Las artes escénicas
Las artes escénicas son artes como la música, la danza y el teatro que se realizan para una audiencia. Son diferentes de las artes visuales, que son el uso de pintura, lienzo o diversos materiales para crear objetos de arte físicos o estáticos. Las artes escénicas incluyen una variedad de disciplinas que se realizan frente a una audiencia en vivo, incluido el teatro, la música y la danza.
El teatro, la música, la danza, la manipulación de objetos y otros tipos de representaciones están presentes en todas las culturas humanas. La historia de la música y la danza se remonta a tiempos prehistóricos, mientras que las habilidades circenses se remontan al menos al Antiguo Egipto. Muchas artes escénicas se realizan profesionalmente. La actuación puede realizarse en edificios especialmente construidos, como teatros y teatros de ópera, en escenarios al aire libre en festivales, en escenarios en carpas como circos o en la calle.
Las presentaciones en vivo ante una audiencia son una forma de entretenimiento. El desarrollo de la grabación de audio y video ha permitido el consumo privado de las artes escénicas. Las artes escénicas a menudo tienen como objetivo expresar las emociones y sentimientos de uno.
Intérpretes
Los artistas que participan en las artes escénicas frente a una audiencia se denominan intérpretes. Ejemplos de estos incluyen actores, comediantes, bailarines, magos, artistas de circo, músicos y cantantes. Las artes escénicas también cuentan con el apoyo de trabajadores en campos relacionados, como la composición de canciones, la coreografía y el arte escénico. Los artistas a menudo adaptan su apariencia, como con vestuario y maquillaje escénico, iluminación escénica y sonido.
Tipos
Las artes escénicas pueden incluir danza, música, ópera, teatro y teatro musical, magia, ilusión, mímica, palabra hablada, títeres, artes circenses, monólogos de comedia, improvisación, lucha libre profesional y artes escénicas.
También existe una forma especializada de bellas artes, en la que los artistas interpretan su trabajo en vivo para una audiencia. Esto se llama arte de performance. La mayoría de las artes escénicas también involucran alguna forma de arte plástico, tal vez en la creación de accesorios. La danza se refería a menudo como un arte plástico durante la era de la danza moderna.
Teatro
El teatro es la rama de las artes escénicas que se ocupa de representar historias frente a una audiencia, utilizando una combinación de habla, gestos, música, danza, sonido y espectáculo. Uno o más de estos elementos se consideran artes escénicas. Además del estilo de diálogo narrativo estándar de las obras de teatro, el teatro adopta formas tales como obras de teatro, musicales, ópera, ballet, ilusión, mimo, danza clásica india, kabuki, mummers' obras de teatro, teatro de improvisación, comedia, pantomima y formas no convencionales o contemporáneas como el teatro posmoderno, el teatro posdramático o las artes escénicas.
Baile
En el contexto de las artes escénicas, la danza generalmente se refiere al movimiento humano, típicamente rítmico y musical, utilizado como una forma de entretenimiento para la audiencia en un escenario de actuación. Las definiciones de lo que constituye la danza dependen de las limitaciones sociales, culturales, estéticas, artísticas y morales y van desde el movimiento funcional (como la danza folclórica) hasta técnicas codificadas y virtuosas como el ballet.
Existe otra forma moderna de danza que surgió en los siglos XIX y XX con el nombre de estilo de danza libre. Esta forma de danza se estructuró para crear una personalidad armoniosa que incluía características como la libertad física y espiritual. Isadora Duncan fue la primera bailarina que discutió sobre la "mujer del futuro" y desarrolló un novedoso vector de coreografía usando la idea de Nietzsche de "mente suprema en una mente libre".
La danza es un impulso poderoso, pero el arte de la danza es ese impulso canalizado por hábiles intérpretes en algo que se vuelve intensamente expresivo y que puede deleitar a los espectadores que no sienten deseos de bailar. Estos dos conceptos del arte de la danza —la danza como un poderoso impulso y la danza como un arte hábilmente coreografiado practicado en gran parte por unos pocos profesionales— son las dos ideas de conexión más importantes que se encuentran en cualquier consideración del tema. En la danza, la conexión entre los dos conceptos es más fuerte que en otras artes, y ninguna puede existir sin la otra.
La coreografía es el arte de hacer danzas, y la persona que practica este arte se llama coreógrafo.
