Marcel duchamp
Henri-Robert-Marcel Duchamp (, francés: [maʁsɛl dyʃɑ̃]; 28 de julio de 1887 - 2 de octubre de 1968) fue un pintor, escultor, ajedrecista y escritor francés cuyo trabajo está asociado con el cubismo, el dadaísmo y el arte conceptual. Duchamp es comúnmente considerado, junto con Pablo Picasso y Henri Matisse, como uno de los tres artistas que ayudaron a definir los desarrollos revolucionarios en las artes plásticas en las primeras décadas del siglo XX, responsable de desarrollos significativos en pintura y escultura. Duchamp ha tenido un impacto inmenso en el arte de los siglos XX y XXI, y tuvo una influencia fundamental en el desarrollo del arte conceptual. En el momento de la Primera Guerra Mundial, había rechazado el trabajo de muchos de sus compañeros artistas (como Henri Matisse) como "retinal" arte, destinado únicamente a complacer a la vista. En cambio, Duchamp quería usar el arte al servicio de la mente.
Vida temprana y educación
Marcel Duchamp nació en Blainville-Crevon en Normandía, Francia, hijo de Eugène Duchamp y Lucie Duchamp (anteriormente Lucie Nicolle) y creció en una familia que disfrutaba de las actividades culturales. El arte del pintor y grabador Émile Frédéric Nicolle, su abuelo materno, llenaba la casa y a la familia le gustaba jugar al ajedrez, leer libros, pintar y hacer música juntos.
De los siete hijos de Eugene y Lucie Duchamp, uno murió siendo un bebé y cuatro se convirtieron en artistas exitosos. Marcel Duchamp era hermano de:
- Jacques Villon (1875-1963), pintor, grabadora
- Raymond Duchamp-Villon (1876-1918), escultor
- Suzanne Duchamp-Crotti (1889-1963), pintor.
De niño, con sus dos hermanos mayores ya fuera de casa en la escuela de Rouen, Duchamp estaba más cerca de su hermana Suzanne, quien era cómplice voluntaria de los juegos y actividades conjurados por su fértil imaginación. A los ocho años, Duchamp siguió a sus hermanos' pasos cuando se fue de casa y comenzó a estudiar en el Lycée Pierre-Corneille, en Rouen. Otros dos estudiantes de su clase también se convirtieron en artistas conocidos y amigos duraderos: Robert Antoine Pinchon y Pierre Dumont. Durante los siguientes ocho años, estuvo encerrado en un régimen educativo que se centró en el desarrollo intelectual. Aunque no fue un estudiante destacado, su mejor materia fueron las matemáticas y ganó dos premios de matemáticas en la escuela. También ganó un premio de dibujo en 1903, y en su comienzo en 1904 ganó un codiciado primer premio, validando su reciente decisión de convertirse en artista.
Aprendió dibujo académico de un maestro que intentó sin éxito "proteger" sus alumnos del impresionismo, posimpresionismo y otras influencias vanguardistas. Sin embargo, el verdadero mentor artístico de Duchamp en ese momento era su hermano Jacques Villon, cuyo estilo fluido e incisivo trató de imitar. A los 14, sus primeros intentos artísticos serios fueron dibujos y acuarelas que representaban a su hermana Suzanne en varias poses y actividades. Ese verano también pintó paisajes de estilo impresionista utilizando óleos.
Trabajo temprano
Las primeras obras de arte de Duchamp se alinean con los estilos posimpresionistas. Experimentó con técnicas y temas clásicos. Cuando más tarde se le preguntó qué lo había influido en ese momento, Duchamp citó el trabajo del pintor simbolista Odilon Redon, cuyo enfoque del arte no era aparentemente antiacadémico, sino discretamente individual.
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Estudió arte en la Académie Julian de 1904 a 1905, pero prefería jugar al billar a asistir a clases. Durante este tiempo, Duchamp dibujó y vendió caricaturas que reflejaban su humor obsceno. Muchos de los dibujos usan juegos de palabras (a veces en varios idiomas), juegos de palabras visuales o ambos. Tal juego con palabras y símbolos ocupó su imaginación por el resto de su vida.
En 1905, comenzó su servicio militar obligatorio con el 39º Regimiento de Infantería, trabajando para una imprenta en Rouen. Allí aprendió tipografía y procesos de impresión, habilidades que usaría en su trabajo posterior.
Debido a su hermano mayor, Jacques' miembro de la prestigiosa Académie royale de peinture et de sculpture La obra de Duchamp se exhibió en el Salon d'Automne de 1908 y al año siguiente en el Salon des Indépendants. Fauves y el protocubismo de Paul Cézanne influyeron en sus pinturas, aunque el crítico Guillaume Apollinaire, que eventualmente se convertiría en un amigo, criticó lo que llamó 'desnudos muy feos de Duchamp'. ("les nus très vilains de Duchamp"). Duchamp también se hizo amigo de toda la vida del exuberante artista Francis Picabia después de conocerlo en el Salon d'Automne de 1911, y Picabia procedió a presentarle un estilo de vida de autos rápidos y "high" viviendo.
En 1911, en Jacques' casa en Puteaux, los hermanos organizaron un grupo de discusión regular con artistas cubistas como Picabia, Robert Delaunay, Fernand Léger, Roger de La Fresnaye, Albert Gleizes, Jean Metzinger, Juan Gris y Alexander Archipenko. También participaron poetas y escritores. El grupo llegó a ser conocido como el Grupo Puteaux, o la Sección de Oro. Desinteresado en los cubistas' seriedad, o en su enfoque en asuntos visuales, Duchamp no se unió a las discusiones sobre la teoría cubista y se ganó la reputación de ser tímido. Sin embargo, ese mismo año pintó en un estilo cubista y agregó una impresión de movimiento mediante el uso de imágenes repetitivas.
Durante este período, la fascinación de Duchamp por la transición, el cambio, el movimiento y la distancia se hizo manifiesta y, como muchos artistas de la época, estaba intrigado con el concepto de representar la cuarta dimensión en el arte. Su pintura Triste joven en un tren encarna esta preocupación:
En primer lugar, hay la idea del movimiento del tren, y luego la del joven triste que está en un pasillo y que se mueve; por lo tanto hay dos movimientos paralelos correspondientes uno al otro. Luego está la distorsión del joven. Yo había llamado esto. paralelismo elemental. Era una descomposición formal; es decir, elementos lineales que se seguían como paralelos y distorsionando el objeto. El objeto se estira completamente, como si fuera elástico. Las líneas se siguen en paralelos, mientras cambian sutilmente para formar el movimiento, o la forma del joven en cuestión. También usé este procedimiento en el Nude Descendiendo una escalera.
