Libro de artista
Artistas' Los libros (o artes de libros u objetos de libros) son obras de arte que utilizan la forma del libro. A menudo se publican en ediciones pequeñas, aunque a veces se producen como objetos únicos.
Descripción general
Artistas' Los libros han empleado una amplia gama de formas, incluida la forma tradicional del Códice, así como formas menos comunes como pergaminos, desplegables, concertinas o artículos sueltos contenidos en una caja. Los artistas han estado activos en la imprenta y la producción de libros durante siglos, pero el libro de artista es principalmente una forma de finales del siglo XX. También se crearon formas de libros dentro de movimientos anteriores, como el dadaísmo, el constructivismo, el futurismo y Fluxus.
Los libros de artistas son libros o objetos tipo libro sobre la apariencia final de los cuales un artista ha tenido un alto grado de control; donde el libro está destinado como una obra de arte en sí mismo.
—Stephen Bury
Artistas' Los libros se hacen por diversas razones. Un libro de artista es generalmente interactivo, portátil, móvil y fácil de compartir. Algunos libros de artista desafían el formato convencional del libro y se convierten en objetos escultóricos. Artistas' Se pueden crear libros para hacer que el arte sea accesible a personas fuera de los contextos formales de galerías o museos. Artistas' Los libros se pueden hacer con una variedad de materiales, incluidos objetos encontrados. El artista mexicano Ulises Carrión entendió la esencia de los artistas. Los libros como formas autónomas que no se reducen sólo a texto, como en un libro tradicional.
Historia temprana
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Orígenes de la forma: William Blake
Si bien los artistas han estado involucrados en la producción de libros en Europa desde principios del período medieval (como el Libro de Kells y las Très Riches Heures du Duc de Berry), la mayoría de los escritores sobre el tema citan al artista y poeta visionario inglés William Blake (1757-1827) como el antecedente directo más antiguo.
Libros como Canciones de inocencia y experiencia fueron escritos, ilustrados, impresos, coloreados y encuadernados por Blake y su esposa Catherine, y la fusión de textos escritos a mano e imágenes creó obras herméticas e intensamente vívidas. sin precedentes evidentes. Estas obras marcarían la pauta para las obras de artistas posteriores. libros, conectando la autoedición y la autodistribución con la integración de texto, imagen y forma. Todos estos factores siguen siendo conceptos clave en la vida de los artistas. libros hasta la actualidad.
Producción de vanguardia 1909-1937
A medida que Europa se precipitaba hacia la Primera Guerra Mundial, varios grupos de artistas de vanguardia en todo el continente comenzaron a centrarse en panfletos, carteles, manifiestos y libros. Esto fue en parte una forma de ganar publicidad dentro de un mundo cada vez más dominado por la impresión, pero también como una estrategia para eludir los sistemas tradicionales de galerías, difundir ideas y crear obras asequibles que (teóricamente) podrían ser vistas por personas que de otro modo no se dedicarían al arte. galerías.
Este movimiento hacia el radicalismo fue ejemplificado por los futuristas italianos y, en particular, por Filippo Marinetti (1876-1944). La publicación del "Manifiesto futurista", 1909, en la portada del diario francés Le Figaro fue un audaz golpe de teatro que le dio notoriedad internacional. Marinetti aprovechó la fama resultante para recorrer Europa, impulsando movimientos en todo el continente que se desviaron hacia la creación de libros y la publicación de panfletos.
En Londres, por ejemplo, la visita de Marinetti precipitó directamente la decisión de Wyndham Lewis. fundación del movimiento vorticista, cuya revista literaria BLAST es un ejemplo temprano de publicación periódica modernista, mientras que el libro de David Bomberg Russian Ballet (1919), con sus intercalaciones de un único texto cuidadosamente espaciado intercalado con litografías abstractas en color, es un hito en la historia de los artistas de lengua inglesa. libros. En lo que respecta a la creación de Artistas' Sin embargo, en los libros, la rama más influyente de los principios futuristas se produjo en Rusia. Marinetti lo visitó en 1914, haciendo proselitismo en nombre de los principios futuristas de velocidad, peligro y cacofonía.
