Modernismo
Modernismo es un movimiento filosófico y artístico que surgió de amplias transformaciones en la sociedad occidental a finales del siglo XIX y principios del XX. El movimiento reflejó un deseo por la creación de nuevas formas de arte, filosofía y organización social que reflejaran el nuevo mundo industrial emergente, incluidas características como la urbanización, la arquitectura, las nuevas tecnologías y la guerra. Los artistas intentaron apartarse de las formas de arte tradicionales, que consideraban anticuadas u obsoletas. El mandato de 1934 del poeta Ezra Pound de "Make it New" fue la piedra de toque del enfoque del movimiento.
Las innovaciones modernistas incluyeron el arte abstracto, la novela de la corriente de la conciencia, el cine de montaje, la música atonal y de doce tonos, la pintura divisionista y la arquitectura moderna. El modernismo rechazó explícitamente la ideología del realismo e hizo uso de las obras del pasado mediante el empleo de repetición, incorporación, reescritura, recapitulación, revisión y parodia. El modernismo también rechazó la certeza del pensamiento de la Ilustración, y muchos modernistas también rechazaron las creencias religiosas. Una característica notable del modernismo es la autoconciencia con respecto a las tradiciones artísticas y sociales, que a menudo condujo a la experimentación con la forma, junto con el uso de técnicas que llamaron la atención sobre los procesos y materiales utilizados en la creación de obras de arte.
Mientras que algunos académicos ven que el modernismo continúa en el siglo XXI, otros lo ven evolucionando hacia el modernismo tardío o el modernismo avanzado. El posmodernismo es una desviación del modernismo y rechaza sus supuestos básicos.
Definición
Algunos comentaristas definen el modernismo como un modo de pensar: una o más características definidas filosóficamente, como la autoconciencia o la autorreferencia, que atraviesan todas las novedades en las artes y las disciplinas. Más comunes, especialmente en Occidente, son aquellos que lo ven como una tendencia de pensamiento socialmente progresista que afirma el poder de los seres humanos para crear, mejorar y remodelar su entorno con la ayuda de la experimentación práctica, el conocimiento científico o la tecnología. Desde esta perspectiva, el modernismo alentó el reexamen de todos los aspectos de la existencia, desde el comercio hasta la filosofía, con el objetivo de encontrar lo que estaba frenando el progreso y reemplazarlo con nuevas formas de alcanzar el mismo fin.
Según Roger Griffin, el modernismo se puede definir como una amplia iniciativa cultural, social o política, sostenida por el ethos de "la temporalidad de lo nuevo". El modernismo buscó restaurar, escribe Griffin, un "sentido de orden y propósito sublime en el mundo contemporáneo, contrarrestando así la (percibida) erosión de un 'nomos' general, o 'pabellón sagrado& #39;, bajo el impacto fragmentador y secularizador de la modernidad." Por tanto, fenómenos aparentemente inconexos entre sí como el "expresionismo, el futurismo, el vitalismo, la teosofía, el psicoanálisis, el nudismo, la eugenesia, el urbanismo y la arquitectura utópicos, la danza moderna, el bolchevismo, el nacionalismo orgánico—e incluso el culto al autosacrificio que sostuvieron la hecatombe de la Primera Guerra Mundial – revelan una causa común y una matriz psicológica en la lucha contra la (percibida) decadencia." Todos ellos encarnan pujas por acceder a una "experiencia suprapersonal de la realidad", en la que los individuos creían que podían trascender su propia mortalidad y, finalmente, que habían dejado de ser víctimas de la historia para convertirse en sus creadores.
Historia temprana
Orígenes
Según un crítico, el modernismo se desarrolló a partir de la rebelión del romanticismo contra los efectos de la Revolución Industrial y los valores burgueses: "El motivo básico del modernismo, afirma Graff, fue la crítica de la burguesía del siglo XIX". orden social y su visión del mundo [...] los modernistas, llevando la antorcha del romanticismo." Si bien J. M. W. Turner (1775–1851), uno de los más grandes paisajistas del siglo XIX, fue miembro del movimiento romántico, como "pionero en el estudio de la luz, el color y la atmósfera", él "anticipó a los impresionistas franceses" y por lo tanto el modernismo "al romper las fórmulas convencionales de representación; [aunque] a diferencia de ellos, creía que sus obras siempre deberían expresar temas significativos históricos, mitológicos, literarios u otros temas narrativos."
Las tendencias dominantes de la Inglaterra victoriana industrial se opusieron, desde alrededor de 1850, a los poetas y pintores ingleses que constituían la Hermandad Prerrafaelita, debido a su "oposición a la habilidad técnica sin inspiración". Fueron influenciados por los escritos del crítico de arte John Ruskin (1819-1900), quien tenía fuertes sentimientos sobre el papel del arte para ayudar a mejorar la vida de las clases trabajadoras urbanas, en las ciudades industriales en rápida expansión de Gran Bretaña. El crítico de arte Clement Greenberg describe a la Hermandad Prerrafaelita como protomodernistas: "Allí los protomodernistas eran, entre todas las personas, los prerrafaelitas (e incluso antes que ellos, como proto-protomodernistas, los nazarenos alemanes).). Los prerrafaelitas en realidad presagiaron a Manet (1832-1883), con quien definitivamente comienza la pintura modernista. Actuaron sobre la insatisfacción con la pintura tal como se practicaba en su época, sosteniendo que su realismo no era lo suficientemente veraz. El racionalismo también ha tenido oponentes en los filósofos Søren Kierkegaard (1813–1855) y más tarde Friedrich Nietzsche (1844–1900), quienes tuvieron una influencia significativa en el existencialismo y el nihilismo.
Sin embargo, la Revolución Industrial continuó. Las innovaciones influyentes incluyeron la industrialización impulsada por vapor, y especialmente el desarrollo de los ferrocarriles, que comenzó en Gran Bretaña en la década de 1830, y los avances posteriores en física, ingeniería y arquitectura asociados con esto. Un importante logro de la ingeniería del siglo XIX fue The Crystal Palace, la enorme sala de exposiciones de hierro fundido y vidrio plano construida para la Gran Exposición de 1851 en Londres. El vidrio y el hierro se utilizaron en un estilo monumental similar en la construcción de las principales terminales ferroviarias de Londres, como la estación de Paddington (1854) y la estación de King's Cross (1852). Estos avances tecnológicos llevaron a la construcción de estructuras posteriores como el Puente de Brooklyn (1883) y la Torre Eiffel (1889). Este último rompió todas las limitaciones anteriores sobre la altura de los objetos hechos por el hombre. Estas maravillas de la ingeniería alteraron radicalmente el entorno urbano del siglo XIX y la vida cotidiana de las personas. La experiencia humana del tiempo en sí se alteró con el desarrollo del telégrafo eléctrico a partir de 1837 y la adopción del tiempo estándar por parte de las compañías ferroviarias británicas a partir de 1845, y en el resto del mundo durante los siguientes cincuenta años.
A pesar de los continuos avances tecnológicos, la idea de que la historia y la civilización eran inherentemente progresivas, y que el progreso siempre era bueno, fue objeto de ataques cada vez mayores en el siglo XIX. Surgieron argumentos de que los valores del artista y los de la sociedad no eran simplemente diferentes, sino que la Sociedad era la antítesis del Progreso y no podía avanzar en su forma actual. A principios de siglo, el filósofo Schopenhauer (1788-1860) (El mundo como voluntad y representación, 1819) había cuestionado el optimismo anterior y sus ideas tuvieron una importante influencia en pensadores posteriores, entre ellos Nietzsche. Dos de los pensadores más significativos de mediados del siglo XIX fueron el biólogo Charles Darwin (1809–1882), autor de Sobre el origen de las especies por medio de la selección natural (1859), y el politólogo Karl Marx (1818–1883), autor de Das Kapital (1867). La teoría de la evolución por selección natural de Darwin socavó la certeza religiosa y la idea de la singularidad humana. En particular, la noción de que los seres humanos fueron impulsados por los mismos impulsos que los "animales inferiores" resultó ser difícil de conciliar con la idea de una espiritualidad ennoblecedora. Karl Marx argumentó que había contradicciones fundamentales dentro del sistema capitalista y que los trabajadores eran cualquier cosa menos libres.
Los inicios a finales del siglo XIX
Historiadores y escritores de diferentes disciplinas han sugerido varias fechas como puntos de partida para el modernismo. El historiador William Everdell, por ejemplo, ha argumentado que el modernismo comenzó en la década de 1870, cuando la continuidad metafórica (u ontológica) comenzó a ceder ante lo discreto con el corte de Dedekind del matemático Richard Dedekind (1831-1916) y el corte de Dedekind de Ludwig Boltzmann.;s (1844-1906) termodinámica estadística. Everdell también cree que el modernismo en la pintura comenzó en 1885-1886 con el divisionismo de Seurat, los "puntos" solía pintar Tarde de domingo en la isla de La Grande Jatte. Por otro lado, el crítico de artes visuales Clement Greenberg llamó a Immanuel Kant (1724-1804) "el primer modernista real", aunque también escribió: "Lo que puede llamarse con seguridad modernismo surgió en medio de el siglo pasado, y más bien localmente, en Francia, con Baudelaire en la literatura y Manet en la pintura, y quizás también con Flaubert en la prosa de ficción. (Fue un tiempo después, y no tan localmente, cuando apareció el Modernismo en la música y la arquitectura)." Las flores del mal del poeta Baudelaire y la novela Madame Bovary de Flaubert fueron ambas publicado en 1857.
