Musica de ambiente

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Género de música

Música ambiental es un género de música que enfatiza el tono y la atmósfera sobre la estructura o el ritmo musical tradicional. Puede carecer de composición neta, ritmo o melodía estructurada. Utiliza capas texturales de sonido que pueden recompensar tanto la escucha pasiva como la activa y fomentar una sensación de calma o contemplación. Se dice que el género evoca un estilo "atmosférico", "visual" o "discreto" calidad. Se pueden incluir paisajes sonoros de la naturaleza y los sonidos de instrumentos acústicos como el piano, las cuerdas y la flauta se pueden emular a través de un sintetizador.

El género se originó en las décadas de 1960 y 1970, cuando se estaban introduciendo nuevos instrumentos musicales en un mercado más amplio, como el sintetizador. Fue presagiado por la música de muebles de Erik Satie y estilos como la música concreta, la música mínima y la música electrónica alemana, pero el músico británico Brian Eno lo nombró de manera destacada y lo popularizó en 1978 con su álbum Ambient 1: Music para Aeropuertos; Eno opinó que la música ambiental "debe ser tan ignorable como interesante". Experimentó un renacimiento hacia fines de la década de 1980 con la prominencia de la música house y techno, y se convirtió en un culto para la década de 1990. La música ambiental puede tener elementos de la música new-age y la música drone, ya que algunas obras pueden usar notas sostenidas o repetidas.

La música ambiental no logró un gran éxito comercial y fue criticada como "nueva era embellecida, [..] hasta aburrimiento técnico irrelevante". Sin embargo, ha alcanzado cierto grado de reconocimiento a lo largo de los años, especialmente en la era de Internet. Debido a su estilo relativamente abierto, la música ambiental a menudo toma influencias de muchos otros géneros, que van desde la música clásica, de vanguardia, folk, jazz y world music, entre otros.

Historia

Orígenes

Erik Satie es reconocido como un importante precursor de la música ambiente moderna y una influencia en Brian Eno.

Como compositor francés de principios del siglo XX, Erik Satie usó exploraciones de inspiración dadaísta para crear una forma temprana de música ambiental/de fondo que denominó "música de muebles" (Musique d'ameublement). Esto lo describió como el tipo de música que podría reproducirse durante una cena para crear una atmósfera de fondo para esa actividad, en lugar de servir como foco de atención.

En sus propias palabras, Satie buscó crear "una música... que será parte de los ruidos del entorno, los tomará en consideración. Lo considero melodioso, suavizando los ruidos de los cuchillos y tenedores en la cena, sin dominarlos, sin imponerse. Llenaría esos pesados silencios que a veces caen entre amigos que cenan juntos. Les ahorraría la molestia de prestar atención a sus propios comentarios banales. Y al mismo tiempo neutralizaría los ruidos de la calle que tan indiscretamente entran en el juego de la conversación. Hacer esa música sería responder a una necesidad."

Según un artículo de 1998 en The Wire, el sencillo de 1928 de Blind Willie Johnson "Dark Was the Night, Cold Was the Ground" podría clasificarse como música ambiental, considerándola "una pieza de improvisación de gospel country, guitarra deslizante con tarareos vocales y gemidos, pero sin letra".

En 1948, el compositor francés & El ingeniero Pierre Schaeffer acuñó el término musique concrète. Este estilo experimental de música utilizaba grabaciones de sonidos naturales que luego se modificaban, manipulaban o modificaban para crear una composición. Las técnicas de Shaeffer de usar bucles de cinta y empalmes se consideran precursoras del muestreo moderno.

En 1952, John Cage lanzó su famosa composición en tres movimientos 4'33, que es una actuación de completo silencio durante cuatro minutos y treinta y tres segundos. La pieza está destinada a capturar los sonidos ambientales del lugar/ubicación de la actuación y hacer que esa sea la música que se reproduzca. Cage ha sido citado por artistas seminales como Brian Eno como influencia.

