Mulholland Drive (película)

Mulholland Drive (estilizado como Mulholland Dr.) es una película de misterio neo-noir surrealista de 2001 escrita y dirigida por David Lynch y protagonizada por Naomi Watts, Laura Harring, Justin Theroux, Ann Miller, Mark Pellegrino y Robert Forster. Cuenta la historia de una aspirante a actriz llamada Betty Elms (Watts), recién llegada a Los Ángeles, que conoce y se hace amiga de una mujer amnésica (Harring) que se recupera de un accidente automovilístico. La historia sigue a varias otras viñetas y personajes, incluido un director de cine de Hollywood (Theroux).

La coproducción entre Estados Unidos y Francia se concibió originalmente como un piloto de televisión, y una gran parte de la película se filmó en 1999 con el plan de Lynch de mantenerla abierta para una posible serie. Sin embargo, después de ver el corte de Lynch, los ejecutivos de televisión lo rechazaron. Lynch luego proporcionó un final al proyecto, convirtiéndolo en un largometraje. El resultado mitad piloto, mitad largometraje, junto con el estilo surrealista característico de Lynch, ha dejado el significado general de los eventos de la película abierto a la interpretación. Lynch se ha negado a ofrecer una explicación de sus intenciones para la narrativa, dejando al público, los críticos y los miembros del elenco especulando sobre lo que sucede. Le dio a la película el lema "Una historia de amor en la ciudad de los sueños".

Categorizado como un thriller psicológico, Mulholland Drive le valió a Lynch el Prix de la mise en scène (Premio al Mejor Director) en el Festival de Cine de Cannes de 2001, y compartió el premio con Joel Coen por El hombre que no estaba allí. Lynch también obtuvo una nominación al Premio de la Academia como Mejor Director. La película impulsó Watts' perfil de Hollywood considerablemente, y fue el último largometraje protagonizado por la veterana actriz de Hollywood Ann Miller.

Mulholland Drive suele considerarse una de las mejores obras de Lynch y una de las mejores películas de todos los tiempos. Ocupó el octavo lugar en 2022 Sight & Críticos de sonido' encuesta de las mejores películas jamás realizadas y encabezó una encuesta de la BBC de 2016 de las mejores películas desde 2000.

Trama

Una mujer de cabello oscuro es la única sobreviviente de un accidente automovilístico en Mulholland Drive, un camino sinuoso en lo alto de Hollywood Hills. Herida y aturdida, se dirige a Los Ángeles a pie y se cuela en un apartamento. Más tarde esa mañana, una aspirante a actriz llamada Betty Elms llega al apartamento, que normalmente está ocupado por su tía Ruth. Betty se sorprende al encontrar a la mujer, que tiene amnesia y se hace llamar "Rita" después de ver un cartel de la película Gilda protagonizada por Rita Hayworth. Para ayudar a la mujer a recordar su identidad, Betty busca en el bolso de Rita, donde encuentra una gran cantidad de dinero y una inusual llave azul.

En un restaurante llamado Winkie's, un hombre le cuenta a otro sobre una pesadilla en la que soñaba con encontrarse con una figura horrible detrás del restaurante. Cuando investigan, aparece la figura, lo que hace que el hombre que tuvo la pesadilla se derrumbe de miedo. En otra parte, el director Adam Kesher tiene su película requisada por mafiosos, quienes insisten en que elija a una actriz desconocida llamada Camilla Rhodes como protagonista. Adam se niega y regresa a casa para encontrar a su esposa Lorraine engañándolo. Cuando los mafiosos retiran su línea de crédito, Adam hace arreglos para encontrarse con un vaquero misterioso, quien lo insta crípticamente a elegir a Camilla por su propio bien. Mientras tanto, un asesino a sueldo torpe intenta robar un libro lleno de números de teléfono y deja a tres personas muertas.

Mientras intentan obtener más información sobre el accidente de Rita, Betty y Rita van a Winkie's y las atiende una camarera llamada Diane, lo que hace que Rita recuerde el nombre "Diane Selwyn&#34.;. Encuentran a Diane Selwyn en la guía telefónica y la llaman, pero ella no responde. Betty va a una audición, donde su actuación es muy elogiada. Un agente de casting la lleva a un estudio de sonido donde se está proyectando una película llamada The Sylvia North Story, dirigida por Adam. Cuando Camilla Rhodes hace una audición con la canción I've Told Every Little Star, Adam capitula ante la mafia y la elige. Betty mira a los ojos a Adam, pero huye antes de que pueda encontrarse con él, diciendo que llega tarde para encontrarse con un amigo. Betty y Rita van al apartamento de Diane Selwyn, donde un vecino abre la puerta y les dice que ha cambiado de apartamento con Diane. Van al departamento del vecino y entran cuando nadie abre la puerta. En el dormitorio, encuentran el cuerpo de una mujer muerta desde hace varios días. Aterrorizados, regresan al departamento de Betty, donde Rita se disfraza con una peluca rubia. Esa noche, ella y Betty tienen sexo.

A las 2 a. m., Rita se despierta repentinamente e insiste en que vayan de inmediato a un teatro llamado Club Silencio. Allí, el maestro de ceremonias explica en diferentes idiomas que todo es una ilusión; Rebekah Del Rio sube al escenario y comienza a cantar la canción de Roy Orbison "Crying" en español, luego se derrumba, inconsciente, mientras su voz continúa reproduciéndose. Betty encuentra una caja azul en su bolso que coincide con la llave de Rita. Al regresar al apartamento, Rita recupera la llave y descubre que Betty ha desaparecido. Rita abre la caja y cae al suelo. La tía Ruth entra en la habitación y no encuentra a nadie.

Diane Selwyn se despierta en su cama en el mismo apartamento que investigaron Betty y Rita, donde su vecino le informa que dos policías la han estado buscando. Se ve exactamente como Betty, pero es una actriz en apuros sumida en una profunda depresión por su relación fallida con Camilla Rhodes, que es una actriz exitosa y se ve exactamente como Rita. Por invitación de Camilla, Diane asiste a una fiesta en la casa de Adam en Mulholland Drive. En la cena, Diane dice que vino a Hollywood desde Canadá cuando murió su tía Ruth y le dejó algo de dinero, y conoció a Camilla en una audición para The Sylvia North Story. Otra mujer que se parece a la anterior 'Camilla Rhodes' besa a Camilla, y se giran y le sonríen a Diane. Adam y Camilla se preparan para hacer el anuncio de su matrimonio, pero se ríen y se besan mientras Diane mira, llorando. Más tarde, Diane se encuentra con el asesino a sueldo en Winkie's, para contratarlo para que mate a Camilla. Él le dice que encontrará una llave azul cuando se complete el trabajo. Se revela que la figura del sueño del hombre tiene la caja azul a juego. En su departamento, Diane mira la llave azul en su mesa de café, cuando alguien toca la puerta sin cesar. Angustiada, está aterrorizada por las alucinaciones y corre gritando a su cama, donde se pega un tiro. Una mujer en el teatro susurra "Silencio".

Reparto

Producción

Desarrollo

Originalmente concebida como una serie de televisión, Mulholland Drive comenzó como un piloto de 90 minutos producido para Touchstone Television y destinado a la cadena de televisión ABC. Tony Krantz, el agente responsable del desarrollo de Twin Peaks, estaba "entusiasmado" sobre hacer otra serie de televisión. Lynch vendió la idea a los ejecutivos de ABC basándose únicamente en la historia de Rita saliendo del accidente automovilístico con su bolso que contenía $ 125,000 en efectivo y la llave azul, y Betty tratando de ayudarla a descubrir quién es. Un ejecutivo de ABC recordó: "Recuerdo lo espeluznante de esta mujer en este horrible, horrible accidente, y David bromeando con la idea de que la gente la persigue". Ella no está solo 'en' problemas—ella es problemas. Obviamente, preguntamos, '¿Qué sucede después?' Y David dijo: 'Tienes que comprar el terreno de juego para que te lo cuente.'" Lynch le mostró a ABC un borrador del piloto. La persona que lo vio, según Lynch, lo estaba viendo a las seis de la mañana y estaba tomando café y de pie. Odiaba al piloto y ABC lo canceló de inmediato. Pierre Edleman, el amigo de Lynch de París, vino a visitarlo y comenzó a hablar con él acerca de que la película sería un largometraje. Edleman volvió a París. Canal+ quería darle dinero a Lynch para convertirlo en un largometraje y tardó un año en negociar.