En su Portrait of Chess Players de 1911 (Portrait de joueurs d'échecs) están los marcos cubistas superpuestos y múltiples perspectivas de sus dos hermanos jugando al ajedrez, pero a eso Duchamp agregó elementos que transmiten la actividad mental invisible de los jugadores.
Las obras de esta época también incluyeron su primera "máquina" pintura, Molino de café (Moulin à café) (1911), que regaló a su hermano Raymond Duchamp-Villon. La posterior pintura a máquina más figurativa de 1914, Molinillo de chocolate (Broyeuse de chocolat), prefigura el mecanismo incorporado al Gran vaso sobre el que comenzó trabajo en Nueva York al año siguiente.
Desnuda descendiendo una escalera, Nº 2
(feminine)La primera obra de Duchamp que provocó una gran controversia fue Desnudo bajando una escalera, n.º 2 (Nu descendant un escalier n° 2) (1912). La pintura representa el movimiento mecánico de un desnudo, con facetas superpuestas, similar a las películas. Muestra elementos tanto de la fragmentación y síntesis de los cubistas como del movimiento y dinamismo de los futuristas.
Primero envió la obra para que apareciera en el Cubist Salon des Indépendants, pero Albert Gleizes (según Duchamp en una entrevista con Pierre Cabanne, p. 31) pidió a los hermanos de Duchamp que retiraran voluntariamente la pintura, o pintar sobre el título que había pintado en la obra y cambiarle el nombre. Los hermanos de Duchamp se acercaron a él con Gleizes; solicitud, pero Duchamp se negó en silencio. Sin embargo, no hubo jurado en el Salon des Indépendants y Gleizes no estaba en condiciones de rechazar la pintura. La controversia, según el historiador de arte Peter Brooke, no era si la obra debía colgarse o no, sino si debía colgarse con el grupo cubista.
Del incidente, Duchamp recordó más tarde: "No les dije nada a mis hermanos". Pero fui inmediatamente a la exposición y me llevé mi cuadro a casa en un taxi. Realmente fue un punto de inflexión en mi vida, se lo puedo asegurar. Vi que no estaría muy interesado en grupos después de eso." Sin embargo, Duchamp sí apareció en las ilustraciones de Du "Cubisme", participó en La Maison Cubiste (Casa Cubista), organizada por el diseñador André Mare para el Salon d'Automne de 1912 (unos meses después de los Indépendants); firmó la invitación de la Section d'Or y participó en la exposición de la Section d'Or durante el otoño de 1912. La impresión es, escribe Brooke, "fue precisamente porque deseaba seguir siendo parte del grupo que retiró el cuadro; y que, lejos de ser maltratado por el grupo, se le otorgó una posición bastante privilegiada, probablemente por el mecenazgo de Picabia".
El cuadro se expuso por primera vez en Galeries Dalmau, Exposició d'Art Cubista, Barcelona, 1912, la primera exposición del cubismo en España. Duchamp más tarde envió la pintura al 'Armory Show' de 1913. En nueva york. Además de mostrar obras de artistas estadounidenses, esta muestra fue la primera gran exposición de tendencias modernas que salió de París, que abarca estilos experimentales de la vanguardia europea, incluidos el fauvismo, el cubismo y el futurismo. El público estadounidense, acostumbrado al arte realista, se escandalizó y el Desnudo estuvo en el centro de gran parte de la polémica.
Dejando "arte retinal" detrás
Por esta época, Duchamp leyó el tratado filosófico de Max Stirner, El ego y lo suyo, el estudio que consideró otro punto de inflexión en su desarrollo artístico e intelectual. Lo llamó "un libro notable... que no avanza en teorías formales, sino que sigue diciendo que el ego siempre está presente en todo".
Mientras estaba en Munich en 1912, pintó la última de sus pinturas de estilo cubista. Comenzó la imagen de La novia desnudada por sus solteros, pareja, y comenzó a hacer planes para El gran vidrio, garabateando notas cortas para sí mismo, a veces con bocetos apresurados. Pasarían más de diez años antes de que se completara esta pieza. No se sabe mucho más sobre la estadía de dos meses en Munich, excepto que el amigo que visitó tenía la intención de mostrarle los lugares de interés y la vida nocturna, y que estaba influenciado por las obras del pintor alemán del siglo XVI Lucas Cranach el Viejo en Munich. #39;s famoso Alte Pinakothek, conocido por sus pinturas de los viejos maestros. Duchamp recordó que tomaba el corto paseo para visitar este museo todos los días. Los estudiosos de Duchamp han reconocido durante mucho tiempo en Cranach la tenue gama de colores ocre y marrón que Duchamp empleó más tarde.
El mismo año, Duchamp también asistió a la representación de una adaptación teatral de la novela de 1910 de Raymond Roussel, Impressions d'Afrique, que presentaba tramas que se replegaban sobre sí mismas, palabra juego, decorados surrealistas y máquinas humanoides. Atribuyó al drama haber cambiado radicalmente su enfoque del arte y haberlo inspirado para comenzar la creación de The Bride Stripped Bare By Her Bachelors, Even, también conocido como The Large Glass< /i>. El trabajo en The Large Glass continuó en 1913, con su invención de inventar un repertorio de formas. Hizo apuntes, bocetos y pintó estudios, e incluso dibujó algunas de sus ideas en la pared de su apartamento.
Hacia finales de 1912, viajó con Picabia, Apollinaire y Gabrielle Buffet-Picabia a través de las montañas del Jura, una aventura que Buffet-Picabia describió como una de sus "incursiones de desmoralización, que también fueron incursiones de ingenio. y payasadas... la desintegración del concepto de arte". Las notas del viaje de Duchamp evitan la lógica y el sentido, y tienen una connotación surrealista y mítica.
Duchamp pintó pocos lienzos después de 1912 y, en los que hizo, trató de eliminar los elementos "pictóricos" efectos, y utilizar un enfoque de dibujo técnico en su lugar.
