Musica de brasil
La música de Brasil abarca varios estilos musicales regionales influenciados por formas europeas, americanas, africanas y amerindias. La música brasileña desarrolló algunos estilos únicos y originales como forró, repente, coco de roda, axé, sertanejo, samba, bossa nova, MPB, música nativista, pagode, tropicália, choro, maracatu, embolada (coco de repente), frevo, brega, modinha y versiones brasileñas de estilos musicales extranjeros, como rock, música pop, soul, hip-hop, música disco, música country, música ambiental, industrial y psicodélica, rap, música clásica, fado y gospel.
La samba se ha convertido en la forma de música brasileña más conocida en todo el mundo, especialmente por el carnaval del país, aunque la bossa nova, que tuvo a Antônio Carlos Jobim como uno de sus compositores e intérpretes más aclamados, ha recibido mucha atención en el exterior. desde la década de 1950, cuando se estrenó la canción "Desafinado", interpretada por João Gilberto.
Los primeros cuatro ganadores del premio Shell Brazilian Music dejaron cada uno un legado en la música brasileña y se encuentran entre los representantes de la música popular brasileña: Pixinguinha (choro), Antônio Carlos Jobim (bossa nova), Dorival Caymmi (samba y samba -canción).
La música instrumental también se practica en gran medida en Brasil, con estilos que van desde formas clásicas a populares e influenciadas por el jazz. Entre los últimos, Naná Vasconcelos, Pixinguinha, Hermeto Pascoal y Egberto Gismonti son figuras significativas. Los compositores clásicos notables incluyen a Heitor Villa-Lobos, Carlos Gomes y Cláudio Santoro. El país también tiene una creciente comunidad de composición moderna/experimental, incluida la música electroacústica.
Historia
Música de arte
Orígenes
Poco se sabe de la música de Brasil antes del primer encuentro de la zona con los exploradores portugueses el 22 de abril de 1500. Durante el período colonial, los documentos detallan las actividades musicales de las principales catedrales católicas romanas y los salones de la parte superior clases, pero los datos sobre la vida musical fuera de estos dominios son escasos. Hay alguna información disponible en escritos dejados por viajeros como Jean de Léry, quien vivió en Brasil de 1557 a 1558 y produjo las primeras transcripciones conocidas de música nativa americana: dos cantos del Tupinambá, cerca de Río de Janeiro.
Otro registro de la actividad musical en Brasil vino de las actividades de dos sacerdotes jesuitas en 1549. Diez años después, ya habían fundado asentamientos para indígenas (los Reduções), con un carácter musical-educativo. estructura.
Un siglo después, las Reduções del sur de Brasil, que fueron fundadas por jesuitas españoles, tuvieron un fuerte desarrollo cultural, donde se fundaron algunas escuelas de música. Algunos de los relatos de esa época muestran la fascinación de los indígenas por la música europea. Los indígenas también participaron en la música, tanto en la construcción de instrumentos musicales como en la práctica de la interpretación vocal e instrumental.
La escuela del siglo XVIII
En el siglo XVIII, había una intensa actividad musical en todas las regiones más desarrolladas de Brasil, con sus estructuras institucionales y educativas medianamente estables. Las anteriormente pocas orquestas privadas se hicieron más comunes y las iglesias presentaban una gran variedad de música.
En la primera mitad de este siglo, las obras más destacadas fueron compuestas por Luís Álvares Pinto, Caetano de Mello de Jesus y Antônio José da Silva ("el judío"), que tuvo éxito en la escritura lisboeta libretos para comedias, que fueron interpretadas también en Brasil con música de António Teixeira.
En la segunda parte del siglo XVIII, hubo un gran florecimiento en Minas Gerais, principalmente en las regiones de Vila Rica (actualmente Ouro Preto), Mariana y Arraial do Tejuco (actualmente Diamantina), donde la extracción de oro y diamantes para la metrópolis portuguesa atrajo a una población considerable. En esta época se revelaron los primeros compositores brasileños destacados, la mayoría mulatos. Las piezas musicales eran en su mayoría música sacra. Algunos de los compositores destacados de este período fueron Lobo de Mesquita, Manoel Dias de Oliveira, Francisco Gomes da Rocha, Marcos Coelho Neto y Marcos Coelho Neto Filho. Todos ellos muy activos, pero en muchos casos pocas piezas han sobrevivido hasta nuestros días. Algunas de las piezas más famosas de este período son el Magnificat de Manoel Dias de Oliveira y la Antífona de Nuestra Señora de Lobo de Mesquita. En la ciudad de Arraial do Tejuco, hoy Diamantina, había diez directores en actividad. En Ouro Preto actuaban cerca de 250 músicos, y en todo el territorio de Minas Gerais actuaban casi mil músicos.
Con el empobrecimiento de las minas a finales de siglo, el foco de la actividad musical se desplazó hacia otros centros, especialmente Río de Janeiro y São Paulo, donde André da Silva Gomes, compositor de origen portugués, estrenó una gran número de obras y dinamizó la vida musical de la ciudad.