Lynch describió el atractivo de la idea de un piloto, a pesar de saber que el medio de la televisión sería restrictivo: "Soy un fanático de una historia continua... Teóricamente, puedes obtener una muy historia profunda y puedes profundizar tanto y abrir el mundo de manera tan hermosa, pero lleva tiempo hacerlo." La historia incluía elementos surrealistas, muy parecidos a la serie anterior de Lynch Twin Peaks. Se sentaron las bases para los arcos narrativos, como el misterio de la identidad de Rita, la carrera de Betty y el proyecto cinematográfico de Adam Kesher.

La actriz Sherilyn Fenn declaró en una entrevista de 2014 que la idea original surgió durante el rodaje de Twin Peaks, como una película derivada de su personaje de Audrey Horne.

Reparto

Naomi Watts, David Lynch, Laura Elena Harring y Justin Theroux en el Festival de Cine de Cannes 2001

Lynch eligió a Naomi Watts y Laura Harring a partir de sus fotografías. Los llamó por separado para entrevistas de media hora y les dijo que no había visto ninguno de sus trabajos anteriores en cine o televisión. Harring consideró fatídico que ella estuviera involucrada en un accidente automovilístico menor en el camino a la primera entrevista, solo para descubrir que su personaje también estaría involucrado en un accidente automovilístico en la película. Watts llegó vistiendo jeans para la primera entrevista, directamente desde el avión desde la ciudad de Nueva York. Lynch le pidió que volviera al día siguiente 'más glamurosa'. Le ofrecieron el papel dos semanas después. Lynch explicó su selección de Watts: "Vi a alguien que sentí que tenía un tremendo talento, y vi a alguien que tenía un alma hermosa, una inteligencia, posibilidades para muchos roles diferentes, así que fue un hermoso paquete completo".." Justin Theroux también conoció a Lynch justo después de su vuelo en avión. Después de un largo vuelo con poco sueño, Theroux llegó vestido todo de negro, con el cabello despeinado. A Lynch le gustó el look y decidió elegir a Adam con ropa similar y el mismo peinado.

Filmación

La filmación del programa piloto para televisión comenzó en Los Ángeles en febrero de 1999 y tomó seis semanas. En última instancia, la cadena no estaba contenta con el programa piloto y decidió no incluirlo en su programa. Las objeciones incluyeron la historia no lineal, las edades de Harring y Watts (a quienes consideraban demasiado mayores), el tabaquismo del personaje de Ann Miller y una toma de cerca de heces de perro en una escena. Lynch recordó: "Todo lo que sé es que me encantó hacerlo, ABC lo odió y no me gusta el corte que entregué. Estuve de acuerdo con ABC en que el corte más largo era demasiado lento, pero estaba nos vimos obligados a sacrificarlo porque teníamos una fecha límite y no había tiempo para afinar nada. Perdió textura, grandes escenas e historias, y hay 300 copias en cinta de la mala versión circulando. Mucha gente lo ha visto, lo cual es vergonzoso, porque también son cintas de mala calidad. No quiero pensar en eso."

El guión se reescribió y amplió más tarde cuando Lynch decidió transformarlo en un largometraje. Al describir la transición de un piloto abierto a un largometraje con una especie de resolución, Lynch dijo: "Una noche, me senté, surgieron las ideas y fue una experiencia muy hermosa". Todo fue visto desde un ángulo diferente... Ahora, mirando hacia atrás, veo que [la película] siempre quiso ser así. Solo tomó este extraño comienzo para que sea lo que es." El resultado fueron dieciocho páginas adicionales de material que incluía la relación romántica entre Rita y Betty y los eventos que ocurrieron después de que se abrió la caja azul. Watts se sintió aliviado de que ABC abandonara el piloto. Encontró a Betty demasiado unidimensional sin la parte más oscura de la película que se armó después. La mayoría de las nuevas escenas se filmaron en octubre de 2000, financiadas con 7 millones de dólares de la productora francesa StudioCanal.

Theroux describió cómo abordar la filmación sin comprender completamente la trama: "Obtienes el guión completo, pero es mejor que omita las escenas en las que no estás, porque el conjunto resulta ser más desconcertante que el partes. David agradece las preguntas, pero no responde ninguna... Trabajas con los ojos vendados. Si fuera un director primerizo y no hubiera demostrado ningún dominio de este método, probablemente tendría reservas. Pero obviamente funciona para él." Theroux señaló que la única respuesta que dio Lynch fue que estaba seguro de que el personaje de Theroux, un director de Hollywood, no estaba destinado a ser Lynch. Watts dijo que trató de engañar a Lynch fingiendo que tenía la trama descifrada y que él se deleitaba con la frustración del elenco.

"No voy a mentir: me sentí muy vulnerable," Laura Harring dijo sobre filmar la escena de sexo entre Harring y Watts' caracteres. “Estaba en mi camerino y estaba al borde de las lágrimas. Es difícil. Hay mucha gente allí... Naomi y yo éramos amigas. Fue bastante incómodo."

Temas e interpretaciones

Dando a la película solo el lema "Una historia de amor en la ciudad de los sueños", David Lynch se ha negado a comentar sobre Mulholland Drive'significado o simbolismo, lo que lleva a mucha discusión y múltiples interpretaciones. El crítico de cine de The Christian Science Monitor David Sterritt habló con Lynch después de la proyección de la película en Cannes y escribió que el director "insistió en que Mulholland Drive cuenta una historia coherente y comprensible. historia", a diferencia de algunas de las películas anteriores de Lynch como Lost Highway. Por otro lado, Justin Theroux dijo sobre los sentimientos de Lynch sobre los múltiples significados que la gente percibe en la película: "Creo que está realmente feliz de que signifique lo que quieras". Le encanta cuando a la gente se le ocurren interpretaciones realmente extrañas. David trabaja desde su subconsciente."

Sueños y realidades alternativas

Una de las primeras interpretaciones de la película utiliza el análisis de los sueños para argumentar que la primera parte es un sueño de la Diane Selwyn real, que ha interpretado a su yo soñado como la inocente y esperanzada 'Betty Elms', reconstruyendo su historia y personalidad en algo parecido a una vieja película de Hollywood. En el sueño, Betty tiene éxito, es encantadora y vive la vida de fantasía de una actriz que pronto será famosa. La última quinta parte de la película presenta la vida real de Diane, en la que ha fracasado tanto personal como profesionalmente. Hace los arreglos para que maten a Camilla, una ex amante, e incapaz de hacer frente a la culpa, la vuelve a imaginar como la amnésica dependiente y flexible Rita. Sin embargo, las pistas sobre su inevitable desaparición continúan apareciendo a lo largo de su sueño.

Esta interpretación fue similar a lo que interpretó Naomi Watts, cuando dijo en una entrevista: "Pensé que Diane era el personaje real y que Betty era la persona que quería ser y que había soñado". Rita es la damisela en apuros y tiene absoluta necesidad de Betty, y Betty la controla como si fuera una muñeca. Rita es la fantasía de Betty de quién quiere que sea Camilla." Las primeras experiencias de Watts en Hollywood son paralelas a las de Diane. Soportó cierta frustración profesional antes de tener éxito, audicionó para papeles en los que no creía y se encontró con personas que no aprovecharon las oportunidades. Ella recordó: 'Hubo muchas promesas, pero en realidad nada se cumplió. Me quedé sin dinero y me sentí bastante solo." Michael Wilmington del Chicago Tribune encontró que "todo en 'Mulholland Drive' es una pesadilla Es una representación del sueño dorado de Hollywood que se vuelve rancio, cuajando en un estofado venenoso de odio, envidia, compromiso sórdido y fracaso que mata el alma. Esta es la parte más vulnerable de nuestras fantasías glamorosas, y el área que Lynch muestra aquí está retratada de manera realista.

The Guardian preguntó a seis conocidos críticos de cine sobre sus propias percepciones del significado general de Mulholland Drive. Neil Roberts de The Sun y Tom Charity de Time Out suscriben la teoría de que Betty es la proyección de Diane de una vida más feliz. Roger Ebert y Jonathan Ross parecen aceptar esta interpretación, pero ambos dudan en analizar demasiado la película. Ebert afirma, "No hay explicación. Puede que ni siquiera haya un misterio." Ross observa que hay argumentos que no van a ninguna parte: "Quizás fueron sobras del piloto que originalmente se pretendía que fuera, o quizás estas cosas son las no secuencias y el subconsciente de los sueños". Philip French de The Observer lo ve como una alusión a la tragedia de Hollywood, mientras que Jane Douglas de la BBC rechaza la teoría de la vida de Betty como el sueño de Diane, pero también advierte contra mucho análisis.

