Malcom Morley

Malcolm A. Morley (7 de junio de 1931 - 1 de junio de 2018) fue un artista y pintor británico-estadounidense. Fue conocido como un artista pionero en varios estilos, trabajando como fotorrealista y expresionista, entre muchos otros estilos.

Tackle, 2004.

Vida

Morley nació en el norte de Londres. Tuvo una infancia problemática: después de que su casa fuera destruida parcialmente por una bomba durante la Segunda Guerra Mundial, su familia estuvo sin hogar por un tiempo. Recordó que había construido un modelo de madera de balsa del HMS Nelson y lo colocó en el alféizar de su ventana cuando la bomba alemana destruyó la casa junto con el modelo. "El impacto fue tan violento," escribe un experto de Morley, "que Morley reprimió este recuerdo hasta que resurgió 30 años después durante una sesión psicoanalítica."

Cuando era adolescente, Morley fue sentenciado a tres años en la prisión de Wormwood Scrubs por allanamiento de morada y hurto menor. Mientras estuvo allí, leyó la novela de Irving Stone de 1934 Lust for Life, basada en la vida de Vincent van Gogh, y se inscribió en un curso de arte por correspondencia. Más tarde recordaría estos duros comienzos con algo de humor: "Lo siento mucho por los artistas a los que no les ha pasado mucho en sus primeros años de vida". dijo en una ocasión. Liberado después de dos años por buena conducta, se unió a un grupo de artistas. colonia en St. Ives, Cornualles, luego estudió arte primero en la Camberwell School of Arts, descrita por un historiador del arte como, en ese momento, "una de las escuelas de arte más progresistas y emocionantes de Londres".; y luego en el Royal College of Art (1955-1957), donde sus compañeros de estudios incluyeron a Peter Blake y Frank Auerbach. En 1956, vio la exposición "Arte moderno en los Estados Unidos: una selección de las colecciones del Museo de Arte Moderno" en la Tate Gallery, y comenzó a producir pinturas en un estilo expresionista abstracto. De todos modos, diría más tarde que "me hubiera gustado ser Pollock, pero no me gustaría estar detrás de Pollock". Mi ambición era demasiado grande."

Morley visitó Nueva York, que en ese momento era un centro importante del mundo del arte occidental, en 1957. Se mudó allí al año siguiente, después de lo cual conoció a artistas como Barnett Newman, Cy Twombly, Roy Lichtenstein y Andy Warhol.. Su primera exposición individual fue en la Kornblee Gallery en 1964, en parte a instancias del marchante de arte Ivan Karp, que tenía fama de ser un buscador de talentos y había trabajado con el legendario marchante Leo Castelli.

A mediados de la década de 1960, Morley enseñó brevemente en la Universidad Estatal de Ohio y luego regresó a la ciudad de Nueva York, donde enseñó en la Escuela de Artes Visuales (1967-1969) y en la Universidad de Stony Brook (1970-1974).

Morley tuvo exposiciones individuales en galerías en lugares como la Clocktower Gallery, Institute for Art and Urban Resources, Nueva York (1976); Galería Nancy Hoffman, Nueva York (1979); y Stefanotty Gallery, Nueva York (1979). Participó en la gran exposición internacional Documenta, en Kassel, en 1972 y 1977, y en la Carnegie International, en 1985.

La Galería Whitechapel, en Londres, organizó una gran exposición retrospectiva en 1983, lo que le permitió ganar el premio Turner inaugural, otorgado por la Tate, en 1984. El artista recordó el momento en que supo que había ganado el premio: &# 34;Cuando llegó la llamada para decir que había ganado, estaba sentado en su estudio tipo loft en Bowery, "viendo a un vagabundo cagar en la calle". Se sentía irreal: aquí estaba yo viendo este acto; al minuto siguiente me dicen que gané el Turner. Estaba anonadado.'"

Al año siguiente, compró la iglesia metodista en Bellport, en Long Island, estado de Nueva York, donde viviría el resto de su vida. A principios de la década de 1980 estuvo casado con la artista brasileña Marcia Grostein. A Morley se le concedió la ciudadanía estadounidense en 1990. Fue objeto de exposiciones en museos en lugares como Tate Liverpool (1991); el Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou, París (1993); Fundación La Caixa, Madrid (1995); la Galería Hayward, Londres (2001); y el Museo Ashmolean, Oxford (2013–14).

En el momento de su muerte, Morley residía en Bellport, Nueva York, donde compartía un hogar con Lida Morley, su amada y cariñosa esposa desde 1986. Murió el 1 de junio de 2018 a la edad de 86 años, seis días antes. de su 87 cumpleaños.

Trabajo

El primer trabajo de Morley después de dejar la escuela de arte, mientras permanecía en Inglaterra, adoptó estilos de pintura tradicionales y naturalistas. Su trabajo fue "un compromiso entre el naturalismo basado en la observación de la vieja escuela y el arte que era moderno principalmente porque sus temas eran reconociblemente del presente".