También se encuentra en São João del-Rei, Minas Gerais, la Orquesta más antigua de todas las Américas, llamada Lira Sanjoanense, dirigida, hoy, por Modesto Flávio Fonseca.
El período clásico
Un factor crucial para los cambios en la vida musical fue la llegada de la familia real portuguesa a Río de Janeiro en 1808. Hasta entonces, Río de Janeiro era musicalmente similar a otros centros culturales de Brasil, pero era incluso menos importante que Minas. Gerais. La presencia de la familia real portuguesa, en el exilio, cambió radicalmente esta situación, pues se instauró la Capela Real de Río de Janeiro.
El rey Juan VI de Portugal trajo consigo a Brasil la gran biblioteca musical de la Casa de Bragança, una de las mejores de Europa en ese momento, y ordenó la llegada de músicos de Lisboa y los castrati de Italia, reordenando la Capilla Real. Más tarde, Juan VI ordenó la construcción de un suntuoso teatro, llamado Teatro Real de São João. La música profana contó con la presencia de Marcos Portugal, quien fue designado como compositor oficial de la casa, y de Sigismund von Neukomm, quien aportó con obra propia y trajo obras de los compositores austríacos Wolfgang Amadeus Mozart y Joseph Haydn. Las obras de estos compositores influyeron fuertemente en la música brasileña de esta época.
José Maurício Nunes Garcia, el primero de los grandes compositores brasileños, surgió en esta época. De gran cultura por su origen -era pobre y mulato- fue uno de los fundadores de la Irmandade de Santa Cecília, en Río de Janeiro, maestro y mestre de capela de la Capilla Real durante la presencia de Juan VI en Brasil. Nunes García fue el compositor brasileño más prolífico de esta época. También compuso la primera ópera escrita en Brasil, Le Due Gemelle (Los dos gemelos), con texto en italiano, pero la música ahora se ha perdido.
Otros compositores importantes de este período son Gabriel Fernandes da Trindade, que compuso la única música de cámara brasileña del siglo XIX que ha sobrevivido hasta nuestros días, y João de Deus de Castro Lobo, que residió en las ciudades de Mariana y Ouro Preto, que estaban en decadencia en este momento.
Este período, sin embargo, fue breve. En 1821, Juan VI volvió a Lisboa, llevándose consigo la casa, y la vida cultural de Río de Janeiro quedó vacía. Y es que, a pesar del amor de Pedro I de Brasil por la música – también fue autor de algunas piezas musicales como el Himno de la Independencia de Brasil – la difícil situación económica no permitía muchos lujos. La conflagración del Teatro Real en 1824 fue otro símbolo de la decadencia, que alcanzó su punto más crítico cuando Pedro I renunció al trono, volviendo a Portugal.
El período romántico
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El único compositor que tuvo una obra relevante en este período fue Francisco Manuel da Silva, discípulo de Nunes García, quien lo sucedió como maestro de capilla. A pesar de sus pocos recursos, fundó el Conservatorio Musical de Río de Janeiro. Fue el autor de la melodía del Himno Nacional de Brasil. Su obra reflejó la transición musical por el Romanticismo, cuando el interés de los compositores nacionales se centró en la ópera. El compositor brasileño más destacado de este período fue Antônio Carlos Gomes, quien compuso óperas de estilo italiano con temas nacionales, como Il Guarany (basada en la novela de José de Alencar O Guaraní ) y Lo Schiavo. Estas óperas tuvieron mucho éxito en los teatros europeos, como el Teatro alla Scala, en Milán. Otro compositor importante de esta época es Elias Álvares Lobo, autor de la ópera A Noite de São João, la primera ópera brasileña con texto en portugués.
La ópera en Brasil fue muy popular hasta mediados del siglo XX, y en esa época se construyeron muchos teatros de ópera, como el Teatro Amazonas de Manaus, el Teatro Municipal de Río de Janeiro, el Teatro Municipal de São Paulo y muchos otros..
A finales del siglo XIX, se revelaron los más grandes compositores de la música sinfónica. Uno de los nombres más destacados de este período fue Leopoldo Miguez, que siguió el estilo wagneriano y Henrique Oswald, que incorporó elementos del impresionismo francés.
Nacionalismo
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A principios del siglo XX, hubo un movimiento para crear una música auténticamente brasileña, con menos influencias de la cultura europea. En este sentido, el folclore fue la principal fuente de inspiración de los compositores. Algunos compositores como Brasílio Itiberê da Cunha, Luciano Gallet y Alexandre Levy, a pesar de tener una formación europea, incluyeron algunos elementos típicamente brasileños en sus obras. Esta tendencia alcanzó su punto más alto con Alberto Nepomuceno, quien utilizó en gran medida los ritmos y melodías del folclore brasileño. Hubo movimientos culturales locales para consolidar identidades regionales a través de la música como por ejemplo, José Brazilício de Souza, autor del himno estatal de Santa Catarina y su hijo Álvaro Sousa, destacado músico, educador musical y compositor allí.
Un evento importante, posteriormente, fue la Semana de Arte Moderno, en 1922, que tuvo un gran impacto en los conceptos del arte nacional. En este evento se reveló el compositor Heitor Villa-Lobos, considerado como el nombre más destacado del nacionalismo brasileño.