La teórica de los medios Siobhan Lyons tampoco está de acuerdo con la teoría de los sueños, argumentando que es una 'interpretación superficial [que] socava la fuerza del absurdo de la realidad que a menudo tiene lugar en el universo de Lynch'.. En cambio, Lyons postula que Betty y Diane son, de hecho, dos personas diferentes que parecen similares, un motivo común entre las estrellas de Hollywood. En una interpretación similar, Betty y Rita y Diane y Camilla pueden existir en universos paralelos que a veces se interconectan. Otra teoría que se ofrece es que la narrativa es una tira de Möbius, una banda retorcida que no tiene principio ni fin. O toda la película es un sueño, pero se desconoce la identidad del soñador. Las referencias repetidas a camas, dormitorios y dormir simbolizan la fuerte influencia de los sueños. Rita se duerme varias veces; entre estos episodios, tienen lugar escenas desconectadas, como la de los hombres que tienen una conversación en Winkie's, la llegada de Betty a Los Ángeles y el éxito fallido, lo que sugiere que Rita puede estar soñando con ellos. El plano inicial de la película se acerca a una cama que contiene un durmiente desconocido, inculcando, según la estudiosa de cine Ruth Perlmutter, la necesidad de preguntarse si lo que sigue es la realidad. La profesora de estudios de sueños Kelly Bulkeley argumenta que la primera escena en el restaurante, como la única en la que se mencionan explícitamente los sueños o los sueños, ilustra la "verdad reveladora y la incertidumbre epistemológica en la película de Lynch". El ser monstruoso del sueño, que es el tema de conversación de los hombres de Winkie's, reaparece al final de la película justo antes y después de que Diane se suicide. Bulkeley afirma que la discusión solitaria sobre los sueños en esa escena presenta una apertura a 'una nueva forma de entender todo lo que sucede en la película'.

El filósofo y teórico del cine Robert Sinnerbrink señala de manera similar que las imágenes que siguen al aparente suicidio de Diane socavan el "sueño y la realidad" interpretación. Después de que Diane se pega un tiro, la cama se consume en humo, y se muestra a Betty y Rita sonriéndose, después de lo cual una mujer en el balcón del Club Silencio susurra "Silencio" mientras la pantalla se vuelve negra. Sinnerbrink escribe que las "imágenes finales flotan en una zona indeterminada entre la fantasía y la realidad, que es quizás la dimensión genuinamente metafísica de la imagen cinematográfica", y también señala que podría ser que la "última secuencia comprenda las imágenes de fantasía de la conciencia moribunda de Diane, concluyendo con el momento real de su muerte: el Silencio" final. Refiriéndose a la misma secuencia, el teórico del cine Andrew Hageman señala que "la coda de noventa segundos que sigue al suicidio de Betty/Diane es un espacio cinematográfico que persiste después de que el telón ha caído sobre su conciencia viva, y esta persistente el espacio es el teatro mismo donde la ilusión de la ilusión se desenmascara continuamente".

El teórico del cine David Roche escribe que las películas de Lynch no solo cuentan historias de detectives, sino que obligan a la audiencia a asumir el papel de convertirse en detectives para dar sentido a las narrativas, y que Mulholland Drive, como otras películas de Lynch, frustra 'la necesidad del espectador de una diégesis racional jugando con el error del espectador de que la narración es sinónimo de diégesis'. En las películas de Lynch, el espectador siempre está "un paso por detrás de la narración" y así "la narración prevalece sobre la diégesis". Roche también señala que hay múltiples misterios en la película que finalmente quedan sin respuesta para los personajes que se encuentran con callejones sin salida, como Betty y Rita, o ceden a las presiones como lo hace Adam. Aunque el público todavía lucha por entender las historias, los personajes ya no intentan resolver sus misterios. Roche concluye que Mulholland Drive es una película de misterio no porque le permita a la audiencia ver la solución a una pregunta, sino porque la película en sí es un misterio que se mantiene unido "por el espectador-detective& #39;el deseo de tener sentido" de eso

Un "San Valentín venenoso para Hollywood"

La vista de Los Ángeles desde Mulholland Drive se ha convertido en una representación icónica de las oportunidades de la ciudad.

A pesar de la proliferación de teorías, los críticos señalan que ninguna explicación satisface todos los cabos sueltos y las preguntas que surgen de la película. Stephen Holden de The New York Times escribe, "Mulholland Drive tiene poco que ver con la vida amorosa o la ambición profesional de cualquier personaje. La película es una reflexión cada vez más profunda sobre el encanto de Hollywood y sobre los múltiples juegos de rol y la autoinvención que promete la experiencia de ir al cine... ¿Qué mayor poder hay allí que el poder de entrar y programar la vida de los sueños? de la cultura?" J. Hoberman de The Village Voice se hace eco de este sentimiento al llamarlo un 'San Valentín venenoso para Hollywood'.

Mulholland Drive ha sido comparado con el clásico del cine negro de Billy Wilder Sunset Boulevard (1950), otra historia sobre sueños rotos en Hollywood, y a principios del Se muestra la película Rita cruzando Sunset Boulevard de noche. Aparte de que ambos títulos llevan el nombre de las icónicas calles de Los Ángeles, Mulholland Drive es el relato único de 'Lynch' de lo que también captó la atención de Wilder: la putrefacción humana (un término que Lynch utilizado varias veces durante su rueda de prensa en el Festival de Cine de Nueva York de 2001) en una ciudad de ilusiones letales". El título de la película es una referencia a la icónica cultura de Hollywood. Lynch vive cerca de Mulholland Drive y declaró en una entrevista: "Por la noche, viajas en la cima del mundo". Durante el día, también viajas en la cima del mundo, pero es misterioso y hay un poco de miedo porque se adentra en áreas remotas. Sientes la historia de Hollywood en ese camino." Watts también tenía experiencia con la carretera antes de que se estableciera su carrera: "Recuerdo haber conducido por la calle muchas veces llorando con el corazón en mi auto, pensando: '¿Qué estoy haciendo aquí? '"

El crítico Gregory Weight advierte a los espectadores contra una interpretación cínica de los eventos de la película, afirmando que Lynch presenta más que "la fachada y que él cree que solo el mal y el engaño se encuentran debajo de ella". Por mucho que Lynch haga una declaración sobre el engaño, la manipulación y las falsas pretensiones en la cultura de Hollywood, también infunde nostalgia a lo largo de la película y reconoce que el verdadero arte proviene del cine clásico, ya que el elenco de Lynch rinde homenaje a los actores veteranos Ann Miller, Lee Grant y Chad Everett. También retrata a Betty como extraordinariamente talentosa y muestra que sus habilidades son notadas por personas poderosas en la industria del entretenimiento. Comentando las posiciones contrastantes entre la nostalgia del cine y la putrefacción de Hollywood, Steven Dillon escribe que Mulholland Drive critica la cultura de Hollywood tanto como condena la "cinefilia" (la fascinación del cine y las fantasías asociadas con él).

Harring describió su interpretación después de ver la película: "Cuando la vi por primera vez, pensé que era la historia de los sueños, la ilusión y la obsesión de Hollywood". Toca la idea de que nada es lo que parece, especialmente la idea de ser una estrella de cine de Hollywood. La segunda y tercera vez que lo vi, pensé que se trataba de identidad. ¿Sabemos quiénes somos? Y luego seguí viendo cosas diferentes en él... No hay nada bueno o malo en lo que alguien le quita o en lo que cree que trata realmente la película. Es una película que te hace reflexionar continuamente, te hace hacer preguntas. He escuchado una y otra vez: 'Esta es una película que volveré a ver'. o 'Esta es una película que tienes que volver a ver'. Te intriga. Quieres conseguirlo, pero no creo que sea una película que se pueda conseguir. Ha logrado su objetivo si te hace hacer preguntas."

Contenido romántico

Las relaciones entre Betty y Rita, y Diane y Camilla han sido descritas de diversas formas como "conmovedoras", "conmovedoras" y "excitantes". El crítico francés Thierry Jousse, en su reseña para Cahiers du cinéma, dijo que el amor entre las mujeres retratadas es "de un lirismo prácticamente sin igual en el cine contemporáneo". En las páginas de Film Comment, Phillip Lopate afirma que el interludio romántico fundamental entre Betty y Rita se volvió conmovedor y tierno gracias a la comprensión de Betty por primera vez, con auto- sorpresa, que toda su amabilidad y curiosidad por la otra mujer tenía un sentido: el deseo... Es un momento hermoso, que se vuelve aún más milagroso por su ternura ganada y sus distancias de cualquier cosa espeluznante." Stephanie Zacharek de la revista Salon declaró que el erotismo de la escena [era] tan potente que cubre toda la película, coloreando cada escena anterior y cada una de las siguientes. Betty y Rita fueron elegidas por Independent Film Channel como la pareja romántica emblemática de los 2000. El escritor Charles Taylor dijo: "Betty y Rita a menudo se enmarcan en una oscuridad tan suave y aterciopelada que es como un nimbo flotante, listo para tragarlas si despiertan del sueño de la película". Y cuando se los tragan, cuando el humo llena el marco como si el mismo azufre del infierno estuviera oscureciendo nuestra visión, sentimos que no solo se ha roto un romance, sino que la belleza del mundo ha sido maldecida."