Música
La música es una forma de arte que combina tono, ritmo y dinámica para crear sonido. Se puede interpretar con una variedad de instrumentos y estilos y se divide en géneros como folk, jazz, hip hop, pop y rock, etc. Como forma de arte, la música puede presentarse en vivo o en formatos grabados, y se puede planificar. o improvisado.
Como la música es un arte cambiante, se coordina fácilmente con las palabras de las canciones como lo hacen los movimientos físicos en la danza. Además, tiene la capacidad de dar forma a los comportamientos humanos, ya que afecta nuestras emociones.
Historia
Artes escénicas occidentales
A partir del siglo VI a. C., comenzó en Grecia el período clásico de las artes escénicas, iniciado por poetas trágicos como Sófocles. Estos poetas escribieron obras de teatro que, en algunos casos, incorporaron danza (ver Eurípides). El período helenístico comenzó el uso generalizado de la comedia.
Sin embargo, en el siglo VI d. C., las artes escénicas occidentales habían terminado en gran medida cuando comenzó la Edad Media. Entre el siglo IX y el siglo XIV, las artes escénicas en Occidente se limitaban a representaciones históricas religiosas y obras morales, organizadas por la Iglesia en celebración de días festivos y otros eventos importantes.
Renacimiento
En el siglo XV, las artes escénicas, junto con las artes en general, experimentaron un resurgimiento cuando el Renacimiento comenzó en Italia y se extendió por toda Europa. del término ballo (en De Arte Saltandi et Choreas Ducendi) en lugar de danza (danza) para su baletti o balli. El término eventualmente se convirtió en Ballet. Se cree que el primer Ballet per se es el Ballet Comique de la Reine de Balthasar de Beaujoyeulx (1581).
A mediados del siglo XVI, la Commedia Dell'arte se hizo popular en Europa, introduciendo el uso de la improvisación. Este período también introdujo la mascarada isabelina, con música, danza y disfraces elaborados, así como compañías teatrales profesionales en Inglaterra. Las obras de William Shakespeare de finales del siglo XVI se desarrollaron a partir de esta nueva clase de interpretación profesional.
En 1597, se representó la primera ópera, Dafne, y a lo largo del siglo XVII, la ópera se convertiría rápidamente en el entretenimiento elegido por la aristocracia en la mayor parte de Europa y, finalmente, por un gran número de personas que vivían en ciudades y pueblos de toda Europa.
Era moderna
La introducción del arco de proscenio en Italia durante el siglo XVII estableció la forma de teatro tradicional que persiste hasta el día de hoy. Mientras tanto, en Inglaterra, los puritanos prohibieron la actuación, lo que provocó un alto en las artes escénicas que duró hasta 1660. Después de eso, las mujeres comenzaron a aparecer en obras tanto francesas como inglesas. Los franceses introdujeron una instrucción de danza formal a fines del siglo XVII.
También es durante este tiempo que se representaron las primeras obras en las colonias americanas.
Durante el siglo XVIII, la introducción de la popular ópera bufa llevó la ópera a las masas como una forma accesible de representación. Las bodas de Fígaro y Don Giovanni de Mozart son hitos de la ópera de finales del siglo XVIII.
A principios del siglo XIX, Beethoven y el movimiento romántico marcaron el comienzo de una nueva era que condujo primero a los espectáculos de la gran ópera y luego a los dramas musicales de Giuseppe Verdi y la Gesamtkunstwerk (obra de arte total) de las óperas de Richard Wagner que conducen directamente a la música del siglo XX.
El siglo XIX fue un período de crecimiento de las artes escénicas para todas las clases sociales, avances técnicos como la introducción de la luz de gas en los teatros, el burlesque, el baile juglar y el teatro de variedades. En el ballet, las mujeres hacen grandes progresos en el arte antes dominado por los hombres.
La danza moderna comenzó a finales del siglo XIX y principios del siglo XX en respuesta a las restricciones del ballet tradicional. La llegada de los Ballets Russes de Sergei Diaghilev (1909–1929) revolucionó el ballet y las artes escénicas en general en todo el mundo occidental, sobre todo a través del énfasis de Diaghilev en la colaboración, que atrajo a coreógrafos, bailarines, escenógrafos/artistas., compositores y músicos juntos para revitalizar y revolucionar el ballet. Es extremadamente complejo.