Villa-Lobos realizó investigaciones sobre el folklore musical de Brasil y mezcló elementos tanto de la música clásica como de la popular. Exploró muchos géneros musicales como conciertos, sinfonías, modinhas, fados y otras músicas sinfónicas, vocales y de cámara. Algunas de sus obras maestras son el ballet Uirapuru y las dos series de Chôros y Bachianas Brasileiras.
Otros compositores de música nacional brasileña de esta época incluyen a Oscar Lorenzo Fernández, Radamés Gnattali, Camargo Guarnieri, Osvaldo Lacerda, Francisco Mignone y Ernesto Nazareth.
El movimiento de vanguardia
Como reacción contra la escuela nacionalista, que fue identificada como "servil" a la política centralizadora de Getúlio Vargas, en 1939 apareció el Movimento Música Viva (Movimiento Música Viva), liderado por Hans Joachim Koellreutter y por Egídio de Castro e Silva, defendiendo la adopción de un estilo internacional, derivado del dodecafonismo de Arnold Schoenberg. Este grupo estuvo integrado por compositores como Cláudio Santoro, César Guerra-Peixe, Eunice Catunda y Edino Krieger. Koellreutter adoptó métodos revolucionarios, respetando la individualidad de cada alumno y dando a los alumnos la libertad de creatividad ante el conocimiento de las reglas tradicionales de composición. El movimiento editó una revista y presentó una serie de programas de radio mostrando sus fundamentos y obras de la música contemporánea. Posteriormente, Guerra-Peixe y Santoro siguieron un camino independiente, centrado en la música regional. Otros compositores que usaron libremente los estilos anteriores fueron Marlos Nobre, Almeida Prado y Armando Albuquerque, quienes crearon sus propios estilos.
Después de 1960, el movimiento de vanguardia brasileño recibió una nueva ola, centrándose en la música en serie, la música microtonal, la música concreta y la música electrónica, empleando un lenguaje completamente nuevo. Este movimiento se llamó Música Nova (Música Nueva) y fue liderado por Gilberto Mendes y Willy Corrêa de Oliveira. Un hecho importante fue la introducción de la música electrónica en Brasil, con los trabajos pioneros del carioca Jorge Antunes en 1961.
Ópera Brasileña
Carlos Gomes fue el primer compositor de origen no europeo en lograr un amplio reconocimiento en el ambiente de la música clásica de la Edad de Oro de la Ópera en Italia. Bossa Nova fue creada como anti-ópera en una época en que la ópera parecía representar la forma de arte de la élite. [5] En años recientes el estilo ha sido revivido con obras de Jorge Antunes, Flo Menezes y otros.
Desde 2014, la Ópera Brasileña Internacional (IBOC) ha estado produciendo nuevas obras, sobre todo de su director artístico y compositor residente Joao MacDowell.
Contemporáneo
Hoy en día, la música brasileña sigue las pautas tanto del experimentalismo como de la música tradicional. Algunos de los compositores brasileños contemporáneos son Amaral Vieira, Sílvio Ferraz, Nestor de Hollanda Cavalcanti, Flo Menezes, Marcos Balter, Alexandre Lunsqui, Rodolfo Caesar, Felipe Lara, Edson Zampronha, Marcus Siqueira, Rodrigo Lima, Jorge Antunes, Roberto Victorio y João MacDowell. De la nueva generación de compositores brasileños, Caio Facó ha logrado reconocimiento internacional por su obra.
Brasil tiene una gran cantidad de orquestas e intérpretes reconocidos internacionalmente, a pesar del apoyo relativamente bajo del gobierno. La orquesta brasileña más famosa es probablemente la Orquesta Sinfónica del Estado de São Paulo, actualmente bajo la dirección de Thierry Fischer. Otras orquestas brasileñas dignas de mención son la Sinfónica de la Universidad de São Paulo, la Orquestra Sinfônica Brasileira, la Orquestra Filarmônica de Minas Gerais y la Petrobras Sinfônica, apoyada por la petrolera estatal brasileña Petrobras.
También hay óperas regulares programadas cada año en ciudades como São Paulo y Río de Janeiro. El estado de São Paulo también es sede del Festival de Invierno en la ciudad de Campos do Jordão.
Algunos de los directores brasileños más famosos son Roberto Minczuk, John Neschling e Isaac Karabtchevsky. Los instrumentistas son, entre otros: Roberto Szidon, Antonio Meneses, Cussy de Almeida, Gilberto Tinetti, Arnaldo Cohen, Nelson Freire, Eudóxia de Barros, Guiomar Novaes y Magda Tagliaferro. Y algunas de las cantantes brasileñas más famosas fueron, históricamente, Zola Amaro, Constantina Araújo y Bidu Sayão; los cantantes vivos incluyen a Eliane Coelho, Kismara Pessatti, Maria Lúcia Godoy, Sebastião Teixeira y otros.