Algunos teóricos del cine han argumentado que Lynch inserta lo queer en el contenido estético y temático de la película. La película no lineal es "incapaz de mantener la coherencia narrativa", como sostiene Lee Wallace, "el lesbianismo disuelve las convenciones ideológicas del realismo narrativo, operando como el punto de cambio para los mundos narrativos en disputa dentro de Lynch". 39; es una película con una trama elaborada. La presencia de espejos y doppelgangers a lo largo de la película "son representaciones comunes del deseo lésbico". La codependencia en la relación entre Betty y Rita, que bordea la obsesión absoluta, se ha comparado con las relaciones femeninas en dos películas similares, Persona de Ingmar Bergman (1966) y Robert Altman& #39;s 3 Women (1977), que también representan identidades de mujeres vulnerables que se enredan, se intercambian y finalmente se fusionan: "Las parejas femeninas también se reflejan entre sí, con sus interacciones mutuas fusionándose Adoración de heroína con deseo por personas del mismo sexo. Lynch rinde homenaje directo a Persona en la escena en la que Rita se pone la peluca rubia, con el mismo peinado que Betty. Luego, Rita y Betty se miran en el espejo "llamando la atención sobre su similitud física, vinculando la secuencia con el tema del abrazo, el acoplamiento físico y la idea de fusionarse o duplicarse". Los reflejos y los dobles, que son temas destacados a lo largo de la película, sirven para queer aún más la forma y el contenido de la película.

Varios teóricos han acusado a Lynch de perpetuar estereotipos y clichés sobre lesbianas, bisexuales y relaciones lésbicas. Rita (la femme fatale) y Betty (la niña de la escuela) representan dos personajes clásicos de lesbianas; Heather Love identifica dos clichés clave utilizados en la película: "Lynch presenta el lesbianismo en su forma inocente y expansiva: el deseo lésbico aparece como una gran aventura, una entrada a un territorio glamoroso y desconocido". Simultáneamente, presenta el trágico triángulo lésbico, "en el que una mujer atractiva pero no disponible deja a una mujer menos atractiva que se presenta como exclusivamente lesbiana", perpetuando el estereotipo del bisexual "terminando con un hombre& #34;. Maria San Filippo reconoce que Lynch se basa en los arquetipos clásicos del cine negro para desarrollar la eventual traición de Camilla: estos arquetipos "se arraigan hasta tal punto que los espectadores inmediatamente se dan cuenta de que "Rita" no es lo que parece y que es solo cuestión de tiempo antes de que revele su naturaleza engañosa." Para Love, el deseo exclusivamente lésbico de Diane es "entre el éxito y el fracaso, entre la sensualidad y la abyección, incluso entre la vida y la muerte" si es rechazada. Diane es el trágico cliché lésbico que añora a la bisexual en la relación heterosexual. El análisis de Love de la película señala la peculiar respuesta de los medios de comunicación al contenido lésbico de la película: "los críticos se entusiasmaron en particular y extensamente con las escenas de sexo de la película, como si hubiera un concurso para ver quién podía disfrutar más de esta representación del deseo femenino entre personas del mismo sexo." Ella señala que la película usó un tema clásico en la literatura y el cine que representa las relaciones lésbicas: Camilla como dolorosamente hermosa y disponible, rechazando a Diane por Adam. La reacción popular a la película sugiere que las relaciones contrastantes entre Betty y Rita y Diane y Camilla se "entienden como lo más caliente del mundo y, al mismo tiempo, como algo fundamentalmente triste y nada erótico". como "el orden heterosexual se afirma con efectos aplastantes para la mujer abandonada".

La heterosexualidad como principal es importante en la segunda mitad de la película, ya que la desaparición definitiva de la relación de Diane y Camilla surge del matrimonio de la pareja heterosexual. En la fiesta de Adam, comienzan a anunciar que Camilla y Adam se van a casar; entre risas y besos, la declaración se retrasa porque es obvia y esperada. El cierre heterosexual de la escena se ve interrumpido por un cambio de escena. Como sugiere Lee Wallace, al planear un golpe contra Camilla, "Diane elude el cierre heterosexual de la historia de la industria, pero solo yendo a su mundo narrativo, un acto que resulta fatal para ambas mujeres, las relaciones de causa y efecto de la industria". siendo el thriller fundamentalmente incompatible con la trama del lesbianismo tal como la presenta la película". Para Joshua Bastian Cole, el personaje de Adam sirve como el contraste de Diane, lo que nunca podrá ser, razón por la cual Camilla la deja. En su fantasía, Adam tiene su propia trama secundaria que lo lleva a la humillación. Si bien esta trama secundaria puede entenderse como una fantasía de venganza nacida de los celos, Cole argumenta que este es un ejemplo de la mirada transgénero de Diane: "Adam funciona como un espejo: un objeto masculino en el que Diane podría proyectarse". 34;. El contacto visual prolongado de Diane con Dan en Winkie's es otro ejemplo de la mirada trans. Para Cole, 'el extraño reconocimiento de Dan por parte de Diane, que no es exactamente una identificación sino algo más, se siente trans en su línea oblicua, dibujada entre dobles imposibles'. y sus nombres similares (Dan/Diane) que no es un error. Él enfatiza que la comprensión lésbica de la película ha eclipsado las posibles interpretaciones trans; su lectura de la mirada trans de Diane es una contribución a la narrativa queer de la película.

Las representaciones en los medios de las opiniones de Naomi Watts y Laura Elena Harring sobre sus relaciones en pantalla fueron variadas y contradictorias. Watts dijo sobre la filmación de la escena: "No lo veo como algo erótico, aunque tal vez suene así". La última vez que lo vi, en realidad tenía lágrimas en los ojos porque sabía a dónde iba la historia. Me rompió un poco el corazón." Sin embargo, en otra entrevista, Watts declaró: "Me sorprendió lo honesto y real que se ve todo esto en la pantalla". Estas chicas se ven realmente enamoradas y fue curiosamente erótico." Mientras que Harring fue citado diciendo: "La escena de amor simplemente sucedió en mis ojos". Rita está muy agradecida por la ayuda que Betty le ha brindado, así que le digo adiós y buenas noches, gracias, desde el fondo de mi corazón, la beso y luego hay Es solo una energía que nos lleva [sobre]. Por supuesto que tengo amnesia, así que no sé si lo he hecho antes, pero no creo que seamos realmente lesbianas. Heather Love estuvo un poco de acuerdo con la percepción de Harring cuando afirmó que la identidad en Mulholland Drive no es tan importante como el deseo: "quienes somos no cuenta mucho, lo que importa en cambio es lo que estamos a punto de hacer, lo que queremos hacer."

Personajes

Betty (Watts) llega a Los Ángeles; se imagina con Irene (Jeanne Bates). Betty es brillante y optimista, en contraste con Diane —también interpretada por Watts— en la parte posterior de la película.

Betty Elms (Naomi Watts) es la brillante y talentosa recién llegada a Los Ángeles, descrita como "sana, optimista, decidida a conquistar la ciudad" y &# 34;absurdamente ingenuo". Su actitud alegre e intrépida para ayudar a Rita porque es lo correcto recuerda a Nancy Drew para los revisores. Toda su personalidad al principio es un aparente cliché de la ingenuidad de un pueblo pequeño. Pero es la identidad de Betty, o la pérdida de ella, lo que parece ser el foco de la película. Para un crítico, Betty interpretó el papel de la conciencia y el inconsciente de la película. Watts, quien modeló a Betty en Doris Day, Tippi Hedren y Kim Novak, observó que Betty es una buscadora de emociones, alguien "que se encuentra en un mundo al que no pertenece y está lista para asumir un nueva identidad, aunque sea de otra persona. Esto también ha llevado a un teórico a concluir que, dado que Betty había entrado ingenuamente, pero con entusiasmo, en el sistema de Hollywood, se había convertido en una 'actora cómplice'. que había "abrazado la misma estructura que" la destruyó. En una explicación de su desarrollo del personaje de Betty, Watts declaró:

Por lo tanto, tuve que tomar mis propias decisiones sobre lo que significaba esto y lo que este personaje estaba pasando, lo que era sueño y lo que era realidad. Mi interpretación podría terminar siendo completamente diferente, tanto de David como del público. Pero yo lo hizo tienen que reconciliar todo eso, y la gente parece pensar que funciona.