Década de 1960

En la década de 1960, muchos grupos de música experimentaron con métodos inusuales y algunos de ellos crearon lo que luego se llamaría música ambiental.

En el verano de 1962, los compositores Ramón Sender y Morton Subotnick fundaron The San Francisco Tape Music Center, que funcionaba como estudio de música electrónica y sala de conciertos. Otros compositores que trabajaban con grabadoras se convirtieron en miembros y colaboradores, incluidos Pauline Oliveros, Terry Riley y Steve Reich. Sus composiciones, entre otras, contribuyeron al desarrollo de la música mínima (también llamada minimalismo), que comparte muchos conceptos similares a la música ambiental, como patrones o pulsos repetitivos, zumbidos constantes y armonía consonante.

Muchos discos fueron lanzados en Europa y los Estados Unidos de América entre mediados de la década de 1960 y mediados de la década de 1990 que establecieron las convenciones del género ambiental en el mercado de la música popular anglófona. Algunos discos de la década de 1960 con elementos ambientales incluyen Music for Yoga Meditation and Other Joys y Music for Zen Meditation de Tony Scott, Soothing Sounds for Baby de Raymond Scott, y el primer disco de la serie de álbumes Environments de Irv Teibel.

A fines de la década de 1960, la compositora francesa Éliane Radigue compuso varias piezas procesando bucles de cinta a partir de la retroalimentación entre dos grabadoras y un micrófono. En la década de 1970, pasó a componer música similar casi exclusivamente con un sintetizador ARP 2500, y sus composiciones largas y lentas a menudo se han comparado con la música de drones. En 1969, el grupo COUM Transmissions realizaba experimentos sonoros en las escuelas de arte británicas. El álbum Balaklava de Pearls Before Swine de 1968 presenta los sonidos del canto de los pájaros y el ruido del océano, que se convertirían en tropos de la música ambiental.

Década de 1970

Desarrollada en la década de 1970, la música ambiental surgió de los estilos experimentales y orientados a sintetizadores de la época.

Entre 1974 y 1976, la compositora estadounidense Laurie Spiegel creó su obra fundamental The Expanding Universe, creada en un sistema híbrido analógico por computadora llamado GROOVE. En 1977, su composición, Music of the Spheres, se incluyó en el Disco de Oro de Voyager 1 y 2.

En abril de 1975, Suzanne Ciani dio dos presentaciones con su sintetizador Buchla: una en la tienda de música WBAI Free y otra en el loft de Phil Niblock. Estas actuaciones se publicaron en un álbum de archivo en 2016 titulado Buchla Concerts 1975. Según el sello discográfico, estos conciertos fueron en parte presentación en vivo, en parte solicitud de subvención y en parte demostración educativa.

Sin embargo, no fue hasta que Brian Eno acuñó el término a mediados de los 70 cuando la música ambiental se definió como un género. Eno pasó a grabar Discreet Music de 1975 con esto en mente, y sugirió que se escuchara a "niveles comparativamente bajos, incluso en la medida en que con frecuencia cae por debajo del umbral de audibilidad", refiriéndose a la cita de Satie sobre su musique d'ameublement.

Otros músicos contemporáneos que creaban música de estilo ambiental en ese momento incluían a compositores japoneses de música electrónica como Isao Tomita y Ryuichi Sakamoto, así como los paisajes sonoros psicoacústicos de la serie Environments de Irv Teibel, y Bandas experimentales alemanas como Popol Vuh, Cluster, Kraftwerk, Harmonia, Ash Ra Tempel y Tangerine Dream. Mike Orme de Stylus Magazine describe el trabajo de los músicos de la escuela de Berlín como "sentar las bases" para ambiente.