En la década de 1980, una ola de bandas brasileñas de heavy metal llamó la atención del público. La de mayor éxito comercial fue Sepultura, fundada en São Paulo en 1983, precedida por Dorsal Atlántica y seguida por Sarcófago.
La intrusión de elementos extraños en el sistema cultural de Brasil no es un proceso destructivo. El retorno de un gobierno democrático permitió la libertad de expresión. La industria musical brasileña se abrió a estilos internacionales y esto ha permitido que géneros locales y extranjeros coexistan e identifiquen a las personas. Cada estilo diferente se relaciona con la gente social, política y económicamente. "Brasil es un país dividido regionalmente con una rica diversidad cultural y musical entre los estados. Como tal, los músicos del país eligen definir su patrimonio local de manera diferente según su procedencia." Esto muestra cómo la globalización no le ha robado a Brasil su identidad, sino que le ha dado la capacidad de representar a su gente tanto en Brasil como en el resto del mundo.
En los últimos años, los artistas brasileños se han interesado más por África, el Caribe y su propia música indígena y folclórica. Si bien hay algunos artistas que continúan interpretando rock y pop occidental, ahora hay tantos contemporáneos tocando una fusión de influencias africanas y europeas con influencias de todo el continente americano. Algunos artistas incluso se han visto influenciados por la música asiática, notando algunos paralelismos entre la música del noreste de Brasil y la música de la India.
Música indígena y folclórica
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Los pueblos nativos de la selva tropical brasileña tocan instrumentos que incluyen silbatos, flautas, cuernos, tambores y sonajas. Gran parte de la música folclórica de la zona imita los sonidos de la selva amazónica. Cuando los portugueses llegaron a Brasil, los primeros nativos que conocieron tocaban una serie de flautas de caña y otros instrumentos de viento y percusión.
Los misioneros jesuitas introdujeron canciones que usaban el idioma tupí con letras cristianas, un intento de convertir al pueblo al cristianismo, y también introdujeron el canto gregoriano y la flauta, el arco y el clavicordio.
Música de capoeira
El deporte afrobrasileño de la capoeira nunca se juega sin su propia música, que generalmente se considera un tipo de música folclórica de llamada y respuesta. Los principales instrumentos de la música capoeira son el berimbau, el atabaque y el pandeiro. Las canciones de capoeira pueden improvisarse en el momento, o pueden ser canciones populares escritas por mestres (maestros) más antiguos y antiguos, y a menudo incluyen relatos de la historia de la capoeira o las obras de grandes mestres.
Maracatú
Este tipo de música se toca principalmente en las regiones de Recife y Olinda durante el Carnaval. Es una tradición afrobrasileña. La música sirve como telón de fondo para los grupos de desfiles que surgieron de las ceremonias realizadas durante la época colonial en honor a los reyes del Congo, que eran esclavos africanos que ocupaban posiciones de liderazgo simbólico entre la población esclava. La música se toca en grandes tambores de alfaia, grandes campanas de metal gonguê, tambores y maracas.
Una variante importante se encuentra en Fortaleza, Ceará y sus alrededores (llamada maracatu cearense), que es diferente de la tradición de Recife/Olinda en muchos aspectos: se usan triángulos en lugar de gonguês, surdos o zabumbas en lugar de alfaias. Además, los personajes femeninos importantes son interpretados por artistas masculinos vestidos de travestismo, y todos los personajes africanos y afrobrasileños se representan con maquillaje de cara negra.
Afoxé
Afoxé es el nombre que recibe un grupo dedicado a tocar ijexá, que es un tipo de música religiosa, parte de la tradición del Candomblé. En 1949, un grupo llamado Filhos de Gandhi comenzó a tocar afoxé durante los desfiles de carnaval en Salvador; su nombre se traduce como Hijos de Gandhi, asociando el activismo brasileño negro con el movimiento independentista indio de Mahatma Gandhi.
La aparición de los Filhos de Gandhi en 1949 también fue revolucionaria porque, hasta entonces, los desfiles de Carnaval en Salvador estaban destinados solo a personas de piel clara.
Arrepentirse
El noreste de Brasil es conocido por una forma distintiva de literatura llamada literatura de cordel, que son un tipo de baladas que incluyen elementos incorporados a la música como "repentismo", un concurso lírico improvisado sobre temas sugeridos por la audiencia..
Similar al Repentismo, aparece entre la cultura Caipira una forma musical derivada de la viola caipira, a la que se le llama cururu.