Betty, por más difícil de creer que se establezca su personaje, muestra una asombrosa profundidad de dimensión en su audición. Previamente ensayada con Rita en el apartamento, donde Rita alimenta sus diálogos con torpeza, la escena es "dreck" y "hueco; cada línea es indigna del compromiso de una actriz genuina, y Betty la interpreta en los ensayos tan mal como está escrita. Nerviosa pero valiente como siempre en la audición, Betty entra en la habitación abarrotada, pero cuando se encuentra a centímetros de su compañero de audición (Chad Everett), lo convierte en una escena de poderosa tensión sexual que controla por completo y atrae a todas las personas en la habitación.. La sexualidad se erosiona inmediatamente cuando termina la escena y ella se para frente a ellos esperando tímidamente su aprobación. Un analista de cine afirma que la habilidad previamente desconocida de Betty roba el espectáculo, específicamente, quitándole el oscuro misterio a Rita y asignándoselo a sí misma, y por el uso de esta escena de Lynch ilustra su uso del engaño en su caracteres. La habilidad actoral de Betty lleva a Ruth Perlmutter a especular si Betty está interpretando el papel de Diane en un sueño o en una parodia de una película que finalmente se vuelve contra ella.

Rita (Harring) es la aparente víctima misteriosa e indefensa, una mujer fatal clásica con su apariencia oscura y asombrosamente hermosa. Roger Ebert quedó tan impresionado con Harring que dijo de ella "todo lo que tiene que hacer es quedarse ahí y es el primer buen argumento en 55 años para una nueva versión de Gilda". Ella sirve como el objeto del deseo, directamente opuesto a la brillante seguridad en sí misma de Betty. Ella es también el primer personaje con el que la audiencia se identifica, y como los espectadores la conocen solo como confundidos y asustados, sin saber quién es ni adónde va, representa su deseo de dar sentido a la película a través de su identidad. En lugar de amenazar, inspira a Betty a nutrirla, consolarla y ayudarla. Su amnesia la convierte en una persona en blanco, que según un crítico es "la vacante que surge con una belleza extraordinaria y la voluntad del espectador de proyectar cualquier combinación de angelical y diabólico en ella". Un análisis del personaje de Rita afirma que sus acciones son las más genuinas de la primera parte de la película, ya que no tiene memoria ni nada para usar como marco de referencia sobre cómo comportarse. Sin embargo, Todd McGowan, autor de un libro sobre temas de las películas de Lynch, afirma que la primera parte de Mulholland Drive puede interpretarse como la fantasía de Rita, hasta que se revela Diane Selwyn.; Betty es el objeto que supera la ansiedad de Rita por su pérdida de identidad. Según el historiador de cine Steven Dillon, Diane hace la transición de una ex compañera de cuarto a Rita: después de una escena tensa en la que la compañera de cuarto recoge sus pertenencias restantes, Rita aparece en el apartamento y le sonríe a Diane.

Harring como la mujer morena

Gilda cartel (1946)

La mujer morena asume el nombre "Rita" después de ver el nombre en un póster. Su búsqueda de su identidad ha sido interpretada por académicos de cine como representando el deseo del público de tener sentido de la película.

Después de que Betty y Rita encuentran el cuerpo en descomposición, huyen del apartamento y sus imágenes se separan y se reintegran. David Roche señala que la falta de identidad de Rita provoca un quiebre que "ocurre no solo a nivel del personaje sino también a nivel de la imagen; la toma se somete a efectos especiales que fragmentan su imagen y sus voces se ahogan en reverberación, la cámara parece escribir el estado mental de los personajes". Inmediatamente regresan al apartamento de la tía de Betty, donde Rita se pone una peluca rubia, supuestamente para disfrazarse, pero que la hace lucir muy parecida a Betty. Es esta transformación la que sugiere un analista cinematográfico como la fusión de ambas identidades. Esto está respaldado por pistas visuales, como ángulos de cámara particulares que hacen que sus rostros parezcan fusionarse en uno. Esto se ilustra aún más poco después por su intimidad sexual, seguida por la personalidad de Rita que se vuelve más dominante cuando ella insiste en ir al Club Silencio a las 2 a.m., lo que eventualmente lleva a la dominación total de Camilla.

Diane Selwyn (Watts) es la mujer palpablemente frustrada y deprimida, que parece haber montado los faldones de Camilla, a quien idolatra y adora, pero que no le devuelve su afecto. Se la considera la realidad de Betty, demasiado buena para ser verdad, o una versión posterior de Betty después de vivir demasiado tiempo en Hollywood. Para Steven Dillon, la trama de la película "hace de Rita el recipiente vacío perfecto para las fantasías de Diane", pero debido a que Rita es solo una "chica de portada en blanco" Diane se ha 'invertido en el vacío', lo que la lleva a la depresión y aparentemente al suicidio. Por lo tanto, Diane es la personificación de la insatisfacción, dolorosamente ilustrada cuando es incapaz de llegar al clímax mientras se masturba, en una escena que indica 'a través de planos borrosos, entrecortados, desde el punto de vista de la pared de piedra- no solo sus lágrimas y humillación sino la desintegración de su fantasía y su creciente deseo de venganza". Un análisis de Diane sugiere que su devoción por Camilla se basa en una manifestación de narcisismo, ya que Camilla encarna todo lo que Diane quiere y quiere ser. Aunque se la retrata como débil y la última perdedora, para Jeff Johnson, autor de un libro sobre la moralidad en las películas de Lynch, Diane es el único personaje de la segunda parte de la película cuyo código moral permanece intacto. Ella es 'una persona decente corrompida por los sinvergüenzas misceláneas que pueblan la industria del cine'. Su culpa y arrepentimiento son evidentes en su suicidio y en las pistas que surgen en la primera parte de la película. El miedo de Rita, el cadáver y la ilusión en el Club Silencio indican que algo está oscuro y mal en el mundo de Betty y Rita. Al liberarse de Camilla, su condicionamiento moral la mata.

Camilla Rhodes (Melissa George, Laura Elena Harring) es poco más que un rostro en una foto y un nombre que ha inspirado a muchos representantes de algún poder vagamente amenazante a situarla en una película contra la deseos de Adán. Conocido como "vapid moll" según un crítico, apenas causa impresión en la primera parte de la película, pero después de que se abre la caja azul y Harring la interpreta, se convierte en una persona completa que simboliza la "traición, la humillación y el abandono"., y es el objeto de la frustración de Diane. Diane es un marcado contraste con Camilla, que está más voluptuosa que nunca y que parece haberle "chupado la vida a Diane". Inmediatamente después de decirle a Diane que la vuelve loca, Camilla le dice que deben terminar su aventura. En un set de filmación donde Adam está dirigiendo a Camilla, ordena que se despeje el set, excepto Diane, a pedido de Camilla, donde Adam le muestra a otro actor cómo besar a Camilla correctamente. En lugar de castigar a Camilla por tal humillación pública, como sugiere la conversación de Diane con el sicario torpe, un crítico ve a Rita como la representación vulnerable del deseo de Diane por Camilla.

Adam Kesher (Justin Theroux) se establece en la primera parte de la película como un director "vagamente arrogante", pero aparentemente exitoso, que soporta una humillación tras otra. Theroux dijo sobre su papel: "Él es como el único personaje de la película que no sabe qué diablos está pasando". Creo que él es el tipo al que la audiencia dice: "Soy como tú en este momento". No sé por qué te someten a todo este dolor.'" Después de ser despojado del control creativo de su película, el limpiador de piscinas (interpretado por Billy Ray Cyrus) lo pone los cuernos y lo expulsa de su propia opulenta casa sobre Hollywood. Después de registrarse en un motel de mala muerte y pagar en efectivo, el gerente llega para decirle que su crédito no es bueno. Atestiguado por Diane, Adam es pomposo y engreído. Es el único personaje cuya personalidad no parece cambiar por completo desde la primera parte de la película hasta la segunda. Un análisis del personaje de Adam sostiene que debido a que capituló y eligió a Camilla Rhodes para su película, ese es el final de la alegría y la capacidad de Betty para ayudar a Rita, culpando de su tragedia a los representantes del estudio. poder. Otro análisis sugiere que 'Adam Kesher no tiene el control, quiere y está dispuesto a pasar por encima de quién o qué es necesario para consolidar su carrera'. Hambriento de poder, utiliza la apariencia del amor o la seducción como una herramienta más. El amor al poder justifica que se olvide todo lo demás, sea el orgullo, el amor o cualquier otra consideración. No hay arrepentimientos, es Mulholland Drive en Los Ángeles."