En las artes y las letras, dos enfoques importantes se desarrollaron por separado en Francia, a partir de la década de 1860. El primero fue el impresionismo, una escuela de pintura que inicialmente se centró en el trabajo realizado, no en estudios, sino al aire libre (en plein air). Las pinturas impresionistas demostraron que los seres humanos no ven objetos, sino que ven la luz misma. La escuela reunió seguidores a pesar de las divisiones internas entre sus principales practicantes y se volvió cada vez más influyente. Inicialmente rechazados del espectáculo comercial más importante de la época, el Salón de París patrocinado por el gobierno, los impresionistas organizaron exposiciones colectivas anuales en lugares comerciales durante las décadas de 1870 y 1880, cronometrándolas para que coincidieran con el Salón oficial. Un evento significativo de 1863 fue el Salon des Refusés, creado por el emperador Napoleón III para exhibir todas las pinturas rechazadas por el Salón de París. Si bien la mayoría tenían estilos estándar, pero de artistas inferiores, el trabajo de Manet atrajo una gran atención y abrió las puertas comerciales al movimiento. La segunda escuela francesa fue el simbolismo, que los historiadores de la literatura consideran que comienza con Charles Baudelaire (1821–1867) e incluye a los poetas posteriores, Arthur Rimbaud (1854–1891) Une Saison en Enfer (A Temporada en el infierno, 1873), Paul Verlaine (1844–1896), Stéphane Mallarmé (1842–1898) y Paul Valéry (1871–1945). Los simbolistas "enfatizaron la prioridad de la sugerencia y la evocación sobre la descripción directa y la analogía explícita" y estaban especialmente interesados en "las propiedades musicales del lenguaje".
Se puede decir que el cabaret, que dio origen a muchas de las artes del modernismo, incluidos los precursores inmediatos del cine, comenzó en Francia en 1881 con la inauguración del Black Cat en Montmartre, el comienzo del monólogo irónico, y la fundación de la Sociedad de Artes Incoherentes.
Las teorías de Sigmund Freud (1856–1939) fueron influyentes en los primeros días del modernismo. El primer trabajo importante de Freud fue Estudios sobre la histeria (con Josef Breuer, 1895). En el pensamiento de Freud es central la idea de "la primacía de la mente inconsciente en la vida mental", de modo que toda la realidad subjetiva se basaba en el juego de los impulsos e instintos básicos, a través de los cuales se percibía el mundo exterior. La descripción de Freud de los estados subjetivos involucraba una mente inconsciente llena de impulsos primarios y contrarrestando las restricciones autoimpuestas derivadas de los valores sociales.
Friedrich Nietzsche (1844-1900) fue otro importante precursor del modernismo, con una filosofía en la que los impulsos psicológicos, específicamente la "voluntad de poder" (Wille zur Macht), fue de central importancia: "Nietzsche a menudo identificaba la vida misma con 'voluntad de poder', es decir, con un instinto de crecimiento y durabilidad. " Henri Bergson (1859-1941), por otro lado, enfatizó la diferencia entre el tiempo de reloj científico y la experiencia humana directa y subjetiva del tiempo. Su obra sobre el tiempo y la conciencia "tuvo una gran influencia en los novelistas del siglo XX" especialmente aquellos modernistas que utilizaron la técnica de la corriente de la conciencia, como Dorothy Richardson, James Joyce y Virginia Woolf (1882-1941). También importante en la filosofía de Bergson era la idea de élan vital, la fuerza vital, que "provoca la evolución creativa de todo." Su filosofía también otorgaba un gran valor a la intuición, aunque sin rechazar la importancia del intelecto.
Precursores literarios importantes del modernismo fueron Fyodor Dostoevsky (1821–1881), quien escribió las novelas Crimen y castigo (1866) y Los hermanos Karamazov (1880); Walt Whitman (1819–1892), quien publicó la colección de poesía Hojas de hierba (1855–1891); y August Strindberg (1849–1912), especialmente sus obras posteriores, incluida la trilogía To Damascus 1898–1901, A Dream Play (1902) y The Ghost Sonata (1907). También se ha sugerido a Henry James como un precursor significativo, en una obra tan temprana como El retrato de una dama (1881).
De la colisión de ideales derivados del romanticismo, y de un intento de encontrar una forma de que el conocimiento explicara lo que aún se desconocía, surgió la primera oleada de obras en la primera década del siglo XX, que si bien los autores los consideraban extensiones de las tendencias existentes en el arte, rompieron el contrato implícito con el público en general de que los artistas eran los intérpretes y representantes de la cultura y las ideas burguesas. Estos "Modernistas" Los hitos incluyen el final atonal del Segundo cuarteto de cuerdas de Arnold Schoenberg en 1908, las pinturas expresionistas de Wassily Kandinsky que comenzaron en 1903 y culminaron con su primera pintura abstracta y la fundación del grupo Blue Rider en Munich en 1911, y el surgimiento del fauvismo y las invenciones del cubismo desde los estudios de Henri Matisse, Pablo Picasso, Georges Braque y otros, en los años entre 1900 y 1910.
Período principal
Principios del siglo XX hasta 1930
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Un aspecto importante del modernismo es cómo se relaciona con la tradición a través de la adopción de técnicas como repetición, incorporación, reescritura, recapitulación, revisión y parodia en nuevas formas.
T. S. Eliot hizo comentarios significativos sobre la relación del artista con la tradición, entre ellos: "[A] menudo encontraremos que no solo lo mejor, sino también las partes más individuales de la obra [de un poeta], pueden ser aquellas en las que los poetas muertos, sus antepasados, afirman con más vigor su inmortalidad." Sin embargo, la relación del Modernismo con la tradición era compleja, como indica el erudito literario Peter Childs: "Había tendencias paradójicas, si no opuestas, hacia posiciones revolucionarias y reaccionarias, miedo a lo nuevo y placer por la desaparición de lo viejo, nihilismo y entusiasmo fanático, creatividad y desesperación."
Un ejemplo de cómo el arte modernista puede ser revolucionario y al mismo tiempo estar relacionado con la tradición pasada es la música del compositor Arnold Schoenberg. Por un lado, Schoenberg rechazó la armonía tonal tradicional, el sistema jerárquico de organización de obras musicales que había guiado la creación musical durante al menos un siglo y medio. Creía haber descubierto una forma completamente nueva de organizar el sonido, basada en el uso de filas de doce notas. Sin embargo, si bien esto era completamente nuevo, sus orígenes se remontan al trabajo de compositores anteriores, como Franz Liszt, Richard Wagner, Gustav Mahler, Richard Strauss y Max Reger. Schoenberg también escribió música tonal a lo largo de su carrera.
En el mundo del arte, en la primera década del siglo XX, jóvenes pintores como Pablo Picasso y Henri Matisse estaban causando conmoción con su rechazo a la perspectiva tradicional como medio para estructurar pinturas, aunque el impresionista Monet ya lo había hecho. sido innovador en su uso de la perspectiva. En 1907, mientras Picasso pintaba Les Demoiselles d'Avignon, Oskar Kokoschka escribía Mörder, Hoffnung der Frauen (Asesino, esperanza de las mujeres), la primera obra expresionista (producida con escándalo en 1909), y Arnold Schoenberg componía su Cuarteto de cuerda n.º 2 en fa sostenido menor (1908), su primera composición sin centro tonal.
Una influencia principal que condujo al cubismo fue la representación de formas tridimensionales en las últimas obras de Paul Cézanne, que se exhibieron en una retrospectiva en el Salon d'Automne de 1907. En la obra de arte cubista, los objetos se analizan, se rompen y se vuelven a ensamblar en forma abstracta; en lugar de representar objetos desde un punto de vista, el artista representa el tema desde una multitud de puntos de vista para representar el tema en un contexto más amplio. El cubismo llamó la atención del público en general por primera vez en 1911 en el Salon des Indépendants de París (del 21 de abril al 13 de junio). Jean Metzinger, Albert Gleizes, Henri Le Fauconnier, Robert Delaunay, Fernand Léger y Roger de La Fresnaye se mostraron juntos en la Sala 41, provocando un 'escándalo' del cual surgió el cubismo y se extendió por todo París y más allá. También en 1911, Kandinsky pintó Bild mit Kreis (Cuadro con un círculo), que más tarde llamó la primera pintura abstracta. En 1912, Metzinger y Gleizes escribieron el primer (y único) gran manifiesto cubista, Du "Cubisme", publicado a tiempo para el Salon de la Section d'Or, el mayor exposición cubista hasta la fecha. En 1912, Metzinger pintó y exhibió sus encantadores La Femme au Cheval (Mujer con un caballo) y Danseuse au Café (Bailarina en un café). Albert Gleizes pintó y expuso sus Les Baigneuses (Las bañistas) y su monumental Le Dépiquage des Moissons (La trilla de la cosecha). Esta obra, junto con La Ville de Paris (Ciudad de París) de Robert Delaunay, fue la pintura cubista más grande y ambiciosa realizada durante el período cubista anterior a la guerra.
En 1905, un grupo de cuatro artistas alemanes, encabezados por Ernst Ludwig Kirchner, formaron Die Brücke (el Puente) en la ciudad de Dresde. Podría decirse que esta fue la organización fundadora del movimiento expresionista alemán, aunque no usaron la palabra en sí. Unos años más tarde, en 1911, un grupo de jóvenes artistas con ideas afines formó Der Blaue Reiter (El jinete azul) en Munich. El nombre proviene de la pintura Der Blaue Reiter de Wassily Kandinsky de 1903. Entre sus miembros estaban Kandinsky, Franz Marc, Paul Klee y August Macke. Sin embargo, el término "expresionismo" no se estableció firmemente hasta 1913. Aunque inicialmente fue principalmente un movimiento artístico alemán, predominantemente en pintura, poesía y teatro entre 1910 y 1930, la mayoría de los precursores del movimiento no eran alemanes. Además, ha habido escritores expresionistas de ficción en prosa, así como escritores expresionistas que no hablan alemán y, aunque el movimiento había decaído en Alemania con el ascenso de Adolf Hitler en la década de 1930, hubo obras expresionistas posteriores.