Sus amplios intereses lo llevaron a una exposición de tecnología aeronáutica durante este período, después de lo cual Duchamp le dijo a su amigo Constantin Brâncuși: "La pintura se acaba". ¿Quién hará algo mejor que esa hélice? Dime, ¿puedes hacer eso? Brâncuși luego esculpió formas de pájaros. Los funcionarios de aduanas de EE. UU. los confundieron con piezas de aviación e intentaron cobrarles derechos de importación.
En 1913, Duchamp se retiró de los círculos de pintura y comenzó a trabajar como bibliotecario en la Bibliothèque Sainte-Geneviève para poder ganarse la vida mientras se concentraba en los ámbitos académicos y trabajaba en su gran vidrio. Estudió matemáticas y física, áreas en las que se estaban produciendo nuevos y emocionantes descubrimientos. Los escritos teóricos de Henri Poincaré intrigaron e inspiraron particularmente a Duchamp. Poincaré postuló que las leyes que se creía que gobernaban la materia fueron creadas únicamente por las mentes que "comprendieron" ellos y que ninguna teoría podría considerarse 'verdadera'. "Las cosas en sí mismas no son lo que la ciencia puede alcanzar..., sino sólo las relaciones entre las cosas. Fuera de estas relaciones no hay realidad cognoscible”, escribió Poincaré en 1902. Reflejando la influencia de los escritos de Poincaré, Duchamp toleró cualquier interpretación de su arte considerándolo como la creación de la persona que lo formuló, no como verdad
Los experimentos de arte y ciencia del propio Duchamp comenzaron durante su mandato en la biblioteca. Para hacer una de sus piezas favoritas, 3 Standard Stoppages (3 stoppages étalon), dejó caer tres hilos de 1 metro de largo sobre lienzos preparados, uno a la vez, desde una altura de 1 metro. Los hilos aterrizaron en tres posiciones ondulantes al azar. Los barnizó en su lugar sobre las tiras de lona azul-negras y las adhirió al vidrio. Luego cortó tres listones de madera con la forma de las cuerdas curvas y colocó todas las piezas en una caja de croquet. Tres pequeños letreros de cuero con el título impreso en oro fueron pegados al "paro" antecedentes. La pieza parece seguir literalmente la Escuela del hilo de Poincaré, parte de un libro sobre mecánica clásica.
En su estudio, montó una rueda de bicicleta boca abajo sobre un taburete, haciéndola girar de vez en cuando solo para mirarla. Aunque a menudo se asume que la Rueda de bicicleta representa el primero de los 'Ready-mades' de Duchamp, esta instalación en particular nunca se envió a ninguna exposición de arte y finalmente se perdió.. Sin embargo, inicialmente, la rueda simplemente se colocó en el estudio para crear una atmósfera: "Disfruté mirándola como disfruto mirando las llamas bailando en una chimenea".
Después de que comenzara la Primera Guerra Mundial en agosto de 1914, con sus hermanos y muchos amigos en el servicio militar y él mismo exento (debido a un soplo en el corazón), Duchamp se sintió incómodo en París. Mientras tanto, Nude Descending a Staircase No. 2 había escandalizado a los estadounidenses en el Armory Show y ayudó a asegurar la venta de sus cuatro pinturas en la exhibición. Así, al poder financiar el viaje, Duchamp decidió emigrar a los Estados Unidos en 1915. Para su sorpresa, descubrió que era una celebridad cuando llegó a Nueva York en 1915, donde rápidamente se hizo amigo de la mecenas de arte Katherine Dreier y del artista Man. Rayo. El círculo de Duchamp incluía a los mecenas del arte Louise y Walter Conrad Arensberg, la actriz y artista Beatrice Wood y Francis Picabia, así como a otras figuras de vanguardia. Aunque hablaba poco inglés, mientras se ganaba la vida dando lecciones de francés y trabajando en la biblioteca, aprendió rápidamente el idioma. Duchamp se convirtió en parte de una colonia de artistas en Ridgefield, Nueva Jersey, al otro lado del río Hudson desde la ciudad de Nueva York.
Durante dos años, los Arensberg, quienes seguirían siendo sus amigos y mecenas durante 42 años, fueron los propietarios de su estudio. En lugar del alquiler, acordaron que su pago sería The Large Glass. Una galería de arte le ofreció a Duchamp $10,000 por año a cambio de toda su producción anual, pero rechazó la oferta y prefirió continuar su trabajo en The Large Glass.
Sociedad Anónima
Duchamp creó la Société Anonyme en 1920, junto con Katherine Dreier y Man Ray. Este fue el comienzo de su participación de por vida en el comercio y el coleccionismo de arte. El grupo coleccionó obras de arte moderno y organizó exposiciones y conferencias de arte moderno a lo largo de la década de 1930.
Para entonces, Walter Pach, uno de los coordinadores del Armory Show de 1913, buscó el consejo de Duchamp sobre el arte moderno. Comenzando con Société Anonyme, Dreier también dependió del consejo de Duchamp para reunir su colección, al igual que Arensberg. Más tarde, Peggy Guggenheim, los directores del Museo de Arte Moderno Alfred Barr y James Johnson Sweeney consultaron con Duchamp sobre sus colecciones y exposiciones de arte moderno.
Papá
Dada o dadaísmo fue un movimiento artístico de la vanguardia europea a principios del siglo XX. Comenzó en Zúrich, Suiza, en 1916 y se extendió a Berlín poco después. Para citar El lenguaje del conocimiento del arte de Dona Budd,
Dada nació de una reacción negativa a los horrores de la Primera Guerra Mundial. Este movimiento internacional fue iniciado por un grupo de artistas y poetas asociados al Cabaret Voltaire en Zurich. Dada rechazó la razón y la lógica, prizando tonterías, irracionalidad e intuición. El origen del nombre Dada no está claro; algunos creen que es una palabra absurda. Otros sostienen que se origina de los artistas rumanos Tristan Tzara y el uso frecuente de Marcel Janco de las palabras da, da, que significa que sí, en el idioma rumano. Otra teoría dice que el nombre "Dada" vino durante una reunión del grupo cuando un cuchillo de papel clavado en un diccionario francés-alemán fue el punto de "da", una palabra francesa para "hobbyhorse".
El movimiento involucró principalmente a las artes visuales, la literatura, la poesía, los manifiestos artísticos, la teoría del arte, el teatro y el diseño gráfico, y concentró su política contra la guerra a través del rechazo de los estándares predominantes en el arte a través de obras culturales antiarte. Además de pacifista, el dadá también era antiburgués y tenía afinidades políticas con la izquierda radical.