Futurismo ruso, 1910-1917
Centrados en Moscú, alrededor del grupo Gileia de poetas transracionales (zaum) David y Nikolai Burliuk, Elena Guro, Vasili Kamenski y Velimir Khlebnikov, los futuristas rusos crearon un serie sostenida de artistas' libros que desafiaron todos los supuestos de la producción de libros ortodoxos. Si bien algunos de los libros creados por este grupo serían ediciones tipográficas de poesía relativamente sencillas, muchos otros jugaron con la forma, la estructura, los materiales y el contenido que todavía parecen contemporáneos.
Obras clave como Worldbackwards (1912), de Khlebnikov y Kruchenykh, Natalia Goncharova, Larionov Rogovin y Tatlin, Transrational Boog (1915) de Aliagrov y Kruchenykh & Olga Rozanova y Guerra universal (1916) de Kruchenykh utilizaron texto escrito a mano, integrado con expresivas litografías y elementos de collage, creando pequeñas ediciones con diferencias dramáticas entre las copias individuales. Otros títulos experimentaron con materiales como papel tapiz, métodos de impresión que incluyen copia al carbón y hectógrafos, y métodos de encuadernación que incluyen la secuencia aleatoria de páginas, asegurando que no haya dos libros que tengan el mismo significado contextual.
El futurismo ruso evolucionó gradualmente hacia el constructivismo después de la Revolución Rusa, centrado en las figuras clave de Malevich y Tatlin. Al intentar crear un nuevo arte proletario para una nueva época comunista, los libros constructivistas también tendrían un gran impacto en otras vanguardias europeas, con diseños y obras basadas en textos como For The Voice (1922) teniendo un impacto directo en grupos inspirados o directamente vinculados al comunismo. El dadaísmo en Zurich y Berlín, la Bauhaus en Weimar y De Stijl en los Países Bajos imprimieron numerosos libros, publicaciones periódicas y tratados teóricos dentro del estilo modernista internacional emergente. Artistas' Los libros de esta época incluyen el libro de Kurt Schwitters y Kate Steinitz El espantapájaros (1925), y la revista De Stijl de Theo van Doesburg.
Dada y surrealismo
Dada se inició inicialmente en el Cabaret Voltaire, por un grupo de artistas exiliados en la neutral Suiza durante la Primera Guerra Mundial. Originalmente influenciado por la poesía sonora de Wassily Kandinsky y el Blaue Reiter Almanac que Kandinsky había editado con Marc, los artistas 39; Los libros, las publicaciones periódicas, los manifiestos y el teatro absurdo fueron fundamentales para cada una de las principales encarnaciones de Dadá. En particular, el dadaísmo berlinés, iniciado por Richard Huelsenbeck después de abandonar Zúrich en 1917, publicaría una serie de obras de artistas incendiarios. libros, como El rostro de la clase dominante (1921) de George Grosz, una serie de litografías satíricas con motivaciones políticas sobre la burguesía alemana.
Aunque se ocupaba principalmente de la poesía y la teoría, el surrealismo creó una serie de obras que continuaron con la tradición francesa del Livre d'Artiste, al mismo tiempo que la subvertían. Une Semaine de Bonté (1934), de Max Ernst, que combina imágenes encontradas de libros victorianos, es un ejemplo famoso, al igual que la portada de Marcel Duchamp para Le Surréalisme' (1947).) que presenta un pecho rosa tridimensional táctil hecho de goma.
Un importante escritor/artista ruso que creó libros de artista fue Alexei Remizov. Inspirándose en la literatura rusa medieval, combinó creativamente sueños, realidad y pura fantasía en sus libros de artista.
Did you mean:After World War II; postmodernism and pop art
Reagrupando las vanguardias
Después de la Segunda Guerra Mundial, muchos artistas en Europa intentaron reconstruir vínculos más allá de las fronteras nacionalistas y utilizaron el libro de artista como una forma de experimentar con la forma, difundir ideas y forjar vínculos con grupos de ideas afines en otros países..
En los años cincuenta artistas de Europa desarrollaron un interés en el libro, bajo la influencia de la teoría modernista y en el intento de reconstruir posiciones destruidas por la guerra.