El expresionismo es notoriamente difícil de definir, en parte porque "se superpone con otros 'ismos' del período modernista: con el futurismo, el vorticismo, el cubismo, el surrealismo y el dadaísmo." Richard Murphy también comenta: "la búsqueda de una definición inclusiva es problemática en la medida en que los expresionistas más desafiantes" como el novelista Franz Kafka, el poeta Gottfried Benn y el novelista Alfred Döblin fueron simultáneamente los antiexpresionistas más vociferantes. Sin embargo, lo que se puede decir es que fue un movimiento que se desarrolló a principios del siglo XX principalmente en Alemania como reacción al efecto deshumanizador de la industrialización y el crecimiento de las ciudades, y que "uno de los medios centrales por por el que el expresionismo se identifica como un movimiento de vanguardia, y por el que marca su distancia con las tradiciones y la institución cultural en su conjunto es a través de su relación con el realismo y las convenciones dominantes de representación." Más explícitamente: que los expresionistas rechazaron la ideología del realismo. Hubo un movimiento expresionista concentrado en el teatro alemán de principios del siglo XX, del cual Georg Kaiser y Ernst Toller fueron los dramaturgos más famosos. Otros dramaturgos expresionistas notables incluyeron a Reinhard Sorge, Walter Hasenclever, Hans Henny Jahnn y Arnolt Bronnen. Miraron hacia atrás al dramaturgo sueco August Strindberg y al actor y dramaturgo alemán Frank Wedekind como precursores de sus experimentos dramatúrgicos. Asesino, la esperanza de las mujeres de Oskar Kokoschka fue la primera obra totalmente expresionista para el teatro, que se inauguró el 4 de julio de 1909 en Viena. La extrema simplificación de los personajes a tipos míticos, los efectos corales, el diálogo declamatorio y la mayor intensidad se convertirían en características de las obras expresionistas posteriores. La primera obra expresionista de larga duración fue The Son de Walter Hasenclever, que se publicó en 1914 y se representó por primera vez en 1916.
El futurismo es otro movimiento modernista. En 1909, el periódico parisino Le Figaro publicó el primer manifiesto de F. T. Marinetti. Poco después, un grupo de pintores (Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Gino Severini) firmaron conjuntamente el Manifiesto Futurista. Modelado en Marx y Engels' famoso "Manifiesto Comunista" (1848), dichos manifiestos proponían ideas que pretendían provocar y reunir adeptos. Sin embargo, los argumentos a favor de la pintura geométrica o puramente abstracta se limitaban, en ese momento, en gran medida a las "pequeñas revistas" que sólo tenía circulaciones minúsculas. El primitivismo y el pesimismo modernistas fueron controvertidos, y la corriente principal en la primera década del siglo XX todavía se inclinaba hacia la fe en el progreso y el optimismo liberal.
Los artistas abstractos, tomando como ejemplos a los impresionistas, así como a Paul Cézanne (1839–1906) y Edvard Munch (1863–1944), comenzaron con la suposición de que el color y la forma, no la representación del mundo natural, formaban las características esenciales del art. El arte occidental, desde el Renacimiento hasta mediados del siglo XIX, se había sustentado en la lógica de la perspectiva y en un intento de reproducir una ilusión de la realidad visible. Las artes de culturas distintas a la europea se habían vuelto accesibles y mostraban formas alternativas de describir la experiencia visual al artista. A fines del siglo XIX, muchos artistas sintieron la necesidad de crear un nuevo tipo de arte que abarcara los cambios fundamentales que se estaban produciendo en la tecnología, la ciencia y la filosofía. Las fuentes de las que los artistas individuales extrajeron sus argumentos teóricos fueron diversas y reflejaron las preocupaciones sociales e intelectuales en todas las áreas de la cultura occidental en ese momento. Wassily Kandinsky, Piet Mondrian y Kazimir Malevich creían en redefinir el arte como la disposición del color puro. El uso de la fotografía, que había dejado obsoleta gran parte de la función representativa de las artes visuales, afectó fuertemente este aspecto del modernismo.
Los arquitectos y diseñadores modernistas, como Frank Lloyd Wright y Le Corbusier, creían que la nueva tecnología volvía obsoletos los viejos estilos de construcción. Le Corbusier pensó que los edificios deberían funcionar como "máquinas para vivir en ellos", de manera análoga a los automóviles, que él veía como máquinas para viajar. Así como los automóviles habían reemplazado al caballo, el diseño modernista debería rechazar los viejos estilos y estructuras heredadas de la Antigua Grecia o de la Edad Media. Siguiendo esta estética de máquina, los diseñadores modernistas generalmente rechazaron los motivos decorativos en el diseño, prefiriendo enfatizar los materiales utilizados y las formas geométricas puras. El rascacielos es el edificio modernista arquetípico, y el edificio Wainwright, un edificio de oficinas de 10 pisos construido entre 1890 y 1891, en St. Louis, Missouri, Estados Unidos, se encuentra entre los primeros rascacielos del mundo. El edificio Seagram de Ludwig Mies van der Rohe en Nueva York (1956-1958) a menudo se considera el pináculo de esta arquitectura modernista de gran altura. Muchos aspectos del diseño modernista aún persisten dentro de la corriente principal de la arquitectura contemporánea, aunque el dogmatismo anterior ha dado paso a un uso más lúdico de la decoración, la cita histórica y el drama espacial.
En 1913, que fue el año de las Ideas del filósofo Edmund Husserl, el átomo cuantizado del físico Niels Bohr, la fundación del imaginismo por Ezra Pound, el Armory Show en Nueva York, y en San Petersburgo, la "primera ópera futurista", Victoria sobre el sol de Mikhail Matyushin—otro compositor ruso, Igor Stravinsky, compuso La La consagración de la primavera, un ballet que representa el sacrificio humano y tiene una partitura musical llena de disonancia y ritmo primitivo. Esto causó revuelo en su primera actuación en París. En ese momento, aunque el modernismo todavía era "progresista", veía cada vez más que las formas tradicionales y los arreglos sociales tradicionales obstaculizaban el progreso, y estaba reformulando al artista como un revolucionario, comprometido en derrocar a la sociedad en lugar de iluminarla. También en 1913 ocurrió un evento menos violento en Francia con la publicación del primer volumen de la importante secuencia de novelas de Marcel Proust À la recherche du temps perdu (1913-1927) (En Búsqueda del Tiempo Perdido). Esto a menudo se presenta como un ejemplo temprano de un escritor que usa la técnica de la corriente de la conciencia, pero Robert Humphrey comenta que Proust "solo se preocupa por el aspecto evocador de la conciencia". y que él 'estaba recuperando deliberadamente el pasado con el propósito de comunicar; por lo tanto, no escribió una novela sobre la corriente de la conciencia."
La corriente de la conciencia fue una importante innovación literaria modernista, y se ha sugerido que Arthur Schnitzler (1862-1931) fue el primero en aprovecharla al máximo en su cuento "Leutnant Gustl" ("None but the Brave") (1900). Dorothy Richardson fue la primera escritora inglesa en utilizarlo, en los primeros volúmenes de su novela Pilgrimage (1915–1967). Los otros novelistas modernistas que se asocian con el uso de esta técnica narrativa incluyen a James Joyce en Ulysses (1922) e Italo Svevo en La coscienza di Zeno (1923).
Sin embargo, con la llegada de la Gran Guerra de 1914-1918 y la Revolución Rusa de 1917, el mundo cambió drásticamente y se pusieron en duda las creencias e instituciones del pasado. El fracaso del statu quo anterior parecía evidente para una generación que había visto morir a millones peleando por pedazos de tierra: antes de 1914 se había argumentado que nadie pelearía en una guerra así, ya que el costo era demasiado alto. El nacimiento de una era de máquinas que había producido cambios importantes en las condiciones de la vida diaria en el siglo XIX había cambiado ahora radicalmente la naturaleza de la guerra. La naturaleza traumática de la experiencia reciente alteró los supuestos básicos, y la representación realista de la vida en las artes parecía inadecuada frente a la naturaleza fantásticamente surrealista de la guerra de trincheras. La visión de que la humanidad estaba haciendo un progreso moral constante ahora parecía ridícula frente a la matanza sin sentido, descrita en obras como la novela de Erich Maria Remarque All Quiet on the Western Front (1929). Por lo tanto, la visión de la realidad del modernismo, que había sido un gusto minoritario antes de la guerra, se volvió más generalmente aceptada en la década de 1920.
En la literatura y las artes visuales, algunos modernistas buscaron desafiar las expectativas principalmente para hacer que su arte fuera más vívido o para obligar a la audiencia a tomarse la molestia de cuestionar sus propias ideas preconcebidas. Este aspecto del modernismo a menudo ha parecido una reacción a la cultura del consumo, que se desarrolló en Europa y América del Norte a fines del siglo XIX. Mientras que la mayoría de los fabricantes tratan de fabricar productos que sean comercializables apelando a preferencias y prejuicios, los altos modernistas rechazaron tales actitudes consumistas para socavar el pensamiento convencional. El crítico de arte Clement Greenberg expuso esta teoría del modernismo en su ensayo Avant-Garde and Kitsch. Greenberg etiquetó los productos de la cultura de consumo como "kitsch", porque su diseño pretendía simplemente tener el máximo atractivo, eliminando cualquier característica difícil. Para Greenberg, el modernismo formó así una reacción contra el desarrollo de ejemplos de cultura de consumo moderna como la música popular comercial, Hollywood y la publicidad. Greenberg asoció esto con el rechazo revolucionario del capitalismo.
Algunos modernistas se vieron a sí mismos como parte de una cultura revolucionaria que incluía la revolución política. En Rusia, después de la Revolución de 1917, hubo inicialmente un florecimiento de la actividad cultural de vanguardia, que incluía el futurismo ruso. Sin embargo, otros rechazaron tanto la política convencional como las convenciones artísticas, creyendo que una revolución de la conciencia política tenía más importancia que un cambio en las estructuras políticas. Pero muchos modernistas se vieron a sí mismos como apolíticos. Otros, como T. S. Eliot, rechazaron la cultura popular de masas desde una posición conservadora. Algunos incluso argumentan que el modernismo en la literatura y el arte funcionó para sostener una cultura de élite que excluía a la mayoría de la población.
El surrealismo, que se originó a principios de la década de 1920, llegó a ser considerado por el público como la forma más extrema de modernismo, o "la vanguardia del modernismo". La palabra "surrealista" fue acuñado por Guillaume Apollinaire y apareció por primera vez en el prefacio de su obra Les Mamelles de Tirésias, escrita en 1903 y estrenada en 1917. Los principales surrealistas incluyen a Paul Éluard, Robert Desnos, Max Ernst, Hans Arp, Antonin Artaud, Raymond Queneau, Joan Miró y Marcel Duchamp.
Para 1930, el Modernismo había ganado un lugar en el establecimiento, incluido el establecimiento político y artístico, aunque en ese momento el Modernismo en sí mismo había cambiado.