Música popular
Coro
Choro (literalmente "llorar" en portugués, pero en contexto una traducción más apropiada sería "lamento"), tradicionalmente llamado chorinho ("pequeño llanto" o "pequeño lamento"). Instrumental, sus orígenes están en el Río de Janeiro del siglo XIX. Originalmente, el choro lo tocaba un trío de flauta, guitarra y cavaquinho (un pequeño cordófono de cuatro cuerdas). El joven pianista Ernesto Nazareth publicó su primer coro (Não Caio Noutra) en 1878 a la edad de 14 años. Los coros de Nazareth a menudo se catalogan como polkas; también compuso valses, chotis, milongas y tangos brasileños. (Se resistió al término popular maxixe para representar el tango brasileño). Chiquinha Gonzaga fue otra importante compositora de choros y comenzó poco después de Nazaret. Chiquinha Gonzaga compuso su primer éxito, el polka-choro "Atraente", en 1877. Al principio, el éxito del choro venía de grupos informales de amigos que tocaban en fiestas, botecos, calles, casas bailes (forrobodós), y también las partituras musicales editadas por imprentas. En la década de 1910, gran parte de los primeros discos fonográficos brasileños son choros. El éxito principal de este estilo de música (en la década de 1930) se produjo en los primeros días de la radio, cuando las bandas tocaban en vivo al aire. En las décadas de 1950 y 1960 fue reemplazada por la samba y la bossa nova y otros estilos de la música popular brasileña, pero todavía estaba viva en los círculos de aficionados llamados "rodas de choro" (reuniones informales de choros en residencias y botecos). Sin embargo, a fines de la década de 1970 hubo un exitoso esfuerzo por revitalizar el género realizado por algunos artistas famosos: Pixinguinha, Waldir Azevedo y Jacob do Bandolim.
Samba
En 1929, impulsada por la apertura de la primera estación de radio en Río de Janeiro, la llamada era de la radio comenzó a difundir canciones, especialmente la novedad Samba en su formato actual, a masas más grandes. Este período estuvo dominado por pocos intérpretes masculinos, en particular Almirante, Braguinha, Mário Reis, Sílvio Caldas, Francisco Alves y el cantante y compositor Noel Rosa, e incluso menos cantantes como Aracy de Almeida y las hermanas Aurora Miranda y Carmen Miranda, que finalmente llegaron a Hollywood. convertirse en una estrella de cine.
La música popular incluía instrumentos como cuicas, panderetas, sartenes ('tocadas' con un palo de metal), flautas y guitarras. Los compositores de samba notables en esta etapa temprana incluyeron a Noel Rosa más Lamartine Babo y, alrededor de la época de la Segunda Guerra Mundial, Ary Barroso.
MPB (Música Popular Brasileña)
La primera etapa de la MPB (desde la Segunda Guerra Mundial hasta mediados de la década de 1960) estuvo poblada por cantantes masculinos como Orlando Silva, Nelson Gonçalves, Jamelão, Agostinho dos Santos, Anísio Silva, Ataulfo Alves, Carlos Galhardo, Ciro Monteiro, Ismael Silva, João Dias, Jorge Goulart, Miltinho, Jorge Veiga y Francisco Egídio y empezaron a multiplicarse las cantantes: Nora Ney, Dolores Duran, Ângela Maria, Emilinha Borba, Marlene, Dalva de Oliveira, Maysa Matarazzo, las hermanas Linda Batista y Dircinha Batista, entre otros.
La segunda etapa de MPB, después de la división Bossa Nova (1959)/Jovem Guarda (1965)/Tropicalismo (ambas de 1967), se refiere a la corriente principal de la música pop brasileña. Artistas conocidos de la MPB incluyen, entre muchos otros, cantantes como Elis Regina, Gal Costa, Nara Leão, Maria Bethânia, Mônica da Silva, Simone, Chico Buarque, Caetano Veloso, Roberto Carlos, Jorge Ben Jor, Milton Nascimento, Gilberto Gil, João Bosco, Ivan Lins, Djavan.
Bossa nova
Los primeros discos de bossa nova de João Gilberto, en los últimos años de la década de 1950, se convirtieron rápidamente en grandes éxitos en Brasil. Antonio Carlos Jobim y otros compositores ayudaron a desarrollar aún más esta fusión de armonías de jazz y un ritmo de samba más suave, a menudo más lento, que se desarrolló en los barrios costeros de Ipanema y, más tarde, en las discotecas de Copacabana. La bossa nova fue presentada al resto del mundo por músicos de jazz estadounidenses a principios de la década de 1960, y la canción "The Girl from Ipanema" sigue siendo probablemente la exportación musical brasileña más conocida, convirtiéndose eventualmente en un estándar de jazz.
Axé
Axé se originó en Salvador, Bahía, en la década de 1980, fusionando diferentes géneros afrocaribeños, como la marcha, el reggae y el calipso. También incluye influencias de la música brasileña como frevo, forró y carixada. La palabra Axé proviene del término yoruba àṣẹ, que significa "alma, luz, espíritu o buenas vibraciones". El axé también está presente en la religión del Candomblé, como "el poder y la energía espiritual imaginada que el panteón de los orixás otorga a los practicantes". También tiene vínculos con la Iglesia Católica Romana y la temporada de Cuaresma, que representa las raíces del Carnaval brasileño.
Evangelio brasileño
La música gospel surgió en Brasil antes de la década de 1960 con himnarios que fueron traídos y traducidos al portugués por misioneros estadounidenses. A partir de finales de la década de 1960 surgieron en Brasil los primeros cantantes de grupos de música cristiana, pero las canciones no eran muy valoradas. La música gospel se hizo popular en Brasil a fines de la década de 1990, con el surgimiento del canto congregacional y bandas como Diante do Trono, dirigida por Ana Paula Valadão. Diante do Trono se ha convertido en el ministerio de música de adoración contemporánea más grande de América Latina.