—Dieter Schwarz
Después de la guerra, varios artistas y poetas destacados comenzaron a explorar las funciones y formas del libro 'de manera seria' Poetas concretos en Brasil como Augusto y Haroldo de Campos, artistas Cobra en los Países Bajos y Dinamarca y los letristas franceses comenzaron a deconstruir sistemáticamente el libro. Un buen ejemplo de esto último es Le Grand Désordre de Isidore Isou (1960), una obra que desafía al espectador a volver a ensamblar el contenido de un sobre en una apariencia narrativa. Otros dos ejemplos de poetas-artistas cuyo trabajo sirvió de modelo para los artistas & # 39; Los libros incluyen a Marcel Broodthaers e Ian Hamilton Finlay.
Yves Klein en Francia desafió de manera similar la integridad modernista con una serie de obras como Yves: Peintures (1954) y Dimanche (1960), que abordaron cuestiones de identidad y duplicidad. Otros ejemplos de esta época incluyen las dos colaboraciones de Guy Debord y Asger Jorn, Fin de Copenhague (1957) y Mémoires' (1959), dos obras de Psicogeografía creada a partir de revistas encontradas de Copenhague y París respectivamente, en collage y luego impresas en colores no relacionados.
Dieter Roth y Ed Ruscha
A menudo se le atribuye la definición del libro de artista moderno, Dieter Roth (1930-98) produjo una serie de obras que deconstruyeron sistemáticamente la forma del libro a lo largo de los años cincuenta y sesenta. Estos alteraron la autoridad del códice al crear libros con agujeros (por ejemplo, Picture Book, 1957), lo que permitía al espectador ver más de una página al mismo tiempo. Roth fue también el primer artista en reutilizar libros encontrados: cómics, guardas de imprenta y periódicos (como Daily Mirror, 1961, y AC, 1964). Aunque originalmente se produjeron en Islandia en ediciones extremadamente pequeñas, los libros de Roth se producirían en tiradas cada vez mayores, a través de numerosas editoriales en Europa y América del Norte, y finalmente serían reimpresos juntos por el editor alemán Hansjörg Mayer en la década de 1970, haciendo estuvieron más disponibles en el último medio siglo que el trabajo de cualquier otro artista comparable.
Casi contemporáneamente en los Estados Unidos, Ed Ruscha (1937-presente) imprimió su primer libro, Twentysix Gasoline Stations, en 1963 en una edición de 400 ejemplares, pero al final había impreso casi 4000 copias. de la década. El libro está directamente relacionado con relatos de viajes fotográficos estadounidenses, como The Americans' (1965) de Robert Frank, pero trata de un viaje banal por la ruta 66 entre la casa de Ruscha y en Los Ángeles y sus padres & # 39; en Oklahoma. Al igual que Roth, Ruscha creó una serie de libros homogéneos a lo largo de los años sesenta, entre ellos Every Building on the Sunset Strip, 1966, y Royal Road Test, 1967.
Did you mean:A Swiss artist worth mentioning is Warja Honegger-Lavater, who created artists ' books contemporaneously with Dieter Roth and Ed Ruscha.
Fluxus y lo múltiple
Surgiendo de las clases de Composición Experimental de John Cage de 1957 a 1959 en la New School for Social Research, Fluxus era un colectivo informal de artistas de Norteamérica y Europa centrados en George Maciunas (1931–78), nacido en Lituania. Maciunas instaló la AG Gallery en Nueva York en 1961, con la intención de organizar eventos y vender libros y múltiples de artistas que le gustaban. La galería cerró al cabo de un año, aparentemente sin haber logrado vender ni un solo artículo. El colectivo sobrevivió y contó con una lista siempre cambiante de artistas con ideas afines, incluidos George Brecht, Joseph Beuys, Davi Det Hompson, Daniel Spoerri, Yoko Ono, Emmett Williams y Nam June Paik.