El "Sistema" de Konstantin Stanislavski revolucionó la actuación a principios del siglo XX y continúa teniendo una gran influencia en los actores de teatro y cine hasta el día de hoy. Tanto el impresionismo como el realismo moderno se introdujeron en el escenario durante este período.
Con la invención de la película cinematográfica a finales del siglo XIX por parte de Thomas Edison y el crecimiento de la industria cinematográfica en Hollywood a principios del siglo XX, el cine se convirtió en un medio de interpretación dominante durante los siglos XX y XXI.
Rhythm and blues, un fenómeno cultural de la América negra, saltó a la fama a principios del siglo XX e influyó en una variedad de estilos musicales populares posteriores a nivel internacional.
En la década de 1930, Jean Rosenthal introdujo lo que se convertiría en la iluminación escénica moderna, cambiando la naturaleza del escenario a medida que el musical de Broadway se convertía en un fenómeno en los Estados Unidos.
Posguerra
Las artes escénicas posteriores a la Segunda Guerra Mundial se destacaron por el resurgimiento del ballet y la ópera en el mundo occidental.
El posmodernismo en las artes escénicas dominó en gran medida la década de 1960.
Artes escénicas africanas
Las tradiciones de actuación de los indígenas africanos tienen sus raíces en los rituales, la narración de historias, el movimiento y la música. Las actuaciones fueron comunitarias con los narradores y la audiencia interactuando y participando en la llamada y respuesta, que se caracteriza por un vocalista que firma una frase que luego se repite o responde con una nueva frase por parte de los otros intérpretes y/o la audiencia. Esta antigua tradición tiene sus raíces en muchas culturas africanas.
África del Norte
El evento teatral más antiguo registrado se remonta al año 2000 a. C. con las obras ceremoniales del Antiguo Egipto. La historia del dios Osiris se representó anualmente en festivales a lo largo de la civilización, marcando el comienzo conocido de una larga relación entre el teatro y la religión. El Papiro Dramatic Ramesseum, el papiro ilustrado más antiguo que se conserva, detalla la actuación durante el Festival Sed y se ha utilizado como evidencia del nacimiento de la tradición teatral, que los eruditos occidentales a menudo atribuyen a la antigua Grecia.
África Occidental
Un Griot es un historiador oral de África occidental que utiliza la narración, la poesía y la música para expresar las genealogías y las narraciones históricas de las tribus que representan, a menudo tocando instrumentos como la kora. Esta antigua profesión se sostiene en una posición de liderazgo comunitario.
Artes escénicas orientales
Oeste de Asia
Las formas de teatro más populares en el mundo islámico medieval eran el teatro de títeres (que incluía títeres de mano, teatro de sombras y producciones de marionetas) y obras de pasión en vivo conocidas como ta'ziya, donde los actores recrear episodios de la historia musulmana. En particular, las obras islámicas chiítas giraban en torno al shaheed (martirio) de los hijos de Ali, Hasan ibn Ali y Husayn ibn Ali. Las obras seculares en vivo se conocían como akhraja, registradas en la literatura adab medieval, aunque eran menos comunes que los títeres y el teatro ta'ziya.
Irán
En Irán hay otras formas de eventos teatrales como Naghali o Naqqāli (narración de historias), ٰRu-Howzi, Siah-Bazi, Parde-Khani y Mareke giri. Antes del siglo XX, la narración de cuentos era la forma de entretenimiento más reconocida, aunque hoy en día aún se mantienen algunas formas. Una forma, Naghali, se realizaba tradicionalmente en cafeterías donde los narradores, o Naghals (Naqqāls), solo recitaban secciones de una historia a la vez, conservando así una clientela regular. Estas historias se basaron en eventos de importancia histórica o religiosa y muchas poesías referenciadas del Shahnameh. A menudo, estas historias se modificaron para vincularlas con la atmósfera o el estado de ánimo de la audiencia.
India
El teatro folclórico y las obras dramáticas se remontan al ritualismo religioso de los pueblos védicos en el segundo milenio antes de Cristo. Este teatro popular del pasado brumoso se mezcló con danza, comida, ritualismo, además de una representación de eventos de la vida cotidiana. Este último elemento lo convirtió en el origen del teatro clásico de épocas posteriores. Muchos historiadores, en particular D. D. Kosambi, Debiprasad Chattopadhyaya, Adya Rangacharaya, etc., se han referido al predominio del ritualismo entre las tribus indoarias en las que algunos miembros de la tribu actuaban como si fueran animales salvajes y otros eran cazadores. Los que actuaban como mamíferos como cabras, búfalos, renos, monos, etc. eran perseguidos por los que hacían el papel de cazadores.