El impacto que tuvo el auge del sintetizador en la música moderna en el género ambiental no se puede subestimar; como dijo Ralf Hutter, uno de los pioneros de la electrónica Kraftwerk, en una entrevista de Billboard en 1977: "La electrónica está más allá de las naciones y los colores... con la electrónica todo es posible. El único límite es con el compositor". La Yellow Magic Orchestra desarrolló un estilo distintivo de música electrónica ambiental que luego se convertiría en música house ambiental.

Brian Eno

Brian Eno (foto en 1974) se acredita con acuñar el término "música ambiental".

Al productor inglés Brian Eno se le atribuye haber acuñado el término "música ambiental" a mediados de la década de 1970. Dijo que otros artistas habían estado creando música similar, pero que "solo le di un nombre". Que es exactamente lo que necesitaba... Al nombrar algo creas una diferencia. Dices que esto ahora es real. Los nombres son muy importantes." Usó el término para describir música que es diferente de las formas de música enlatada como Muzak.

En las notas de su álbum de 1978 Ambient 1: Music for Airports, Eno escribió:

Mientras que las compañías de música enlatada extant proceden de la base de regularizar entornos al ocultar sus idiosincrasias acústicas y atmosféricas, Ambient Music tiene la intención de mejorarlas. Mientras que la música de fondo convencional se produce al despojar todo sentido de duda e incertidumbre (y por lo tanto todo interés genuino) de la música, Ambient Music conserva estas cualidades. Y mientras que su intención es "brighten" el medio ambiente añadiendo estímulos a él (por supuesto, aliviando el tedio de tareas rutinarias y nivelando los altibajos naturales de los ritmos corporales) Ambient Music está destinada a inducir la calma y un espacio para pensar. Ambient Music debe ser capaz de acomodar muchos niveles de atención auditiva sin hacer cumplir uno en particular; debe ser tan ignorable como es interesante.

Eno, que se describe a sí mismo como un "no músico", llamó a sus experimentos "tratamientos" en lugar de actuaciones tradicionales.

Década de 1980

A finales de los 70, el músico new-age Laraaji comenzó a tocar en la calle en los parques y aceras de Nueva York, incluido Washington Square Park. Fue allí donde Brian Eno escuchó tocar a Laraaji y le preguntó si le gustaría grabar un disco. Day of Radiance, lanzado en 1980, fue el tercer álbum de la serie Ambient de Eno. Aunque Laraaji ya había grabado varios álbumes, este le dio reconocimiento internacional. A diferencia de otros álbumes de la serie, Day of Radiance presentaba principalmente instrumentos acústicos en lugar de electrónicos.

A mediados de la década de 1980, las posibilidades de crear un paisaje sonoro aumentaron mediante el uso del muestreo. A fines de la década de 1980, hubo un fuerte aumento en la incorporación de la computadora en el proceso de escritura y registro de registros. La plataforma Macintosh de dieciséis bits con sonido incorporado y modelos comparables de IBM se encontrarían en estudios y hogares de músicos y productores de discos.

Sin embargo, muchos artistas seguían trabajando con sintetizadores analógicos e instrumentos acústicos para producir obras ambientales.

En 1983, Midori Takada grabó su primer LP en solitario Through the Looking Glass en dos días. Interpretó todas las partes del álbum, con instrumentación diversa que incluía percusión, marimba, gong, órgano de caña, campanas, ocarina, vibráfono, piano y botellas de vidrio de Coca-Cola.

Entre 1988 y 1993, Éliane Radigue produjo obras de tres horas de duración en el ARP 2500 que posteriormente se publicaron juntas como La Trilogie De La Mort.

También en 1988, miembro fundadora y directora del San Francisco Tape Music Centre, Pauline Oliveros acuñó el término "escucha profunda" después de grabar un álbum dentro de una enorme cisterna subterránea en Washington que tiene un tiempo de reverberación de 45 segundos. El concepto de Deep Listening luego pasó a convertirse en "una estética basada en principios de improvisación, música electrónica, ritual, enseñanza y meditación".