Artistas' libros (como An Anthology of Chance Operations) y múltiples (así como sucesos), fueron fundamentales para la creación de Fluxus. un ethos que desdeñaba las galerías e instituciones, reemplazándolos con "arte en la comunidad", y la definición de lo que era y lo que no era un libro se volvió cada vez más elástica a lo largo de la década a medida que las dos formas chocaban. Muchas de las ediciones de Fluxus comparten características con ambas; Water Yam (1963), de George Brecht, por ejemplo, incluye una serie de partituras reunidas en una caja, mientras que partituras similares se recogen juntas en un libro encuadernado en Pomelo de Yoko Ono (1964). Otro ejemplo famoso es Literature Sausage de Dieter Roth, uno de los muchos artistas afiliados a fluxus en uno u otro momento de su historia; cada uno estaba hecho de un libro despulpado mezclado con cebollas y especias y embutido en piel de salchicha. Literalmente un libro, pero completamente ilegible. Litsa Spathi y Ruud Jansen del Centro Fluxus Heidelberg en los Países Bajos tienen un archivo en línea de publicaciones fluxus y enlaces web fluxus.
Los libros de artistas comenzaron a proliferar en los años sesenta y setenta en el clima predominante del activismo social y político. Las ediciones baratas y desechables fueron una manifestación de la desmaterialización del objeto de arte y el nuevo énfasis en el proceso.... Fue en este momento también que una serie de alternativas controladas por artistas comenzaron a desarrollarse para ofrecer un foro y un lugar para muchos artistas denegados el acceso a la galería tradicional y la estructura museo. La publicación de arte independiente fue una de estas alternativas, y los libros de artistas se convirtieron en parte del fermento de formas experimentales.
—Joan Lyons.
Arte conceptual
El libro de artista resultó fundamental para el desarrollo del arte conceptual. Lawrence Weiner, Bruce Nauman y Sol LeWitt en Norteamérica, Art & Language en el Reino Unido, Maurizio Nannucci en Italia, Jochen Gerz y Jean Le Gac en Francia y Jaroslaw Kozlowski en Polonia utilizaron el libro de artista como parte central de su práctica artística. Un ejemplo temprano, la exposición 5 al 31 de enero de 1969 organizada en una oficina alquilada en la ciudad de Nueva York por Seth Siegelaub, no presentaba nada más que un montón de obras de artistas. libros, también titulados 5–31 de enero de 1969 y que presentan trabajos predominantemente basados en texto de Lawrence Weiner, Douglas Huebler, Joseph Kosuth y Robert Barry. Brick Wall (1977), de Sol LeWitt, por ejemplo, simplemente narraba sombras mientras pasaban a través de una pared de ladrillos, Maurizio Nannucci "M/40" con 92 páginas tipográficas (1967) y "Definizioni/Definitions" (1970), mientras que Reality (1972) de Kozlowski tomó una sección de la Crítica de la razón pura de Kant, eliminando todo el texto y dejando sólo la puntuación. Otro ejemplo es el Einbetoniertes Buch, 1971 (libro en hormigón) de Wolf Vostell.
Louise Odes Neaderland, fundadora y directora del grupo sin fines de lucro Sociedad Internacional de Artistas Copiadores (I.S.C.A.) ayudó a establecer el arte electrostático como una forma de arte legítima y a ofrecer un medio de distribución y exhibición a los artistas de libros Xerox. Volumen 1, #1 de La I.S.C.A. Quarterly se publicó en abril de 1982 en un folio de 50 impresiones sin encuadernar de ocho por once pulgadas en blanco y negro o xerografía en color. La obra de arte Xerox de cada artista colaborador se numeró en el índice y el número correspondiente se estampó en la parte posterior de la obra de cada artista. "El formato cambió a lo largo de los años y finalmente incluyó una Edición Anual de Bookworks, que contenía una caja de pequeños libros hechos a mano por la I.S.C.A. contribuyentes." Después de que la llegada de las computadoras y las impresoras domésticas facilitó a los artistas hacer lo que antes hacía la fotocopiadora, el Volumen 21, #4 de junio de 2003 fue el último número. "Los 21 años de la I.S.C.A. Los trimestrales representaron un registro visual de las respuestas de los artistas a cuestiones sociales y políticas de actualidad," así como a experiencias personales. La colección trimestral completa de I.S.C.A se encuentra alojada y catalogada en el Centro Jaffe de Artes del Libro de la biblioteca de la Universidad Atlántica de Florida.