Continúa el modernismo: 1930-1945
El modernismo siguió evolucionando durante la década de 1930. Entre 1930 y 1932 el compositor Arnold Schoenberg trabajó en Moses und Aron, una de las primeras óperas en utilizar la técnica dodecafónica, Pablo Picasso pintó en 1937 Guernica, su condenación cubista del fascismo, mientras que en 1939 James Joyce amplió aún más los límites de la novela moderna con Finnegans Wake. También en 1930, el Modernismo comenzó a influir en la cultura dominante, de modo que, por ejemplo, la revista The New Yorker comenzó a publicar trabajos, influenciados por el Modernismo, de jóvenes escritores y humoristas como Dorothy Parker, Robert Benchley, E. B. White, S. J. Perelman y James Thurber, entre otros. Perelman es muy apreciado por sus cuentos humorísticos que publicó en revistas en las décadas de 1930 y 1940, con mayor frecuencia en The New Yorker, que se consideran los primeros ejemplos de humor surrealista en Estados Unidos. Las ideas modernas en el arte también comenzaron a aparecer con mayor frecuencia en comerciales y logotipos, un ejemplo temprano de los cuales, a partir de 1916, es el famoso logotipo del metro de Londres diseñado por Edward Johnston.
Uno de los cambios más visibles de este período fue la adopción de nuevas tecnologías en la vida cotidiana de la gente común en Europa Occidental y América del Norte. La electricidad, el teléfono, la radio, el automóvil —y la necesidad de trabajar con ellos, repararlos y vivir con ellos— generaron cambios sociales. El tipo de momento disruptivo que solo unos pocos conocían en la década de 1880 se convirtió en algo común. Por ejemplo, la velocidad de comunicación reservada a los corredores de bolsa de 1890 pasó a formar parte de la vida familiar, al menos en la clase media norteamericana. Asociado con la urbanización y el cambio de las costumbres sociales también surgieron familias más pequeñas y cambiaron las relaciones entre padres e hijos.
Otra fuerte influencia en este momento fue el marxismo. Después del aspecto generalmente primitivista/irracionalista del modernismo anterior a la Primera Guerra Mundial (que para muchos modernistas excluía cualquier apego a soluciones meramente políticas) y el neoclasicismo de la década de 1920 (representado de manera más famosa por T. S. Eliot e Igor Stravinsky, que rechazó las soluciones populares a problemas modernos), el surgimiento del fascismo, la Gran Depresión y la marcha hacia la guerra ayudaron a radicalizar a una generación. Bertolt Brecht, W. H. Auden, André Breton, Louis Aragon y los filósofos Antonio Gramsci y Walter Benjamin son quizás los ejemplos más famosos de esta forma modernista de marxismo. Sin embargo, también hubo modernistas explícitamente de "derecha", incluidos Salvador Dalí, Wyndham Lewis, T. S. Eliot, Ezra Pound, el autor holandés Menno ter Braak y otros.
Se siguieron creando importantes obras literarias modernistas en las décadas de 1920 y 1930, incluidas otras novelas de Marcel Proust, Virginia Woolf, Robert Musil y Dorothy Richardson. La carrera del dramaturgo modernista estadounidense Eugene O'Neill comenzó en 1914, pero sus principales obras aparecieron en las décadas de 1920, 1930 y principios de la de 1940. Otros dos importantes dramaturgos modernistas que escribieron en las décadas de 1920 y 1930 fueron Bertolt Brecht y Federico García Lorca. El amante de Lady Chatterley de D. H. Lawrence se publicó de forma privada en 1928, mientras que otro hito importante en la historia de la novela moderna llegó con la publicación de de William Faulkner. >El sonido y la furia en 1929. En la década de 1930, además de otras obras importantes de Faulkner, Samuel Beckett publicó su primera obra importante, la novela Murphy (1938). Luego, en 1939, apareció Finnegans Wake de James Joyce. Esto está escrito en un lenguaje en gran parte idiosincrásico, que consiste en una mezcla de elementos léxicos del inglés estándar y juegos de palabras multilingües neologistas y palabras compuestas, que intenta recrear la experiencia del sueño y los sueños. En poesía, T. S. Eliot, E. E. Cummings y Wallace Stevens escribieron desde la década de 1920 hasta la de 1950. Si bien la poesía modernista en inglés a menudo se considera un fenómeno estadounidense, con destacados exponentes como Ezra Pound, T. S. Eliot, Marianne Moore, William Carlos Williams, H.D. y Louis Zukofsky, hubo importantes poetas modernistas británicos, incluidos David Jones, Hugh MacDiarmid, Basil Bunting y W. H. Auden. Los poetas modernistas europeos incluyen a Federico García Lorca, Anna Akhmatova, Constantine Cavafy y Paul Valéry.
El movimiento modernista continuó durante este período en la Rusia soviética. En 1930 se estrenó la ópera La nariz del compositor Dimitri Shostakovich (1906-1975), en la que utiliza un montaje de diferentes estilos, que incluyen música folclórica, canción popular y atonalidad. Entre sus influencias estaba la ópera Wozzeck (1925) de Alban Berg (1985-1935), que "causó una gran impresión en Shostakovich cuando se representó en Leningrado".; Sin embargo, a partir de 1932 el realismo socialista comenzó a derrocar al Modernismo en la Unión Soviética, y en 1936 Shostakovich fue atacado y obligado a retirar su 4ª Sinfonía. Alban Berg escribió otra ópera modernista significativa, aunque incompleta, Lulu, que se estrenó en 1937. El Concierto para violín de Berg se interpretó por primera vez en 1935. Al igual que Shostakovich, otros compositores enfrentaron dificultades en este período.
En Alemania, Arnold Schoenberg (1874–1951) se vio obligado a huir a los EE. UU. cuando Hitler llegó al poder en 1933, debido a su estilo atonal modernista y a su ascendencia judía. Sus principales obras de este período son un Concierto para violín, op. 36 (1934/36), y un Concierto para piano, op. 42 (1942). Schoenberg también escribió música tonal en este período con la Suite para cuerdas en sol mayor (1935) y la Sinfonía de cámara n.° 2 en mi ♭ menor, op. 38 (comenzado en 1906, terminado en 1939). Durante este tiempo, el modernista húngaro Béla Bartók (1881–1945) produjo una serie de obras importantes, entre ellas Música para cuerdas, percusión y celesta (1936) y el Divertimento para orquesta de cuerdas. (1939), String Quartet No. 5 (1934) y No. 6 (el último, 1939). Pero él también se fue a Estados Unidos en 1940, debido al ascenso del fascismo en Hungría. Igor Stravinsky (1882–1971) continuó escribiendo en su estilo neoclásico durante las décadas de 1930 y 1940, escribiendo obras como la Sinfonía de los Salmos (1930), la Sinfonía en Do (1940) y la Sinfonía en Tres Movimientos (1945). También emigró a los Estados Unidos debido a la Segunda Guerra Mundial. Olivier Messiaen (1908–1992), sin embargo, sirvió en el ejército francés durante la guerra y los alemanes lo encarcelaron en el Stalag VIII-A, donde compuso su famoso Quatuor pour la fin du temps (& #34;Cuarteto para el Fin de los Tiempos"). El cuarteto se presentó por primera vez en enero de 1941 ante una audiencia de presos y guardias de prisiones.
En pintura, durante las décadas de 1920 y 1930 y la Gran Depresión, el modernismo fue definido por el surrealismo, el cubismo tardío, la Bauhaus, De Stijl, el dadaísmo, el expresionismo alemán y el modernismo y pintores magistrales del color como Henri Matisse y Pierre Bonnard. como las abstracciones de artistas como Piet Mondrian y Wassily Kandinsky que caracterizaron la escena artística europea. En Alemania, Max Beckmann, Otto Dix, George Grosz y otros politizaron sus pinturas, presagiando la llegada de la Segunda Guerra Mundial, mientras que en Estados Unidos, el modernismo se ve en la forma de pintura de escena estadounidense y los movimientos de realismo social y regionalismo que contenían tanto políticos como políticos. y los comentarios sociales dominaron el mundo del arte. Artistas como Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Grant Wood, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh y otros se hicieron prominentes. El modernismo se define en América Latina por los pintores Joaquín Torres-García de Uruguay y Rufino Tamayo de México, mientras que el movimiento muralista con Diego Rivera, David Siqueiros, José Clemente Orozco, Pedro Nel Gómez y Santiago Martínez Delgado, y las pinturas simbolistas de Frida Kahlo, comenzó un renacimiento de las artes para la región, caracterizado por un uso más libre del color y un énfasis en los mensajes políticos.
Diego Rivera es quizás mejor conocido por el mundo público por su mural de 1933, Man at the Crossroads, en el vestíbulo del edificio RCA en el Rockefeller Center. Cuando su mecenas, Nelson Rockefeller, descubrió que el mural incluía un retrato de Vladimir Lenin y otras imágenes comunistas, despidió a Rivera y la obra inconclusa finalmente fue destruida por el personal de Rockefeller. Las obras de Frida Kahlo a menudo se caracterizan por sus crudas representaciones del dolor. Kahlo estuvo profundamente influenciada por la cultura indígena mexicana, lo cual es evidente en sus pinturas. colores brillantes y simbolismo dramático. Los temas cristianos y judíos también se representan a menudo en su trabajo; combinó elementos de la clásica tradición religiosa mexicana, a menudo sangrienta y violenta. Las obras simbolistas de Frida Kahlo se relacionan fuertemente con el surrealismo y con el movimiento del realismo mágico en la literatura.
El activismo político fue una pieza importante de David Siqueiros' vida, y con frecuencia lo inspiró a dejar de lado su carrera artística. Su arte estuvo profundamente arraigado en la Revolución Mexicana. El período de la década de 1920 a la de 1950 se conoce como el Renacimiento mexicano, y Siqueiros participó activamente en el intento de crear un arte que fuera a la vez mexicano y universal. El joven Jackson Pollock asistió al taller y ayudó a construir carrozas para el desfile.
Durante la década de 1930, la política de izquierda radical caracterizó a muchos de los artistas relacionados con el surrealismo, incluido Pablo Picasso. El 26 de abril de 1937, durante la Guerra Civil española, la ciudad vasca de Gernika fue bombardeada por la Luftwaffe de la Alemania nazi. Los alemanes atacaban para apoyar los esfuerzos de Francisco Franco por derrocar al gobierno vasco y al gobierno republicano español. Pablo Picasso pintó su Guernica del tamaño de un mural para conmemorar los horrores del bombardeo.