Bharata Muni (fl. Siglos V-II a. C.) fue un antiguo escritor indio mejor conocido por escribir el Natya Shastra de Bharata, un tratado teórico sobre las artes escénicas de la India, incluido el teatro, la danza y la interpretación., y la música, que ha sido comparada con la Poética de Aristóteles. Bharata es a menudo conocido como el padre de las artes teatrales indias. Su Natya Shastra parece ser el primer intento de desarrollar la técnica, o más bien el arte, del drama de manera sistemática. El Natya Shastra nos dice no solo lo que se debe representar en un drama, sino también cómo se debe realizar la representación. Drama, como dice Bharata Muni, es la imitación de los hombres y sus obras (loka-vritti). Así como los hombres y sus actos deben ser respetados en el escenario, el drama en sánscrito también se conoce con el término roopaka, que significa representación.
El Ramayana y el Mahabharata pueden considerarse las primeras obras reconocidas que se originaron en la India. Estas epopeyas sirvieron de inspiración a los primeros dramaturgos indios y lo hacen incluso hoy. Dramaturgos indios como Bhāsa en el siglo II a. C. escribieron obras fuertemente inspiradas en el Ramayana y el Mahabharata.
Kālidāsa en el siglo I a. C., podría decirse que es el mejor dramaturgo de la India antigua. Tres obras románticas famosas escritas por Kālidāsa son Mālavikāgnimitram (Mālavikā y Agnimitra), Vikramōrvaśīyam (Perteneciente a Vikrama y Urvashi), y Abhijñānaśākuntala (El reconocimiento de Shakuntala). El último se inspiró en una historia del Mahabharata y es el más famoso. Fue el primero en ser traducido al inglés y al alemán. En comparación con Bhāsa, que se basó en gran medida en las epopeyas, Kālidāsa puede considerarse un dramaturgo original.
El siguiente gran dramaturgo indio fue Bhavabhuti (c. siglo VII). Se dice que escribió las siguientes tres obras: Malati-Madhava, Mahaviracharita y Uttar Ramacharita. Entre estos tres, los dos últimos cubren entre ellos, toda la epopeya del Ramayana. Al poderoso emperador indio Harsha (606-648) se le atribuye haber escrito tres obras: la comedia Ratnavali, Priyadarsika y el drama budista Nagananda.. Muchos otros dramaturgos siguieron durante la Edad Media.
Había muchas formas de artes escénicas en la parte sur de la India, Kerala es un estado con diferentes formas de arte como Koodiyattam, Nangyarkoothu, Kathakali, Chakyar koothu, Thirayattam y había muchos artistas destacados como Painkulam Raman Chakyar y otros.
China
Hay referencias a espectáculos teatrales en China desde el año 1500 a. C. durante la dinastía Shang; a menudo incluían música, payasadas y exhibiciones acrobáticas.
La dinastía Tang a veces se conoce como "La era de los 1000 entretenimientos". Durante esta era, el emperador Xuanzong formó una escuela de actuación conocida como los Hijos del Jardín de las Peras para producir una forma de drama que era principalmente musical.