Las actividades dadaístas incluyeron reuniones públicas, demostraciones y publicación de revistas de arte/literatura; La cobertura apasionada del arte, la política y la cultura fueron temas que se discutieron a menudo en una variedad de medios. Figuras clave del movimiento, además de Duchamp, incluyeron: Hugo Ball, Emmy Hennings, Hans Arp, Raoul Hausmann, Hannah Höch, Johannes Baader, Tristan Tzara, Francis Picabia, Richard Huelsenbeck, Georg Grosz, John Heartfield, Beatrice Wood, Kurt Schwitters, y Hans Richter, entre otros. El movimiento influyó en estilos posteriores, como los movimientos musicales de vanguardia y del centro, y grupos que incluyen el surrealismo, el Nouveau réalisme, el arte pop y Fluxus.
Dada es la base para el arte abstracto y la poesía sonora, un punto de partida para el arte de la performance, un preludio al posmodernismo, una influencia en el arte pop, una celebración de antiarte que posteriormente será abrazada para usos anarcos-políticos en los años 60 y el movimiento que sienta las bases para el surrealismo.
El dadaísmo de Nueva York tenía un tono menos serio que el del dadaísmo europeo y no era una empresa particularmente organizada. El amigo de Duchamp, Francis Picabia, se conectó con el grupo Dada en Zürich, trayendo a Nueva York las ideas dadaístas de absurdo y 'anti-arte'. Duchamp y Picabia se conocieron por primera vez en septiembre de 1911 en el Salon d'Automne de París, donde ambos exponían. Duchamp mostró una versión más grande de su Hombre joven y niña en primavera de 1911, una obra que tenía un tema edénico y una sexualidad apenas velada que también se encuentra en los Adán y Eva< contemporáneos de Picabia. /i> 1911. Según Duchamp, "nuestra amistad comenzó allí mismo". Un grupo se reunía casi todas las noches en la casa de Arensberg o se divertía en Greenwich Village. Junto con Man Ray, Duchamp contribuyó con sus ideas y humor a las actividades de Nueva York, muchas de las cuales coincidieron con el desarrollo de sus Readymades y The Large Glass.
El ejemplo más destacado de la asociación de Duchamp con Dada fue su presentación de Fountain, un urinario, a la exhibición de la Sociedad de Artistas Independientes en 1917. Las obras de arte en las exhibiciones de Artistas Independientes no fueron seleccionados por el jurado, y se exhibieron todas las piezas presentadas. Sin embargo, el comité de la exposición insistió en que Fountain no era arte y la rechazó de la exposición. Esto provocó un gran revuelo entre los dadaístas y llevó a Duchamp a renunciar a la junta de Artistas Independientes.
Junto con Henri-Pierre Roché y Beatrice Wood, Duchamp publicó varias revistas dadá en Nueva York, incluidas The Blind Man y Rongwrong, que incluían arte, literatura, humor y comentario.
Cuando regresó a París después de la Primera Guerra Mundial, Duchamp no participó en el grupo dadaísta.
Preparados
"Preparados" se encontraron objetos que Duchamp escogió y presentó como arte. En 1913, Duchamp instaló una rueda de bicicleta en su estudio. Sin embargo, la idea de los Readymades no se desarrolló por completo hasta 1915. La idea era cuestionar la noción misma de Arte y la adoración del arte, que Duchamp encontraba "innecesaria".
Mi idea era elegir un objeto que no me atraería, ya sea por su belleza o por su fealdad. Para encontrar un punto de indiferencia en mi mirada, ya ves.
Botellero (1914), un escurrebotellas firmado por Duchamp, se considera el primer "puro" confeccionado. In Advance of the Broken Arm (1915), una pala de nieve, también llamada Prelude to a Broken Arm, siguió poco después. Su Fuente, un urinario firmado con el seudónimo "R. Mutt", conmocionó al mundo del arte en 1917. Fountain fue seleccionada en 2004 como "la obra de arte más influyente del siglo XX" por 500 artistas e historiadores de renombre.
En 1919, Duchamp hizo una parodia de la Mona Lisa adornando una reproducción barata de la pintura con un bigote y una perilla. A esto añadió la inscripción L.H.O.O.Q., un juego fonético que, cuando se lee en voz alta en francés, rápidamente suena como "Elle a chaud au cul". Esto se puede traducir como 'Ella tiene un culo caliente', lo que implica que la mujer en la pintura está en un estado de excitación y disponibilidad sexual. También puede haber tenido la intención de ser una broma freudiana, refiriéndose a la supuesta homosexualidad de Leonardo da Vinci. Duchamp dio un "suelto" traducción de L.H.O.O.Q. como "abajo hay fuego" en una entrevista tardía con Arturo Schwarz. Según Rhonda Roland Shearer, la aparente reproducción de la Mona Lisa es, de hecho, una copia modelada en parte del propio rostro de Duchamp. La investigación publicada por Shearer también especula que el propio Duchamp pudo haber creado algunos de los objetos que afirmó que eran "objetos encontrados".
El Gran Vidrio
Duchamp trabajó en su compleja pieza de inspiración futurista La novia desnudada por sus solteros, incluso (El gran vidrio) de 1915 a 1923, excepto por períodos en Buenos Aires y París en 1918-1920. Ejecutó el trabajo en dos paneles de vidrio con materiales como lámina de plomo, alambre fusible y polvo. Combina procedimientos aleatorios, estudios de perspectiva graficada y laboriosa artesanía. Publicó notas para la pieza, The Green Box, con la intención de complementar la experiencia visual. Reflejan la creación de reglas únicas de la física y una mitología que describe el trabajo. Afirmó que su "imagen hilarante" pretende representar el encuentro erótico entre una novia y sus nueve solteros.
Una representación de la adaptación teatral de la novela Impressions d'Afrique de Raymond Roussel, a la que asistió Duchamp en 1912, inspiró la pieza. Las notas, bocetos y planos de la obra se dibujaron en las paredes de su estudio ya en 1913. Para concentrarse en la obra libre de obligaciones materiales, Duchamp encontró trabajo como bibliotecario mientras vivía en Francia. Después de emigrar a los Estados Unidos en 1915, comenzó a trabajar en la pieza, financiada con el apoyo de los Arensberg.