Proliferación y reintegración a la corriente principal
A medida que la forma se ha expandido, muchos de los elementos distintivos originales de los artistas & # 39; Los libros se han perdido, desdibujado o transgredido. Artistas como Cy Twombly, Anselm Kiefer y PINK de Thierry, con su serie Encyclopaedia Arcadia, crean habitualmente libros únicos y hechos a mano en una reacción deliberada a las pequeñas ediciones producidas en masa de generaciones anteriores; Albert Oehlen, por ejemplo, aunque sigue manteniendo a los artistas en sus manos. libros fundamentales para su práctica, ha creado una serie de obras que tienen más en común con los cuadernos de bocetos victorianos. Desde principios de los años 90 se ha evidenciado un retorno a la estética de la producción en masa barata, con artistas como Mark Pawson y Karen Reimer haciendo de la producción en masa barata un elemento central de su práctica.
Los artistas contemporáneos y posconceptuales también han hecho de los libros de artista un aspecto importante de su práctica, en particular William Wegman, Bob Cobbing, Martin Kippenberger, Raymond Pettibon, Freddy Flores Knistoff y Suze Rotolo. Los artistas de libros emergentes y otros libros tridimensionales únicos incluyen a Bruce Schnabel, Carol Barton, Hedi Kyle, Julie Chen, Ed Hutchins y Susan Joy Share.
Muchos artistas del libro que trabajan en formas tradicionales y no tradicionales han enseñado y compartido su arte en talleres en centros como el Center for Book Arts de la ciudad de Nueva York y el Visual Arts Studio (VisArts), el Escuela Estudio del Museo de Bellas Artes de Virginia, el Programa de Extensión Estatal del Museo de Bellas Artes de Virginia y el Taller de Grabado de Richmond, que ya no existe, todos en Richmond, Virginia. Otras instituciones dedicadas a esta forma de arte incluyen el Centro para el Libro de San Francisco, el Visual Studies Workshop en Rochester, Nueva York, y el Women's Studio Workshop en Rosendale, Nueva York.
Ferias del libro de arte
Did you mean:The recent boom in artists ' books production and dissemination is closely linked to art book fairs:
Incluso si el zumbido de interés en la publicación como una práctica de arte alrededor de la vuelta del siglo XXI se asemeja a la hispana alrededor del libro del artista en la década de 1970, el fenómeno de las ferias de libros de arte en esta cantidad e intensidad es algo nuevo. (...) Las ferias de libros de arte hoy no son sólo un lugar para representar una escena editorial separada, sino también un foro central para constituir y alimentar a una comunidad alrededor de la publicación como práctica artística.
—Michalis Pichler
Recepción crítica
A principios de la década de 1970, el libro de artista comenzó a ser reconocido como un género distinto, y con este reconocimiento llegaron los inicios de una apreciación crítica y un debate sobre el tema. Se fundaron instituciones dedicadas al estudio y enseñanza de la forma (The Center for Book Arts de Nueva York, por ejemplo); Las colecciones de bibliotecas y museos de arte comenzaron a crear nuevas rúbricas con las que clasificar y catalogar las colecciones de los artistas. libros y también comenzaron activamente a ampliar sus incipientes colecciones; se fundaron nuevas colecciones (como Franklin Furnace en Nueva York); y se organizaron numerosas exposiciones colectivas de libros de artista en Europa y América (en particular una en el Moore College of Art and Design de Filadelfia en 1973, cuyo catálogo, según Artists Books de Stefan Klima): A Critical Survey of the Literature, es el primer lugar donde se utilizó el término "Libro de artista"). Artistas' Los libros se convirtieron en una forma popular para las artistas feministas a partir de la década de 1970. El Women's Studio Workshop (NY) y el Women's Graphic Center en Woman's Building (LA), fundado por la diseñadora gráfica Sheila de Bretteville, eran centros donde las mujeres artistas podían trabajar y explorar el feminismo. temas. Librerías especializadas en artículos de artistas. Los libros fueron fundados, generalmente por artistas, entre ellos Ecart en 1968 (Ginebra), Other Books and So en 1975 (Ámsterdam), Art Metropole en 1974 (Toronto) y Printed Matter en Nueva York (1976). Todos ellos también tuvieron programas editoriales a lo largo de los años, y los dos últimos siguen activos en la actualidad.