Los personajes menores incluyen al vaquero (Monty Montgomery), los hermanos Castigliani (Dan Hedaya y Angelo Badalamenti) y el Sr. Roque (Michael J. Anderson), todos los cuales están de alguna manera involucrados en presionar a Adam para que elija a Camilla Rhodes en su película.. Estos personajes representan la muerte de la creatividad para los estudiosos del cine y retratan una "visión de la industria como un sistema jerárquico cerrado en el que la fuente última de poder permanece oculta detrás de una serie de representantes". Ann Miller interpreta a Coco, la casera que le da la bienvenida a Betty a su maravilloso apartamento nuevo. Coco, en la primera parte de la película, representa a la vieja guardia de Hollywood, que acoge y protege a Betty. En la segunda parte de la película, sin embargo, ella aparece como la madre de Adam, quien con impaciencia reprende a Diane por llegar tarde a la fiesta y apenas presta atención a la vergonzosa historia de Diane sobre cómo se metió en la actuación.

Estilo

El actor enano Michael J. Anderson, como el Sr. Roque, estaba equipado con extremidades prótesis de gran tamaño para darle la apariencia de una cabeza anormalmente pequeña.

Se ha escrito mucho sobre el estilo cinematográfico de David Lynch usando descripciones como "ultrararo", "oscuro" y "bicho raro". Todd McGowan escribe: "No se puede ver una película de Lynch de la misma forma que se ve una película negra estándar de Hollywood ni de la forma en que se ven las películas más radicales". A través de la yuxtaposición de cliché y surrealismo, pesadillas y fantasías, argumentos no lineales, trabajo de cámara, sonido e iluminación, Lynch presenta una película que desafía a los espectadores a dejar de creer en lo que están experimentando. Muchos de los personajes de Mulholland Drive son arquetipos que solo pueden percibirse como un cliché: la nueva esperanza de Hollywood, la femme fatale, la directora inconformista y sombríos poderosos que Lynch nunca parece explorar por completo. Lynch coloca a estos personajes a menudo trillados en situaciones desesperadas, creando cualidades de ensueño. Al usar estos personajes en escenarios que tienen componentes y referencias a sueños, fantasías y pesadillas, los espectadores tienen que decidir, entre los extremos, cuál es la realidad. Una analista de cine, Jennifer Hudson, escribe sobre él: "Como la mayoría de los surrealistas, el lenguaje de lo inexplicable de Lynch es el lenguaje fluido de los sueños".

David Lynch usa varios métodos de engaño en Mulholland Drive. Una figura sombría llamada Sr. Roque, que parece controlar los estudios de cine, es interpretada por el actor enano Michael J. Anderson (también de Twin Peaks). A Anderson, que solo tiene dos líneas y está sentado en una enorme silla de ruedas de madera, se le colocaron prótesis de brazos y piernas de espuma de gran tamaño para representar su cabeza como anormalmente pequeña. Durante la fiesta de Adam y Camilla, Diane observa a Camilla (interpretada por Harring) con Adam en un brazo, inclinarse y besar profundamente a la misma mujer que apareció como Camilla (Melissa George) antes de que se abriera la caja azul. Ambos se giran y sonríen deliberadamente a Diane. El crítico de cine Franklin Ridgway escribe que la representación de un personaje tan deliberadamente "cruel y manipulador" El acto no deja claro si Camilla es tan caprichosa como parece, o si la paranoia de Diane permite que la audiencia solo vea lo que ella siente. En una escena inmediatamente posterior a la audición de Betty, la película muestra a una mujer cantando sin acompañamiento aparente, pero cuando la cámara retrocede, el público ve que se trata de un estudio de grabación. En realidad, es un escenario de sonido donde Betty acaba de llegar para encontrarse con Adam Kesher, que la audiencia se da cuenta cuando la cámara se aleja más. Ridgway insiste en que tal engaño a través del ingenioso trabajo de la cámara llena al espectador de dudas sobre lo que se está presentando: "Es como si la cámara, en su elegante fluidez de movimiento, nos asegurara que (lo piensa) lo ve todo, tiene todo bajo control, incluso si nosotros (y Betty) no lo tenemos."

Según Stephen Dillon, el uso de Lynch de diferentes posiciones de cámara a lo largo de la película, como puntos de vista sostenidos con la mano, hace que el espectador se identifique con el suspenso del personaje en su particular espacio", pero que Lynch en momentos también "desconecta la cámara de cualquier punto de vista particular, desenterrando así una perspectiva única o incluso humana" de modo que las múltiples perspectivas evitan que los contextos se fusionen, lo que perturba significativamente "nuestro sentido del individuo y lo humano". Andrew Hageman señala de manera similar que el trabajo de la cámara en la película "produce una sensación de lugar y presencia muy inquietante", como la escena en Winkie's donde la "cámara flota irregularmente durante la toma". -diálogo de plano inverso" mediante el cual "el espectador se da cuenta de que un conjunto de planos normalmente objetivos se han vuelto inquietantemente subjetivos". El académico Curt Hersey reconoce varias técnicas de vanguardia utilizadas en la película, incluida la falta de transiciones, transiciones abruptas, velocidad de movimiento, movimiento de cámara no tradicional, imágenes generadas por computadora, imágenes no diegéticas, narración no lineal e intertextualidad.

Una Diane con problemas emocionales intercambia palabras con Camilla. Las escenas de Diane se caracterizaron por una iluminación diferente para simbolizar su empobrecimiento físico y espiritual.

La primera parte de la película que establece los personajes de Betty, Rita y Adam presenta algunas de las películas más lógicas de la carrera de Lynch. Sin embargo, la última parte de la película, que representa la realidad para muchos espectadores, exhibe un marcado cambio en el efecto cinematográfico que le da una cualidad tan surrealista como la primera parte. Las escenas de Diane presentan una edición más entrecortada y una iluminación más sucia que simbolizan su empobrecimiento físico y espiritual, lo que contrasta con la primera parte de la película en la que "incluso la decoración más sencilla parece brillar", Betty y Rita brillan con la luz y las transiciones entre escenas son suaves. Lynch se mueve entre escenas en la primera parte de la película utilizando tomas panorámicas de las montañas, palmeras y edificios de Los Ángeles. En la parte más oscura de la película, el sonido pasa a la siguiente escena sin una referencia visual de dónde se lleva a cabo. En la fiesta de Camilla, cuando Diane es más humillada, se escucha el sonido de los platos al romperse que lleva inmediatamente a la escena donde los platos se han caído en el restaurante, y Diane está hablando con el asesino a sueldo. Sinnerbrink también señala que varias escenas de la película, como la que presenta la alucinación de Camilla de Diane después de que Diane se despierta, la imagen del ser detrás de Winkie después del suicidio de Diane, o la "repetición, inversión y desplazamiento de elementos que fueron configurados de manera diferente" en la primera parte de la película, crea el extraño efecto en el que a los espectadores se les presentan personajes o situaciones familiares en tiempos o lugares alterados. De manera similar, Hageman ha identificado la primera escena en Winkie's como "extremadamente extraña", porque es una escena en la que "los límites que separan la realidad física de las realidades imaginarias del inconsciente se desintegran".;. El autor Valtteri Kokko ha identificado tres grupos de "metáforas extrañas"; el doppelgänger de múltiples personajes interpretados por los mismos actores, sueños y un objeto cotidiano, principalmente la caja azul, que inicia la desaparición de Rita y la vida real de Diane.

Otro elemento recurrente en las películas de Lynch es su experimentación con el sonido. Dijo en una entrevista: "Miras la imagen y la escena en silencio, está haciendo el trabajo que se supone que debe hacer, pero el trabajo no está hecho". Cuando comience a trabajar en el sonido, siga trabajando hasta que se sienta correcto. Hay tantos sonidos incorrectos e instantáneamente lo sabes. A veces es realmente mágico." En la escena inicial de la película, cuando la mujer de cabello oscuro sale a trompicones de Mulholland Drive, silenciosamente sugiere que es torpe. Sin embargo, después de que Lynch agregó 'un indicio del vapor [del naufragio] y los niños gritando', Laura Elena Harring pasó de ser torpe a estar aterrorizada. Lynch también infundió rumores sutiles a lo largo de partes de la película que los críticos notaron que añadían efectos inquietantes y espeluznantes. Hageman también identifica el "sonido ambiental perpetuo y extraño", y pone un énfasis particular en la escena donde el hombre se derrumba detrás de Winkie's mientras el sonido normal es ahogado por un zumbido rugido, señalando que el ruido & #34;crea una disonancia y suspenso que atrae al espectador como detective para colocar el sonido y restablecer el orden". El final de Mulholland Drive' con la mujer en el Club Silencio susurrando es un ejemplo de Lynch& El engaño auditivo y la surrealidad de #39, según Ruth Perlmutter, quien escribe: "La actuación, los sueños, la búsqueda de identidad, los miedos y terrores del yo indefinido se acaban cuando termina la película, y por lo tanto, solo hay silencio y enigma."