Durante la Gran Depresión de la década de 1930 y durante los años de la Segunda Guerra Mundial, el arte estadounidense se caracterizó por el realismo social y la pintura de escena estadounidense, en el trabajo de Grant Wood, Edward Hopper, Ben Shahn, Thomas Hart Benton y varios otros. Nighthawks (1942) es una pintura de Edward Hopper que retrata a personas sentadas en un restaurante del centro a altas horas de la noche. No solo es la pintura más famosa de Hopper, sino una de las más reconocibles del arte estadounidense. La escena se inspiró en un restaurante de Greenwich Village. Hopper comenzó a pintarlo inmediatamente después del ataque a Pearl Harbor. Después de este evento hubo un gran sentimiento de tristeza sobre el país, sentimiento que está retratado en la pintura. La calle urbana está vacía fuera del restaurante, y dentro ninguno de los tres clientes aparentemente mira o habla con los demás, sino que está perdido en sus propios pensamientos. Esta representación de la vida urbana moderna como vacía o solitaria es un tema común en todo el trabajo de Hopper.
American Gothic es una pintura de Grant Wood de 1930. Representa a un granjero que sostiene una horca y a una mujer más joven frente a una casa de estilo carpintero gótico, es una de las imágenes más familiares en Arte estadounidense del siglo XX. Los críticos de arte tenían opiniones favorables sobre la pintura; como Gertrude Stein y Christopher Morley, asumieron que la pintura estaba destinada a ser una sátira de la vida rural de un pequeño pueblo. Por lo tanto, se vio como parte de la tendencia hacia representaciones cada vez más críticas de la América rural, en la línea de Winesburg, Ohio de Sherwood Anderson de 1919, Main de 1920 de Sinclair Lewis Street, y La condesa tatuada de Carl Van Vechten en la literatura. Sin embargo, con el inicio de la Gran Depresión, la pintura llegó a ser vista como una representación del firme espíritu pionero estadounidense.
La situación de los artistas en Europa durante la década de 1930 se deterioró rápidamente a medida que los nazis & # 39; el poder en Alemania y en toda Europa del Este aumentó. Arte degenerado fue un término adoptado por el régimen nazi en Alemania para prácticamente todo el arte moderno. Dicho arte fue prohibido con el argumento de que no era de naturaleza alemana o judía bolchevique, y aquellos identificados como artistas degenerados fueron objeto de sanciones. Estos incluían ser despedidos de puestos docentes, tener prohibido exhibir o vender su arte y, en algunos casos, tener prohibido producir arte por completo. Arte degenerado también fue el título de una exposición montada por los nazis en Munich en 1937. El clima se volvió tan hostil para los artistas y el arte asociado con el modernismo y la abstracción que muchos se fueron a las Américas. El artista alemán Max Beckmann y muchos otros huyeron de Europa a Nueva York. En la ciudad de Nueva York, una nueva generación de jóvenes y emocionantes pintores modernistas liderados por Arshile Gorky, Willem de Kooning y otros apenas comenzaban a alcanzar la mayoría de edad.
El retrato de Arshile Gorky de alguien que podría ser Willem de Kooning es un ejemplo de la evolución del expresionismo abstracto desde el contexto de la pintura de figuras, el cubismo y el surrealismo. Junto con sus amigos de Kooning y John D. Graham, Gorky creó composiciones figurativas abstraídas y con formas biomórficas que en la década de 1940 se convirtieron en pinturas totalmente abstractas. El trabajo de Gorky parece ser un análisis cuidadoso de la memoria, la emoción y la forma, utilizando la línea y el color para expresar el sentimiento y la naturaleza.
Después de la Segunda Guerra Mundial
Mientras La Enciclopedia Oxford de Literatura Británica afirma que el modernismo terminó en c. 1939 con respecto a la literatura británica y estadounidense, "Cuando (si) el Modernismo se extinguió y comenzó el posmodernismo ha sido cuestionado casi tan acaloradamente como cuando ocurrió la transición del Victorianismo al Modernismo." Clement Greenberg ve el final del modernismo en la década de 1930, con la excepción de las artes visuales y escénicas, pero con respecto a la música, Paul Griffiths señala que, mientras que el Modernismo "parecía ser una fuerza gastada" a fines de la década de 1920, después de la Segunda Guerra Mundial, "una nueva generación de compositores—Boulez, Barraqué, Babbitt, Nono, Stockhausen, Xenakis" revivió el modernismo". De hecho, muchos modernistas literarios vivieron hasta las décadas de 1950 y 1960, aunque en general ya no producían obras importantes. El término "modernismo tardío" también se aplica a veces a obras modernistas publicadas después de 1930. Entre los modernistas (o modernistas tardíos) que todavía publicaban después de 1945 estaban Wallace Stevens, Gottfried Benn, T. S. Eliot, Anna Akhmatova, William Faulkner, Dorothy Richardson, John Cowper Powys y Ezra Pound. Basil Bunting, nacido en 1901, publicó su poema modernista más importante Briggflatts en 1965. Además, Hermann Broch's The Death of Virgil se publicó en 1945 y Thomas Doctor Faustus de Mann en 1947. Samuel Beckett, quien murió en 1989, ha sido descrito como un "modernista posterior". Beckett es un escritor con raíces en la tradición expresionista del Modernismo, que produjo obras desde la década de 1930 hasta la década de 1980, incluyendo Molloy (1951), Esperando a Godot (1953), Días felices (1961) y Rockaby (1981). Los términos "minimalista" y "posmodernista" también se han aplicado a sus obras posteriores. Los poetas Charles Olson (1910-1970) y J. H. Prynne (nacido en 1936) se encuentran entre los escritores de la segunda mitad del siglo XX que han sido descritos como modernistas tardíos.
Más recientemente, el término "modernismo tardío" ha sido redefinido por al menos un crítico y se usa para referirse a obras escritas después de 1945, en lugar de 1930. Con este uso va la idea de que la ideología del modernismo fue remodelada significativamente por los eventos de la Segunda Guerra Mundial, especialmente el Holocausto y el lanzamiento de la bomba atómica.
El período de posguerra dejó a las capitales de Europa en estado de agitación con la urgencia de reconstruir económica y físicamente y de reagruparse políticamente. En París (el antiguo centro de la cultura europea y la antigua capital del mundo del arte) el clima para el arte era un desastre. Importantes coleccionistas, comerciantes y artistas, escritores y poetas modernistas habían huido de Europa hacia Nueva York y América. Los artistas surrealistas y modernos de todos los centros culturales de Europa habían huido de la embestida de los nazis en busca de un refugio seguro en los Estados Unidos. Muchos de los que no huyeron perecieron. Algunos artistas, en particular Pablo Picasso, Henri Matisse y Pierre Bonnard, permanecieron en Francia y sobrevivieron.
La década de 1940 en la ciudad de Nueva York marcó el triunfo del expresionismo abstracto estadounidense, un movimiento modernista que combinó las lecciones aprendidas de Henri Matisse, Pablo Picasso, el surrealismo, Joan Miró, el cubismo, el fauvismo y el modernismo temprano a través de grandes maestros estadounidenses como Hans Hofmann y John D. Graham. Los artistas estadounidenses se beneficiaron de la presencia de Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst y el grupo André Breton, la galería de Pierre Matisse y la galería de Peggy Guggenheim The Art of This Century, así como otros factores.
Además, París recuperó gran parte de su brillo en las décadas de 1950 y 1960 como el centro de un florecimiento del arte mecánico, ya que los dos escultores líderes del arte mecánico, Jean Tinguely y Nicolas Schöffer, se mudaron allí para lanzar sus carreras, y ese florecimiento, a la luz del carácter tecnocéntrico de la vida moderna, bien puede tener una influencia particularmente duradera.
Teatro del Absurdo
El término "Teatro del Absurdo" se aplica a obras de teatro, escritas principalmente por europeos, que expresan la creencia de que la existencia humana no tiene sentido ni propósito y, por lo tanto, toda comunicación se rompe. La construcción y el argumento lógicos dan paso al discurso irracional e ilógico y a su conclusión final, el silencio. Si bien hay precursores significativos, incluido Alfred Jarry (1873-1907), generalmente se considera que el Teatro del Absurdo comenzó en la década de 1950 con las obras de Samuel Beckett.
El crítico Martin Esslin acuñó el término en su ensayo de 1960 "Teatro del Absurdo". Relató estas obras basándose en un tema amplio del Absurdo, similar a la forma en que Albert Camus usa el término en su ensayo de 1942, El mito de Sísifo. Lo Absurdo en estas obras toma la forma de la reacción del hombre ante un mundo aparentemente sin sentido, y/o el hombre como un títere controlado o amenazado por fuerzas exteriores invisibles. Aunque el término se aplica a una amplia gama de obras, algunas características coinciden en muchas de ellas: comedia amplia, a menudo similar al vodevil, mezclada con imágenes horribles o trágicas; personajes atrapados en situaciones desesperadas obligados a realizar acciones repetitivas o sin sentido; diálogos llenos de clichés, juegos de palabras y disparates; tramas que son cíclicas o absurdamente expansivas; ya sea una parodia o un rechazo del realismo y el concepto de "obra bien hecha".
Los dramaturgos comúnmente asociados con el Teatro del Absurdo incluyen a Samuel Beckett (1906–1989), Eugène Ionesco (1909–1994), Jean Genet (1910–1986), Harold Pinter (1930–2008), Tom Stoppard (nacido en 1937), Alexander Vvedensky (1904–1941), Daniil Kharms (1905–1942), Friedrich Dürrenmatt (1921–1990), Alejandro Jodorowsky (nacido en 1929), Fernando Arrabal (nacido en 1932), Václav Havel (1936–2011) y Edward Albee (1928-2016).