Durante la dinastía Han, los títeres de sombras surgieron por primera vez como una forma reconocida de teatro en China. Había dos formas distintas de teatro de sombras, el cantonés del sur y el pequinés del norte. Los dos estilos se diferenciaban por el método de fabricación de los títeres y la colocación de las varillas en los títeres, a diferencia del tipo de juego realizado por los títeres. Ambos estilos generalmente representaban obras de gran aventura y fantasía, rara vez se usaba esta forma de teatro muy estilizada para la propaganda política. Los títeres de sombras cantoneses eran los más grandes de los dos. Fueron construidos con cuero grueso que creaba sombras más sustanciales. El color simbólico también fue muy frecuente; una cara negra representaba la honestidad, una roja la valentía. Las varillas utilizadas para controlar los títeres cantoneses se unieron perpendicularmente a los títeres. cabezas Por lo tanto, no fueron vistos por la audiencia cuando se creó la sombra. Los títeres pequineses eran más delicados y pequeños. Fueron creados con cuero delgado y translúcido que generalmente se toma del vientre de un burro. Fueron pintados con pinturas vibrantes, por lo que proyectan una sombra muy colorida. Las delgadas varillas que controlaban sus movimientos estaban unidas a un collar de cuero en el cuello de la marioneta. Las varillas corrían paralelas a los cuerpos de la marioneta y luego giraban en un ángulo de noventa grados para conectarse al cuello. Si bien estas varillas eran visibles cuando se proyectó la sombra, quedaron fuera de la sombra de la marioneta; por lo tanto, no interferían con la apariencia de la figura. Las varillas unidas en los cuellos para facilitar el uso de múltiples cabezas con un solo cuerpo. Cuando las cabezas no se usaban, se guardaban en un libro de muselina o en una caja forrada de tela. Las cabezas siempre se quitaban por la noche. Esto estaba de acuerdo con la vieja superstición de que, si se dejaban intactas, las marionetas cobraban vida por la noche. Algunos titiriteros llegaron a almacenar las cabezas en un libro y los cuerpos en otro, para reducir aún más la posibilidad de reanimar a los títeres. Se dice que los títeres de sombras alcanzaron su punto más alto de desarrollo artístico en el siglo XI antes de convertirse en una herramienta del gobierno.
En la dinastía Song, había muchas obras populares que involucraban acrobacias y música. Estos se desarrollaron en la dinastía Yuan en una forma más sofisticada con una estructura de cuatro o cinco actos. El teatro Yuan se extendió por China y se diversificó en numerosas formas regionales, la más conocida de las cuales es la Ópera de Beijing, que sigue siendo popular en la actualidad.
Tailandia
En Tailandia, ha sido una tradición desde la Edad Media representar obras de teatro basadas en tramas extraídas de epopeyas indias. En particular, la versión teatral de la epopeya nacional tailandesa Ramakien, una versión del Ramayana indio, sigue siendo popular en Tailandia incluso hoy en día.
Camboya
En Camboya, las inscripciones que datan del siglo VI d. C. indican evidencia de bailarines en un templo local y el uso de títeres para obras religiosas. En la antigua capital Angkor Wat, las historias de las epopeyas indias Ramayana y Mahabharata han sido grabadas en las paredes de templos y palacios. Relieves similares se encuentran en Borobudur en Indonesia.
Filipinas
En Filipinas, el famoso poema épico Ibong Adarna, originalmente titulado "Korido at Buhay na Pinagdaanan ng Tatlong Prinsipeng Magkakapatid na anak nina Haring Fernando at Reyna Valeriana sa Kahariang Berbania" (Español: "Corrido y Vida Vivida por los Tres Príncipes, hijos del Rey Fernando y la Reina Valeriana en el Reino de Berbania") del siglo XVI fue escrito por José de la Cruz durante la época española. Aparte de las representaciones teatrales, diferentes estudios cinematográficos/productores de televisión produjeron diferentes películas. El primero produjo "Ang Ibong Adarna" La película fue producida por LVN Pictures, el estudio de cine más grande en la historia de Filipinas.
Florante at Laura es un "awit" o un poema que consta de cuartetas de 12 sílabas con el título completo "Pinagdaanang Buhay ni Florante at ni Laura sa Kahariang Albanya" (inglés: "La historia de Florante y Laura en el Reino de Albania") fue escrito por Francisco Balagtas en 1838 durante su encarcelamiento dedicado a su novia María Asuncuion Rivera (apodado "M.A.R.", referido como "Selya"). El poema tiene una parte especial titulada "Kay Selya" (Inglés: "Para Celia") especialmente dedicado para Rivera.
El héroe nacional de Filipinas, José Rizal, quien también es novelista, creó los dos poemas famosos en Filipinas, Noli Me Tángere (en latín, "Touch me not' 34;, con un acento agudo añadido en la palabra final de acuerdo con la ortografía española) (1887) que describe las injusticias percibidas de los frailes católicos españoles y el gobierno gobernante y El Filibusterismo (traducciones: The filibusterism; The Subversive o The Subversion, como en la traducción al inglés de Locsín, también son posibles traducciones, también conocido por su título alternativo en inglés The Reign of Greed) (1891). El tema oscuro de la novela se aleja dramáticamente de la atmósfera esperanzadora y romántica de la novela anterior, lo que significa el recurso de Ibarra a resolver los problemas de su país por medios violentos, después de su anterior intento de reformar el El sistema del país no surtió efecto y parecía imposible con la actitud corrupta de los españoles hacia los filipinos. Estas novelas fueron escritas durante la colonización de Filipinas por el Imperio español.
