales en el mundo occidental y jugó un papel fundamental en la reactivación de la película musical estadounidense. Baz Luhrmann dijo que su película musical, Moulin Rouge! (2001), se inspiró en los musicales de Bollywood; la película incorporó una escena de baile al estilo de Bollywood con una canción de la película China Gate. El éxito de crítica y financiero de Moulin Rouge! inició un renacimiento de películas musicales occidentales como Chicago, Rent y Dreamgirls.

Música psicodélica y trance

Trance psicodélico desarrollado a partir del trance de Goa.

Rock and roll

A fines de la década de 1970 y principios de la de 1980, las fusiones del rock and roll con la música india eran bien conocidas en toda Europa y América del Norte. La actuación de Ali Akbar Khan en 1955 en los Estados Unidos fue quizás el comienzo de esta tendencia. En 1985, un híbrido Raga Rock orientado al ritmo llamado Sitar Power de Ashwin Batish reintrodujo el sitar en las naciones occidentales. Sitar Power llamó la atención de varios sellos discográficos y Shanachie Records de Nueva Jersey lo contrató para encabezar su división World Beat Ethno Pop.

Tecnopop

La influencia de filmi puede verse en la música popular de todo el mundo. Los pioneros del tecnopop Haruomi Hosono y Ryuichi Sakamoto de la Yellow Magic Orchestra produjeron un álbum electrónico de 1978, Cochin Moon, basado en una fusión experimental de música electrónica y música india inspirada en Bollywood. La verdad duele La canción de 2002 'Addictive', producida por DJ Quik y Dr. Dre, fue extraída de 'Thoda Resham Lagta Hai' de Lata Mangeshkar. en Jyoti (1981). Los Black Eyed Peas' La canción ganadora del premio Grammy en 2005 "Don't Phunk with My Heart" se inspiró en dos canciones de Bollywood de la década de 1970: "Ye Mera Dil Yaar Ka Diwana" de Don (1978) y "Ae Nujawan Hai Sub" de Apradh (1972). Ambas canciones fueron compuestas por Kalyanji Anandji, cantadas por Asha Bhosle y con la participación de la bailarina Helen.

Música clásica occidental

Algunos indios prominentes en la música clásica occidental son:

Influencia en la escena musical nacional

Bollywood ha sido una forma significativa de poder blando para India, aumentando su influencia y cambiando las percepciones de India en el extranjero. Según la autora Roopa Swaminathan, "el cine de Bollywood es uno de los embajadores culturales globales más fuertes de una nueva India". Su papel en la expansión de la influencia global de la India es comparable al papel similar de Hollywood con la influencia estadounidense.

África

Kishore Kumar es popular en Egipto y Somalia.

Las películas en hindi fueron distribuidas originalmente en algunas partes de África por empresarios libaneses, y Mother India (1957) continuó proyectándose en Nigeria décadas después de su estreno. Las películas indias han influido en la ropa hausa, las canciones han sido interpretadas por cantantes hausa y las historias han influido en los novelistas nigerianos. Pegatinas de películas y estrellas indias decoran taxis y autobuses en la región norte de Nigeria, y carteles de películas indias cuelgan de las paredes de sastrerías y talleres mecánicos. garajes.

En Sudáfrica, las audiencias negras e indias vieron películas importadas de la India. Varias figuras de Bollywood han viajado a África para películas y proyectos fuera de cámara. Padmashree Laloo Prasad Yadav (2005) se filmó en Sudáfrica. Dil Jo Bhi Kahey... (2005) también se filmó casi en su totalidad en Mauricio, que tiene una gran población de etnia india.

En Egipto, las películas de Bollywood fueron populares durante las décadas de 1970 y 1980. Amitabh Bachchan sigue siendo popular en el país y a los turistas indios que visitan Egipto se les pregunta: "¿Conoces a Amitabh Bachchan?".

América

Caribe

La música indocaribeña de los pueblos indocaribeños del Caribe es más común en Trinidad y Tobago, Guyana, Jamaica y Surinam, lo que refleja su herencia Bhojpuri. La instrumentación principal es dhantal, varilla de metal, badajo, dholak, tambor de barril de dos parches. Las mujeres cantan bhajans hindúes y canciones folclóricas de la música de Bhojpur en varios eventos importantes de la vida, rituales, celebraciones, festivales como phagwah y holi. Las contribuciones indocaribeñas a la música popular son muy importantes. La más conocida es la tradición indo-trinitense de chutney music. Chutney es una forma de música de baile popular que se desarrolló a mediados o finales del siglo XX. Baithak Gana es una forma popular similar originaria de Surinam.