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Pollock y las influencias abstractas
A finales de la década de 1940, el enfoque radical de la pintura de Jackson Pollock revolucionó el potencial de todo el arte contemporáneo que le siguió. Hasta cierto punto, Pollock se dio cuenta de que el camino hacia la creación de una obra de arte era tan importante como la obra de arte misma. Al igual que las innovadoras reinvenciones de la pintura y la escultura de Pablo Picasso a principios del siglo XX a través del cubismo y la escultura construida, Pollock redefinió la forma en que se hace el arte. Su alejamiento de la pintura de caballete y la convencionalidad fue una señal liberadora para los artistas de su época y para todos los que vinieron después. Los artistas se dieron cuenta de que el proceso de Jackson Pollock: colocar un lienzo en bruto sin estirar en el piso donde podría ser atacado desde los cuatro lados usando materiales artísticos e industriales; goteando y lanzando madejas lineales de pintura; dibujar, teñir y cepillar; usando imágenes y no imágenes, esencialmente creación artística maldita más allá de cualquier límite anterior. El expresionismo abstracto generalmente amplió y desarrolló las definiciones y posibilidades disponibles para los artistas para la creación de nuevas obras de arte. Los otros expresionistas abstractos siguieron el avance de Pollock con nuevos avances propios. En cierto sentido, las innovaciones de Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford Still, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Robert Motherwell, Peter Voulkos y otros abrieron las compuertas a la diversidad y el alcance de todo el arte que les siguió. Sin embargo, las relecturas del arte abstracto realizadas por historiadoras del arte como Linda Nochlin, Griselda Pollock y Catherine de Zegher muestran de manera crítica que las mujeres artistas pioneras que produjeron importantes innovaciones en el arte moderno habían sido ignoradas por los relatos oficiales de su historia.
Figuras internacionales del arte británico
Henry Moore (1898–1986) surgió después de la Segunda Guerra Mundial como el principal escultor de Gran Bretaña. Fue mejor conocido por sus esculturas de bronce monumentales semi-abstractas que se encuentran en todo el mundo como obras de arte públicas. Sus formas suelen ser abstracciones de la figura humana, típicamente representando a la madre y al niño o figuras reclinadas, generalmente sugerentes del cuerpo femenino, excepto una fase en la década de 1950 cuando esculpió grupos familiares. Sus formas son generalmente perforadas o contienen espacios huecos.
En la década de 1950, Moore comenzó a recibir encargos cada vez más importantes, incluida una figura reclinada para el edificio de la UNESCO en París en 1958. Con muchas más obras de arte públicas, la escala de las esculturas de Moore creció significativamente. Las últimas tres décadas de la vida de Moore continuaron de manera similar, con varias retrospectivas importantes en todo el mundo, en particular una exhibición destacada en el verano de 1972 en los terrenos de Forte di Belvedere con vista a Florencia. A fines de la década de 1970, había unas 40 exposiciones al año con su trabajo. En el campus de la Universidad de Chicago en diciembre de 1967, 25 años después de que el equipo de físicos dirigido por Enrico Fermi lograra la primera reacción nuclear en cadena autosostenida y controlada, la energía nuclear se dio a conocer. También en Chicago, Moore conmemoró la ciencia con un gran reloj de sol de bronce, llamado localmente Man Enters the Cosmos (1980), que fue encargado para reconocer el programa de exploración espacial.
La "Escuela de Londres" de pintores figurativos, incluidos Francis Bacon (1909–1992), Lucian Freud (1922–2011), Frank Auerbach (nacido en 1931), Leon Kossoff (nacido en 1926) y Michael Andrews (1928–1995), han recibido un amplio reconocimiento internacional.
Francis Bacon fue un pintor figurativo británico nacido en Irlanda conocido por sus imágenes audaces, gráficas y emocionalmente crudas. Sus figuras pictóricas pero abstractas suelen aparecer aisladas en jaulas geométricas de vidrio o acero colocadas sobre fondos planos e indescriptibles. Bacon comenzó a pintar cuando tenía poco más de 20 años, pero trabajó solo esporádicamente hasta mediados de los 30. Su avance llegó con el tríptico de 1944 Tres estudios para figuras en la base de una crucifixión que selló su reputación como un cronista excepcionalmente sombrío de la condición humana. Su producción puede describirse crudamente como consistente en secuencias o variaciones de un solo motivo; comenzando con las cabezas masculinas aisladas en habitaciones de la década de 1940, los papas gritando de principios de la década de 1950 y, a mediados y finales de la década de 1950, animales y figuras solitarias suspendidas en estructuras geométricas. Estos fueron seguidos por sus variaciones modernas de principios de la década de 1960 de la crucifixión en formato de tríptico. Desde mediados de la década de 1960 hasta principios de la de 1970, Bacon produjo principalmente retratos sorprendentemente compasivos de amigos. Tras el suicidio de su amante George Dyer en 1971, su arte se volvió más personal, introspectivo y preocupado por temas y motivos relacionados con la muerte. Durante su vida, Bacon fue igualmente vilipendiado y aclamado.
Lucian Freud fue un pintor británico nacido en Alemania, conocido principalmente por sus pinturas de figuras y retratos densamente empastados, que fue ampliamente considerado el artista británico preeminente de su tiempo. Sus obras se destacan por su penetración psicológica y por su examen a menudo inquietante de la relación entre el artista y el modelo. Según William Grimes de The New York Times, "Lucien Freud y sus contemporáneos transformaron la pintura de figuras en el siglo XX. En pinturas como Niña con un perro blanco (1951-1952), Freud puso el lenguaje pictórico de la pintura europea tradicional al servicio de un estilo de retrato antirromántico y de confrontación que desnudó a la retratada.;s fachada social. La gente común, muchos de ellos sus amigos, miraban con los ojos muy abiertos desde el lienzo, vulnerables a la inspección despiadada del artista."
En la década de 1960 después del expresionismo abstracto
En la pintura abstracta durante las décadas de 1950 y 1960, varias direcciones nuevas, como la pintura de borde duro y otras formas de abstracción geométrica, comenzaron a aparecer en los estudios de los artistas y en los círculos vanguardistas radicales como reacción contra el subjetivismo del expresionismo abstracto. Clement Greenberg se convirtió en la voz de la abstracción pospictórica cuando comisarió una influyente exhibición de pintura nueva que recorrió importantes museos de arte en los Estados Unidos en 1964. La pintura de campo de color, la pintura de borde duro y la abstracción lírica surgieron como nuevas direcciones radicales.
Sin embargo, a fines de la década de 1960, el posminimalismo, el arte procesual y el Arte Povera también surgieron como conceptos y movimientos revolucionarios que abarcaban tanto la pintura como la escultura, a través de la abstracción lírica y el movimiento posminimalista, y en los comienzos del arte conceptual. El arte de proceso inspirado por Pollock permitió a los artistas experimentar y hacer uso de una enciclopedia diversa de estilo, contenido, material, ubicación, sentido del tiempo y espacio plástico y real. Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Colin McCahon, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, Pat Lipsky, Sam Gilliam, Mario Merz y Peter Reginato fueron algunos de los artistas más jóvenes que surgieron durante la era del modernismo tardío que generó el apogeo del arte de fines de la década de 1960.
Arte pop
En 1962, la Sidney Janis Gallery montó The New Realists, la primera gran exposición colectiva de arte pop en una galería de arte de la parte alta de la ciudad de Nueva York. Janis montó la exposición en una tienda de la calle 57 cerca de su galería. El espectáculo envió ondas de choque a través de la Escuela de Nueva York y reverberó en todo el mundo. Anteriormente, en Inglaterra, en 1958, el término "Pop Art" fue utilizado por Lawrence Alloway para describir pinturas que celebraban el consumismo de la era posterior a la Segunda Guerra Mundial. Este movimiento rechazó el expresionismo abstracto y su enfoque en el interior hermenéutico y psicológico a favor del arte que representaba y a menudo celebraba la cultura material de consumo, la publicidad y la iconografía de la era de la producción en masa. Los primeros trabajos de David Hockney y los trabajos de Richard Hamilton y Eduardo Paolozzi (que crearon el innovador I was a Rich Man's Plaything, 1947) se consideran ejemplos seminales del movimiento. Mientras tanto, en la escena del centro de las galerías de East Village 10th Street de Nueva York, los artistas estaban formulando una versión estadounidense del arte pop. Claes Oldenburg tenía su escaparate y la Green Gallery de la calle 57 comenzó a mostrar las obras de Tom Wesselmann y James Rosenquist. Más tarde, Leo Castelli exhibió las obras de otros artistas estadounidenses, incluidas las de Andy Warhol y Roy Lichtenstein durante la mayor parte de sus carreras. Existe una conexión entre las obras radicales de Marcel Duchamp y Man Ray, los dadaístas rebeldes con sentido del humor, y artistas pop como Claes Oldenburg, Andy Warhol y Roy Lichtenstein, cuyas pinturas reproducen el aspecto de los puntos de Ben-Day, un técnica utilizada en la reproducción comercial.
Minimalismo
El minimalismo describe movimientos en diversas formas de arte y diseño, especialmente artes visuales y música, en los que los artistas pretenden exponer la esencia o identidad de un tema mediante la eliminación de todas las formas, características o conceptos no esenciales. El minimalismo es cualquier diseño o estilo en el que se utilizan los elementos más simples y mínimos para crear el máximo efecto.
Como movimiento específico en las artes, se identifica con los desarrollos en el arte occidental posterior a la Segunda Guerra Mundial, más fuertemente con las artes visuales estadounidenses en la década de 1960 y principios de la de 1970. Los artistas destacados asociados con este movimiento incluyen a Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Ronald Bladen, Anne Truitt y Frank Stella. Se deriva de los aspectos reduccionistas del modernismo y, a menudo, se interpreta como una reacción contra el expresionismo abstracto y un puente hacia las prácticas artísticas posminimalistas. A principios de la década de 1960, el minimalismo surgió como un movimiento abstracto en el arte (con raíces en la abstracción geométrica de Kazimir Malevich, la Bauhaus y Piet Mondrian) que rechazó la idea de la pintura relacional y subjetiva, la complejidad de las superficies expresionistas abstractas y el zeitgeist emocional. y polémicas presentes en el ámbito de la pintura de acción. El minimalismo argumentó que la extrema simplicidad podría capturar toda la representación sublime necesaria en el arte. El minimalismo se interpreta de diversas formas, ya sea como un precursor del posmodernismo o como un movimiento posmoderno en sí mismo. En la última perspectiva, el minimalismo temprano produjo obras modernistas avanzadas, pero el movimiento abandonó parcialmente esta dirección cuando algunos artistas como Robert Morris cambiaron de dirección a favor del movimiento antiforma.
Hal Foster, en su ensayo The Crux of Minimalism, examina hasta qué punto Donald Judd y Robert Morris reconocen y superan el modernismo greenbergiano en sus definiciones publicadas de minimalismo. Argumenta que el minimalismo no es un "callejón sin salida" del Modernismo, sino un "cambio de paradigma hacia las prácticas posmodernas que continúan elaborándose hoy."