Después de su llegada a Nueva York, a principios de la década de 1960, comenzó a trabajar de manera abstracta, creando varias pinturas compuestas solo por bandas horizontales con vagas sugerencias de temas náuticos, ya sea en imágenes o en las obras. títulos

También conoció a Andy Warhol y Roy Lichtenstein y, influenciado en parte por ellos, hizo un cambio drástico a un estilo fotorrealista (Morley prefería la frase Ssuperrealista). Inspirado por ver a Richard Artschwager usando esta técnica, comenzó a usar una cuadrícula para transferir imágenes fotográficas (a menudo de barcos) a lienzo y se convirtió en uno de los primeros y más destacados fotorrealistas, junto con Gerhard Richter, Richard Artschwager y Vija Celmins.

Después de ver una de las pinturas de Morley de un transatlántico, Artschwager sugirió que Morley visitara el Muelle 57 y pintara algunos barcos de la vida. "Bajé al Muelle 57, tomé un lienzo y traté de hacer una pintura afuera," Morley dijo. 'Pero era imposible comprenderlo de un vistazo, un extremo está allí, el otro extremo está allí, una imposibilidad de 360 grados. Estaba disgustado: tomé una postal de este crucero llamado Queen of Bermuda." Adoptaría este estilo como su estilo durante algunos años, transponiendo imágenes de una variedad de fuentes (folletos de viaje, calendarios, pinturas antiguas) al lienzo. Un factor que distinguió a Morley de sus compañeros fotorrealistas fue que, en lugar de pintar a partir de la fotografía en sí, pintaba a partir de reproducciones impresas como postales, a veces incluso incluyendo el borde blanco alrededor de la imagen de una postal o el logotipo corporativo de una página de calendario. Su elección de estos materiales insípidos se debió en parte al deseo de encontrar imágenes de la cultura pop que otros artistas, como Warhol y Lichtenstein, aún no usaban: “Lo que quería era encontrar una iconografía que no estuviera manchada por el arte.&# 34; Morley logró un "éxito instantáneo" con tal trabajo.

Flechas rojas, 2000.

En la década de 1970, el trabajo de Morley comenzó a ser más expresionista, con una pincelada más suelta, y comenzó a incorporar el collage y la interpretación en su trabajo, por ejemplo, en 1972, cuando lo invitaron a pintar una versión de Raphael& #39;s La Escuela de Atenas en la Universidad Estatal de Nueva York en Potsdam, frente a una audiencia. Pintó disfrazado de Pitágoras, que aparece en el cuadro. Cuando Morley se dio cuenta de que no pudo alinear una de las filas, dejó que el error se mantuviera en el trabajo terminado. Su actuación sirve como ejemplo para un curador de que la técnica de reproducción cuadriculada está menos preocupada por las reproducciones fieles de los viejos maestros y más por las "posibilidades no probadas de la pintura contemporánea y la construcción pictórica".

Su trabajo a menudo se basó en varias fuentes en un proceso de fertilización cruzada. Por ejemplo, su pintura El día de la langosta (1977) toma su título de la novela de 1939 El día de la langosta, de Nathanael West. Una escena de la pintura se extrae de la escena inicial de la novela, y otras escenas se extraen de la película de 1954 Suddenly y de la película de 1925 de Sergei Eisenstein Battleship Potemkin. En la pintura, la portada de una guía telefónica de Los Ángeles se superpone con una maraña de imágenes, algunas de ellas basadas en su trabajo anterior (cruceros, aviones), y algunas en modelos pintados, que se convirtieron en un pilar de su tema para el resto de su carrera. "No me gusta llamarlos juguetes" el artista dijo: "Me gusta llamarlos modelos. Lo que pasa con los llamados 'juguetes' es que hay una inconsciencia en la sociedad que sale en sus juguetes. Los juguetes representan un arquetipo de la figura humana."

El artista recurrió a nuevos temas, incluida la mitología y el mundo clásico, en su obra de la década de 1980, dando a sus pinturas títulos como Aegean Crime (1987) y Black Rainbow Over Edipus at Tebas (1988) y representando figuras minoicas; Los viajes a los Estados Unidos también dieron como resultado un uso destacado de las muñecas kachina de los nativos americanos y otros motivos de esas culturas. Su éxito comercial le ofreció la oportunidad de viajar a estos lugares y muchos más, lo que resultó en diversas influencias e inspiraciones nuevas. Con frecuencia adoptó un manejo de pintura muy suelto, con goteos y salpicaduras. Una pincelada y un tema expresionistas similares de artistas como Julian Schnabel, Eric Fischl, Georg Baselitz y Anselm Kiefer dieron como resultado que los curadores identificaran a un "neoexpresionista" movimiento, en el que lo incluyeron, aunque le desagradaba la etiqueta.