La pieza está construida en parte como una retrospectiva de las obras de Duchamp, incluida una reproducción tridimensional de sus pinturas anteriores Bride (1912), Chocolate Grinder (1914) y Glider que contiene un molino de agua en metales vecinos (1913-1915), lo que ha dado lugar a numerosas interpretaciones. La obra fue declarada formalmente "Inconclusa" en 1923. Al regresar de su primera exhibición pública en una caja de envío, el vidrio sufrió una gran grieta. Duchamp lo reparó, pero dejó intactas las grietas más pequeñas del vidrio, aceptando el elemento casual como parte de la pieza.
Joseph Nechvatal ha arrojado una luz considerable sobre El Gran Vidrio al señalar las implicaciones autoeróticas tanto de la soltería como de la máquina repetitiva y frenética; luego discierne una constelación más amplia de temas al insinuar que el autoerotismo, y con la máquina como compañero y practicante omnipresente, se abre a una pansexualidad subversiva como se expresa en otras partes de la obra y la carrera de Duchamp, en la que un trance induce el placer se convierte en el principio operativo en oposición a los dictados del tradicional acoplamiento masculino-femenino; y también documenta la existencia de este grupo temático a lo largo del modernismo, comenzando con el controvertido Monumento a Balzac de Rodin, y culminando en una visión duchampiana de un tecnouniverso en el que todos pueden sentirse bienvenidos.
Hasta 1969, cuando el Museo de Arte de Filadelfia reveló el cuadro Étant donnés de Duchamp, se pensaba que The Large Glass había sido su última obra importante.
Obras cinéticas
El interés de Duchamp por las obras de arte cinético se puede discernir desde las notas para El gran vidrio y la Rueda de bicicleta readymade, y a pesar de perder interés en "arte retinal", mantuvo el interés por los fenómenos visuales. En 1920, con la ayuda de Man Ray, Duchamp construyó una escultura motorizada, Rotative plaques verre, optique de précision ("Rotary Glass Plates, Precision Optics"). La pieza, que él no consideró arte, involucraba un motor para hacer girar piezas de vidrio rectangulares sobre las que estaban pintados segmentos de un círculo. Cuando el aparato gira, se produce una ilusión óptica en la que los segmentos parecen ser círculos concéntricos cerrados. Man Ray instaló el equipo para fotografiar el experimento inicial, pero cuando giraron la máquina por segunda vez, una correa de transmisión se rompió y atrapó un pedazo de vidrio, que después de rebotar en la cabeza de Man Ray, se hizo añicos.
Después de regresar a París en 1923, a instancias de André Breton, con financiación de Jacques Doucet, Duchamp construyó otro dispositivo óptico basado en el primero, Rotative Demisphère, optique de précision (Demiesfera Rotatoria, Óptica de Precisión). Esta vez el elemento óptico era un globo cortado por la mitad, con círculos concéntricos negros pintados en él. Cuando gira, los círculos parecen moverse hacia adelante y hacia atrás en el espacio. Duchamp pidió a Doucet que no exhibiera el aparato como arte.
LosRotoreliefs fueron la siguiente fase de las obras giratorias de Duchamp. Para hacer los 'juguetes de juego' ópticos, pintó diseños en círculos planos de cartón y los hizo girar en un tocadiscos fonográfico. Al girar, los discos planos parecían tridimensionales. Hizo que una imprenta produjera 500 juegos de seis de los diseños y instaló un puesto en una feria de inventores de París de 1935. Mostrar para venderlos. La empresa fue un desastre financiero, pero algunos científicos ópticos pensaron que podrían ser útiles para restaurar la vista estereoscópica tridimensional de las personas que habían perdido la visión de un ojo. En colaboración con Man Ray y Marc Allégret, Duchamp filmó las primeras versiones de los Rotoreliefs, y llamaron a la película Anémic Cinéma (1926). Más tarde, en el estudio de Alexander Calder en 1931, mientras observaba las obras cinéticas del escultor, Duchamp sugirió que estas deberían llamarse móviles. Calder acordó usar este término novedoso en su próximo programa. Hasta el día de hoy, las esculturas de este tipo se denominan "móviles".
Ideas musicales
Entre 1912 y 1915, Duchamp trabajó con diversas ideas musicales. Han sobrevivido al menos tres piezas: dos composiciones y una nota para un acontecimiento musical. Las dos composiciones se basan en operaciones de azar. Erratum Musical, escrito para tres voces, se publicó en 1934. La Mariée mise à nu par ses célibataires même. Erratum Musical está inconcluso y nunca fue publicado ni exhibido durante la vida de Duchamp. Según el manuscrito, la pieza estaba destinada a un instrumento mecánico "en el que se suprime el intermediario virtuoso". El manuscrito también contiene una descripción de "Un aparato que registra automáticamente períodos musicales fragmentados," compuesto por un embudo, varios carros abiertos y un juego de bolas numeradas. Estas piezas son anteriores a Music of Changes (1951) de John Cage, que a menudo se considera la primera pieza moderna concebida en gran parte a través de procedimientos aleatorios.
En 1968, Duchamp y John Cage aparecieron juntos en un concierto titulado "Reunión", jugando una partida de ajedrez y componiendo música aleatoria activando una serie de células fotoeléctricas debajo del tablero de ajedrez.
Rosa Sélavy
"Rrose Sélavy", también deletreado Rose Sélavy, era uno de los seudónimos de Duchamp. El nombre, un juego de palabras, suena como la frase francesa Eros, c'est la vie, que puede traducirse como "Eros, así es la vida." También se ha leído como arroser la vie ("brindar por la vida"). Sélavy surgió en 1921 en una serie de fotografías de Man Ray que mostraban a Duchamp vestido de mujer. Durante la década de 1920, Man Ray y Duchamp colaboraron en más fotos de Sélavy. Duchamp luego usó el nombre como firma en material escrito y firmó varias creaciones con él.
Duchamp usó el nombre en el título de al menos una escultura, ¿Por qué no estornudar a Rose Sélavy? (1921). La escultura, una especie de ready-made llamado ensamblaje, consta de un termómetro oral, un par de docenas de pequeños cubos de mármol que se asemejan a terrones de azúcar y un hueso de sepia dentro de una jaula de pájaros. Sélavy también aparece en la etiqueta de Belle Haleine, Eau de Voilette (1921), un readymade que es un frasco de perfume en la caja original. Duchamp también firmó su película Anémic Cinéma (1926) con el nombre de Sélavy.