Roca brasileña
El estilo musical conocido en Brasil como "rock brasileño n' rollo" se remonta a "Ronda Das Horas" de Nora Ney, una versión portuguesa de "Rock Around the Clock" en 1954. En la década de 1960, jóvenes cantantes como Roberto Carlos y el movimiento Joven Guarda eran muy populares. La década de 1960 también vio el surgimiento de bandas como los "tropicalistas" Os Mutantes y lo experimental (mezclando rock progresivo, jazz y Música popular brasileira) Som Imaginário.
La década de 1970 vio el surgimiento de muchas bandas de rock progresivo y/o hard rock como O Terço, A Bolha, A Barca do Sol, Som Nosso de Cada Dia, Vímana y Bacamarte, algunas de las cuales alcanzaron cierto reconocimiento internacional; Rita Lee, en su carrera en solitario después de Os Mutantes, abanderó la estética glam-rock en Brasil; Casa das Máquinas y Patrulha do Espaço eran bandas de hard rock más genuinas, y gente como (Raul Seixas, Secos e Molhados, Novos Baianos y A Cor do Som) mezclaron el género con la música tradicional brasileña. A fines de la década de 1970, la escena punk rock brasileña comenzó principalmente en São Paulo y en Brasilia, y tuvo un gran auge en la década de 1980, con Inocentes, Cólera, Ratos de Porão, Garotos Podres, etc.
El verdadero boom comercial del rock brasileño fue en la década de 1980, con muchas bandas y artistas como Blitz, Gang 90, Barão Vermelho, Legião Urbana, Lobão, Engenheiros do Hawaii, Titãs, Kid Abelha, Paralamas do Sucesso y muchos otros., y festivales como Rock in Rio y Hollywood Rock. Los últimos años de la década de 1980 y principios de la de 1990 también fueron testigos de los comienzos de una escena de inspiración electrónica, con un potencial comercial mucho más limitado pero logrando algunos elogios de la crítica: Suba, Loop B, Harry, etc.
En la década de 1990, el ascenso meteórico de Mamonas Assassinas, que vendió más de 3 millones de copias de su único CD (un disco, para los estándares brasileños) llegó a un final trágico cuando el avión de la banda se estrelló, matando a todos. cinco integrantes de la banda, el piloto y el copiloto. Otras bandas comercialmente exitosas incluyeron a Jota Quest, Raimundos y Skank, mientras que Chico Science & Nação Zumbi y todo el movimiento Mangue Bit recibieron mucha atención de la crítica y elogios, pero muy poco éxito comercial, éxito que decayó tras la muerte de uno de sus fundadores, Chico Science. También fue en la década de 1990 cuando se plantaron las primeras semillas de lo que se convertiría en la escena independiente brasileña, con la creación de festivales independientes como Abril Pro Rock y, más adelante en la década, Porão do Rock. La banda Pato Fu fue considerada por la revista Time una de las diez mejores bandas del mundo fuera de Estados Unidos. También es conocido por volver a grabar éxitos brasileños y versiones internacionales de instrumentos de juguete.
La cantante femenina Pitty también es muy popular. La escena independiente ha estado creciendo exponencialmente desde principios de la década de 2000, con más y más festivales en todo el país. Sin embargo, debido a varios factores que incluyen, entre otros, el colapso mundial de la industria de la música, toda la agitación en la escena independiente hasta ahora no se ha traducido en éxito internacional, pero en Brasil desarrollaron un movimiento cultural real y sustancial. Esa escena sigue siendo un gueto, con bandas que captan la atención de la crítica internacional, pero muchas vuelven a tocar en Brasil cuando se vuelven populares en el exterior, debido a la falta de apoyo financiero y material que les permita desarrollar carreras. Una excepción notable es CSS, un conjunto de electro rock alternativo que ha lanzado una exitosa carrera internacional, actuando en festivales y lugares en América del Norte, Europa, Asia y Australia. Otro ejemplo único de éxito a través de la escena musical independiente que hizo a la corriente principal es la banda Móveis Coloniais de Acaju. La banda tiene un estilo propio, entre el rock y el folk, y es reconocida como la banda independiente más importante de Brasil. La compañía discográfica Trama [1] trata de apoyar a algunas bandas con estructura y exposición, y se le puede atribuir el apoyo inicial a CSS y luego a Móveis Coloniais de Acaju.
Heavy metal brasileño
El metal brasileño se originó a mediados de la década de 1980 con tres escenarios destacados: Belo Horizonte, São Paulo y Río de Janeiro. Las bandas de metal brasileñas más famosas son Sepultura, Angra, Krisiun y el cantante Andre Matos. Sepultura se considera una banda influyente de thrash metal, que influyó en el desarrollo del death metal.