Música minimalista
Los términos se han ampliado para abarcar un movimiento en la música que presenta tal repetición e iteración como las de las composiciones de La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass y John Adams. Las composiciones minimalistas a veces se conocen como música de sistemas. El término 'música mínima' se usa generalmente para describir un estilo de música que se desarrolló en Estados Unidos a fines de los años sesenta y setenta; y que inicialmente estuvo relacionado con los compositores. El movimiento del minimalismo involucró originalmente a algunos compositores, y otros pioneros menos conocidos incluyeron a Pauline Oliveros, Phill Niblock y Richard Maxfield. En Europa, la música de Louis Andriessen, Karel Goeyvaerts, Michael Nyman, Howard Skempton, Eliane Radigue, Gavin Bryars, Steve Martland, Henryk Górecki, Arvo Pärt y John Tavener.
Posminimalismo
A fines de la década de 1960, Robert Pincus-Witten acuñó el término "posminimalismo" para describir el arte derivado del minimalismo que tenía un contenido y matices contextuales que el minimalismo rechazaba. El término fue aplicado por Pincus-Whitten al trabajo de Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra y al nuevo trabajo de los ex minimalistas Robert Smithson, Robert Morris, Sol LeWitt, Barry Le Va y otros. Otros minimalistas, incluidos Donald Judd, Dan Flavin, Carl Andre, Agnes Martin, John McCracken y otros, continuaron produciendo pinturas y esculturas modernistas tardías durante el resto de sus carreras.
Desde entonces, muchos artistas han adoptado estilos minimalistas o posminimalistas, y la etiqueta "Postmodern" se ha adjuntado a ellos.
Collage, ensamblaje, instalaciones
En relación con el expresionismo abstracto, surgió la combinación de artículos manufacturados con materiales de artistas, alejándose de las convenciones anteriores de pintura y escultura. El trabajo de Robert Rauschenberg ejemplifica esta tendencia. Sus "cosecha" de la década de 1950 fueron precursores del arte pop y el arte de la instalación, y utilizaron ensamblajes de grandes objetos físicos, incluidos animales disecados, pájaros y fotografías comerciales. Rauschenberg, Jasper Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine y Edward Kienholz se encuentran entre importantes pioneros tanto de la abstracción como del arte pop. Creando nuevas convenciones de creación artística, hicieron aceptable en los círculos serios del arte contemporáneo la inclusión radical en sus obras de materiales inverosímiles. Otro pionero del collage fue Joseph Cornell, cuyas obras de escala más íntima se consideraron radicales tanto por su iconografía personal como por el uso de objetos encontrados.
Neodadá
A principios del siglo XX, Marcel Duchamp presentó para exhibición un urinario a modo de escultura. Expresó su intención de que la gente mirara el urinario como si fuera una obra de arte porque dijo que era una obra de arte. Se refirió a su trabajo como "readymades". Fuente era un urinario firmado con el seudónimo "R. Mutt", cuya exhibición conmocionó al mundo del arte en 1917. Esta y las otras obras de Duchamp generalmente se etiquetan como Dada. Duchamp puede ser visto como un precursor del arte conceptual, otros ejemplos famosos son el 4′33″ de John Cage, que son cuatro minutos y treinta y tres segundos de silencio, y el de Rauschenberg. Dibujo borrado de Kooning. Muchas obras conceptuales adoptan la posición de que el arte es el resultado de que el espectador vea un objeto o actúe como arte, no de las cualidades intrínsecas de la obra en sí. Al elegir "un artículo ordinario de la vida" y creando "un nuevo pensamiento para ese objeto" Duchamp invitó a los espectadores a ver Fuente como una escultura.
Marcel Duchamp abandonó el "arte" a favor del ajedrez. El compositor de vanguardia David Tudor creó una pieza, Reunión (1968), escrita junto con Lowell Cross, que presenta un juego de ajedrez en el que cada movimiento desencadena un efecto de iluminación o proyección. Duchamp y Cage jugaron el juego en el estreno de la obra.
Steven Best y Douglas Kellner identifican a Rauschenberg y Jasper Johns como parte de la fase de transición, influenciada por Duchamp, entre el Modernismo y el Posmodernismo. Ambos utilizaron imágenes de objetos ordinarios, o los objetos mismos, en su trabajo, conservando la abstracción y los gestos pictóricos del alto Modernismo.
Espectáculo y acontecimientos
Durante los últimos años de la década de 1950 y 1960, artistas con una amplia variedad de intereses comenzaron a traspasar los límites del arte contemporáneo. Yves Klein en Francia, Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman y Yoko Ono en la ciudad de Nueva York, y Joseph Beuys, Wolf Vostell y Nam June Paik en Alemania fueron pioneros de las obras de arte basadas en la interpretación. Grupos como The Living Theatre con Julian Beck y Judith Malina colaboraron con escultores y pintores creando ambientes, cambiando radicalmente la relación entre el público y el artista, especialmente en su pieza Paradise Now. el Judson Dance Theatre, ubicado en la Judson Memorial Church, Nueva York; y los bailarines de Judson, en particular Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs, Steve Paxton y otros; colaboró con los artistas Robert Morris, Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg e ingenieros como Billy Klüver. Park Place Gallery fue un centro de actuaciones musicales de los compositores electrónicos Steve Reich, Philip Glass y otros artistas destacados, incluida Joan Jonas.
Estas representaciones fueron concebidas como obras de una nueva forma de arte que combina escultura, danza y música o sonido, a menudo con la participación del público. Se caracterizaron por las filosofías reduccionistas del minimalismo y la improvisación espontánea y la expresividad del expresionismo abstracto. Las imágenes de las actuaciones de Schneeman de piezas destinadas a impactar se utilizan ocasionalmente para ilustrar este tipo de arte, y a menudo se la ve fotografiada mientras interpreta su pieza Interior Scroll. Sin embargo, de acuerdo con la filosofía modernista que rodea a la performance, es contradictorio publicar imágenes de ella interpretando esta pieza, ya que los artistas de performance rechazan la publicación por completo: la performance en sí misma es el medio. Por lo tanto, otros medios no pueden ilustrar el arte escénico; la actuación es momentánea, evanescente y personal, no para capturar; Las representaciones de artes escénicas en otros medios, ya sea por imagen, video, narración u otros, seleccionan ciertos puntos de vista en el espacio o el tiempo o involucran las limitaciones inherentes de cada medio. Los artistas niegan que las grabaciones ilustren el medio de la interpretación como arte.
Durante el mismo período, varios artistas de vanguardia crearon Happenings, reuniones misteriosas y, a menudo, espontáneas y sin guión de artistas y sus amigos y familiares en varios lugares específicos, a menudo incorporando ejercicios de absurdo, fisicalidad, vestuario, desnudez espontánea y varios actos aleatorios o aparentemente desconectados. Los creadores notables de acontecimientos incluyeron a Allan Kaprow, quien utilizó el término por primera vez en 1958, Claes Oldenburg, Jim Dine, Red Grooms y Robert Whitman.
Intermedia, multimedia
Otra tendencia en el arte que se ha asociado con el término posmoderno es el uso de varios medios diferentes juntos. Intermedia es un término acuñado por Dick Higgins y destinado a transmitir nuevas formas de arte en la línea de Fluxus, poesía concreta, objetos encontrados, artes escénicas y arte por computadora. Higgins fue el editor de Something Else Press, un poeta concreto casado con la artista Alison Knowles y admirador de Marcel Duchamp. Ihab Hassan incluye "Intermedia, la fusión de formas, la confusión de reinos" en su lista de las características del arte posmoderno. Una de las formas más comunes de "arte multimedia" es el uso de cintas de video y monitores CRT, denominado videoarte. Si bien la teoría de combinar múltiples artes en un arte es bastante antigua y ha sido revivida periódicamente, la manifestación posmoderna a menudo se combina con el arte escénico, donde se elimina el subtexto dramático y lo que queda son las declaraciones específicas del artista en cuestión o el enunciado conceptual de su acción.
Flujo
Fluxus fue nombrado y organizado libremente en 1962 por George Maciunas (1931–1978), un artista estadounidense nacido en Lituania. Fluxus remonta sus inicios a las clases de composición experimental de John Cage de 1957 a 1959 en la New School for Social Research en la ciudad de Nueva York. Muchos de sus alumnos eran artistas que trabajaban en otros medios con poca o ninguna experiencia musical. Los estudiantes de Cage incluyeron a los miembros fundadores de Fluxus, Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht y Dick Higgins.
Fluxus alentó una estética de bricolaje y valoró la simplicidad sobre la complejidad. Al igual que antes Dada, Fluxus incluía una fuerte corriente de anticomercialismo y una sensibilidad antiarte, menospreciando el mundo del arte convencional impulsado por el mercado en favor de una práctica creativa centrada en el artista. Los artistas de Fluxus prefirieron trabajar con cualquier material que tuvieran a mano y crearon su propio trabajo o colaboraron en el proceso de creación con sus colegas.
Andreas Huyssen critica los intentos de reivindicar a Fluxus para el posmodernismo como "el código maestro del posmodernismo o el movimiento artístico irrepresentable en última instancia; por así decirlo, el posmodernismo es sublime". En cambio, ve a Fluxus como un importante fenómeno neodadaísta dentro de la tradición de vanguardia. No representó un gran avance en el desarrollo de estrategias artísticas, aunque sí expresó una rebelión contra 'la cultura administrada de la década de 1950, en la que un modernismo moderado y domesticado sirvió como apoyo ideológico a la Guerra Fría'. 34;
Música popular de vanguardia
El modernismo tenía una relación incómoda con las formas populares de música (tanto en la forma como en la estética) al mismo tiempo que rechazaba la cultura popular. A pesar de esto, Stravinsky usó modismos de jazz en sus piezas como "Ragtime" de su obra teatral Histoire du Soldat de 1918 y el Concierto de ébano de 1945.