Se cree que la inspiración para el nombre Rrose Sélavy es Belle da Costa Greene, bibliotecaria de J. P. Morgan en The Morgan Library & Museum (anteriormente The Pierpont Morgan Library) quien, después de su muerte, se convirtió en el director de la Biblioteca, trabajando allí durante un total de cuarenta y tres años. Empoderado por J. P. Morgan, y luego por su hijo Jack, Greene construyó la colección comprando y vendiendo manuscritos raros, libros y arte.
Rrose Sélavy, y los otros seudónimos que usó Duchamp, pueden leerse como un comentario sobre la falacia de romantizar la individualidad consciente o la subjetividad del artista, un tema que también es un subtexto prominente de los readymades. Duchamp dijo en una entrevista: "Crees que estás haciendo algo completamente tuyo, y un año después lo miras y ves realmente las raíces de donde proviene tu arte sin que lo sepas en absoluto". "
Desde 1922, el nombre Rrose Sélavy también comenzó a aparecer en una serie de aforismos, juegos de palabras y juegos de palabras del poeta surrealista francés Robert Desnos. Desnos trató de retratar a Rrose Sélavy como una aristócrata perdida hace mucho tiempo y legítima reina de Francia. El aforismo 13 rindió homenaje a Marcel Duchamp: Rrose Sélavy connaît bien le marchand du sel ‒ en inglés: "Rrose Sélavy conoce bien al comerciante de sal"; en francés, las palabras finales suenan como Mar-champ Du-cel. Tenga en cuenta que el "vendedor de sal" aforismo – "mar-chand-du-sel" – es un anagrama fonético del nombre del artista: "mar-cel-du-champ". (Las notas compiladas de Duchamp se titulan "Vendedor de sal"). En 1939 se publicó una colección de estos aforismos bajo el nombre de Rrose Sélavy, titulada Poils et coups de pieds en tous géneros.
Transición del arte al ajedrez
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En 1918, Duchamp se despidió de la escena artística de Nueva York, interrumpiendo su trabajo en el Large Glass, y se fue a Buenos Aires, donde permaneció nueve meses y a menudo jugaba al ajedrez. Esculpió su propio juego de ajedrez de madera con la ayuda de un artesano local que hizo los caballeros. Se mudó a París en 1919 y luego regresó a los Estados Unidos en 1920. A su regreso a París en 1923, Duchamp ya no era, en esencia, un artista en ejercicio. En cambio, su principal interés era el ajedrez, que estudió por el resto de su vida excluyendo la mayoría de las otras actividades.
Se ve a Duchamp, brevemente, jugando al ajedrez con Man Ray en el cortometraje Entr'acte (1924) de René Clair. Diseñó el cartel de 1925 para el Tercer Campeonato de Francia de Ajedrez y, como competidor en el evento, terminó en un cincuenta por ciento (3-3, con dos tablas), ganando el título de maestro de ajedrez. Durante este período, su fascinación por el ajedrez angustió tanto a su primera esposa que pegó sus piezas al tablero. Duchamp siguió jugando en los Campeonatos de Francia y también en las Olimpiadas de Ajedrez de 1928 a 1933, favoreciendo las aperturas hipermodernas como la Nimzoindia.
En algún momento a principios de la década de 1930, Duchamp alcanzó el apogeo de su habilidad, pero se dio cuenta de que tenía pocas posibilidades de ganar reconocimiento en el ajedrez de alto nivel. En los años siguientes, su participación en torneos de ajedrez declinó, pero descubrió el ajedrez por correspondencia y se convirtió en periodista de ajedrez, escribiendo columnas en periódicos semanales. Mientras sus contemporáneos lograban un éxito espectacular en el mundo del arte al vender sus obras a coleccionistas de la alta sociedad, Duchamp observó: "Sigo siendo una víctima del ajedrez". Tiene toda la belleza del arte y mucho más. No se puede comercializar. El ajedrez es mucho más puro que el arte en su posición social." En otra ocasión, Duchamp elaboró: "Las piezas de ajedrez son el alfabeto de bloques que da forma a los pensamientos; y estos pensamientos, aunque hacen un diseño visual en el tablero de ajedrez, expresan su belleza de manera abstracta, como un poema... He llegado a la conclusión personal de que, si bien no todos los artistas son jugadores de ajedrez, todos los jugadores de ajedrez son artistas.& #34;
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En 1932, Duchamp se asoció con el teórico del ajedrez Vitaly Halberstadt para publicar L'opposition et cases conjuguées sont réconciliées (La oposición y los cuadrados hermanos se reconcilian), conocidos como cuadrados correspondientes. Este tratado describe la posición Lasker-Reichhelm, un tipo de posición extremadamente raro que puede surgir en el final del juego. Utilizando gráficos tipo eneagrama que se pliegan sobre sí mismos, los autores demostraron que en esta posición, lo más que pueden esperar las negras es un empate.
El tema del "final del juego" es importante para comprender la compleja actitud de Duchamp hacia su carrera artística. El dramaturgo irlandés Samuel Beckett era socio de Duchamp y utilizó el tema como recurso narrativo para la obra de 1957 del mismo nombre, Endgame. En 1968, Duchamp jugó una partida de ajedrez artísticamente importante con el compositor de vanguardia John Cage, en un concierto titulado 'Reunión'. La música era producida por una serie de células fotoeléctricas debajo del tablero de ajedrez, activadas esporádicamente por el juego normal.
Al elegir una carrera en el ajedrez, Duchamp dijo: "Si Bobby Fischer viniera a pedirme consejo, ciertamente no lo desanimaría, como si cualquiera pudiera hacerlo, pero trataría de dejarle absolutamente claro que lo hará". Nunca tenga dinero del ajedrez, viva una existencia de monje y conozca más rechazo que cualquier artista, luchando por ser conocido y aceptado."
Duchamp dejó un legado al ajedrez en forma de un enigmático problema de finales que compuso en 1943. El problema se incluyó en el anuncio de la exposición de la galería de Julian Levi Through the Big End of the Opera Glass< /i>, impreso en papel translúcido con la tenue inscripción: "Blancas para jugar y ganar". Desde entonces, los grandes maestros y los especialistas en finales han lidiado con el problema, y la mayoría ha llegado a la conclusión de que no hay solución.