América Latina

Hay importantes comunidades de la diáspora india en Surinam y Guyana, la música india y las películas en hindi son populares. En 2006, Dhoom 2 se convirtió en la primera película de Bollywood rodada en Río de Janeiro.

América del Norte

En el nuevo milenio, el hip-hop estadounidense ha presentado filmi y bhangra indios. Los principales artistas de hip-hop han probado canciones de películas de Bollywood y han colaborado con artistas indios. Los ejemplos incluyen 'Indian Flute' de Timbaland, 'React' de Erick Sermon y Redman, 'Disco' de Slum Village y La verdad duele la exitosa canción "Addictive", que muestra una canción de Lata Mangeshkar, y The Black Eyed Peas muestra la canción de Asha Bhosle "Yeh Mera Dil" en su exitoso sencillo 'Don't Phunk With My Heart'. En 1997, la banda británica Cornershop rindió homenaje a Asha Bhosle con su canción Brimful of Asha, que se convirtió en un éxito internacional. El artista indio nacido en Gran Bretaña Panjabi MC también tuvo un éxito de Bhangra en los EE. UU. con "Mundian To Bach Ke" que contó con el rapero Jay-Z. Asian Dub Foundation no son grandes estrellas de la corriente principal, pero su sonido influenciado por el rap y el punk rock tiene una audiencia multirracial en su Reino Unido natal. En 2008, la estrella internacional Snoop Dogg apareció en una canción de la película Singh Is Kinng. En 2007, el productor de hip-hop Madlib lanzó Beat Konducta Vol 3–4: Beat Konducta en India; un álbum que muestra en gran medida y está inspirado en la música de la India.

Asia

Sur de Asia

Debido a la herencia cultural y el idioma compartidos, la música india y las películas de Bollywood también son populares en Afganistán, Pakistán, Bangladesh y Nepal, donde se entiende ampliamente el hindustani.

Sureste asiático

Ya cubierto en la sección anterior Influencia antigua en el género musical del sudeste asiático.

Oeste de Asia

Asia occidental tiene una gran población de la diáspora india, que consume principalmente música india. La música india también es popular entre los nativos del Medio Oriente. El 85% de Qatar y el 75% de la población total de los Emiratos Árabes Unidos son ciudadanos indios. Las películas y la música hindi se han vuelto populares en los países árabes, y las películas indias importadas suelen estar subtituladas en árabe cuando se estrenan. Bollywood ha progresado en Israel desde principios de la década de 2000, con canales dedicados a películas indias en la televisión por cable;

Europa

Alemania

En Alemania, los estereotipos indios incluían carros tirados por bueyes, mendigos, vacas sagradas, políticos corruptos y catástrofes antes de que Bollywood y la industria de TI transformaran la percepción global de la India.

Reino Unido

A fines de la década de 1980, los artistas indio-británicos fusionaron las tradiciones indias y occidentales para crear el underground asiático. Desde la década de 1990, el músico canadiense Nadaka, que ha pasado la mayor parte de su vida en la India, ha estado creando música que es una fusión acústica de la música clásica india con estilos occidentales. Uno de esos cantantes que ha fusionado la tradición Bhakti sangeet de la India con la música occidental no india es Krishna Das y vende discos de música de su sadhana musical. Otro ejemplo es la música indocanadiense Vandana Vishwas, que experimentó con la música occidental en su álbum de 2013 Monologues.

En un ejemplo más reciente de fusión india-británica, Laura Marling junto con Mumford and Sons colaboraron en 2010 con Dharohar Project en un EP de cuatro canciones. La banda británica Bombay Bicycle Club también sampleó la canción "Man Dole Mera Tan Dole" por su sencillo 'Feel'. Laxmikant-Pyarelal

Oceanía

Debido a la gran población de la diáspora india, la música y las películas indias son muy populares en Fiji, especialmente entre los indofiyianos.

Australia y Nueva Zelanda tienen un 2 % de población india, así como otra gran diáspora del sur de Asia, y la música y las películas de Bollywood también son populares entre los no asiáticos del país.

Organizaciones que promueven la música india

Sangeet Natak Akademi es la academia nacional de artes escénicas establecida por el gobierno de la India en 1952, que otorga el premio Sangeet Natak Akademi como el reconocimiento oficial más alto del gobierno indio otorgado a los artistas en ejercicio. Ha establecido varios instituciones como la Academia de Danza Manipur en Imphal, los Centros Ravindra Rangshala, el Centro Sattriya, Kathak Kendra (Instituto Nacional de Danza Kathak) en Nueva Delhi, el Centro para Kutiyattam en Thiruvananthapuram, el Centro Chhau en Baripada en Jamshedpur, Banaras Music Akademi, Varanasi, y el Centro Noreste.