En la década de 1960, cuando la música popular comenzó a ganar importancia cultural y a cuestionar su condición de entretenimiento comercial, los músicos comenzaron a buscar inspiración en la vanguardia de la posguerra. En 1959, el productor musical Joe Meek grabó I Hear a New World (1960), que Tiny Mix Tapes' Jonathan Patrick llama a un "momento seminal tanto en la música electrónica como en la historia del avant-pop [...] una colección de viñetas pop de ensueño, adornadas con ecos dubby y tape- Zarcillos sónicos deformados" que sería ignorado en gran medida en ese momento. Otras producciones tempranas de avant-pop incluyeron la canción de 1966 de los Beatles 'Tomorrow Never Knows', que incorporó técnicas de musique concrète, composición de vanguardia, música india y manipulación de sonido electroacústica en un 3 formato pop de un minuto y la integración de la Velvet Underground de las ideas musicales minimalistas y drones de La Monte Young, la poesía beat y el arte pop de la década de 1960.
Período tardío
La continuación del expresionismo abstracto, la pintura de campo de color, la abstracción lírica, la abstracción geométrica, el minimalismo, el ilusionismo abstracto, el arte procesual, el arte pop, el posminimalismo y otros movimientos modernistas de finales del siglo XX, tanto en pintura como en escultura, continuaron durante la primera década. del siglo XXI y constituyen direcciones radicalmente nuevas en esos medios.
A principios del siglo XXI, artistas bien establecidos como Sir Anthony Caro, Lucian Freud, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Agnes Martin, Al Held, Ellsworth Kelly, Helen Frankenthaler, Frank Stella, Kenneth Noland, Jules Olitski, Claes Oldenburg, Jim Dine, James Rosenquist, Alex Katz, Philip Pearlstein y artistas más jóvenes como Brice Marden, Chuck Close, Sam Gilliam, Isaac Witkin, Sean Scully, Mahirwan Mamtani, Joseph Nechvatal, Elizabeth Murray, Larry Poons, Richard Serra, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis, Dan Christensen, Pat Lipsky, Joel Shapiro, Tom Otterness, Joan Snyder, Ross Bleckner, Archie Rand, Susan Crile y otros continuaron produciendo pinturas vitales e influyentes y escultura.
Modernismo en África y Asia
Peter Kalliney sugiere que "los conceptos modernistas, especialmente la autonomía estética, fueron fundamentales para la literatura sobre la descolonización en el África anglófona". En su opinión, Rajat Neogy, Christopher Okigbo y Wole Soyinka se encontraban entre los escritores que "reutilizaron las versiones modernistas de la autonomía estética para declarar su libertad de la esclavitud colonial, de los sistemas de discriminación racial e incluso del nuevo estado poscolonial". #34;.
Los términos "modernismo" y 'modernista', según el erudito William J. Tyler, 'se han convertido recientemente en parte del discurso estándar en inglés sobre la literatura japonesa moderna y las dudas sobre su autenticidad frente al modernismo de Europa occidental. permanecer". Tyler encuentra esto extraño, dada la "prosa decididamente moderna" de "escritores japoneses tan conocidos como Kawabata Yasunari, Nagai Kafu y Jun'ichirō Tanizaki". Sin embargo, "eruditos en artes plásticas y visuales, arquitectura y poesía aceptaron fácilmente "modanizumu" como un concepto clave para describir y analizar la cultura japonesa en las décadas de 1920 y 1930. En 1924, varios jóvenes escritores japoneses, incluidos Kawabata y Riichi Yokomitsu, comenzaron una revista literaria Bungei Jidai ("La era artística"). Esta revista era "parte de un 'arte por el arte' movimiento, influenciado por el cubismo europeo, el expresionismo, el dadaísmo y otros estilos modernistas.
El arquitecto modernista japonés Kenzō Tange (1913–2005) fue uno de los arquitectos más importantes del siglo XX, combinó los estilos japoneses tradicionales con el modernismo y diseñó edificios importantes en los cinco continentes. Tange también fue un patrocinador influyente del movimiento Metabolista. Él dijo: "Fue, creo, alrededor de 1959 o principios de los años sesenta que comencé a pensar en lo que más tarde llamaría estructuralismo", fue influenciado desde una edad temprana por el modernismo suizo., Le Corbusier, Tange obtuvo reconocimiento internacional en 1949 cuando ganó el concurso para el diseño del Parque Memorial de la Paz de Hiroshima.
En China, los "nuevos sensacionistas" (新感觉派, Xīn Gǎnjué Pài) fueron un grupo de escritores con base en Shanghai que en las décadas de 1930 y 1940 fueron influenciados, en diversos grados, por el modernismo occidental y japonés. Escribieron ficción que se preocupaba más por el inconsciente y la estética que por la política o los problemas sociales. Entre estos escritores estaban Mu Shiying y Shi Zhecun.
En India, los Artistas Progresistas' Group era un grupo de artistas modernos, principalmente con sede en Mumbai, India, formado en 1947. Aunque carecía de un estilo particular, sintetizó el arte indio con influencias europeas y norteamericanas de la primera mitad del siglo XX, incluido el posimpresionismo, el cubismo. y expresionismo.
Diferencias entre modernismo y posmodernismo
A principios de la década de 1980, el movimiento posmoderno en el arte y la arquitectura comenzó a establecer su posición a través de varios formatos conceptuales e intermedios. El posmodernismo en la música y la literatura comenzó a afianzarse antes. En música, el posmodernismo se describe en una obra de referencia como un "término introducido en la década de 1970", mientras que en la literatura británica, The Oxford Encyclopedia of British Literature considera que el modernismo "cede su predominio al posmodernismo" ya en 1939. Sin embargo, las fechas son muy discutibles, especialmente porque según Andreas Huyssen: "el posmodernismo de un crítico es el modernismo de otro crítico". Esto incluye a aquellos que critican la división entre los dos y los ven como dos aspectos del mismo movimiento, y creen que el Modernismo tardío continúa.
El modernismo es una etiqueta que abarca una amplia variedad de movimientos culturales. El posmodernismo es esencialmente un movimiento centralizado que se nombró a sí mismo, basado en la teoría sociopolítica, aunque el término ahora se usa en un sentido más amplio para referirse a actividades del siglo XX en adelante que muestran conciencia y reinterpretan lo moderno.
La teoría posmoderna afirma que el intento de canonizar el Modernismo "después del hecho" está condenado a contradicciones indescifrables.
En un sentido más estricto, lo que era modernista no era necesariamente posmoderno. Aquellos elementos del Modernismo que acentuaron los beneficios de la racionalidad y el progreso sociotecnológico fueron solo Modernistas.
Ataque al modernismo temprano
El énfasis del modernismo en la libertad de expresión, la experimentación, el radicalismo y el primitivismo ignora las expectativas convencionales. En muchas formas de arte, esto a menudo significó sorprender y alienar al público con efectos extraños e impredecibles, como en las extrañas e inquietantes combinaciones de motivos en el surrealismo o el uso de la disonancia extrema y la atonalidad en la música modernista. En la literatura, esto a menudo implicaba el rechazo de tramas o caracterizaciones inteligibles en las novelas, o la creación de poesía que desafiaba una interpretación clara.
Desde 1932, el realismo socialista comenzó a derrocar al Modernismo en la Unión Soviética; anteriormente había respaldado el futurismo y el constructivismo. El gobierno nazi de Alemania consideró el modernismo narcisista y sin sentido, así como "judío" (ver Antisemitismo) y "Negro". Los nazis exhibieron pinturas modernistas junto con obras de enfermos mentales en una exposición titulada "Arte degenerado". Acusaciones de "formalismo" podría conducir al final de una carrera, o algo peor. Por ello, muchos modernistas de la generación de la posguerra se sintieron como el baluarte más importante contra el totalitarismo, el 'canario en la mina de carbón', cuya represión por parte de un gobierno u otro grupo con supuesta autoridad representaba una advertencia de que los individuos las libertades estaban siendo amenazadas. Louis A. Sass comparó la locura, específicamente la esquizofrenia, y el modernismo de una manera menos fascista al señalar sus narrativas disyuntivas compartidas, imágenes surrealistas e incoherencia.
Crítica a la modernidad tardía
De hecho, el modernismo floreció principalmente en las sociedades de consumo/capitalistas, a pesar de que sus defensores a menudo rechazaron el consumismo mismo. Sin embargo, el alto modernismo comenzó a fusionarse con la cultura de consumo después de la Segunda Guerra Mundial, especialmente durante la década de 1960. Los dispositivos modernistas también comenzaron a aparecer en el cine popular, y más tarde en los videos musicales. El diseño modernista también comenzó a entrar en la corriente principal de la cultura popular, a medida que las formas simplificadas y estilizadas se hicieron populares, a menudo asociadas con los sueños de un futuro de alta tecnología de la era espacial.
En 2008, Janet Bennett publicó La modernidad y sus críticos a través de The Oxford Handbook of Political Theory. La fusión de las versiones de consumo y alta de la cultura modernista condujo a una transformación radical del significado de "Modernismo". Primero, implicaba que un movimiento basado en el rechazo de la tradición se había convertido en una tradición propia. En segundo lugar, demostró que la distinción entre la cultura modernista de élite y la cultura consumista de masas había perdido su precisión. El modernismo se había institucionalizado tanto que ahora era 'posvanguardia', lo que indica que había perdido su poder como movimiento revolucionario. Muchos han interpretado esta transformación como el comienzo de la fase que se conoció como posmodernismo. Para otros, como el crítico de arte Robert Hughes, el posmodernismo representa una extensión del modernismo.
"Antimoderno" o "contramoderno" Los movimientos buscan enfatizar el holismo, la conexión y la espiritualidad como remedios o antídotos contra el modernismo. Dichos movimientos ven el modernismo como reduccionista y, por lo tanto, sujeto a la incapacidad de ver efectos sistémicos y emergentes.
Algunos artistas tradicionalistas como Alexander Stoddart generalmente rechazan el modernismo como el producto de "una época de dinero falso aliado con la cultura falsa".
En algunos campos, los efectos del modernismo se han mantenido más fuertes y persistentes que en otros. El arte visual ha hecho la ruptura más completa con su pasado. La mayoría de las principales ciudades capitales tienen museos dedicados al arte moderno a diferencia del arte posrenacentista (c. 1400 a c. 1900). Los ejemplos incluyen el Museo de Arte Moderno de Nueva York, la Tate Modern de Londres y el Centro Pompidou de París. Estas galerías no hacen distinción entre las fases modernista y posmodernista, considerando ambas como desarrollos dentro del Arte Moderno.
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