Compromiso artístico posterior
Aunque Duchamp ya no era considerado un artista activo, siguió consultando a artistas, comerciantes de arte y coleccionistas. A partir de 1925 viajó a menudo entre Francia y Estados Unidos, y en 1942 hizo del Greenwich Village de Nueva York su hogar. También trabajó ocasionalmente en proyectos artísticos como el cortometraje Anémic Cinéma (1926), Box in a Valise (1935–1941), Autorretrato de perfil (1958) y la obra más grande Étant Donnés (1946–1966)). En 1943, participó con Maya Deren en su película inconclusa La cuna de la bruja, filmada en la galería Art of This Century de Peggy Guggenheim.
Desde mediados de la década de 1930 colaboró con los surrealistas; sin embargo, no se unió al movimiento, a pesar de las persuasiones de André Breton. Desde entonces hasta 1944, junto con Max Ernst, Eugenio Granell y Breton, Duchamp editó la revista surrealista VVV, y se desempeñó como editor asesor de la revista View, que presentaba él en su edición de marzo de 1945, presentándolo así a una audiencia estadounidense más amplia.
La influencia de Duchamp en el mundo del arte se mantuvo tras bambalinas hasta finales de la década de 1950, cuando fue "descubierto" por jóvenes artistas como Robert Rauschenberg y Jasper Johns, que estaban ansiosos por escapar del dominio del expresionismo abstracto. Fue cofundador del grupo literario internacional Oulipo en 1960. El interés por Duchamp se reavivó en la década de 1960 y obtuvo reconocimiento público internacional. En 1963, el Museo de Arte de Pasadena montó su primera exposición retrospectiva, y allí apareció en una fotografía icónica jugando al ajedrez junto a la modelo desnuda Eve Babitz. La fotografía fue descrita más tarde por los Archivos Smithsonian de Arte Estadounidense como "una de las imágenes documentales clave del arte moderno estadounidense".
La Tate Gallery acogió una gran exposición de su obra en 1966. Otras importantes instituciones, como el Museo de Arte de Filadelfia y el Museo Metropolitano de Arte, siguieron con grandes muestras de la obra de Duchamp. Fue invitado a dar conferencias sobre arte ya participar en debates formales, así como a entrevistas con las principales publicaciones. Como último miembro superviviente de la familia de artistas Duchamp, en 1967 Duchamp ayudó a organizar una exposición en Rouen, Francia, llamada Les Duchamp: Jacques Villon, Raymond Duchamp-Villon, Marcel Duchamp, Suzanne Duchamp. Partes de esta exposición familiar se volvieron a mostrar más tarde en el Musée National d'Art Moderne de París.
Diseño de exposiciones y arte de instalación
Duchamp participó en el diseño de la Exposition Internationale du Surréalisme de 1938, celebrada en la Galerie des Beaux-arts de París. La muestra fue organizada por André Breton y Paul Éluard, y contó con "Doscientas veintinueve obras de arte de sesenta expositores de catorce países... en esta exposición multimedia." Los surrealistas querían crear una exposición que en sí misma fuera un acto creativo, trabajando colaborativamente en su puesta en escena. Marcel Duchamp fue nombrado "Generateur-arbitre", Salvador Dalí y Max Ernst figuraron como directores técnicos, Man Ray fue el técnico jefe de iluminación y Wolfgang Paalen responsable de "agua y follaje".
Plus belles rues de Paris (Las calles más bellas de París) llenaron un lado del vestíbulo con maniquíes vestidos por varios surrealistas. La sala principal, o Salle de Superstition (Sala de la superstición), era "un Gesamtkunstwerk con forma de cueva" en particular, incluida la instalación de Duchamp, Mil doscientas bolsas de carbón suspendidas del techo sobre una estufa, que consistía literalmente en 1200 bolsas de carbón rellenas suspendidas del techo. Paalen cubrió el suelo con hojas muertas y barro del cementerio de Montparnasse. En medio del gran salón debajo de los sacos de carbón de Duchamp, Paalen instaló un estanque lleno de agua artificial con nenúfares y juncos reales, al que llamó Avant La Mare. Una sola bombilla proporcionaba la única iluminación, por lo que los clientes recibieron linternas para ver el arte (una idea de Man Ray), mientras el aroma del café tostado llenaba el aire. Alrededor de la medianoche, los visitantes presenciaron el brillo danzante de una niña ligera de ropa que de repente se levantó de los juncos, saltó sobre una cama, gritó histéricamente y luego desapareció con la misma rapidez. Mucho a los surrealistas' satisfacción, la exposición escandalizó a muchos de los invitados.
En 1942, para la exposición First Papers of Surrealism en Nueva York, los surrealistas le pidieron a Duchamp que diseñara la exposición. Creó una instalación, His Twine, comúnmente conocida como la "milla de cuerda", era una red tridimensional de cuerdas a lo largo de las habitaciones del espacio, en algunos casos haciendo casi imposible ver las obras. Duchamp hizo un arreglo secreto con el hijo de un asociado para traer a jóvenes amigos a la inauguración de la muestra. Cuando llegaron los clientes vestidos formalmente, encontraron a una docena de niños con ropa deportiva pateando y pasando pelotas y saltando la cuerda. Cuando se les preguntó a los niños, se les dijo que dijeran "Sr. Duchamp nos dijo que podíamos tocar aquí". El diseño del catálogo de Duchamp para la muestra incluía fotografías de los artistas "encontradas", en lugar de posadas.
Breton con Duchamp organizó la exposición "Le surréalisme en 1947" en la Galerie Maeght de París después de la guerra y nombró arquitecto al escenógrafo Frederick Kiesler.
Étant donnés
La última gran obra de arte de Duchamp sorprendió al mundo del arte, que creía que había dejado el arte por el ajedrez 25 años antes. Titulado Étant donnés: 1° la chute d'eau / 2° le gaz d'éclairage ("Dado: 1. La cascada, 2. El gas iluminador"), es un cuadro, visible solo a través de una mirilla en una puerta de madera. Se puede ver a una mujer desnuda acostada boca arriba con el rostro oculto, las piernas abiertas y una mano sosteniendo una lámpara de gas en el aire contra un paisaje de fondo. Duchamp había trabajado en secreto en la obra de 1946 a 1966 en su estudio de Greenwich Village, mientras que incluso sus amigos más cercanos pensaban que había abandonado el arte. El torso de la figura desnuda está basado en la amante de Duchamp, la escultora brasileña Maria Martins, con quien tuvo una aventura entre 1946 y 1951.