En la década de 1980 esta consolidación del campo se intensificó, con un número cada vez mayor de profesionales, una mayor comercialización y también la aparición de una serie de publicaciones críticas dedicadas a la forma. En 1983, por ejemplo, Cathy Courtney comenzó una columna regular para el Art Monthly, con sede en Londres (Courtney contribuyó con artículos durante 17 años, y esta característica continúa hoy con diferentes colaboradores). La Biblioteca del Congreso adoptó el término libros de artista en 1980 en su lista de temas establecidos y mantiene una colección activa en su División de Libros Raros y Colecciones Especiales.
En las décadas de 1980 y 1990, se fundaron programas de Licenciatura, Maestría y Maestría en Arte del Libro, algunos ejemplos notables de los cuales son la Maestría en Bellas Artes en Mills College en California, la Maestría en Bellas Artes en la Universidad de las Artes en Filadelfia, la Maestría en Bellas Artes en Camberwell. College of Arts de Londres y la licenciatura en la Facultad de Estudios Creativos de la Universidad de California, Santa Bárbara. La Revista de Artistas' Books (JAB) se fundó en 1994 para "elevar el nivel de investigación crítica sobre la cultura de los artistas". libros."
En 1994, se celebró una Exposición Nacional de Arte del Libro, Art ex libris, en la Galería Artspace de Richmond, Virginia, y la Comisión de las Artes de Virginia concedió una subvención de asistencia técnica para grabar en vídeo la exposición.
En 1995, se proyectaron extractos del video documental Art ex Libris: The National Book Art Invitational at Artspace en el Auditorio Frances and Armand Hammer en la 4ª Feria Bianual de las Artes del Libro patrocinada por Pyramid Atlantic Art Center. en la Galería de Arte Corcoran. En 1996, el documental Art ex Libris se incluyó en una subasta en Swann Galleries en beneficio del Center for Book Arts de la ciudad de Nueva York. Muchos de los libros exhibidos en Art ex Libris en Artspace Gallery y Art ex Machina en 1708 Gallery se encuentran ahora en el Sackner Archive of Concrete and Visual Poetry en Miami, Florida.
En las últimas décadas se ha ido desarrollando el libro de artista, a través de las obras de los artistas. concepto de álbum discográfico iniciado por Laurie Anderson en nuevos medios, incluido el CD-ROM y el DVD-ROM del artista. A partir de 2007, la Fundación Codex inició su Feria y Simposio del Libro, un evento bienal de cuatro días de duración en el Área de la Bahía de San Francisco al que asisten coleccionistas y productores de libros de artista, así como laicos y académicos interesados en el medio.
Cuestiones críticas y debate
Did you mean:A number of issues around the artist 's book have been vigorously debated. Some of the major themes under examination have been:
- Definición del libro del artista: distinción entre los términos "livre d'artiste", "arte del libro", "libros", "livre d'artiste", libros de prensa finos, etc.
- Donde el libro del artista "debería" estar situado en relación con las tradiciones de arte y arte fino.
- Donde poner el apostrofe.
- ¿Cuándo es una revista un libro? Algunos ejemplos de "libros de artistas" proporcionados en esta página (como Theo van Doesburg's De Stijl) son revistas y no libros en absoluto.
- Publicar como acto explícitamente político y el deseo de desafiar a un establecimiento de arte.
- Publicar como un acto político implícito y su desafío de imaginar un nuevo tipo de lectura.
Practitioners have asserted that the term artist 's book is problematic and sound outdated:
“El libro del artista” como término es problemático porque ghettoiza, impone la separación de prácticas cotidianas más amplias y limita el potencial subversivo de los libros poniendo una etiqueta de arte en ellos. (...) Mientras se han prolongado las discusiones en torno al término, incluyendo el debate acalorado sobre si y dónde poner el apostrofe en el libro del artista, Lawrence Weiner una vez cortado a través del nudo gordiano al concluir: “No lo llames libro de artista, llámalo libro. ”
—Michalis Pichler
Galería de fotos
Gato formado a partir de páginas plegadas de un libro
Libro del artista contemporáneo de Cheri Gaulke
libro escultórico
Título página extendida / Alexey Parygin "Eclipse".
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