Las bandas famosas de la década de 1980 incluyen a Korzus, Sarcófago, Overdose, Dorsal Atlântica, Viper, MX, PUS, Mutilator, Chakal, Vulcano y Attomica. Las bandas de la década de 1990 incluyen Andralls, MQN, Macaco Bong, Black Drawing Chalks, Superguidis, Mental Hor, The Mist, Scars, Distraught, Torture Squad, Eterna y Silent Cry. Las bandas de la década de 2000 incluyen It's All Red, Eyes of Shiva, Autoramas, Tuatha de Danann, Claustrofobia, Quimere, Apokalyptic Raids, Project46, Wizards y Andragonia.
También está Massacration, una banda satírica de heavy metal brasileña, autoproclamada como la 'banda más grande del mundo'. Comenzaron como un boceto en el programa de MTV "Hermes & Renato", pero tuvieron tanto éxito entre los fanáticos que los comediantes decidieron convertirlo en una banda real. Originalmente parodiando a Manowar, eventualmente se convirtieron en una parodia de las bandas de Hair Metal de la década de 1980.
Además del Thrash metal, Brasil también es referencia en el Death Metal, entre las principales bandas de la escena se encuentran Krisiun, Torture Squad, Claustrofobia, Rebaelliun, Visceral Leishmaniasis (Brasil), Obskure, Vulcano, Mental Horror y los precursores Sepultura y Sarcófago. Hay un crecimiento en la aparición de bandas brasileñas de death metal con mujeres en formación, especialmente Nervosa, que ganó mucho prestigio después de su actuación en Rock in Rio en 2019. El trío femenino fue invitado a participar en el festival Wacken Open Air en 2020, pero el evento fue cancelado debido a la pandemia de COVID-19. La escena Death Metal brasileña se extiende por todas las regiones del país, especialmente en la región Nordeste donde está representada por bandas como Headhunter D.C., Escarnium, Decomposed God, Infested Blood, Heavenless, Torment the Skies, Pandemmy, Burning Torment, Infectos, Krenak y en especial Cangaço que es una banda que mezcla Death metal con elementos de Baião (ritmo regional del Nordeste de Brasil) y que en 2010 fue ganadora del W.O.A Metal Battle Brasil y llegó a la final del festival Wacken Open Air.
Folk brasileña / folk-rock
(feminine)La nueva escena folclórica brasileña no debe confundirse con la música folclórica brasileña. La primera en irrumpir en la corriente principal fue el fenómeno de Internet Mallu Magalhães, que tocó versiones de sus artistas favoritos en inglés y sus propias canciones tanto en inglés como en portugués (así como en otros idiomas). Magalhães lanzó su primer álbum recién en 2008, aunque para entonces ya era ampliamente reconocida como la voz de esta repentina nueva escena folk brasileña. Su exnovio Hélio Flanders es el cantante principal de otro grupo folclórico brasileño llamado Vanguart. Aunque Vanguart lanzó un álbum antes que Mallu Magalhães, fue su surgimiento lo que los consolidó a ambos y a otros como una escena principal totalmente reconocida, encabezando las listas y apareciendo en la televisión y la publicidad en horario de máxima audiencia. Otros actos surgieron después de que el mercado se abrió a la gente. Escribir en inglés es cada vez más común entre los artistas de rock y folk brasileños. Esto ha sido muy criticado por los puristas de la lengua portuguesa, aunque ha ayudado a promover artistas brasileños en otros países (CSS es un ejemplo perfecto). La nueva escena folclórica brasileña acaba de llamar la atención del público y continúa prosperando.
Rock psicodélico brasileño
Brasil tiene una larga tradición de música psicodélica desde artistas como Os Mutantes, Ronnie Von y otras bandas de rock de finales de los 60. Hoy en día existe un revival de esta música de inspiración psicodélica/vintage representada por artistas como Jupiter Apple, Violeta de Outono, Nação Zumbi, Mundo Livre S/A, Cidadão Instigado, Otto, China, Kassin, Pata de Elefante, Orquestra Abstrata, entre otros.
Sertanejo
Música sertaneja o Sertanejo es un término para la música country brasileña. Originalmente se refería a la música que se originaba entre Sertão y musica caipira. (La música caipira apareció en el estado de São Paulo y algunas regiones de Mato Grosso do Sul, Goiás, Minas Gerais, Paraná y Mato Grosso. El ritmo musical está muy difundido en las regiones del sureste y sur de Brasil).
El género es muy famoso en el país, teniendo como algunos de sus máximos exponentes a Chitãozinho & Xororó, Leandro y Leonardo, Zeze Di Camargo y Luciano, Chrystian & Ralf, João Paulo &erio; Daniel y Sérgio Reis. Además, en los últimos años, artistas como Jorge & Mateus y Marília Mendonça han ido en ascenso.
Música del Noreste
Música del noreste es un término genérico para cualquier música popular de la gran región del noreste de Brasil, incluidas las zonas costeras y del interior. Los ritmos son más lentos y se derivan de guitarras en lugar de instrumentos de percusión como en el resto de Brasil; en esta región, los ritmos africanos y las melodías portuguesas se combinan para formar maracatu y forró. Más influyente, el área alrededor del estado de Pernambuco, el hogar de frevo y maracatu.