Década de 1990

A principios de la década de 1990, artistas como Orb, Aphex Twin, Seefeel, the Irresistible Force, Biosphere y Higher Intelligence Agency obtuvieron éxito comercial y la prensa musical popular se refería a ellos como ambient house, ambient techno, IDM o simplemente "ambiente". El término chillout surgió de la cultura británica del éxtasis y se aplicó originalmente en "salas chillout" fuera de la pista de baile principal donde se tocaron ritmos ambientales, dub y downtempo para aliviar la mente alucinante.

Artistas londinenses como Aphex Twin (en concreto: Selected Ambient Works Volume II, 1994), Global Communication (76:14, 1994), The Future Sound of London (Formas de vida, 1994, ISDN, 1994), El Perro Negro (Templo de las Bolas Transparentes, 1993), Autechre (Incunables, 1993, Amber, 1994), Boards of Canada, y The KLF's Chill Out, (1990), todos participaron en la popularización y diversificando la música ambiental donde se usó como un respiro calmante de la intensidad del hardcore y el techno popular en ese momento.

Otros artistas ambientales globales de la década de 1990 incluyen a los compositores estadounidenses Stars of the Lid (que lanzaron 5 álbumes durante esta década) y al artista japonés Susumu Yokota, cuyo álbum Sakura (1999) presentó lo que la revista Pitchfork llamó "guitarra procesada y de ensueño como una herramienta de sonido distintiva".

Del 2000 al presente

Sonidos de hábitats naturales son comunes en las subidas de YouTube, con sus miniaturas típicamente teniendo imágenes de paisajes naturales para atraer oyentes.

A finales de la década de 2000 y 2010, la música ambiental también ganó un amplio reconocimiento en YouTube, con piezas subidas, que generalmente duran entre 1 y 8 horas, superando millones de visitas. Dichos videos generalmente se titulan, o se conocen generalmente como, "música relajante" y pueden estar influenciados por otros géneros musicales. Los videos ambientales ayudan a los oyentes en línea con el yoga, el estudio, el sueño (ver música y dormir), masajes, meditación y ganar optimismo, inspiración y crear una atmósfera pacífica en sus habitaciones u otros entornos. Muchos videos ambientales subidos tienden a estar influenciados por biomúsica donde presentan sonidos de la naturaleza, aunque los sonidos se modificarían con reverberaciones y unidades de retardo para hacer versiones espaciales de los sonidos como parte del ambiente. Dichos sonidos naturales a menudo incluyen los de una playa, selva tropical, tormenta eléctrica y lluvia, entre otros, y también se utilizan vocalizaciones de animales como cantos de pájaros. Las piezas que contienen ritmos binaurales también son cargas comunes y populares, que brindan terapia musical y manejo del estrés para el oyente.

Los canales de YouTube verificados, como el acertadamente titulado Ambient, tienen más de 500 000 suscriptores. Otros canales verificados que también publican música ambiental incluyen Meditation Relax Music, que tiene más de dos millones de suscriptores, Soothing Relaxation con más de ocho millones de suscriptores y Relaxing White Noise con más de 500.000 suscriptores, entre otros. iTunes y Spotify tienen estaciones de radio digitales que presentan música ambiental, que en su mayoría son producidas por sellos independientes.