Banda sonora

La banda sonora de Mulholland Drive fue supervisada por Angelo Badalamenti, quien colaboró en proyectos anteriores de Lynch Blue Velvet y Twin Peaks. Badalamenti, quien fue nominado a los premios del American Film Institute (AFI) y la Academia Británica de Cine y Televisión (BAFTA) por su trabajo en la película, también tiene un cameo como aficionado al espresso y mafioso.

Los críticos señalan que la ominosa partitura de Badalamenti, descrita como la 'más oscura hasta ahora', contribuye a la sensación de misterio cuando la película comienza en la limusina de la mujer de cabello oscuro, que contrasta con los tonos brillantes y esperanzadores de la primera llegada de Betty a Los Ángeles, con la partitura 'actuando como una guía emocional para el espectador'. El periodista de música de cine Daniel Schweiger comenta que la contribución de Badalamenti a la partitura alterna desde el "terror de cuerdas casi inmóvil hasta el jazz noir y la retroalimentación de audio", con "los ritmos construyendo una explosión de infinito". oscuridad." Badalamenti describió una técnica particular de diseño de sonido aplicada a la película, mediante la cual proporcionaba a Lynch varias pistas de diez a doce minutos a tempo lento, que llamaron "leña", de donde Lynch "Tomaría fragmentos y experimentaría con ellos, lo que daría como resultado una gran cantidad de paisajes sonoros inquietantes de la película."

Lynch usa dos canciones pop de la década de 1960 una detrás de la otra, tocando mientras dos actrices están audicionando sincronizando los labios. Según un analista de la música utilizada en las películas de Lynch, los personajes femeninos de Lynch a menudo no pueden comunicarse a través de los canales normales y se ven reducidos a sincronizar los labios o ser reprimidos. 'Dieciséis razones' de Connie Stevens es la canción que se canta mientras la cámara gira hacia atrás para revelar varias ilusiones, y la versión de Linda Scott de 'I've Told Ev'ry Little Star' es la audición de la primera Camilla Rhodes, que el estudioso del cine Eric Gans considera una canción de empoderamiento para Betty. Escrito originalmente por Jerome Kern a dúo, cantado por Linda Scott en esta interpretación por sí misma, Gans sugiere que adquiere un matiz homosexual en Mulholland Drive. Sin embargo, a diferencia de 'Sixteen Reasons', partes de 'I've Told Ev'ry Little Star' están distorsionados para sugerir "una identidad sonora dividida" para Camila. Cuando suena la canción, Betty acaba de ingresar al estudio de sonido donde Adam está audicionando actrices para su película, y ve a Adam, lo mira a los ojos y huye abruptamente después de que Adam ha dicho 'Esta es la chica'. sobre Camila, evitando así su inevitable rechazo.

Rebekah Del Rio interpretando "Llorando", popularizado en la secuencia del Club Silencio de la película

En el eje de la película hay una escena en un inusual teatro nocturno llamado Club Silencio donde un artista anuncia "No hay banda (no hay banda)... pero aún así escuchamos una banda de música, variada entre inglés, español y francés. Descrita como "la secuencia más original e impactante en una película original e impactante", la interpretación a cappella en español de Rebekah Del Rio de "Llorando", llamada "Llorando" 34;, es elogiado como "espectacular... excepto que no hay espectáculo que detener" en el escasamente concurrido Club Silencio. Lynch quería usar la versión de Roy Orbison de "Crying" en Blue Velvet, pero cambió de opinión cuando escuchó 'In Dreams' de Orbison. Del Río, quien popularizó la versión en español y recibió su primer contrato de grabación sobre la base de la canción, afirmó que Lynch voló a Nashville, donde vivía, y le cantó la canción una vez y no sabía que la estaba grabando. Lynch escribió un papel para ella en la película y usó la versión que ella le cantó en Nashville. La canción da una serenata trágica a las amantes Betty y Rita, quienes se sientan embelesadas y lloran, momentos antes de que su relación desaparezca y sea reemplazada por la disfunción de Diane y Camilla. Según un estudioso del cine, la canción y toda la escena teatral marcan la desintegración de las personalidades de Betty y Rita, así como su relación. Con el uso de múltiples idiomas y una canción para retratar emociones tan primarias, un analista cinematográfico afirma que Lynch exhibe su desconfianza en el discurso intelectual y opta por dar sentido a través de imágenes y sonidos. El efecto desorientador de la música que suena aunque Del Rio ya no está allí se describe como "la versión musical de la pintura de Magritte Ceci n'est pas une pipe".

Liberar

Mulholland Drive se estrenó en el Festival de Cine de Cannes de 2001 en mayo con gran éxito de crítica. Lynch recibió el premio al Mejor Director en el festival, compartiéndolo con el co-ganador Joel Coen por The Man Who Wasn't There. Atrajo críticas positivas de muchos críticos y algunas de las reacciones más fuertes de la audiencia en la carrera de Lynch.

La película se publicitó con carteles crípticos con la abreviatura "Mulholland Dr."

Taquilla

Universal Pictures estrenó Mulholland Drive en 66 cines de los Estados Unidos el 12 de octubre de 2001, recaudando $587 591 durante su primer fin de semana. Eventualmente se expandió a su lanzamiento más amplio de 247 cines, y finalmente recaudó $ 7,220,243 en la taquilla de EE. UU. TVA Films estrenó la película en cines en Canadá el 26 de octubre de 2001. En otros territorios fuera de los Estados Unidos, la película recaudó $ 12,897,096, para un total mundial de $ 20,117,339 en el lanzamiento original de la película, más sumas mucho más pequeñas en posteriores re -lanzamientos.

Recepción y legado

Desde su lanzamiento, Mulholland Drive ha recibido "algunos de los epítetos más duros y algunos de los elogios más generosos en la historia cinematográfica reciente". En el sitio web del agregador de reseñas Rotten Tomatoes, la película tiene una calificación de aprobación del 85% según 186 reseñas, con una calificación promedio de 7.7/10. El consenso crítico del sitio web dice: 'Mulholland Drive, de ensueño y misterioso, de David Lynch es un neo-noir retorcido con una estructura poco convencional que presenta una fascinante actuación de Naomi Watts. como una mujer en los márgenes oscuros de Hollywood." En Metacritic, que asigna una calificación normalizada a las reseñas, la película tiene un puntaje promedio ponderado de 85 sobre 100 basado en 35 críticos, lo que indica "aclamación universal".

Roger Ebert del Chicago Sun-Times, que a menudo había desdeñado el trabajo de Lynch, otorgó cuatro estrellas a la película y dijo: "David Lynch ha estado trabajando para Mulholland Drive toda su carrera, y ahora que ha llegado allí le perdono Wild at Heart e incluso Lost Highway.... la película es un paisaje onírico surrealista en forma de película negra de Hollywood, y cuanto menos sentido tiene, más no podemos dejar de verla. Posteriormente, Ebert agregó Mulholland Drive a su lista de "Great Films" lista. En The New York Times, Stephen Holden escribió que la película "está junto a 8½ de Fellini y otras fantasías de autor como una autorreflexión monumental&#34.; y agregó: "Mirándolo a la ligera, es el carnaval cinematográfico más grandioso y tonto que ha aparecido en mucho tiempo... en un nivel más serio, su investigación sobre el poder de las películas abre un vacío del que puedes escuchar los gritos de un demonio voraz cuyo apetito nunca puede ser saciado." Edward Guthmann del San Francisco Chronicle lo calificó de "estimulante... por sus imágenes oníricas y su imaginación feroz, con frecuencia temeraria". y agregó, "hay una cualidad hipnótica en su ritmo lánguido, su sensación de aprensión y su atmósfera perdida en el tiempo... nos mantiene, hechizados y divertidos, a pesar de su locura y suculento, exasperantes 146 minutos [y] demuestra que Lynch está en buena forma, y sigue siendo un experto en ponernos nerviosos”.