Vida privada
A lo largo de su vida adulta, Duchamp fue un apasionado fumador de habanos.
Duchamp se convirtió en ciudadano estadounidense en 1955.
En junio de 1927, Duchamp se casó con Lydie Sarazin-Lavassor; sin embargo, se divorciaron seis meses después. Se rumoreaba que Duchamp había elegido un matrimonio de conveniencia, porque Sarazin-Lavassor era hija de un rico fabricante de automóviles. A principios de enero de 1928, Duchamp dijo que ya no podía soportar la responsabilidad y el confinamiento del matrimonio, y pronto se divorciaron.
Entre 1946 y 1951 Maria Martins fue su amante.
En 1954, él y Alexina "Teeny" Sattler se casó. Permanecieron juntos hasta su muerte.
Duchamp era ateo.
Muerte y entierro
Duchamp murió repentina y pacíficamente la madrugada del 2 de octubre de 1968 en su casa de Neuilly-sur-Seine, Francia. Después de cenar en casa con sus amigos Man Ray y Robert Lebel, Duchamp se retiró a la 1:05 a. m., se derrumbó en su estudio y murió de insuficiencia cardíaca.
Está enterrado en el cementerio de Rouen, en Rouen, Francia, con el epitafio "D'ailleurs, c'est toujours les autres qui meurent" ("Además, siempre son los demás los que mueren").
Legado
Muchos críticos consideran a Duchamp como uno de los artistas más importantes del siglo XX y su producción influyó en el desarrollo del arte occidental posterior a la Primera Guerra Mundial. Aconsejó a coleccionistas de arte moderno, como Peggy Guggenheim y otras figuras destacadas, ayudando así a dar forma a los gustos del arte occidental durante este período. Desafió el pensamiento convencional sobre los procesos artísticos y rechazó el mercado del arte emergente, a través del antiarte subversivo. Llamó a un arte urinario y lo llamó Fuente. Duchamp produjo relativamente pocas obras de arte y permaneció mayormente al margen de los círculos vanguardistas de su tiempo. Luego fingió abandonar el arte y dedicar el resto de su vida al ajedrez, mientras secretamente continuaba haciendo arte. En 1958 Duchamp dijo de la creatividad:
El acto creativo no es realizado solo por el artista; el espectador pone el trabajo en contacto con el mundo exterior descifrando e interpretando sus calificaciones internas y agrega así su contribución al acto creativo.
Duchamp en su vida posterior expresó explícitamente su negatividad hacia el arte. En una entrevista de la BBC con Duchamp realizada por Joan Bakewell en 1968, comparó el arte con la religión y dijo que deseaba acabar con el arte de la misma manera que muchos han acabado con la religión. Duchamp continúa explicando al entrevistador que "la palabra arte etimológicamente significa hacer", que arte significa actividad de cualquier tipo, y que es nuestra sociedad la que crea "puramente artificial" distinciones de ser un artista.
Una cita atribuida erróneamente a Duchamp sugiere una actitud negativa hacia las tendencias posteriores en el arte del siglo XX:
Este Neo-Dada, que llaman Nuevo Realismo, Pop Art, Assemblage, etc., es una manera fácil de salir, y vive en lo que Dada hizo. Cuando descubrí los hechos listos busqué desalentar la estética. En Neo-Dada han tomado mis listos y encontrado belleza estética en ellos, tiré el cuello de botella y el urinario en sus caras como un desafío y ahora los admiran por su belleza estética.
Sin embargo, esto fue escrito en 1961 por su colega dadaísta Hans Richter, en segunda persona, es decir, "Tiraste el botellero...". Aunque una nota marginal en la carta sugiere que Duchamp generalmente aprobó la declaración, Richter no aclaró la distinción hasta muchos años después.
Sin embargo, la actitud de Duchamp fue más favorable, como lo demuestra otra declaración realizada en 1964:
Pop El arte es un retorno a la pintura "conceptual", prácticamente abandonada, excepto por los surrealistas, ya que [Gustave] Courbet, a favor de la pintura retina... Si tomas una sopa Campbell y la repites 50 veces, no estás interesado en la imagen retina. Lo que te interesa es el concepto que quiere poner 50 latas de sopa Campbell en un lienzo.
El Prix Marcel Duchamp (Premio Marcel Duchamp), establecido en 2000, es un premio anual otorgado a un artista joven por el Centro Georges Pompidou. En 2004, como testimonio del legado de la obra de Duchamp en el mundo del arte, un panel de destacados artistas e historiadores del arte votó Fountain "la obra de arte más influyente del siglo XX& #34;.
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Mercado del arte
El 17 de noviembre de 1999, se vendió una versión de Fountain (propiedad de Arturo Schwarz) en Sotheby's, Nueva York, por $1.762.500 a Dimitris Daskalopoulos, quien declaró que Fountain representó el origen del arte contemporáneo. El precio estableció un récord mundial, en su momento, para una obra de Marcel Duchamp en subasta pública. Desde entonces, el récord ha sido superado por una obra vendida en Christie's París, titulada Belle Haleine, Eau de Voilette (1921). El ready-made de un frasco de perfume en su caja se vendió por un récord de 11,5 millones de dólares (8,9 millones de euros).
Obras seleccionadas
Marcel Duchamp, 1910, Joueur d'échecs ()El Ajedrez Juego), aceite sobre lienzo, 114 x 146,5 cm, Museo de Arte de Filadelfia
Marcel Duchamp, 1911, Café Mill (Moulin à café), aceite y grafito a bordo, 33 x 12.7 cm, Tate, Londres. Reproducido en Du "Cubisme"
Marcel Duchamp, 1911, La sonate (Sonata), aceite sobre lienzo, 145.1 x 113.3 cm, Museo de Arte de Filadelfia. Exhibida Exposició d'Art Cubista, Barcelona, Galeries Dalmau, Barcelona, 1912 (reproducido en catálogo)
Marcel Duchamp, 1912, Le Roi et la Reine entourés de Nus vites ()El Rey y la Reina Rodeada por Nudes Swift), aceite sobre lienzo, 114,6 x 128,9 cm, Philadelphia Museum of Art
Marcel Duchamp, Nude Descendiendo una escalera, No. 2, en la casa Frederick C. Torrey, c. 1913
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