La década de 1990 vio al artista regresar a su tema inicial de grandes embarcaciones marítimas, a menudo con la adición de aviones de combate que construyó con papel, pintó con acuarela y luego adjuntó a la superficie del lienzo (lo que resultó en, como le dijo a un entrevistador, el juego de palabras de un "plano tridimensional"). En un ejemplo, Icarus's Flight (1997), el avión tiene unas cincuenta y dos pulgadas de profundidad. El artista también incursionó en la escultura independiente completa, con una pieza, Port Clyde (1990), que muestra un bote en el marco de una ventana, como si se refiriera al artista. modelo perdido de la infancia del HMS Nelson.

El fotoperiodismo contemporáneo fue el tema de las pinturas del artista de la década siguiente, con carreras de motos y autos, fútbol, esquí, natación y carreras de caballos acaparando la atención. El artista también volvió a las "catástrofes" que se encontraban entre sus primeros temas, que representan accidentes automovilísticos (incluido uno que muestra el accidente que resultó en la muerte de la estrella de las carreras de autos Dale Earnhardt), las secuelas de la Guerra en Afganistán y el colapso de un edificio en Brooklyn, entre otros temas. En la última década de su vida, Morley continuó retratando aviones de combate de principios y mediados del siglo XX, así como a los pilotos que los volaron durante la Primera y Segunda Guerra Mundial, incluido el legendario as de la aviación Manfred von Richthofen, el &# 34;Barón Rojo." También se centró en la historia inglesa del siglo XVIII, creando obras que incorporaron figuras militares como Arthur Wellesley, primer duque de Wellington y Horatio Nelson, primer vizconde de Nelson. "Me enamoré de la época," una vez dijo, "que fue excelente para los británicos".

Obras seleccionadas en colecciones públicas y privadas

• Cristoforo Colombo, 1966, Hall Foundation
• Retrato familiar, 1968, Detroit Institute of Arts
• Coronación y Escena de Playa, 1968, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden
• Vermeer, retrato del artista en su estudio, 1968, The Broad
• Edad de catastrofe, 1976, The Broad
• Día del Locusto, 1977, Museo de Arte Moderno
• Legionarios franceses Comer por un León, 1984, Museo de Arte Moderno
• Kristen y Erin, 1985, The Broad
• Arco Iris Negro sobre Oedipus en Thebes, 1988, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden
• Hombre Overboard, 1994, Hall Foundation
• Mariner, 1998, Tate
• Piso de Pintor, 1999, Albright Knox Art Gallery
• Teoría de la Catastrofe, 2004, Hall Foundation
• Medieval Divided Self, 2016, Fundación Hall

Reconocimiento

Reconocimientos/Premios seleccionados:

• 1984 Premio Turner, Tate Gallery, Londres, Inglaterra
• 1992 Skowhegan Escuela de Pintura y Escultura, Premio de Pintura
• 2009 Inductee, American Academy of Arts and Sciences, Class IV: Humanities and Arts, Section 5: Visual and Performing Arts—Criticism and Practice
• 2011 Elegido como Miembro de la Academia Americana de Artes y Letras
• 2015 Francis J. Greenburger Award, Omi International Arts Center, Ghent, New York

Colecciones

El trabajo de Morley está incluido en colecciones públicas que incluyen:

• Albright-Knox Art Gallery, Buffalo, Nueva York
• Ashmolean Museum, Oxford, UK
• Astrup Tearnley Museum of Modern Art, Oslo, Noruega
• Bonnefantenmuseum, Maastricht, Holland
• Broad Foundation, Los Angeles, California
• Centre Pompidou, Paris
• Corcoran Gallery of Art, Washington, D.C.
• Detroit Institute of Arts, Detroit, Michigan
• Everson Museum of Art, Syracuse, Nueva York
• Herbert F. Johnson Museum of Art, Cornell University, Ithaca, Nueva York
• Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C.
• Kröller-Müller Museum, Netherlands
• Museo de Arte Moderno de Louisiana, Humlebaek, Dinamarca
• Ludwig Forum für Internationale Kunst, Aachen, Germany
• Ludwig Museum, Budapest, Hungría
• Masterworks Museum of Bermuda Art Paget, Bermudas
• Museo Ludwig, Colonia, Alemania
• Metropolitan Museum of Art, Nueva York
• Musée National d'Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Paris, France
• Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, España
• Museo de Arte Contemporáneo, Chicago, Illinois
• Museo de Arte Contemporáneo, Los Ángeles, California
• Museo de Arte Moderno, Nueva York
• Museum van Hedendaagse Kunst, Utrecht, Netherlands
• National Gallery of Art, Washington, D.C.
• Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City, Missouri
• National Air and Space Museum, Smithsonian Institution, Washington, D.C.
• Orlando Museum of Art, Orlando, Florida
• Parrish Art Museum, Southampton, Nueva York
• Rhode Island School of Design, Providence, Rhode Island
• Sammlung Frieder Burda, Baden-Baden, Alemania
• Seattle Art Museum, Seattle, Washington
• Tate, Londres
• Virginia Museum of Fine Arts, Richmond, Virginia
• Wadsworth Atheneum, Hartford, Connecticut
• Walker Art Center, Minneapolis, Minnesota
• Whitney Museum of American Art, Nueva York