En Rolling Stone, observó Peter Travers, "Mulholland Drive hace que las películas vuelvan a sentirse vivas. Este placer pecaminoso es un nuevo triunfo para Lynch y una de las mejores películas de un año lamentable. Para osadía visionaria, erotismo deslumbrante y colores que resaltan como el brillo de labios de una puta, no hay nada como este bebé en ninguna parte. J. Hoberman de The Village Voice declaró: "Esta voluptuosa fantasmagoría... es sin duda la película más fuerte de Lynch desde Blue Velvet y tal vez Borrador. Las mismas cosas que le fallaron en la debacle rockabilly de chico malo de Lost Highway (la atmósfera de amenaza que flota libremente, la transmigración sin sentido de las almas, los puntos de la trama provocados provocativamente, los universos alternativos truculentos) están aquí brillantemente rehabilitados.." A. O. Scott de The New York Times escribió que, si bien algunos podrían considerar la trama como una 'ofensa contra el orden narrativo', la película es 'una embriagadora liberación del sentido, con momentos de sentimiento tanto más poderosos cuanto que parecen emerger del turbio mundo nocturno del inconsciente".

Mulholland Drive no estuvo exenta de detractores. Rex Reed de The New York Observer dijo que era la peor película que había visto en 2001, calificándola de "un montón de basura idiota e incoherente". En Nueva York, Peter Rainer observó: "Aunque me gusta más que algunas de sus otras festividades de ensueño, sigue siendo un viaje bastante moribundo... Lynch necesita renovarse". con una afluencia del profundo sentimiento que tiene por la gente, por los marginados, y dejar a los cretinos, duendes y zombis por un tiempo." En The Washington Post, Desson Howe la llamó "una ópera de humor extendida, si quieres ponerle una etiqueta artística a la incoherencia". Todd McCarthy de Variety encontró mucho que elogiar: "Lynch aumenta los niveles de humor extraño, incidentes dramáticos y misterio genuino con una sucesión de escenas memorables, algunas de las cuales están entre sus mejores".;—pero también señaló, "la película salta del terreno sólido de la coherencia narrativa relativa a la tierra de fantasía de Lynchian... durante los últimos 45 minutos, Lynch está en un modo alucinante que presenta una forma de realidad alternativa sin aparente significado o conexión lógica con lo que vino antes. Aunque tales tácticas son familiares de Twin Peaks y de otros lugares, el cambio repentino a los juegos mentales es decepcionante porque, hasta este punto, Lynch había tenido un éxito maravilloso en crear una participación genuina." James Berardinelli también lo criticó, diciendo: "Lynch engaña a su audiencia, tirando de la alfombra debajo de nosotros". Mete todo en la mezcla con el único objetivo de confundirnos. Nada tiene ningún sentido porque se supone que no tiene ningún sentido. No hay propósito o lógica para los eventos. Lynch nos está gastando una gran broma pesada." El teórico del cine Ray Carney señala: "No necesitarías todos los retrocesos emocionales y las trampillas narrativas si tuvieras algo que decir". No necesitarías doppelgangers y sombras si tus personajes tuvieran alma."

Más tarde, Mulholland Drive fue nombrada la mejor película de la década por la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles, Cahiers du cinéma, IndieWire, Slant Magazine, Reverse Shot, The Village Voice y Time Out New York, quienes preguntaron retóricamente en referencia a los ataques del 11 de septiembre, &# 34;¿Puede haber otra película que hable tan resonantemente, aunque sin darse cuenta, del terrible momento que marcó nuestra década?... Mulholland Drive es el monstruo detrás del restaurante; es el sueño autoengañoso convertido en pesadilla." También fue votada como la mejor de la década en una encuesta Film Comment de 'críticos, programadores, académicos, cineastas y otros' internacionales, y por parte de los lectores de la revista. Apareció en listas entre las diez mejores películas de la década, ocupando el tercer lugar según The Guardian, el crítico de Rolling Stone Peter Travers, Canadian Press, Access Hollywood el crítico Scott Mantz, y el octavo en la lista del crítico Michael Phillips. En 2010, fue nombrada la segunda mejor película de autor de la historia por The Guardian. La película fue votada como la undécima mejor película ambientada en Los Ángeles en los últimos 25 años por un grupo de escritores y editores de Los Angeles Times con el criterio principal de comunicar una verdad inherente sobre la experiencia de Los Ángeles. La revista Empire colocó a Mulholland Drive en el puesto 391 de su lista de las quinientas mejores películas de la historia. También ocupó el puesto 38 en el programa de Channel 4 50 películas para ver antes de morir. En 2011, la revista en línea Slate nombró a Mulholland Drive en su artículo sobre "New Classics" como la película más perdurable desde 2000.

En 2012 Sight & En la encuesta de Sound, Mulholland Drive se clasificó como la 28.ª mejor película jamás realizada y, en la encuesta de 2022, su clasificación subió al 8.º. Habiendo recibido 40 críticas' votos, es una de las dos únicas películas del siglo XXI incluidas en la lista, junto con In the Mood for Love de 2000. En una encuesta de la BBC de 2015, ocupó el puesto 21 entre todas las películas estadounidenses. Al año siguiente, Mulholland Drive fue nombrada como la mejor película del siglo XXI en una encuesta realizada por BBC Culture. En julio de 2021, Mulholland Drive se mostró en la sección Cannes Classics del Festival de Cine de Cannes de 2021.

Medios domésticos

La película fue lanzada en VHS y DVD por Universal Studios Home Video el 9 de abril de 2002 en los Estados Unidos y Canadá, con algunas funciones especiales. Fue lanzado sin paradas de capítulo, una característica a la que Lynch se opone con el argumento de que "desmitifica" la película.

A pesar de las preocupaciones de Lynch, el lanzamiento del DVD incluía una portada que proporcionaba las '10 pistas de David Lynch para desbloquear este thriller', que eran:

"1) Preste especial atención al comienzo de la película: se revelan al menos dos pistas antes de los créditos.

2) Observe las apariencias de la pantalla roja.

3) ¿Puedes escuchar el título de la película para la que Adam Kesher está audicionando actrices? ¿Se vuelve a mencionar?

4) Un accidente es un evento terrible... observe la ubicación del accidente.

5) ¿Quién da la clave y por qué?

6) Fíjate en la bata, el cenicero, la taza de café.

7) ¿Qué se siente, se realiza y se recoge en el club Silencio?

8) ¿El talento por sí solo ayudó a Camilla?

9) Tenga en cuenta los sucesos que rodean al hombre detrás de Winkies.

10) ¿Dónde está la tía Ruth?"

Un crítico de DVD señaló que las pistas pueden ser "grandes pistas falsas y desagradables".

Nick Coccellato de Eccentric Cinema le dio a la película una calificación de nueve sobre diez y al lanzamiento del DVD un ocho sobre diez, diciendo que la falta de características especiales "solo se suma al misterio que la película en sí misma posee, en abundancia". Las características especiales en versiones posteriores y versiones en el extranjero del DVD incluyen una entrevista de Lynch en el Festival de Cine de Cannes y aspectos destacados del debut de la película en Cannes.

Optimum Home Entertainment lanzó Mulholland Drive al mercado europeo en Blu-ray como parte de su StudioCanal Collection el 13 de septiembre de 2010. Las nuevas características especiales exclusivas de este lanzamiento incluyen: una introducción de Thierry Jousse; In the Blue Box, un documental retrospectivo con directores y críticos; dos documentales sobre cómo se hizo: On the Road to Mulholland Drive y Back to Mulholland Drive, y varias entrevistas con personas involucradas en la realización de la película. Es la segunda película de David Lynch en esta línea de Blu-rays después de The Elephant Man.

El 15 de julio de 2015, The Criterion Collection anunció que lanzaría Mulholland Drive, recientemente restaurado a través de una transferencia digital 4K, en DVD y Blu-ray el 27 de octubre de 2015, ambos incluyen nuevas entrevistas con el equipo de la película y la edición de 2005 del libro Lynch on Lynch de Chris Rodley, junto con el tráiler original y otros extras. Fue la segunda película de Lynch en recibir un lanzamiento de Criterion Collection en DVD y Blu-ray, después de Eraserhead, que se estrenó en septiembre de 2014.

El 11 de agosto de 2021, Criterion anunció sus primeros lanzamientos en 4K Ultra HD, una lista de seis películas, que incluirán Mulholland Drive. Criterion indicó que cada título estará disponible en un paquete combinado 4K UHD+Blu-ray que incluye un disco 4K UHD del largometraje, así como la película y funciones especiales en el Blu-ray complementario. Criterion confirmó el 16 de agosto de 2021 que Mulholland Drive se lanzará el 16 de noviembre de 2021 como un paquete de disco 4K y Blu-ray.

Premios y distinciones

Lynch fue nominado a un Premio de la Academia al Mejor Director por la película. De Hollywood Foreign Press, la película recibió cuatro nominaciones a los Globos de Oro, incluyendo Mejor Película (Drama), Mejor Director y Mejor Guión. Fue nombrada Mejor Película por el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York en los Premios del Círculo de Críticos de Cine de Nueva York de 2001 y la Sociedad de Críticos de Cine en Línea.