Música gaucha (música sureña)
Música sureña, o música gaucha brasileña (en portugués: Música gaúcha) es un término general utilizado para la música originaria de Rio Grande do Sul estado, en el sur de Brasil. Algunos de los músicos más famosos de este género son Teixeirinha, Gaúcho da Fronteira, Renato Borghetti, Yamandu Costa, Jayme Caetano Braun y Luiz Marenco, entre otros.
Música de Salvador: Finales de los 60 a mediados de los 70
A fines de la década de 1960, un grupo de bahianos negros comenzó a vestirse como nativos americanos durante el Carnaval salvadoreño, identificándose con sus luchas compartidas a lo largo de la historia. Estos grupos incluían Comanches do Pelô y Apaches de Tororó y eran conocidos por un estilo de percusión contundente y poderoso, y frecuentes encuentros violentos con la policía. A partir de 1974, un grupo de bahianos negros llamado Ilê Aiyê se hizo prominente, identificándose con el pueblo yoruba de África Occidental. Junto con una política de flexibilización de las restricciones por parte del gobierno brasileño, el sonido y el mensaje de Ilê Aiyê se difundieron a grupos como el Grupo Cultural do Olodum, que estableció centros comunitarios y otros esfuerzos filantrópicos.
Frevo
Frevo es un estilo de música de Olinda y Recife. Las bandas de Frevo siempre tocan durante el Carnaval.
Sambajo
Sambass es una fusión de samba y Drum & Bajo. Los músicos de sambas más famosos son DJ Marky y DJ Patife, cuyo éxito Sambassim podría ser la pista de sambas más conocida.
Funk Carioca
Funk Carioca es un tipo de música bailable de Río de Janeiro, derivado y fue hasta finales de la década de 1990, superficialmente similar al Miami Bass. En Río, a menudo se lo conoce simplemente como Funk, aunque musicalmente es muy diferente de lo que significa Funk en la mayoría de los otros lugares y contextos. Funk Carioca, al igual que otros tipos de hip-hop, se basa en gran medida en muestras como rasgaduras internacionales o música funk anterior. Muchas canciones funk populares tomaron muestras de música de la película Rocky. Funk se introdujo en Brasil de forma sistemática en la década de 1980. Muchos artistas de funk se han asociado abiertamente con movimientos negros y, a menudo, en las letras de sus canciones, comentan sobre las relaciones raciales y expresan abiertamente el orgullo negro. El género se hizo público con gran impacto en los años 80, con canciones como Feira de Acari de MC Batata, con Furacão 2000, MC Marlboro y versiones brasileñas de canciones freestyle del cantante latino, transformándose luego en una canción más agresiva, con una apología de violencia, drogas, armas y promiscuidad en los 90, con letras precarias y varios MCs con vínculos directos con el narcotráfico.
Música pop brasileña
La música pop nacional tardó en ganar popularidad en Brasil. Recién a partir de 2013, con la canción "Show das Poderosas", la cantante Anitta se convirtió en el primer nombre del género en Brasil. La cantante Ludmilla también fue un nombre relevante en la música pop brasileña, la cantante surgió del funk carioca y transmitió una mezcla de géneros.
El éxito de Ludmilla impulsó a otros cantantes de funk carioca a adoptar la música pop en su repertorio. Así surgió una nueva generación de cantantes, entre ellos, Valesca Popozuda, Pabllo Vittar, MC Biel y Melody.
La expansión del género pop en Brasil hizo que cantantes de otros estilos se unieran al movimiento, como Luan Santana, Banda Vingadora, Jhama, Gaby Amarantos, Tiago Iorc, entre otros.
Música hip hop
En São Paulo y otros lugares del sur de Brasil, en áreas más urbanas, la música hip hop es muy popular. Se visten de manera similar a los raperos estadounidenses.
El hip hop brasileño está fuertemente asociado con problemas raciales y económicos en el país, donde muchos afrobrasileños viven en comunidades económicamente desfavorecidas, conocidas en Brasil como favelas. São Paulo es donde comenzó el hip hop en el país, pero pronto se extendió por todo Brasil, y hoy en día, casi todas las grandes ciudades brasileñas, incluidas Río de Janeiro, Salvador, Curitiba, Porto Alegre, Belo Horizonte, Recife y Brasilia, tienen un hip escena del salto São Paulo ha ganado una escena de rap brasileña fuerte y clandestina desde su surgimiento a fines de la década de 1980 con la formación de muchas etiquetas independientes para que los jóvenes raperos se establezcan.
Bajo brasileño
El bass brasileño es un subgénero del house que se originó como una derivación de la música deep house convencional de principios de la década de 2010, fusionado con elementos tech house y algunas influencias minimalistas del bass house. El tempo suele oscilar entre 120 y 125 bpm. El género se caracteriza por líneas de bajo profundas y contundentes distinguibles, a menudo haciendo uso de efectos de filtrado y tono bajo. El género fue creado en Brasilia a mediados de la década de 2010, pero su repercusión nacional e internacional solo ocurrió en 2016 con los DJ Alok, Bruno Martini y Sevenn.
Sellos discográficos notables
- Extremadas grabaciones
- Malandro Records
- Mr Bongo Records
- Som Livre
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