La música ambiental aclamada de esta época (según la revista Pitchfork) incluye obras de Max Richter, Julianna Barwick, Grouper, William Basinski, Oneohtrix Point Never y Caretaker. En 2011, la compositora estadounidense Liz Harris, grabando como Grouper, lanzó el álbum AIA: Alien Observer, clasificado por Pitchfork en el puesto 21 de sus "50 mejores álbumes ambientales de todos los tiempos". En 2011, Julianna Barwick lanzó su primer álbum de larga duración The Magic Place. Fuertemente influenciada por sus experiencias infantiles en el coro de una iglesia, Barwick convierte su voz sin palabras en paisajes sonoros etéreos. Fue incluido en el puesto 30 de los 50 mejores álbumes ambientales de todos los tiempos de Pitchfork. Después de varios álbumes autoeditados, la compositora, productora e intérprete de Buchla, Kaitlyn Aurelia Smith, firmó con el sello discográfico independiente Western Vinyl en 2015. En 2016, lanzó su segundo álbum oficial EARS. Combinó el sintetizador Buchla con instrumentos tradicionales y sus composiciones se compararon con Laurie Spiegel y Alice Coltrane. Kaitlyn también ha colaborado con otra conocida intérprete de Buchla, Suzanne Ciani. El álbum Free de Iggy Pop de 2019 presenta paisajes sonoros ambientales. Mallsoft, un subgénero de vaporwave, presenta varias influencias ambientales, con artistas como Cat System Corp. y Groceries que exploran los sonidos ambientales típicos de los centros comerciales y las tiendas de comestibles.

Géneros relacionados y derivados

Doblaje ambiental

Ambient dub es una fusión de música ambiental con dub. El término fue acuñado por primera vez por el ahora desaparecido sello de Birmingham 'Beyond Records'. a principios de la década de 1990. El sello lanzó una serie de álbumes Ambient Dub Volume 1 a 4 que inspiraron a muchos artistas, incluido Bill Laswell, quien usó la misma frase en su proyecto musical Divination, donde colaboró con otros artistas del género. Ambient dub adopta los estilos de dub que King Tubby y otros artistas sonoros jamaicanos hicieron famosos desde la década de 1960 hasta principios de la de 1970, utilizando electrónica ambiental inspirada en DJ, completa con todos los efectos de abandono, eco, ecualización y electrónica psicodélicos inherentes. A menudo presenta técnicas de superposición e incorpora elementos de músicas del mundo, líneas de bajo profundas y sonidos armónicos. De acuerdo con David Toop, 'la música dub es como un retardo de eco largo, recorriendo el tiempo... convirtiendo el orden racional de las secuencias musicales en un océano de sensaciones'. Los artistas notables dentro del género incluyen Dreadzone, Higher Intelligence Agency, The Orb, Gaudi, Ott, Loop Guru, Woob y Transglobal Underground, así como Banco de Gaia y Leyland Kirby.

Casa ambiental

Ambient house es una categoría musical fundada a fines de la década de 1980 que se utiliza para describir el acid house con elementos y atmósferas de música ambiental. Las pistas del género ambient house suelen presentar ritmos de cuatro en el piso, pads de sintetizador y muestras vocales integradas en un estilo atmosférico. Las pistas de Ambient House generalmente carecen de un centro diatónico y presentan mucha atonalidad junto con acordes sintetizados. El Brainvoyager holandés es un ejemplo de este género. Illbient es otra forma de música house ambiental.

Tecno ambiental

Ambient techno es una categoría musical que surgió a fines de la década de 1980 y se usa para describir atmósferas de música ambiental con los elementos rítmicos y melódicos del techno. Los artistas notables incluyen Aphex Twin, B12, Autechre y Black Dog.

Ambiente industrial

Ambient industrial es un género híbrido de música industrial y ambiental. Un "típico" El trabajo industrial ambiental (si existe tal cosa) podría consistir en armonías disonantes en evolución de resonancias y drones metálicos, retumbos de frecuencias extremadamente bajas y ruidos de máquinas, tal vez complementados con gongs, ritmos de percusión, rugidos de toros, voces distorsionadas o cualquier otra cosa que el artista pueda interesar. a la muestra (a menudo procesada hasta el punto en que la muestra original ya no es reconocible). Obras completas pueden basarse en grabaciones de radiotelescopios, balbuceos de bebés recién nacidos o sonidos grabados a través de micrófonos de contacto en cables de telégrafo.