Todas estas piezas literarias estaban bajo el plan de estudios del programa K-12 para escuelas secundarias, Ibong Adarna está bajo el plan de estudios de grado 7; Florante en Laura (Grado 8); Noli Me Tángere (Grado 9); y El Filibusterismo (Grado 10).
Japón
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Durante el siglo XIV, había pequeñas compañías de actores en Japón que representaban comedias cortas, a veces vulgares. Un director de una de estas compañías, Kan'ami (1333–1384), tuvo un hijo, Zeami Motokiyo (1363–1443), considerado uno de los mejores niños actores de Japón. Cuando la compañía de Kanami actuó para Ashikaga Yoshimitsu (1358–1408), el shōgun de Japón, le imploró a Zeami que tuviera una educación cortesana para sus artes. Después de que Zeami sucedió a su padre, continuó actuando y adaptando su estilo a lo que hoy es Noh. Una mezcla de pantomima y acrobacias vocales, el estilo de teatro Noh se ha convertido en una de las formas de representación teatral más refinadas de Japón.
Japón, después de un largo período de guerras civiles y desorden político, estaba unificado y en paz principalmente debido al shōgun Tokugawa Ieyasu (1600–1668). Sin embargo, alarmado por el creciente número de cristianos dentro del país debido a los esfuerzos de proselitismo de los misioneros cristianos, cortó el contacto de Japón con Europa y China y proscribió el cristianismo. Cuando llegó la paz, el florecimiento de la influencia cultural y la creciente clase mercantil exigieron su propio entretenimiento. La primera forma de teatro que floreció fue Ningyō jōruri (comúnmente conocido como Bunraku). El fundador y principal colaborador de Ningyō jōruri, Chikamatsu Monzaemon (1653–1725), convirtió su forma de teatro en una verdadera forma de arte. Ningyō jōruri es una forma muy estilizada de teatro que usa títeres, hoy en día aproximadamente 1⁄3. del tamaño de un humano. Los hombres que controlan los títeres entrenan toda su vida para convertirse en maestros titiriteros, cuando pueden operar la cabeza y el brazo derecho del títere y elegir mostrar sus rostros durante la actuación. Los otros titiriteros, que controlan las extremidades menos importantes del títere, se cubren a sí mismos y a sus rostros con un traje negro, para implicar su invisibilidad. El diálogo es manejado por una sola persona, que utiliza variados tonos de voz y maneras de hablar para simular diferentes personajes. Chikamatsu escribió miles de obras de teatro durante su vida, la mayoría de las cuales todavía se utilizan en la actualidad.
Kabuki comenzó poco después de Bunraku, cuenta la leyenda por una actriz llamada Okuni, que vivió a finales del siglo XVI. La mayor parte del material de kabuki provino de Noh y Bunraku, y sus movimientos erráticos tipo danza también son un efecto de Bunraku. Sin embargo, el kabuki es menos formal y más distante que el Noh, pero muy popular entre el público japonés. Los actores están capacitados en muchas cosas variadas, como baile, canto, pantomima e incluso acrobacias. El kabuki fue interpretado primero por niñas, luego por niños y, a fines del siglo XVI, las compañías de kabuki estaban compuestas solo por hombres. Los hombres que representaron a las mujeres en el escenario fueron entrenados específicamente para obtener la esencia de una mujer en sus sutiles movimientos y gestos.
Historia de las artes escénicas en las Américas
Historia de las artes escénicas en Oceanía
A menudo, la danza melanesia exhibe un tema cultural de masculinidad donde el liderazgo y un conjunto de habilidades único son importantes para compartir con la comunidad. Estas danzas demuestran la soldadesca de un hombre; sin embargo, también pueden representar rentabilidad, como alentar la resolución de conflictos o la curación. Los disfraces de los bailarines incorporan grandes máscaras y características no humanas que actúan para imitar figuras míticas. La música también puede actuar como una voz para estas personas mágicas.
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