Pop ambiental

Ambient pop es un género musical que se desarrolló en la década de 1980 como una extensión del movimiento dream pop. Combina estructuras que son comunes a la música pop convencional con "texturas y atmósferas electrónicas que reflejan las cualidades hipnóticas y meditativas de la música ambiental". El pop ambiental emplea las melodías lock-groove del Krautrock como influencia. A pesar de ser una extensión del movimiento dream pop, se distingue por su adopción de "modismos electrónicos contemporáneos, incluido el muestreo, aunque en su mayor parte los instrumentos en vivo continúan definiendo el sonido".

David Bowie fue uno de los primeros artistas de rock y pop en experimentar con la música ambiental, particularmente en su Trilogía de Berlín con el pionero de la música ambiental Brian Eno. La pista "Red Sails" del tercer álbum de la trilogía, Lodger fue descrito como una "pieza de pop ambiental con ritmo de Motorik". La canción japonesa de la banda inglesa de art rock "Taking Islands in Africa" de Gentlemen Take Polaroids (1980) es considerado por el crítico de AllMusic Stewart Mason como un pronóstico de "la dirección del pop ambiental que tomaría Japón (y el líder David Sylvian) para el resto de sus carreras". #34; Con el líder de la Yellow Magic Orchestra, Ryuichi Sakamoto, la pista empleó 'un ritmo de tambor parlante africano muy no rockero, ralentizado a un ritmo sub-latido y superpuesto con capas de teclados atmosféricos y bajos mínimos'.

El álbum Pygmalion de la banda de dream pop Slowdive de 1995 incorporó en gran medida elementos de la electrónica ambiental, lo que influyó en muchas bandas del género. El crítico de Pitchfork, Nitsuh Abebe, describió las pistas del álbum como "sueños pop ambientales que tienen más en común con el post-rock como Disco Inferno que con los shoegazers como Ride".

Ambiente oscuro

La visión original de Brian Eno de la música ambiental como papel tapiz musical discreto, luego fusionada con ritmos cálidos de la casa y dotada de cualidades lúdicas por parte de Orb en la década de 1990, encontró su opuesto en el estilo conocido como ambiente oscuro. Poblado por una amplia variedad de personalidades, que van desde experimentadores industriales y de metal más antiguos (Mick Harris de Scorn, David Tibet de Current 93, Steven Stapleton de Nurse with Wound) hasta cerebritos electrónicos (Kim Cascone/ PGR, Psychick Warriors Ov Gaia), artistas del ruido japonés (K.K. Null, Merzbow) y rockeros independientes de los últimos días (Main, Bark Psychosis): el ambiente oscuro presenta ritmos atenuados o completamente ausentes con pasajes inquietantes de teclados, muestras espeluznantes, y efectos de guitarra tratados. Como la mayoría de los estilos relacionados de alguna manera con la música electrónica/dance de los 90, es un término muy confuso; muchos artistas entran o salen del estilo con cada lanzamiento sucesivo. Los estilos relacionados incluyen ambiente industrial (ver más abajo) y ambiente aislacionista.

Música espacial

"Interestellar", de Tamaki Tso
Ejemplo de una canción de música ambiente autodescrita fusionada con elementos experimentales y post rock
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La música espacial, también deletreada "Spacemusic", incluye música del género ambiental, así como una amplia gama de otros géneros con ciertas características en común para crear la experiencia de espaciosidad contemplativa.

La música espacial abarca desde texturas sonoras simples a complejas, a veces carentes de componentes melódicos, rítmicos o vocales convencionales, y generalmente evoca una sensación de "continuidad de imágenes y emociones espaciales", introspección beneficiosa, escucha profunda y sensaciones de flotante, de crucero o volador.

Las personas utilizan la música espacial tanto para mejorar el fondo como para escuchar en primer plano, a menudo con auriculares, para estimular la relajación, la contemplación, la inspiración y, en general, estados de ánimo y paisajes sonoros pacíficos y expansivos. La música espacial también es un componente de muchas bandas sonoras de películas y se usa comúnmente en los planetarios, como ayuda para la relajación y la meditación.

Espectáculos notables de música ambiental